C’est du jazz latino, épisode 38

Les données paléoanthropologiques et génétiques actuelles convergent vers l’hypothèse d’une origine nord-est asiatique pour les premiers peuplements américains. Deux grandes théories temporelles divisent la communauté scientifique. La théorie de la colonisation tardive situe l’arrivée des paléo américains sur le continent lors de la dernière période glaciaire, lorsque le passage par le détroit de Béring était praticable, entre 15 000 et 14 000 ans avant J.-C. À l’opposé, la théorie de la colonisation précoce avance une arrivée humaine bien antérieure, s’appuyant sur des vestiges datés au carbone 14 de plus de 14 000 ans avant J.-C., certaines recherches récentes suggérant même une présence humaine il y a environ 33 000 ans.

Cependant, dans le cadre de notre exploration des relations Europe-Afrique-Amérique, c’est le repeuplement de l’Amérique qui retient notre attention. Initié en 1492 avec l’arrivée des Européens et des Africains réduits en esclavage par eux, ce processus complexe, marqué par la conquête, la colonisation, la piraterie et les guerres d’indépendance, se poursuit d’une certaine manière jusqu’à nos jours. La traite négrière transatlantique est à l’origine de ces nouvelles vagues démographiques qui ont façonné l’Amérique actuelle, liant inextricablement, pour le meilleur et pour le pire, le destin de ces trois continents riverains de l’Atlantique.

La traite négrière transatlantique, ce commerce d’êtres humains à travers l’océan entre le XVIᵉ et le XIXᵉ siècle, a arraché l’immense majorité de ses victimes à l’Afrique centrale et occidentale. Capturés par des Africains de tribus plus puissantes, ils étaient vendus à des marchands européens, qui les transportaient vers l’Amérique pour y être vendus. Là, ces hommes, femmes et enfants étaient forcés de travailler dans les plantations de café, de sucre, de tabac et de coton, dans les mines d’or et d’argent, les rizières, l’industrie de la construction, l’exploitation forestière, la construction navale et comme domestiques dans les foyers.

L’Empire portugais fut le premier à s’engager dans ce commerce abject vers le Nouveau Monde au XVIᵉ siècle, rapidement suivi par d’autres nations. Les propriétaires de navires négriers considéraient les esclaves comme une simple cargaison, devant être transportée vers l’Amérique aussi rapidement et à moindre coût que possible. Au milieu du XVIIᵉ siècle, l’esclavage s’était institutionnalisé en une caste raciale héréditaire ; les Noirs et leurs descendants étaient officiellement la propriété de leurs maîtres, et les enfants nés de mères esclaves l’étaient également. Ces êtres humains étaient réduits à une marchandise, une unité de travail, vendus sur les marchés au même titre que des produits ou des services.

Les principaux acteurs de la traite atlantique, classés par volume d’échanges, furent les empires portugais, britannique, français et néerlandais, ainsi que les États-Unis (en particulier le Sud). Ils établirent des avant-postes sur la côte africaine où ils achetaient des esclaves aux dirigeants africains locaux. Les estimations actuelles chiffrent à environ 12 millions le nombre d’Africains transportés à travers l’Atlantique, bien que le nombre capturé par les marchands d’esclaves ait été considérablement plus élevé.

En évoquant cette histoire, souvent mal connue et peu acceptée, la « légende noire » et la « légende blanche » continuent de s’affronter. Notre intention n’est pas de réécrire le passé, mais il est impératif d’établir de nouvelles relations entre ces continents, fondées sur le respect du droit international, la justice et la raison. Ils doivent également participer à la mise à jour de ces rapports et échanges.

Et c’est ici que nous rejoignons notre sujet : la culture, et au sein de celle-ci, la musique, en particulier le jazz latino comme expression musicale synthétisant des éléments de ces trois origines. Le terme jazz latino englobe ainsi l’Afrique, l’Europe et l’Amérique. Les musiciens de ces trois continents interagissent depuis plus de 500 ans, malgré les obstacles que l’esclavage, la colonisation, la piraterie, l’incompréhension, le dogmatisme et la suprématie ont dressé sur leur chemin.

