C’est du jazz latino épisode 39

Le vibraphone [1] n’est pas un instrument exclusif au jazz latino ; il a été utilisé dans le jazz, la musique classique et la musique populaire et folklorique (si l’on considère le marimba et le xylophone comme ses antécédents). Mais dans le jazz latino, il a eu une réception et une expression très particulières, à tel point que nous pouvons le considérer comme l’un de ses instruments emblématiques, avec d’autres instruments à percussion et à vent, ainsi que le piano.

Quoi qu’il en soit, chacun de ces instruments a acquis une connotation particulière tout au long de l’histoire du genre, et chacun d’eux a une histoire particulière et des interprètes renommés. Dans le cas du vibraphone, on pourrait même parler d’une « latinisation » de l’instrument, reconnaissant son utilisation ou son style caractéristique dans le genre. Montrer cela est l’objectif de cet épisode.

Le vibraphone est un instrument fascinant qui, bien que n’étant pas toujours mis en avant comme les trompettes ou la batterie, offre une texture et une brillance très particulières. Son son est presque magique, pouvant être doux et enveloppant, ou pétillant et rythmique.
Le vibraphone, avec ses lames métalliques et ses résonateurs vibrants par un moteur électrique, possède une sonorité unique qui le distingue des autres instruments de musique latine. Sa caractéristique première est sa sonorité cristalline et résonnante. Joué avec des mailloches souples, il peut créer des mélodies très lyriques et éthérées, presque comme des cloches flottant dans l’air. Cela lui confère une qualité très éthérée et une richesse harmonique particulière, idéale pour les balades ou les passages mélodiques. Malgré son apparence, le vibraphone est étonnamment agile. Les vibraphonistes expérimentés peuvent exécuter des phrases rapides et complexes, ajoutant une touche de virtuosité. L’effet vibrato (d’où son nom) confère aux notes un (« wobble » (osciller) caractéristique, réglable pour être plus subtil ou plus prononcé, créant ainsi une ambiance très particulière. Dans le jargon du jazz, on l’appelle souvent simplement « vibes » (vibration, ambiance), capturant ainsi cette essence.

Le vibraphoniste joue fréquemment un double rôle : il peut jouer des mélodies principales et des solos, mais il peut aussi accompagner avec des accords et des harmonies riches, ajoutant de la profondeur à l’ensemble. Sa capacité à maintenir les notes lui permet de remplir l’espace sonore d’une manière unique, presque comme un piano résonnant. En jazz latino, le vibraphone s’intègre parfaitement aux percussions. Bien qu’il soit un instrument mélodique, sa nature percussive lui permet d’interagir rythmiquement avec les congas, les bongos et les timbales, créant des textures complexes et dynamiques. Il peut jouer des tumbaos harmoniques ou rythmiques qui complètent le « groove » (rainure, gorge, cannelure, strie, routine, onglet).

Historiquement, l’intégration du vibraphone dans la musique latine a souvent été associée à une fusion avec le jazz. Sa présence tend à signaler un son plus sophistiqué, davantage influencé par les harmonies du jazz, faisant du vibraphone un pont entre les deux mondes. Des vibraphonistes de renom du jazz latino, bien que moins nombreux que ceux jouant d’autres instruments, ont adopté le vibraphone avec brio :
 
Cal Tjader (États-Unis), sans doute le nom le plus emblématique, est le roi incontesté du vibraphone dans le jazz latino. Sa façon de fusionner le jazz cool de la côte ouest avec des rythmes afro-cubains (mambo, cha-cha-chá, boogaloo) a largement façonné le son du genre. Ses albums sont essentiels pour comprendre le vibraphone latin. Son style était mélodique, décontracté, mais toujours swinguant et plein de saveur. Tito Puente (États-Unis), bien que surnommé le « Roi des Timbales », était également un excellent vibraphoniste. Sur nombre de ses premiers albums et sur les enregistrements où il recherchait un son plus jazzy ou une texture différente, il a intégré le vibraphone. Ce n’était pas son instrument principal sur tous ses enregistrements, mais il le maîtrisait avec brio et l’utilisait pour enrichir ses arrangements.
 
