C’est du jazz latino épisode 37

Toutes ces perspectives sont viables pour comprendre ce phénomène artistique et culturel complexe ; chacune a sa propre vérité, et d’innombrables autres approches peuvent leur être ajoutées. Cela est particulièrement vrai pour la région que nous abordons aujourd’hui : l’Amérique centrale. La complexité du genre ne s’épuise pas dans la rencontre entre le Nord et le Sud ; il faut inclure le Centre, et ce centre est particulièrement riche.

Nous apportons au programme, à cette occasion, des performances et des créations de musiciens de différents pays de la région : Guatemala, Honduras, Costa Rica, Nicaragua, El Salvador et Belize. Nous n’avons pas inclus le Panama car le rôle joué par ses musiciens dans le jazz afro-américain, dès les premières décennies du XXᵉ siècle, a donné à ce pays une spécificité qui nous a conduits à lui consacrer un programme particulier (l’épisode 23 de notre podcast). Bien sûr, chacun de ces pays mérite son propre programme, mais nous voulions commencer par cet aperçu panoramique. Nous devrons revenir à un moment donné sur chacun des pays et des sujets abordés.

L’Amérique centrale a, comme nous l’avons dit, ses particularités. En général, la fusion de ses genres nationaux avec le jazz est tardive, disons dans la seconde moitié du XXᵉ siècle, mais elle émerge avec une force spécifique et démontre la richesse de la musique folklorique et populaire de la région. L’une de ces caractéristiques est la culture Garifuna, à laquelle s’identifient les musiciens de presque toute la région. Cette culture est le résultat de la rencontre, tout au long de la période de conquête et de colonisation, entre les Africains et les communautés indigènes. Les Garifunas d’aujourd’hui, dont la grande majorité sont d’origine africaine, ont néanmoins hérité d’une langue indigène des groupes ethniques arawak originaires de ce qui est aujourd’hui les Caraïbes, le nord de l’Amérique du Sud et l’Amérique centrale. Cela confère à la musique qui se définit comme Garifuna des caractéristiques très particulières qui reflètent l’histoire du groupe ethnique, pleine de tragédies et de joies qui se perpétuent à ce jour et se poursuivront dans le futur. Il s’agit, comme on l’a dit, d’un événement euro-afro-latino-américain.

L’héritage du Maestro Julio Zelaya est hautement reconnu dans le pays pour sa contribution à l’ouverture du programme de jazz à l’UNAH, ainsi que pour son intérêt pour la musique indigène hondurienne, comme en témoignent ses deux productions musicales Yurumen et Caribe Garífuna [1], et sa contribution à la formation de plusieurs groupes de musique de jazz. De son dynamisme et de son dévouement est né le mot Garibop, en référence à son approche du jazz, que d’autres musiciens poursuivront. Il travaillait sur des recherches pour la création d’un livre de partitions de musique traditionnelle hondurienne interprétées dans un style jazz. Aujourd’hui, ce magnifique musicien et être humain formidable, amoureux de la musique et de l’art, nous laisse un héritage qui doit perdurer grâce à son travail acharné dans la formation de nouvelles générations de musiciens. Il est né à Tegucigalpa en 1951 et décédé dans la même ville en 2020. Il était musicien, guitariste, compositeur et professeur. Coordonnateur de la carrière musicale ; collaborateur à la création du cursus et du diplôme en jazz à l’UNAH ; membre et directeur de divers groupes musicaux dans le genre jazz. Ses productions musicales : Yurumen, 2002 et Caribe Garífuna, 2005, tous deux des CD de musique originale inspirée des rythmes afro-honduriens. Ces productions sont le résultat d’un projet de recherche sur ces rythmes, Rythmes garifunas et musique contemporaine au Honduras, parrainé par l’UNAH et l’UNESCO. [2]
1. El baile del delfin, Julio Zelaya, album Caribe Garífuna, 2005.