La relation particulière sur laquelle nous nous concentrons aujourd’hui est celle qui s’est développée entre les musiciens latinos – ceux qui intègrent la synthèse mentionnée dans leurs créations et leurs performances – et leurs pairs africains. Une familiarité devait exister, marquée par la composante africaine intrinsèque à de nombreux genres musicaux américains. Et il est crucial de préciser ici que notre propos dépasse la simple dimension raciale ; nous parlons en termes culturels. La culture, et la musique en particulier, transcendent ces frontières. Les musiciens de jazz, et plus spécifiquement les musiciens de jazz latino – noirs, métis, blancs, etc. – reconnaissent et adoptent cette composante africaine dans leur art. Et les musiciens africains, à leur tour, reçoivent et recréent une musique latine dans laquelle ils retrouvent un écho de leur propre histoire.

Nous vous présentons dans cet épisode un groupe de musiciens africains dont les performances annoncent d’autres relations transatlantiques, des dialogues musicaux riches et porteurs d’avenir.

Miriam Makeba (Johannesbourg, Afrique du Sud, 4 mars 1932 – Castel Volturno, Italie, 9 novembre 2008) était une chanteuse d’ethno-jazz et une militante politique sud-africaine, naturalisée guinéenne dans les années 1960, puis algérienne en 1972. Surnommée affectueusement Mama Africa, elle a conquis le monde avec ses succès musicaux et est devenue une voix puissante contre l’apartheid et pour la fierté du continent africain.
Fille d’un instituteur xhosa et d’une domestique swazie, elle a connu une enfance marquée par les difficultés. Sa mère a accouché seule et coupé elle-même le cordon ombilical. Quelques jours après sa naissance, Miriam et sa mère ont été emprisonnées pendant six mois pour avoir brassé de la bière afin de subvenir aux besoins de la famille. Son père est décédé lorsqu’elle avait six ans.
En 1948, l’instauration du régime de l’apartheid par les nationalistes afrikaners a profondément marqué sa vie. Mariée brièvement à James Kubay, elle a donné naissance à sa fille Bongi à l’âge de 17 ans et a surmonté un cancer du sein grâce aux soins non conventionnels de sa mère. Elle a divorcé en 1952.
À 20 ans, travaillant comme bonne d’enfants puis laveuse de taxis, Zenzi Makeba, son nom de naissance, vivait seule avec sa fille et sa mère. Sa carrière musicale professionnelle a débuté avec le groupe Cuban Brothers, avant qu’elle ne devienne choriste des Manhattan Brothers en 1952, qui lui ont donné son nom de scène, Miriam. Elle est rapidement devenue une vedette et a utilisé sa notoriété pour dénoncer le régime de l’apartheid et les conditions de vie misérables du prolétariat noir. En 1956, elle a écrit son plus grand succès, Pata Pata, qui a connu une renommée mondiale.
Son apparition dans le film anti-apartheid Come back, Afrika (1959) du cinéaste américain Lionel Rogosin l’a contrainte à un exil de 31 ans. Ses disques ont été retirés de la vente en Afrique du Sud et elle a été déchue de sa nationalité sud-africaine. Elle n’a pas pu assister aux obsèques de sa mère en 1960. Ce n’est qu’en 1990, avec la libération de Nelson Mandela, qu’elle a pu retourner en Afrique du Sud.
Elle a épousé son ami de longue date, le musicien sud-africain Hugh Masekela, en 1965, avant de divorcer en 1966. Elle a continué à prononcer des discours anti-apartheid et à appeler au boycott de l’Afrique du Sud devant les Nations unies. Elle chantait en zoulou, en xhosa, en tswana, en swahili, en portugais et en arabe, ses chansons prônant la tolérance et la paix. Elle a vécu aux États-Unis (où elle s’est engagée dans le mouvement des droits civiques contre la ségrégation raciale), en Guinée et en Europe, devenant un symbole de la lutte anti-apartheid.
En 1966, Miriam Makeba a reçu un Grammy Award pour son disque An Evening with Harry Belafonte and Miriam Makeba, devenant la première Sud-Africaine à obtenir cette récompense. Son mariage en 1969 avec le militant des droits civils afro-américain Stokely Carmichael, chef des Black Panthers, lui a causé des difficultés aux États-Unis, l’obligeant à s’exiler à nouveau et à s’installer en Guinée.
En septembre 1974, elle a participé au festival Zaïre 74 à Kinshasa. En 1977, elle a participé au FESTAC 77 à Lagos, au Nigeria. Elle a également dédié des chansons à des figures telles que Patrice Lumumba, Ahmed Sékou Touré, Malcolm X et Samora Machel.
En 1987, sa collaboration avec Paul Simon sur l’album Graceland lui a permis de retrouver le succès. Peu après, elle a publié son autobiographie, Makeba : My Story.
En 1990, Nelson Mandela l’a persuadée de rentrer en Afrique du Sud. En 1992, elle a joué le rôle de la mère (Angelina) dans le film Sarafina ! Miriam Makeba a toujours rêvé d’une Afrique unie et appelait à la réconciliation dans son pays. Selon Nelson Mandela, « Ses mélodies envoûtantes ont donné voix à la douleur de l’exil et du déplacement qu’elle a ressenti pendant 31 longues années. En même temps, sa musique a inspiré un puissant sentiment d’espoir en nous tous. Même après son retour chez elle, elle a continué à utiliser son nom pour faire la différence en encadrant des musiciens et en soutenant des jeunes femmes en difficulté. Un projet récent évoquait le sort des victimes des mines terrestres ».
Le 9 novembre 2008, à l’âge de 76 ans, elle s’est effondrée et est décédée d’une crise cardiaque après avoir chanté Pata Pata lors d’un concert de soutien à l’écrivain antimafia Roberto Saviano en Italie [1].
1. Imagine me Miriam Makeba, album The Magnificent Miriam Makeba, 1960.