Bobby Hutcherson (États-Unis), bien que sa carrière se soit davantage concentrée sur le jazz moderne et avant-gardiste, il a fréquemment exploré les rythmes latins et collaboré avec des musiciens latins. Son approche innovante et sa sonorité distinctive – tantôt percussive et dissonante, tantôt lyrique – ont apporté une dimension différente à l’instrument au sein du monde latin.
 
Dave Samuels (États-Unis), connu pour son travail avec le Caribbean Jazz Project, était un maître du vibraphone et du marimba, mêlant avec élégance le jazz aux rythmes caribéens et latino-américains. Sa précision et son sens de l’improvisation ont fait de lui une figure majeure. Mulatu Astatke (Éthiopie) n’est pas un pur « latin jazz ». Le « père de l’éthio-jazz », il, utilise le vibraphone comme instrument de prédilection. Sa musique, fascinante fusion de jazz, de funk et de rythmes traditionnels éthiopiens, possède souvent une qualité rythmique qui résonne avec certaines sensibilités du jazz latino, et le vibraphone est au cœur de son hypnotique et groovy. Il faut noter que, dans les années 1960, Mulatu s’installe aux États-Unis pour s’inscrire au Berklee College of Music de Boston. Il s’intéresse au latin jazz et enregistre ses deux premiers albums, Afro-Latin Soul, Volumes 1 et 2, à New York en 1966. Ces albums, entièrement instrumentaux, mettent en scène le vibraphone de Mulatu, accompagné de piano et de congas jouant des rythmes latins, à l’exception de la chanson « I Faram Gami I Faram », chantée en espagnol. Mike Mainieri (États-Unis), principalement associé au jazz fusion et à son groupe Steps Ahead, s’est également aventuré dans le jazz latin, apportant à cet instrument un son contemporain et une technique impeccable. Victor Mendoza (Mexique), vibraphoniste, pédagogue et compositeur contemporain très respecté, il intègre des éléments de son héritage mexicain au jazz latin, créant ainsi un son frais et vibrant.
En bref, le vibraphone est la touche de distinction, la résonance mélodique et l’agilité rythmique qui confèrent au jazz latin une dimension unique. Sa sonorité, à la fois douce et pénétrante, peut évoquer des atmosphères détendues ou propulser le rythme avec énergie.

Nous vous présentons une sélection de leurs interprètes les plus renommés, tout le monde n’est pas présent ; comme dans les sujets précédents, il y a toujours quelque chose ou quelqu’un qui est forcément laissé de côté, et c’est une chance. Cela permettra, si le temps et la providence sont avec nous, de revenir sur chacun de ces sujets liés au jazz latino. Parmi ces musiciens, certains sont latinos et d’autres avec une influence notable de la musique latine. C’est pourquoi nous pouvons dire que le vibraphone est l’un des instruments qui caractérisent le jazz latino. Nous espérons que vous l’apprécierez.

Pete Terrace, de son vrai nom Pedro Gutierrez, est né le 6 février 1927 à New York. Il partage sa passion entre l’écriture musicale et son interprétation : c’est un compositeur, arrangeur, vibraphoniste, batteur et percussionniste de jazz latino qui a connu ses heures de gloire avec le cha-cha-cha et le boogaloo. Il a également réalisé de nombreux arrangements de titres d’autres compositeurs et dirigé en tant que leader plusieurs formations de jazz.
Né de parents portoricains, baigne dans la musique dès son plus jeune âge : son père était disc-jockey à New York et Miami. Son frère Ray Terrace deviendra lui aussi musicien de Latin jazz, son père était disc-jockey à New York et Miami. Son frère Ray Terrace deviendra lui aussi musicien de Latin jazz, c’est un batteur percussionniste accompli et reconnu dans les années 1960.
L’itinéraire musical de Pete Terrace est particulièrement intéressant à reconsidérer, en effet, il traverse en diagonale l’univers des musiques latines depuis le jazz, pour ainsi suivre les courants qui le mèneront jusqu’à la salsa. Il est ainsi aisé en l’écoutant de percevoir les évolutions de sons, de musicalités et de rythmiques. Jazz, musique latine, Latin jazz, mambo, jazz afro-cubain, boléro, cha-cha-cha, pachanga, boogaloo, salsa. Il excelle au vibraphone, mais on peut le retrouver à la batterie, au bongo, ou encore aux percussions. Pete Terrace est l’un des plus vieux représentants du courant New York Latin jazz et est considéré comme l’un de ses meilleurs compositeurs arrangeurs.
1 Speak low, Pete Terrace, album A Night in Mambo-Jazzland, 1956.

