C’est du jazz latino 43

Le violon [1] s’adapte au rythme, aux rythmes afro-cubains, brésiliens et latins en général. Les violonistes de jazz latino ne se contentent pas de jouer des mélodies, mais peuvent aussi jouer des tumbaos, motifs rythmiques qui s’entremêlent aux percussions et à la basse, conférant au violon un swing unique. Un autre aspect remarquable est sa polyvalence texturale. Il peut sonner doux et aérien dans des ballades ou des chansons lentes, puis se transformer en un instrument vibrant et énergique dans un mambo ou une descarga, utilisant des techniques d’archet pizzicato ou plus agressives.

Pour compléter ces caractéristiques essentielles, le violon constitue un pont entre le classique, la musique populaire et le jazz. Le violon apporte un héritage classique qui fusionne avec l’énergie de la musique populaire latine et la liberté harmonique du jazz, créant un son unique, ni complètement classique, ni complètement traditionnel, ni simplement jazz.
Cet héritage musical diversifié s’inscrit dans la tradition des violonistes latins ou de ceux qui, bien que non latins, ont un style clairement enrichi avec cette tradition. Parmi eux, citons : Alfredo De La Fé, virtuose qui a propulsé le violon au premier plan de la salsa et du latin jazz avec une énergie et une fougue inégalée ; Federico Britos, maestro uruguayen à la sonorité chaleureuse et à l’incroyable polyvalence en jazz et musique latine ; et Omar Puente, violoniste cubain talentueux qui explore la fusion du jazz avec la musique afro-cubaine. Nous ajoutons à notre liste le violoniste vénézuélien Ali Bello, qui navigue entre le classique, le populaire et le jazz avec un style novateur qui embrasse explicitement la charanga.
En bref, la flûte et le violon, ancrés dans la musique traditionnelle cubaine, offrent un contraste sonore et une agilité mélodique qui enrichissent considérablement le tissu du jazz latino. Ce sont des instruments qui non seulement apportent la mélodie, mais interagissent aussi de manière complexe avec le rythme, créant des textures et des émotions qui les rendent véritablement uniques. C’est un plaisir de les voir revivre et explorer par les nouvelles générations de musiciens.

À Porto Rico, l’influence de la charanga cubaine était forte, mais elle était souvent fusionnée avec les sons de la bomba, de la plena et de la salsa locale. On peut citer comme exemples les groupes suivants : Manuel Rivera y Son del Monte et Los Macheteros, Manuel Rivera est un percussionniste portoricain qui a dirigé ce groupe, axé sur le son et la charanga brava. Son travail illustre parfaitement la façon dont la tradition de la charanga a été préservée et réinterprétée à Porto Rico et dans la diaspora.
La charanga dans la salsa portoricaine, bien plus que de simples charangas et bien que les traditions soient anciennes, comme celles de New York, à Porto Rico, l’influence de la flûte et des violons est plus fréquente dans les orchestres de salsa qui ne sont pas strictement des charangas. Par exemple, dans les enregistrements de salseros comme Bobby Valentín ou dans des projets spéciaux recherchant un « son charanga » pour certaines chansons.

Dans la brève histoire présentée ici de ces deux instruments, la flûte et le violon, inextricablement liés à la charanga et que l’on retrouve aujourd’hui dans le latin jazz, quelques considérations s’imposent. La migration des musiciens, nombre de ces groupes ont été formés par des musiciens cubains émigrés à New York ou par des musiciens portoricains et autres, formés sous l’influence directe des sonorités cubaines et des musiciens arrivés de l’île. Par adaptation et fusion, les charangas hors de Cuba ont souvent incorporé des éléments de salsa et de jazz, ce qui les a amenées à évoluer du format purement cubain du danzón et du cha-cha-cha vers un son plus « new-yorkais » ou adapté aux goûts locaux. Le format charanga a voyagé et s’est implanté dans d’autres pays, enrichissant encore davantage le vaste univers de la musique latine.
Parmi les charangas fondées à New York, il faut ajouter l’orchestre Tito Rodríguez. Bien qu’il ne s’agisse pas seulement d’une charanga, jouant d’autres rythmes, la charanga a été pendant un temps la force de son orchestre. Tito Rodríguez est reconnu comme l’un des trois grands du mambo (avec Tito Puente et Machito) et a eu une carrière très diversifiée. Son orchestre s’est aventuré dans le format charanga et a eu un impact significatif lors de la « Pachanga Craze » du début des années 1960. L’époque de la charanga de Tito Rodríguez illustre parfaitement la façon dont les grands chefs d’orchestre new-yorkais, déjà maîtres d’autres formats comme la mambo et le cha-cha-chá, se sont adaptés et ont excellé dans cette nouvelle tendance musicale cubaine qui déferlait sur la ville. Tito Rodríguez, visionnaire et toujours attentif aux tendances musicales, ne pouvait rester à l’écart de l’engouement pour la charanga. À la fin des années 1950 et au début des années 1960, le son des flûtes et des violons de la charanga conquit les salles de danse. Son album de 1961, Charanga Pachanga, est la preuve la plus convaincante de son incursion et de son succès dans ce format. Cet album regorge de cha-cha-cha et de pachangas de style charanga, démontrant sa polyvalence et celle de son orchestre à s’adapter aux instruments à vent et aux percussions typiques des charangas. Des chansons comme « Componte Cundunga » et « El Látigo » de cet album en sont très représentatives.
L’orchestre de Tito Rodríguez ne s’est pas exclusivement consacré à la charanga. Il a continué à interpréter et enregistrer des boléros, des mambos et des guarachas dans son style caractéristique. Cependant, son incursion dans la charanga fut remarquable et fructueuse, contribuant à populariser davantage ce son auprès du public latin de New York et d’ailleurs. Ce fut une période importante de sa prolifique discographie. La capacité de Tito Rodríguez à passer d’un format orchestral et d’un style musical à l’autre, tout en conservant sa qualité et sa touche personnelle, fait partie de ce qui fait de lui une légende. Son expérience de la charanga témoigne de cette polyvalence et de l’évolution constante de la musique latine à New York. Parmi les charangas (ou orchestres ayant fortement adopté le format charanga) fondés et couronnés de succès à New York, elle a joué un rôle important dans l’histoire musicale de cette ville et dans celle de la charanga dans la Grosse Pomme.