Manu Dibango (Douala, 12 décembre 1933 – Paris, 24 mars 2020), de son nom complet Emmanuel N’Djoké Dibango, était un saxophoniste, pianiste, vibraphoniste, chef d’orchestre, auteur, compositeur et chanteur camerounais. Né dans une famille où son père était fonctionnaire et organiste, et sa mère couturière et responsable de la chorale, il a été envoyé en France pour étudier à l’âge de 15 ans.
Son style musical était une fusion distinctive de jazz, de soul, de rythmes africains et, dans une moindre mesure, de salsa. Après avoir interprété des chansons traditionnelles françaises, il a entamé sa carrière solo en 1972 avec l’album O Boso, connaissant un succès international retentissant avec Soul Makossa en 1973. Cet album lui a ouvert les portes de l’Olympia à Paris et des États-Unis.
Il a tourné aux États-Unis, se produisant notamment à l’Apollo Theater de Harlem et au Madison Square Garden avec les Fania All-Stars, puis en Amérique latine. Il a vécu quatre ans en Côte d’Ivoire, dirigeant l’Orchestre de la Radio-Télévision ivoirienne. Principalement basé en France, il a continué à tourner en Afrique et en Europe.
Manu Dibango a collaboré avec de nombreux artistes de renom tels que les Fania All-Stars, Fela Kuti, Peter Gabriel, Herbie Hancock et Salif Keïta. Il a également contribué à la musique du film d’animation Kirikou et les bêtes sauvages.
Son dernier album, Balada en Saxo, est sorti en 2014. En 2019, il a célébré ses soixante ans de carrière par une tournée.Il est décédé le 24 mars 2020 à l’âge de 86 ans des suites de complications liées à la COVID-19.
2. Iron Wood, Manu Dibango, album African Voodoo, 1972.