Annette A. Aguilar (née en 1957) est une percussionniste, cheffe d’orchestre et professeure de musique américano-nicaraguayenne. Elle est surtout connue comme la leader du groupe de jazz latino-brésilien Annette A. Aguilar & String Beans, qui a effectué de nombreuses tournées aux États-Unis et en Afrique. Ancienne percussionniste du groupe The Grateful Dead, elle est la fondatrice du festival annuel Women in Latin Jazz in New York et est également ambassadrice du latin jazz auprès du Département d’État américain. Née à San Francisco de parents nicaraguayens, Annette A. Aguilar commence la batterie en sixième après avoir vu les Beatles à la télévision. Adolescente, influencée par la scène musicale de San Francisco, et notamment par Santana, elle e met au rock latino. À seize ans, elle se produit avec des artistes de renom tels que José Areas (ancien membre de Santana), Cal Tjader et Sheila Escovedo. Durant ses études de musique classique à l’Université d’État de San Francisco, elle joue pour un groupe de jazz latino-brésilien et pour l’Orchestre philharmonique féminin de la Baie de San Francisco. Elle obtient une maîtrise en musique à la Manhattan School of Music et une maîtrise en éducation musicale à la City University of New York. Elle étudie également la musique latine avec Louis Bauzo au Boys Harbor Conservatory et avec Jerry Gonzalez. En 1992, elle fonde son propre groupe de jazz latino et brésilien, Annette A. Aguilar & String Beans, nommé ainsi en raison de son utilisation d’instruments à cordes, dont le violon et la harpe. Le groupe est connu pour son mélange distinctif de styles, s’inspirant des diverses influences d’Aguilar. Parallèlement à ses activités de chanteuse, elle enseigne les percussions à la Third Street Music School Settlement de New York. En 2014, elle organise le premier festival annuel Women in Latin Jazz dans l’Upper Manhattan. Discographie : City Down, 1986 ; Hot Corn in the Fire, 1994 ; Annette A. Aguilar & String Beans, Special Friends, 1999 ; No Cheap Dates, 2005 ; The Day Waits for Nobody, 2009. [3]
2. Xarope, Annette Aguilar & Stringbeans, album No cheap dates, 2005.

Le début de la carrière artistique de Camilo Corea remonte à sa jeunesse, avec sa participation aux groupes musicaux Fénix U, Brass et Corea’s Singers. Pendant ce temps, il sort un LP hommage à la capitale Tegucigalpa, enregistré à San José, au Costa Rica. L’album comprenait des chansons d’auteurs de la capitale et de Camilo Corea lui-même. Au fil du temps, sa tendance vers le jazz devient plus évidente. Ses premières incursions dans le jazz se font à travers les groupes Armonía et Opus Nova, le premier étant un quatuor de jazz et le second un petit groupe de chambre qui mélange des instruments classiques comme le violoncelle avec des instruments de nouvelle génération (synthétiseurs). À cette époque, Corea s’aaventure dans des arrangements orientés jazz d’œuvres classiques, telles que l’Ode à la joie de Beethoven, Le Printemps de Vivaldi et l’Air sur la corde de sol de Bach ; il travaille également sur des chansons de compositeurs honduriens, dont Salida del Sol de Gilberto Zelaya, Mestiza (concerto pour guitare) de Leoncio López Fiallos et d’autres. Camilo Corea termine ses études universitaires et obtient son diplôme d’ingénieur civil à l’UNAH. De retour de ses études de troisième cycle en hydrologie en Espagne, il fonde l’orchestre Strings & Bronze, avec lequel il donne plusieurs concerts où il présente ses œuvres aux côtés de celles d’autres compositeurs honduriens. L’une des œuvres les plus intéressantes est la composition La Création, dans laquelle il présente la création de l’humanité vue depuis l’environnement musical garifuna avec une application symphonique. Avec cet orchestre, il explore différents domaines de la musique contemporaine et cherche à mettre en valeur divers exemples de composition hondurienne contemporaine. La nouvelle génération d’instruments électroniques influence l’esprit de Corea, qui s’est aventuré dans le domaine des œuvres séquencées. Cependant, après quelques années, il est devenu nostalgique de la participation d’instruments live et est revenu à la composition conventionnelle. Durant cette même période, et pendant plusieurs années, il participe en tant que directeur et arrangeur au Festival de la chanson du Honduras OTI, contribuant à la maturité de cette époque où la chanson hondurienne s’est épanouie. Il a l’occasion d’accompagner les interprètes et compositeurs des chansons qui représente le Honduras au Festival International OTI, qui a eu lieu à San José, au Costa Rica, et également à Acapulco, au Mexique. Ses arrangements orchestraux pour des chansons représentant le Honduras ont été interprétés dans divers lieux, tels que Lisbonne (Portugal), Buenos Aires (Argentine), Caracas (Venezuela), Madrid (Espagne), etc. Sa carrière a été récompensée par le prix National d’Art 2023. [4]
3. Litorial, Camilo Corea, album Conmigo, 2010.

