histoire de l’art

Le bicentenaire de l’invention de la photographie n’aura officiellement lieu que dans quelques années, mais on s’anime déjà beaucoup, entre préparations de colloques et appels à contribution à des « revues savantes » : tout un plan marketing en action. Du côté anglo-saxon, tout se met en place pour glorifier Talbot, Atkins (ah, la première femme photographe, excellent sujet féministe à la mode) et Herschel (qui, affirme-t-on haut et fort, inventa le mot photographie – un vilain mensonge).

par Marc Lenot

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La chronique qui suit s’inscrit dans une série consacrée aux matériaux et procédés que l’artiste met en œuvre dans sa création. Ni franchement scientifique, ni simple billet d’humeur, elle n’a pour ambition que de partager les réactions de Michel Jeandin, « modeste amateur d’art dont la vie professionnelle fut/est (pour employer les grands mots) portée par la science des matériaux », comme ce dernier aime à le préciser. Après trois textes s’intéressant au polissage, à l’or et au cuivre, l’auteur s’est lancé dans une réflexion/analyse des sens au regard des matériaux utilisés dans l’art contemporain.

par ArtsHebdoMédias et Michel Jeandin

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Après avoir analysé les usages confus de la notion de vide dans une première partie, il est possible de revenir sur la manière dont des œuvres d’art posent le problème de l’abîme/néant et du vide sur lesquels repose l’existence et forgent la figuration destinée à aider les humains à symboliser l’abîme dans des formes qui ne soient pas indignes de leur condition. D’autant que, le plus communément, avec cette notion de vide, il n’est fait allusion qu’à un vide technique entrant dans des compositions.

par Christian Ruby

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Cette brève esquisse philosophico-esthétique se propose, en deux parties, d’analyser comment des œuvres d’art posent le problème du néant et du vide sur lesquels repose l’existence humaine, et forgent la figuration destinée à aider les humains à symboliser l’abîme dans des formes qui ne soient pas indignes de leur condition.

par Christian Ruby

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Après avoir montré, dans la première partie de cet article, comment la dénégation habituelle du cri et son mépris sont mis en question par de nombreuses œuvres d’art, la question développée dans cette seconde partie est de savoir ce qu’une œuvre sur le cri et de cri veut de la spectatrice ou du spectateur (lectrice/lecteur, auditrice/auditeur), dans quelle mesure les uns et les autres sont prêts à lui céder et céder quoi, enfin quel est le désir qui meut alors les regards ?

par Christian Ruby

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Comment la dénégation habituelle du cri et son mépris sont mis en question par les nombreuses œuvres d’art, classiques ou contemporaines, qui confèrent aux cris des significations humaines, sociales et politiques.

par Christian Ruby

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Sugimoto mêle tout, temps, espaces, histoires, mémoires, traces, ombres, lumières, pratiques artistiques, et il fait du beau avec tout. Il est l’ambassadeur de la Beauté. La Beauté est intemporelle et toujours moderne. Mais l’Art doit couler avec la vie, disait à peu près John Cage. C’est là la condition pour qu’il soit moderne. Il ne peut se contenter d’être simplement beau en soi, il doit aussi être utile, c’est-à-dire transformer la vie en Art et se débarrasser du « vilain », ou ce qu’on croit l’être, en le pénétrant et en l’utilisant.

par Denis Schmite

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Karl Blossfeldt, professeur de dessin dans une école d’art appliqué de Berlin, lui, c’est dans la Nature, terme réducteur, car l’Homme s’en exclut abusivement, qu’il va rechercher la Beauté, ce qui n’est pas très original, et là l’esthétique de ce qu’il trouve a fortement à voir avec la symétrie, ce qui n’est toujours pas original, et même très franchement réactionnaire.

par Denis Schmite

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Le Trash : crasse, ordures, déchets, est une catégorie esthétique de plus en plus étudiée en Occident, bien qu’elle soit moins connue que la catégorie Kitsch, avec laquelle elle présente des similitudes et des différences.

par Pedro Alzuru

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