Emil Richards (né Emilio Joseph Radocchia ; 2 septembre 1932 – 13 décembre 2019) était un vibraphoniste et percussionniste américain. Richards a commencé à jouer du xylophone à l’âge de six ans. Au lycée, il a joué avec l’Orchestre symphonique de Hartford. Il a étudié avec Al Lepak à la Hartt School of Music de Hartford, dont il a obtenu son diplôme en 1952. Après son service militaire, il a fait partie d’un orchestre militaire au Japon et a joué avec Toshiko Akiyoshi. Il a cité Lionel Hampton comme sa première et plus grande influence sur le vibraphone.
En 1954, Richards s’est installé à New York, où il a joué avec Charles Mingus, Ed Shaughnessy et Ed Thigpen, tout en réalisant des enregistrements en studio pour Perry Como, les Ray Charles Singers et Mitchell Ayres. Pendant environ trois ans, il a fait partie d’un groupe dirigé par George Shearing, puis s’est installé à Los Angeles et a travaillé avec Don Ellis et Paul Horn. Il a dirigé son propre groupe, le Microtonal Blues Band, et a passé du temps avec le compositeur et inventeur Harry Partch. En tant que musicien de scène, il a accompagné George Harrison en tournée et enregistré avec Frank Sinatra, Frank Zappa, Doris Day, Judy Garland, Nelson Riddle, Steely Dan et Sarah Vaughan.
Richards a souvent travaillé comme musicien de studio pour le cinéma et la télévision. Il a notamment joué des bongos sur le générique de la série télévisée Mission Impossible. Il a également joué des claquements de doigts pour le thème de la Famille Addams et du xylophone pour le générique d’ouverture des Simpson. Il a dirigé un groupe avec Joe Porcaro et a sorti plusieurs albums solos, dont The Wonderful World of Percussion. Richards est décédé le 13 décembre 2019.
2 Yazz per favore, Emil Richards, album Yazz per favore, 1961.

Lionel Hampton était un vibraphoniste, pianiste et batteur de jazz américain né le 20 avril 1908 à Louisville, et mort le 31 août 2002 à New York. Surnommé The lion, il a été le premier géant du jazz à donner ses lettres de noblesse au vibraphone en tant qu’instrument soliste. Ses interprétations se caractérisent par une grande virtuosité. Il était aussi un habile pianiste et pratiquait la batterie.
Bien que né et élevé par sa grand-mère à Louisville, Lionel Hampton passe une bonne partie de sa jeunesse à Kenosha (Wisconsin) avant que sa famille ne déménage à Chicago en 1916. Dans les années 1920, il apprend le xylophone et découvre aussi la batterie.
En 1928, il devient le batteur du Chicago Defender News boys Band. En 1929, il arrive en Californie, étudie la musique à l’Université de Californie du Sud puis devient batteur des Dixieland Blue-Blowers. C’est alors qu’il participe à son premier enregistrement avec The Quality Serenaders. Il quitte rapidement ce groupe pour aller à Culver City où il jouera dans l’orchestre de Les Hite. C’est durant cette période qu’il commence à jouer du vibraphone.
En 1930, il rencontre Louis Armstrong avec lequel il enregistre le premier solo de vibraphone de l’histoire du jazz sur Memories of you. Il monte une formation au Paradise Ballroom à Hollywood et se voit consacré par la revue DownBeat « révélation de l’année ».
En 1936, il est engagé dans le quartette du célèbre clarinettiste Benny Goodman, avec lequel il enregistre ses premiers disques. Entre 1937 et 1940, il enregistre en studio (RCA) de nombreuses faces en petites formations avec quelques-uns des meilleurs solistes. En 1939, il participe, au sein du Benny Goodman Sextet, au fameux concert From Spirituals to Swing organisé par John Hammond au Carnegie Hall.
En 1940, il fonde sa propre formation qui connaît un succès immédiat et devient un des plus célèbres big band de l’époque, où se produisent Quincy Jones, Clifford Brown, Art Farmer, Dexter Gordon, Joe Newman, Illinois Jacquet et Charles Mingus. Il fait des tournées dans le monde entier et se produit avec son orchestre dans les plus grands festivals.
3 Some day, Lionel Hampton, album Bossa nova Jazz, 1963.