Imox (i ́mosh) est un groupe de jazz guatémaltèque avec une proposition originale, qui résulte de l’intégration de différentes influences musicales, notamment le hardbop, le jazz fusion, les rythmes latino-américains, le flamenco et la musique traditionnelle guatémaltèque. Le nom Imox vient de la culture maya et fait référence à un Nawal ou esprit protecteur qui représente l’aléatoire, le chaotique et le spontané, qui peut également être interprété comme la volonté de l’homme de créer. En mettant l’accent sur les nuances, les couleurs et la narration des mélodies, la musique d’Imox explore sa nature guatémaltèque - métisse - d’une ville déjà cosmopolite, à travers les outils fournis par le jazz. Composé de Víctor Arriaza (1982) au piano, Rosse Aguilar (1984) au saxophone alto et au chant, David Batz (1991) à la batterie et Luis Pedro González (1981) à la basse électrique, à la guitare et aux percussions. Fondé en 2004 par Víctor Arriaza, et formé en trio jusqu’à l’incorporation de Rosse Aguilar en 2008, Imox a compté sur la participation de plusieurs musiciens de jazz guatémaltèques, trouvant son identité actuelle après l’intégration de David et Luis Pedro en 2012. Depuis lors, ils ont participé à plusieurs éditions du Festival international de jazz du Guatemala et au Salvador, au Costa Rica, au Nicaragua, au Honduras, au Mexique et au Panama ; et c’est au cours de ces performances et grâce à leur travail acharné qu’ils ont interagi en concerts live avec de grandes figures du jazz mondial telles que Jason Marsalis, Dave Schroeder, Peter Cobb, Marco Pignataro, Joe Mulholand, Andrew Stonerock, Jerome Fleg, Ben Markley, Forest Greenough, John Lockwood, entre autres. Leur premier album, intitulé Caffeine Effect, est sorti fin 2012 et explore le jazz d’avant-garde et l’improvisation simultanée. Après, ils ont publié : Cuatro Piezas Guatemaltecas, 2017 ; Caminando, 2018, 2019 et Imox Jazz, Vocal Jazz, 2023. Imox a promu des programmes d’éducation et de sensibilisation au jazz au Guatemala. Ils ont également participé à l’organisation et au soutien de festivals éducatifs avec des professeurs de plusieurs universités américaines, notamment le Berklee College of Music, l’Université de New York, le Casper College et l’Université du Wyoming. [5]
4. Caffeine effect (radio edit), Imox, album Caffeine Effect, 2012.
5. Herencia, Imox, album Caminando, 2018.