Xavier Cugat, [2] (Gérone, 1^er janvier 1900 – Barcelone, 27 octobre 1990), était un musicien et chef d’orchestre espagnol de naissance, cubain d’adoption et américain de formation. Il est considéré comme l’un des artistes ayant le plus influencé la musique populaire nord-américaine avec des sonorités latino-américaines. En tant que chef d’orchestre, il a dirigé plusieurs formations orchestrales, notamment : Xavier Cugat et Charo, Cugat et ses Gigolos, Xavier Cugat et son Orchestre, The Xavier Cugat Orchestra, et son nom figure parmi les célébrités inscrites sur le Hollywood Walk of Fame.
Il émigre très jeune à Cuba avec sa famille. Instinctivement attiré par la musique, il commence à étudier le violon et rejoint l’Orchestre du Théâtre national de La Havane, alors qu’il n’est pas encore adolescent, sous le nom de Francis Cugat.
Le 6 juillet 1915, la famille Cugat s’installe à New York. C’est là que Cugat fait ses débuts dans le monde du spectacle, jouant avec un groupe musical appelé The Gigolos, spécialisé dans le répertoire musical du tango, une danse très populaire à l’époque. Il travaille ensuite comme dessinateur au Los Angeles Times, se spécialisant dans la caricature.
À la fin des années 1920, avec l’avènement du cinéma sonore, il fonde un nouvel orchestre, apparaissant d’abord dans des courts métrages, puis dans des longs métrages. Parallèlement, son orchestre inaugura, en 1931, la saison de l’hôtel Waldorf-Astoria, où il fut une attraction régulière. Il resta directeur de l’orchestre jusqu’en 1949.
Il connut un grand succès en 1940 avec l’enregistrement de la chanson Perfidia, interprétée par Miguelito Valdés, qui devint un standard de la musique lente. Depuis, de nombreux enregistrements de chansons latino-américaines au rythme de la conga et basés sur le tempo de la mambo et du cha-cha-cha suivirent, jusqu’à atteindre le twist de la fin des années cinquante.
1 Misirlou, Xavier Cugat and his orchestra, album Vinilo, 7", 45 rpm, single, 1953.

Federico Britos (1939), né à Montevideo, en Uruguay, Federico a commencé le violon à l’âge de cinq ans. George Boulanger, violoniste roumain, lors d’une tournée en Uruguay, a créé l’une de ses pièces, « Capricho Uruguayo » ; Federico avait alors onze ans. Il a eu l’occasion de rencontrer David Oistracht et Jasha Heifetz et de se produire devant eux chez son professeur, Adolph Bornstein. Tous deux ont convenu qu’il était un musicien doué, capable de jouer aussi bien du classique que du jazz.
Ayant occupé les fonctions de premier violon, de soliste et, plus tard, de premier violon auprès de grands orchestres symphoniques d’Uruguay, du Venezuela, du Pérou, de Cuba et des États-Unis (Miami), Federico a effectué de nombreuses tournées en Amérique et en Europe. Il a ensuite joué avec certains des plus grands musiciens d’Amérique latine, tels qu’Astor Piazzolla, Horacio Salgan, Bola de Nieve, Cachao, João Gilberto, Dorival Caimi, Vinicio de Moraes, Armando Manzanero et Tania Libertad. Il a également eu l’occasion de partager son talent exceptionnel avec Dizzy Gillespie, Dexter Gordon, Duke Ellington, Nat King Cole, Woody Herman, Benny Goodman, Bucky Pizzarelli, Charlie Haden, Ken Peplowski, Eddie Higgins et Charlie Byrd.
Il a également effectué des tournées en Europe avec le Hot Club USA et Franck Vignola.
Compositeur, Federico a écrit et enregistré de nombreuses œuvres pour orchestre, ensemble de chambre, ballet et danse. Il a également composé de la musique pour le cinéma, la télévision et le théâtre. Son inspiration inépuisable n’a d’égale que son talent inépuisable pour l’improvisation. [3]
2 Isla de Flores Federico Britos, album Candombe y jazz, 2002.