David Samuel Pike (23 mars 1938 – 3 octobre 2015) était un vibraphoniste et marimbiste de jazz américain. Il a participé à de nombreux albums de Nick Brignola, Paul Bley et Kenny Clarke, Bill Evans et Herbie Mann. Il a également enregistré de nombreux disques en tant que leader, notamment sur MPS Records. Il a appris la batterie à l’âge de huit ans et s’est initié au vibraphone en autodidacte. Pike a enregistré ses débuts avec le Paul Bley Quartet en 1958. Il a commencé à amplifier son vibraphone lorsqu’il travaillait avec le flûtiste Herbie Mann au début des années 1960. À la fin des années 1960, la musique de Pike devient plus exploratoire, apportant une voix unique et de nouveaux contextes qui repoussent les limites à une époque marquée par son caractère exploratoire. The Doors of Perception, enregistré en 1966, explore les ballades, le territoire modal et la musique concrète, avec une improvisation libre et lyrique. Il inclut des musiciens comme le saxophoniste alto Lee Konitz, le bassiste Chuck Israels et le pianiste Don Friedman.
Pike s’installe en Europe et signe chez MPS Records. Avec la collaboration de Volker Kriegel (guitare), J. A. Rettenbacher (contrebasse et basse électrique) et Peter Baumeister (batterie), il forme le Dave Pike Set. Le groupe a enregistré six disques entre 1969 et 1972, bien que de courte durée, le groupe a créé une identité et une palette de textures uniques. Les contributions de Kriegel, tant sur le plan de la composition que de l’instrument (guitare acoustique, classique et électrique, ainsi que sitar), ont contribué à la singularité du son du Dave Pike Set, intégrant harmonieusement des influences du jazz, de la soul jazz, du psychédélisme, de la musique avant-gardiste et des musiques du monde. Dave Pike est décédé à Del Mar, en Californie, des suites d’un emphysème, à l’âge de 77 ans.
4 Vikki, Dave Pike, album Manhattan Latin, 1964.