Le Garifuna Collective s’est produit dans plus de 30 pays sur 5 continents et a participé aux albums garifuna les plus célèbres de tous les temps, notamment Wátina, acclamé par la critique et lauréat du Womex et du BBC World Music Award. Il s’agit d’un collectif de musiciens chevronnés issus de différentes générations, animés par une dynamique née de leurs collaborations et de leurs voyages à travers le monde, partageant leur musique et leurs histoires avec un public international. Leurs performances font vibrer l’histoire et l’âme de la culture garifuna. Si leurs enregistrements puisent dans le vaste répertoire des chansons garifuna pour créer de nouvelles compositions, certains chanteurs du groupe en connaissent des centaines ! Le groupe a su maintenir sa force malgré une adversité incroyable, car l’histoire du peuple garifuna est faite de luttes. Le Collectif s’inscrit dans une longue lignée ancestrale, préservant et développant l’identité culturelle garifuna, dans un dialogue entre générations et traditions. L’album Wátina d’Andy Palacio et du Garifuna Collective, sorti en 2007, est l’un des albums de musique du monde les plus acclamés jamais sortis et a été sélectionné par amazon.com comme le meilleur album de musique du monde de tous les temps (devançant Buena Vista Social Club, Bob Marley, Fela Kuti et d’autres prétendants de taille). À l’aube d’une immense célébrité, Andy est décédé subitement un an après la sortie de Wátina, laissant le monde entier s’interroger sur l’ampleur qu’il aurait pu prendre. Son groupe a repris le flambeau d’Andy et, avec le retour du producteur de Wátina, Ivan Duran de Stonetree, a produit l’album Ayó, un recueil émouvant de chansons inspirées de leur héritage culturel afro-amérindien unique. Avec une formation composée des meilleurs musiciens de la riche scène musicale garifuna du Belize, du Honduras et du Guatemala, The Garifuna Collective promet de perpétuer le flambeau de la préservation et de la promotion culturelles transmis par Andy Palacio. Les chansons de The Garifuna Collective, pleines de chagrin, d’espoir et de joie, vous toucheront corps et âme. Sur « Mongulu », la chanteuse exprime sa confiance : malgré les difficultés, son fils Móungulu grandira. Le cadre préféré du collectif Garifuna est lorsque tout le monde chante à l’unisson ou en appel et réponse et que n’importe qui peut se joindre en frappant des mains ou en jouant d’un instrument de percussion. Certaines des chansons les plus mémorables de la culture Garifuna ont été créées et popularisées de cette manière. [6]
6. Mongulu, The Garifuna Collective, album Ayo, 2013.
7. Ubou (The world), The Garifuna Collective, album Ayo, 2013.

Lenín Izaguirre a d’abord étudié la clarinette auprès de Juan Nájera Coto. Il a ensuite étudié à l’Université du Costa Rica et obtenu sa licence avec spécialisation en clarinette, sous la tutelle de la professeure Yamileth Pérez. En 2004, la Fundación del Estado para el Sistema Nacional de las Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela, (FESNOJIV, connue comme El Sistema) lui a accordé une bourse pour étudier la clarinette à l’IUDEM (Institut universitaire d’études musicales du Venezuela) et à l’Académie latino-américaine de clarinette. Durant ses études dans ces institutions, il a étudié auprès des professeurs Valdemar Rodríguez, Gorgias Sánchez, Orlando Pimentel, Henri Crespo et Edgar Pronio. Il a participé à plusieurs éditions du Festival des jeunes clarinettistes vénézuéliens. En 2006, Izaguirre s’est inscrit à l’école de jazz de l’Instituto Universitario de Estudios Musicales (IUDEM, Caracas) et a étudié le saxophone et la clarinette auprès de Pablo Gil. La même année, il a participé au premier Festival de clarinette de l’Académie latino-américaine de clarinette, organisé à Mérida, au Venezuela. Il est membre fondateur de l’association PROCLARI, organisation au sein de laquelle il a organisé le premier Festival international de clarinette du Costa Rica. Il a été responsable des sept premières éditions de ce festival. Il a également fondé et organisé le Concours international de clarinette José Manuel Ugalde Quirós pendant trois années consécutives. Il a étudié le jazz auprès de Walter Blanding, Victor Goines, Mike Holober, Nicolas Folmer, Pierre Bertrand, Jon Irabagon, Alejandro Aviles, Diego Urcola et Leo Blanco. En tant qu’artiste solo, il s’est produit en Argentine, en Colombie, en France, au Panama, au Mexique, au Paraguay, au Portugal, en Corée du Sud, en Uruguay et au Venezuela. Il a partagé la scène avec Stéphane Chausse et Diego Urcola. En 2014, il a enregistré son premier album, intitulé Invención, avec le Quatuor de clarinettes costaricain. Il s’agit d’une compilation d’œuvres du compositeur costaricien Vinicio Meza. Cette production a été nominée aux ACAM Awards 2016 dans la catégorie instrumentale. Un an plus tard, il a enregistré son premier album solo, Songoro, qui a également été nominé pour un ACAM Jazz Award 2016. Son deuxième album solo a été enregistré en 2016 aux côtés du guitariste Alonso Torres. Cette production, intitulée Quisiera decirte, a remporté le prix ACAM 2018 dans la catégorie Musique instrumentale. Sa carrière solo l’a vu se produire dans certaines des salles et festivals les plus importants du Costa Rica. [7]
8. Salsa marinera, Lenin Izaguirre, album Songoro, 2015.