Ebo Taylor (Cape Coast, Ghana, 7 janvier 1936) est un musicien, arrangeur et producteur ghanéen, figure emblématique du highlife. Il est reconnu pour avoir modernisé ce genre en le fusionnant avec le jazz et par l’utilisation d’instruments amplifiés. Il est souvent décrit comme le trait d’union entre Accra, berceau du highlife, et Lagos, la Mecque de l’afrobeat.
Passionné par la musique dès son jeune âge, il s’est intéressé à la guitare électrique dans les années 1950 et a abandonné ses études scientifiques pour devenir musicien professionnel à 19 ans. Dès 1956, Ebo Taylor s’est illustré dans le highlife, un genre populaire dans l’Afrique anglophone postindépendance, qu’il a enrichi d’influences américaines et latines telles que le jazz, le funk et le calypso. Souvent comparé à Fela Kuti, qu’il a croisé à Londres dans les années 1960, ses disques essentiels des années 1970 ont été redécouverts en Europe dans les années 2000.
3. Victory, Ebo Taylor, album Love and Death, 2010.

Fela Kuti (Abeokuta, Nigeria, 15 octobre 1938 – Lagos, Nigeria, 2 août 1997) était un chanteur, saxophoniste, chef d’orchestre et homme politique nigérian. Cousin du prix Nobel de littérature Wole Soyinka, il est le fondateur de la République de Kalakuta et considéré comme l’inventeur de l’afrobeat, une fusion de musiques afro-américaines (jazz, funk), ouest-africaines (principalement le highlife ghanéen) et traditionnelles nigérianes (notamment les rythmes yoruba).
Dans un Nigeria en pleine transformation après la guerre du Biafra et devenu un important exportateur de pétrole, Fela Kuti s’est affirmé comme un artiste engagé contre la corruption, la dictature et le pouvoir des multinationales.
Surnommé le Black President, il utilisait sa musique comme une arme pour dépeindre les réalités socio-politiques sombres. Ses morceaux, souvent longs, abordaient la dictature militaire, la corruption et la misère, tout en appelant les Africains à retrouver leur identité et leur liberté par un retour aux sources.
L’afrobeat de Fela Kuti, mélange de jazz, de soul et de rythmes africains, a dépassé les frontières du Nigeria. Cependant, ses critiques virulentes du pouvoir militaire lui ont valu de nombreuses représailles, notamment la destruction de sa propriété, la mort de sa mère des suites de blessures infligées lors d’un raid militaire, et plusieurs emprisonnements et tortures.
Malgré les tensions, sa mort le 2 août 1997 a été reconnue par les autorités militaires, qui ont décrété quatre jours de deuil national. Près d’un million de personnes ont célébré sa mémoire à Lagos.
4. Fere, Fela Kuti, album Fela Ransome Kuti and His Koola Lobitos, 1969

Hugh Masekela (Witbank, Afrique du Sud, 4 avril 1939 – Johannesbourg, Afrique du Sud, 23 janvier 2018) était un trompettiste, bugliste et cornettiste sud-africain de jazz. Encouragé par le père Trevor Huddleston, un prêtre britannique, il a reçu sa première trompette, ayant appartenu à Louis Armstrong, en 1954. En 1960, il a étudié à la Guildhall School of Music de Londres puis s’est installé à New York, où il a été soutenu par Harry Belafonte et est devenu le protégé de Dizzy Gillespie et Miles Davis.
Son premier album, Trumpet Africaine, est sorti en 1962. Installé à New York en 1964, il a vécu et brièvement été marié à Miriam Makeba. En 1968, son morceau Grazing in the Grass a été un succès international. La même année, il a participé à des enregistrements de Bob Marley. Il a également joué au Harlem Cultural Festival en 1969.
Il a collaboré avec des orchestres de jazz sur des albums des Byrds et de Paul Simon. Sa chanson Bring Him Back Home (1987) est devenue un hymne pour la libération de Nelson Mandela. Sa composition Soweto Blues, interprétée par Miriam Makeba, pleurait le massacre de Soweto en 1976. Dans les années 1980, il a tourné avec Paul Simon sur l’album Graceland.
Après la fin de l’apartheid, il est retourné en Afrique du Sud, où il a vécu jusqu’à sa mort. En 2004, il a publié son autobiographie, Grazin’ in The Grass, retraçant sa lutte contre l’apartheid, sa dépendance à l’alcool et son parcours musical. Il est décédé d’un cancer de la prostate à l’âge de 78 ans.
5. Ring Bell, Hugh Masekela, Herb Halpert, album Herb and Hugh, 1978.