Callen Radcliffe Tjader Jr. (St. Louis, Missouri, États-Unis, 16 juillet 1925 - Manille, Philippines, 5 mai 1982), connu sous le nom de Cal Tjader, était un vibraphoniste et compositeur américain qui est devenu le leader le plus célèbre d’un groupe de jazz afro-cubain qui n’était pas d’origine latine. D’abord interprète de bop et de cool, son évolution musicale l’a amené à se spécialiser dans la fusion du jazz avec la musique latine. Il jouait également de la batterie et des bongos.
D’origine suédoise, fils d’un directeur musical et producteur de vaudeville et d’une pianiste, Tjader grandit dans un environnement musical et théâtral, prenant même des cours de danse pendant une courte période. Il a étudié au San Francisco State College, où il a commencé à étudier la batterie sous la supervision de Walter Lawrence. À la fin des années 1940, il commence à jouer de la batterie dans de petits groupes musicaux en Californie. Il intègre immédiatement le trio de Dave Brubeck, avec lequel il enregistre plusieurs albums, en tant que batteur (1949-1951). En 1953, il rejoint le groupe de George Shearing en tant que vibraphoniste et percussionniste. Bien que son séjour avec le pianiste aveugle n’ait pas duré longtemps, c’est précisément pendant son séjour dans le groupe que Tjader est tombé amoureux de la musique latine. Lorsqu’il quitta ce groupe l’année suivante, il forma son propre groupe, qui mettait l’accent sur l’élément latin, bien qu’il jouât également du jazz traditionnel.
Tjader a enregistré une série d’albums, principalement du jazz afro-cubain, pour Fantasy du milieu des années 1950 au début des années 1960, date à laquelle il est passé chez Verve. Durant cette période, il a eu un succès dans les charts avec Soul Sauce, une reprise de la chanson Guachiguaro de Dizzy Gillespie et Chano Pozo, et a enregistré l’un de ses meilleurs albums, Cal Tjader Plays the Contemporary Music of Mexico and Brazil (1962). Tjader revient dans les années 70 chez Fantasy, une compagnie avec laquelle il enregistre un autre de ses meilleurs albums, Tambu (1973), en collaboration avec le guitariste acoustique Charlie Byrd.
Parmi les autres musiciens avec lesquels il a travaillé figurent Eddie Palmieri, Vince Guaraldi, Charlie Palmieri, Tito Puente, Hermeto Pascoal, Laurindo de Almeida, Attila Zoller, Ray Barretto, Mongo Santamaría, Clare Fischer, Stan Getz, Carmen McRae et Airto Moreira, entre autres.
5 Ritmo Uni, Cal Tjader-Eddie Palmieri, album El sonido Nuevo, 1966.

Gary Ronald McFarland (23 octobre 1933 – 2 novembre 1971) était un compositeur, arrangeur, chef d’orchestre, vibraphoniste et chanteur américain. Il a enregistré pour les labels de jazz Verve et Impulse ! Records dans les années 1960.
McFarland est né à Los Angeles le 23 octobre 1933, mais a grandi à Grants Pass, dans l’Oregon. Il s’est fait un petit nom après avoir travaillé avec des sommités du jazz, Bill Evans, Gerry Mulligan, Johnny Hodges, John Lewis, Stan Getz, Bob Brookmeyer et Anita O’Day.
Outre ses propres albums et arrangements pour d’autres musiciens, il a composé les musiques des films L’Œil du Diable (1966) et Qui a tué Mary, quel est son nom ? (1971). À la fin des années 1960, il s’éloignait du jazz pour adopter un style de pop instrumentale souvent mélancolique et nostalgique, tout en produisant les enregistrements d’autres artistes sur son label Skye Records (géré en partenariat avec Norman Schwartz, Gábor Szabó et Cal Tjader, jusqu’à sa faillite en 1970). Il a également produit et arrangé l’album de soft rock Genesis des sœurs Wendy et Bonnie Flower.
McFarland envisageait de se lancer dans l’écriture et les arrangements pour le cinéma et la scène. Cependant, à 38 ans, le 2 novembre 1971 – le jour même où il terminait l’album de Broadway To Live Another Summer ; To Pass Another Winter – McFarland est décédé à l’hôpital St. Vincent de New York des suites d’une dose mortelle de méthadone liquide ingérée au Bar 55, au 55 Christopher Street, à Greenwich Village. On ignore s’il a pris la drogue volontairement ou si quelqu’un a drogué son verre, la police n’a pas enquêté.
6 Simpático, Gary McFarland - Gábor Szabό, album Simpático, 1966.

Robert Hutcherson, dit Bobby Hutcherson, né le 27 janvier 1941 à Los Angeles et mort le 15 août 2016, était un vibraphoniste et marimbiste américain de jazz.
Attiré avant tout par l’avant-garde et le post-bop, Bobby Hutcherson a fait plusieurs enregistrements dans ces styles pour le label Blue Note avec notamment Jackie McLean, Eric Dolphy, Herbie Hancock, Andrew Hill, Grachan Moncur III, Joe Chambers, et Freddie Hubbard, comme leader ou comme sideman. Malgré le grand nombre d’enregistrements d’avant-garde effectués durant cette période, la première session d’enregistrement de Hutcherson pour Blue Note, The Kicker (1963), laisse entrevoir son expérience du hard bop et du blues.
En 1966, la session Stick-Up ! enregistrée chez Blue Note et faisant participer le saxophoniste Joe Henderson, est la première session que Bobby Hutcherson effectue avec le pianiste McCoy Tyner. Leur collaboration se prolongera pendant plus de quatre décennies.
Little B’s Poem (de son album Components) est l’une de ses compositions les plus connues.
En 2007, son quartette inclut Renee Rosnes au piano, Dwayne Bruno à la basse et Al Foster à la batterie. Il meurt le 15 août 2016 après une longue lutte contre l’emphysème à l’âge de 75 ans.
7 La busca, Bobby Hutcherson - McCoy Tyner, album La leyenda de la hora, 1981.