Luis Muñoz, compositeur, arrangeur, producteur et percussionniste, est né à San José, au Costa Rica. En 1972, il entre à l’Université du Costa Rica et au Conservatoire national de musique, où il étudie l’architecture et la musique. En 1974, il obtient son diplôme de composition musicale à l’Université de Californie à Santa Barbara, sous la direction du célèbre compositeur britannique Peter Fricker. Luis Muñoz a écrit des musiques pour des documentaires, des films d’animation, des œuvres de danse et de théâtre, et s’est produit dans certains des plus grands festivals et salles de jazz au monde. En 1988, il signe chez CBS Records et enregistre La Verdad. En 1996, The Fruit of Eden, chez Fahrenheit Records, marque les débuts discographiques de Muñoz aux États-Unis. En 1998, sort Compassion, continuant ainsi à se positionner comme une force novatrice dans la musique instrumentale. En 2004, Muñoz a sorti Vida, salué par la presse musicale internationale. En 2006, M. Muñoz a reçu un prix ACAM au Costa Rica, en tant que compositeur/producteur de jazz de l’année. En 2007, est sorti Of Soul and Shadow, un enregistrement qui explore ses racines centraméricaines à travers les idiomes du folklore costaricien, de la musique classique et du jazz, fruit du travail collaboratif de plus de 25 musiciens. Luis Muñoz revient en 2010 avec Invisible, une fois de plus salué par la presse musicale internationale. En 2011, il remporte son deuxième prix ACAM du Compositeur de jazz de l’année. En 2013, sort un nouvel album, intitulé Luz, avec les chanteuses Magos Herrera (Mexique) et Téka Penteriche (Brésil). Une fois de plus, les médias internationaux soutiennent pleinement le projet. 2014 a été marquée par de nombreux changements pour Luis, notamment la formation de deux nouveaux ensembles : un trio avec Daniel Zimmerman aux guitares et Brendan Statom à la contrebasse, et un quatuor, avec l’arrivée du trompettiste Jonathan Dane. Un nouvel album a été enregistré avec ces deux groupes et la chanteuse guyanaise Lois Mahalia. Luis a également travaillé sur un CD entièrement vocal, intitulé Voz, en collaboration avec les fantastiques chanteuses Claudia Acuña, Magos Herrera et Teka Penteriche, sorti en septembre 2015. En 2017, il sort un autre CD, The Dead Man, un projet enregistré en studio avec son trio/quatuor, inspiré du nouvel éponyme de l’auteur uruguayen Horacio Quiroga. Luis Muñoz est un visionnaire de la musique et l’un des compositeurs de jazz les plus sensibles, mélodiques et talentueux d’aujourd’hui. [8]
9. Tierranegra, Luis Munoz, album The dead man, 2017.