Tony Allen (Lagos, Nigeria, 20 juillet 1940 – Paris, France, 30 avril 2020) était un batteur et auteur-compositeur nigérian, naturalisé français en 1998. Pionnier de l’afrobeat avec Fela Kuti, dont il a été le batteur et le directeur artistique de 1968 à 1979, Fela a déclaré que « sans Tony Allen, il n’y aurait pas d’afrobeat ». Brian Eno l’a décrit comme « peut-être le plus grand batteur qui ait jamais vécu ».
Dans les années 1960, une tournée aux États-Unis a marqué une prise de conscience politique pour Allen et Kuti, influençant la naissance de l’afrobeat, un mélange de rythmes traditionnels, de puissance électrique et de textes engagés.
Des divergences politiques ont conduit Tony Allen à explorer des territoires musicaux plus expérimentaux, collaborant avec des musiciens de la scène électro et jazz française. En 2005, il est revenu à ses racines avec l’album Lagos No Shaking.
En 2008, il a enregistré sa propre version de la chanson Where the Streets Have No Name de U2. Résidant en France, il est décédé à Paris à l’âge de 79 ans.
6. Never, Tony Allen and Hugh Masekela, album Rejoice, 2020.

Mulatu Astatke (Jimma, Éthiopie, 19 décembre 1943) est un musicien, compositeur et arrangeur éthiopien, considéré comme le père de l’éthio-jazz. Sa formation musicale s’est déroulée à Londres, New York et au Berklee College of Music de Boston, où il a été le premier étudiant africain à obtenir un doctorat en musique. Il a combiné les influences du jazz et de la musique latine avec la musique traditionnelle éthiopienne.
Il a collaboré avec des figures du jazz comme Duke Ellington dans les années 1970. Après sa rencontre avec le groupe américain Either/Orchestra en 2004, il a entamé une collaboration fructueuse. En 2008, il a collaboré avec le collectif londonien The Heliocentrics sur l’album Inspiration Information Vol. 3. Son instrument de prédilection est le vibraphone.
En 2005, il a composé une partie de la bande originale du film Broken Flowers de Jim Jarmusch. Un volume de la série Ethiopiques est entièrement consacré à sa musique. Il a également produit de nombreux artistes d’Afrique de l’Est.
Il a été chercheur au Radcliffe Institute de l’Université Harvard et artiste en résidence au MIT, travaillant sur la modernisation des instruments traditionnels éthiopiens.
7. A kiss before dawn, Mulatu Astatke, album Afro-Latin soul vol 1, 1966.

Ray Lema (Lufu-Toto, Kongo central, Zaïre, 30 mars 1946) est un pianiste, guitariste et compositeur franco-congolais. Après avoir envisagé une carrière ecclésiastique, il a découvert l’orgue et le piano. Il a étudié la chimie à l’université de Kinshasa avant de devenir guitariste. Il a été influencé par Fela Kuti et a participé à la Caravane Jericho pour sa libération.
En 1974, il a été nommé directeur musical du Ballet national du Zaïre, devenant Maître Tambour. Il a notamment été chargé de la direction musicale du concert accompagnant le combat Ali-Foreman en 1974.
Suite à des désaccords politiques, il s’est installé aux États-Unis en 1979 puis en France en 1982. Il est le parrain du projet de l’Université musicale africaine (UMA) et a été nommé porte-parole de l’Unesco.
8. Saka salsa, Ray Lema, Laurent de Wilde, album Wheels, 2021.