Julius Gubenko (New York, 13 octobre 1924), connu sous le nom de Terry Gibbs, est un vibraphoniste et chef d’orchestre de jazz américain.
Il a enregistré et joué avec des musiciens tels que Tommy Dorsey, Chubby Jackson, Buddy Rich, Woody Herman, Benny Goodman, Louie Bellson, Charlie Shavers, Mel Tormé, Buddy DeFranco et d’autres. Il a également travaillé dans le cinéma et la télévision à Los Angeles.
Il était un invité populaire des émissions de variétés Star Time du DuMont Television Network en 1950-1951 et du Steve Allen Show à la fin des années 1950, où il jouait régulièrement des duos de vibraphone en direct avec l’animateur. Ils sont également apparus dans l’émission spéciale télévisée du 75ᵉ anniversaire de Steve Allen sur PBS-TV en 1997.
Gibbs était également le chef d’orchestre du That Regis Philbin Show.
En tant qu’instrumentiste, avec son big band The Dream Band, Gibbs a remporté plusieurs sondages prestigieux, notamment ceux des magazines spécialisés Downbeat et Metronome.
Gibbs a publié son autobiographie, Good Vibes : A Life in Jazz, avec la collaboration de Cary Ginell.
8 Chelsea bridge, Terry Gibbs, album The Latin Connection, 1986.

Louie Ramirez (24 février 1938 – 7 juin 1993) était un percussionniste, vibraphoniste, chef d’orchestre et compositeur américain de boogaloo, salsa et latin jazz. Il a coécrit avec Johnny Pacheco le tube El Güiro De Macorina de 1961. On l’a surnommé le Quincy Jones de la salsa.
Ramirez est né à Manhattan, New York, États-Unis. Fils de parents portoricains vivant à New York. Il a fait ses débuts professionnels avec le groupe de Joe Loco en 1956, remplaçant le vibraphoniste Pete Terrace. Ramirez a également fait ses débuts comme chef d’orchestre en 1963, avec Introducing Louie Ramirez (Rmo Records). Il a ensuite enregistré pour Alegre, Fania, Atco, United Artists Records, Caiman, FNA et RMM Records & Video.
Il a collaboré avec Charlie Palmieri et Joe Cuba de 1965 à 1968. Avec Tito Rodriguez, il a sorti l’album Tito Rodríguez y Louie Ramírez En Algo Nuevo en 1972, et avec Ray de La Paz. Il est devenu producteur chez Fania en 1975. Il est apparu comme sideman ou assistant de production sur de nombreux enregistrements d’autres artistes, tels que Willie Colón, dans les années 1970.
Le 7 juin 1993, alors qu’il roulait sur Junction Boulevard dans le Queens, à New York, Ramirez a été victime d’une crise cardiaque mortelle, à l’âge de 55 ans. Il enregistrait son troisième album avec le chanteur Ray De La Paz, intitulé Preparate Bailador.
9 Latin blues, Louie Ramirez, album A tribute to Cal Tjader, 1986.

Nous concluons ce premier épisode de notre programme, consacré à un instrument avec une utilisation ou un style caractéristique du genre, et en hommage à ses interprètes les plus renommés, dans ce cas particulier le vibraphone. Nous espérons que vous l’avez apprécié et vous invitons à continuer à nous rejoindre pour écouter, danser et jouir du jazz latino.