Le groupe Proyecto Acústico a sorti son deuxième album musical, intitulé Ruta Panamericana. Cet album présente de nombreuses influences, notamment le jazz latino, la musique afrodescendante, la samba brésilienne, le jazz fusion, la mambo et le cha cha. Le matériel est désormais disponible sur la page Facebook officielle du groupe et est accessible à tous ceux qui souhaitent écouter un type de musique différent et original. Les pistes de l’album sont : Mambo Manía, Arrecife, Cha Cha Club, Después de ti, Afrodescendientes, Ruta Panamericana et Samba Son. Selon Carlos Romero, leader et compositeur du groupe, leur matériel est totalement nouveau et s’inspire du jazz. Il a affirmé qu’il s’agit d’une œuvre de jazz latin et que le groupe a une identité et s’efforce de produire un travail qui en vaut la peine. L’album comporte sept titres, et le titre principal s’appelle Ruta Panamericana. C’est une chanson écrite avec l’idée de cette autoroute qui traverse physiquement toute l’Amérique, dans le but d’unifier fondamentalement le sentiment et l’esprit américains. Le groupe a commencé son voyage en 2007 et a eu différentes formations. Au début, le groupe était composé des deux frères de Carlos : Mario Romero à la guitare et Juan Carlos Romero à la basse (qui est le bassiste actuel) ; Salvador Elías à la guitare ; José País à la batterie ; Ernesto Buitrago à la conga ; et Carlos Romero au vibraphone. Romero a souligné que le vibraphone est essentiellement un instrument de percussion joué avec des maillets, ce qui le distingue. L’album est né du besoin musical fondamental d’obtenir quelque chose que les musiciens ne peuvent pas obtenir avec d’autres types d’arrangements musicaux. [9]
10. Samba son, Proyecto Acustico, album Ruta panamericana, 2021.

Donald Vega est un pianiste de jazz et compositeur américain d’origine nicaraguayenne. Né à Masaya, au Nicaragua, ville réputée pour son artisanat, il souffre d’une importante fente palatine, qu’il a dû corriger à plusieurs reprises pour préserver son audition. Il fuit le pays à l’âge de 15 ans et arrive à Los Angeles en 1989. Il fréquente le lycée Crenshaw. À la fin des années 1990, il risquait d’être renvoyé dans son pays natal en raison de la loi de réforme de l’immigration de 1996. Grâce à l’aide d’amis et de soutiens, il est aujourd’hui résident légal. Donald Vega a suivi une formation classique de piano dans son Nicaragua natal. Lorsqu’il a émigré aux États-Unis à l’âge de 15 ans, il a trouvé un foyer musical à la Colburn School of Performing Arts. Il y a commencé ses études de piano classique avec Teresa de Jong Pombo et le Dr Louis Lepley. Vega a commencé à apprendre le jazz auprès de son mentor Billy Higgins au World Stage et a continué au CSPA avec Jeffrey Lavner, puis avec le bassiste John Clayton à l’Université de Californie du Sud. Lors de son séjour à Los Angeles, Donald a été encadré et a joué avec le célèbre conguero Francisco Aguabella, ainsi qu’avec le célèbre bassiste Al McKibbon. Il a ensuite obtenu son diplôme de la Manhattan School of Music et de la Juilliard School, où il a étudié avec les grands pianistes Kenny Barron, Phil Markowitz et Gary Dial. Vega est actuellement professeur à la Juilliard School, vit à New York et siège au conseil d’administration de Back Country Jazz, une organisation à but non lucratif qui propose des programmes d’éducation musicale et des concerts aux jeunes défavorisés. Sa discographie en tant que leader : As I Travel (2023), With Respect To Monty (2015), Spiritual Nature (2012), Tomorrows (2008). [10]
Extrait de son dernier album, avec Lewis Nash à la batterie, John Patitucci à la basse et Luisito Quintero à la conga.
11. Beautiful ladies, Donald Vega, album As i travel, 2023.

Nous concluons ainsi notre première approche du jazz latin en Amérique centrale, un aperçu général sans aucun doute. Il nous faut maintenant revenir sur chacun de ces pays avec une discussion plus détaillée de leurs musiciens et de leurs particularités. Nous espérons que vous l’avez apprécié et vous invitons à notre prochain épisode.