L’Orchestre Poly-Rythmo de Cotonou est un groupe musical béninois formé en 1968 à Cotonou. Leur style musical mélange l’afrobeat, le funk, le soukous et les rythmes vaudous. Très populaire en Afrique francophone, le groupe a enregistré plus de 500 chansons entre 1969 et 1983. Après une période de moindre notoriété, des compilations de leurs anciens albums au début des années 2000 leur ont permis de retrouver une audience internationale. Ils ont sorti un nouvel album, Cotonou Club, en 2011, leur premier en 20 ans, suivi de Madjafalao en 2016.
9. Angelina, Orchestre Poly-Rythmo de Cotonou, album The Kings Of Benin Urban Groove 1972-80, 2004.

Richard Bona (Minta, Cameroun, 28 octobre 1967) est un chanteur et bassiste américain d’origine camerounaise. Il a débuté sa carrière comme instrumentiste à Paris avant de s’installer à New York et de se produire en solo à partir de 1999. Issu d’une famille de musiciens, il a joué du balafon dès l’âge de quatre ans. Après avoir découvert le jazz et la basse, il a émigré en Allemagne puis en France pour étudier la musique. Il a joué avec de nombreux artistes de renom avant d’être invité par Harry Belafonte à rejoindre son orchestre à New York. Il a collaboré avec des musiciens de jazz de premier plan et a sorti plusieurs albums solos acclamés, remportant notamment un prix aux Victoires du jazz et étant nominé aux Grammy Awards.
10. Bilongo, Richard Bona, album Heritage, 2023.

Somi (de son vrai nom : Laura Kabasomi Kakoma, née le 6 juin 1981 à Champaign, dans l’Illinois) est une chanteuse de jazz américaine aux racines est-africaines.
Ses parents sont originaires du Rwanda et de l’Ouganda ; elle a grandi dans l’Illinois et en Zambie, où son père travaillait pour l’Organisation mondiale de la santé. Après le retour de sa famille dans l’Illinois, elle a fréquenté l’University Laboratory High School à Urbana et le Champaign Central High School. Elle a ensuite étudié l’anthropologie et les études africaines à l’Université de l’Illinois. Elle a obtenu un master en études de performance à la Tisch School of the Arts (Université de New York). Elle a travaillé comme choriste pour Roy Hargrove (Strength EP, The RH Factor, Verve). En 2003, elle a sorti son premier album. En 2011, elle a sorti l’album Live at Jazz Standard, suivi en 2014 de The Lagos Music Salon (sur le label Columbia réactivé Okeh Records) avec Common et Angélique Kidjo comme musiciens invités. En 2017, elle a ouvert le festival Enjoy Jazz de Heidelberg. En 2019, elle s’est produite pour la première fois avec un big band, en Allemagne. L’album qui en a résulté, Holy Room, arrangé et dirigé par John Beasley, a été nominé aux Grammy Awards 2021. En 2024, elle s’est produite avec son New Afro Jazz Quintet au Festival de jazz de Bâle.
Dans sa musique, Somi allie rythmes africains, jazz et soul. Elle a été maintes fois comparée à Sarah Vaughan et Miriam Makeba, ainsi qu’à Nina Simone.
11. Ginger me slowly, Somi, album The Lagos Music Salon, 2014.

L’Afrique est un vaste continent, à l’origine de l’humanité et à la source d’une grande partie de la musique que nous entendons aujourd’hui. C’est une tâche titanesque de rechercher sur sa musique ; le jazz latino lui doit beaucoup, et l’Afrique l’apprécie. Il faut retourner dans leurs pays et leurs régions patiemment, sans relâche, c’est là l’origine. Nous avons hâte de vous retrouver dans notre prochain épisode.