Alfredo De La Fé (1954) est un violoniste d’origine cubaine basé à New York. Il a adapté le violon à la musique de danse traditionnelle colombienne, créant ainsi une salsa innovante et des musiques latino-américaines. Premier violoniste soliste à se produire avec un orchestre de salsa, il a effectué plus de trente tournées mondiales, se produisant en concert et participant à plus de 100 albums d’artistes latinos de renom, dont Eddie Palmieri, Tito Puente, Celia Cruz, José Alberto « El Canario », Cheo Feliciano, The Fania All-Stars, Santana et Larry Harlow.
De La Fé commença à étudier le violon au Conservatoire Amadeo Roldán de La Havane en 1962. En 1964, il reçut une bourse pour intégrer le Conservatoire de Varsovie, en Pologne. En 1965, il interpréta des compositions de Mendelssohn et de Tchaïkovski avec l’Orchestre du Metropolitan Opera au Carnegie Hall. Une bourse de Juilliard Arts lui permit de poursuivre ses études. Il lança sa carrière professionnelle à l’âge de 12 ans, passant de la musique classique à la salsa et acceptant une invitation à rejoindre l’orchestre du musicien de charanga José Fajardo en 1966.
En 1972, il rejoint l’orchestre d’Eddie Palmieri. Il y reste cinq ans, avant de s’installer temporairement à San Francisco où il rejoint Santana en 1976. De retour à New York, il rejoint Típica 73 en 1977. Deux ans plus tard, il sort son premier album solo, Alfredo, et est nommé pour trois Grammy Awards. En 1980, De La Fé signe avec Sars All Stars et produit trente-deux albums pour le label latin. Son deuxième album solo, Charanga ’80, sort la même année. En 1981, il devient directeur musical du Latin Percussion Jazz Ensemble de Tito Puente. Il reprend sa carrière solo avec l’album Triunfo. Après s’être installé en Colombie en 1983, et sort trois albums – Made in Colombia, Dancing in the Tropics et Alfredo De La Fé Vallenato – à la fin des années 1980.
3 Guajira pa ti, Alfredo De La Fe, album Dancing jazz, 2018.

La musique de David Rimelis, (1960) a touché des vies dans le monde entier. Interprète, compositeur et éducateur, il a influencé jeunes et moins jeunes. Sa voix claire et harmonisée embrasse mélodie, rythme et joie pure ! David a parcouru quatre continents, se produisant au sein de nombreux groupes et en solo. Sa musique a connu un succès bien plus grand. Il est également apparu à la télévision dans diverses situations. Plus récemment, il a commencé à animer une émission pour enfants le samedi matin, « Uncle Dave’s Music Party », sur YouTube et Facebook Live. David croit profondément à l’importance de révéler les aspects les plus positifs de l’humanité, et sa musique reflète parfaitement cette perspective. Des orchestres du monde entier ont interprété sa musique, notamment le Boston Pops, le National Symphony, le Baltimore Symphony, le Jazz at Lincoln Center Orchestra, le Detroit Symphony, le San Francisco Symphony, le Louisiana Philharmonic, le Royal Liverpool Philharmonic, le St. Louis Symphony, le Western Australia Symphony, le Minnesota Symphony, l’Atlanta Symphony, le New Jersey Symphony, le New York Pops, le New Jersey Pops Jazz et le Mel Lewis Jazz Orchestra. [4]
4 Feel the fear and do it anyway, David Rimelis, 2023.

Omar Puente (1961) est un violoniste et musicien de jazz d’origine cubaine, vivant actuellement en Angleterre. On le décrit comme « un violoniste classique au cœur battant au rythme cubain, à l’âme africaine et originaire du West Yorkshire ».
Puente est né à Santiago de Cuba en 1961, pendant la révolution cubaine, d’une mère infirmière et d’un père médecin. Il commence le violon à l’âge de cinq ans et étudie à l’école de musique Esteban Salas de Santiago. À 12 ans, il obtient une bourse pour étudier la musique classique à l’Escuela Nacional de Arte de La Havane pendant six ans. Il poursuit ensuite une carrière de musicien classique, termine ses études supérieures à l’Instituto Superior de Arte, puis rejoint l’Orchestre symphonique national de Cuba (NSOC), dont il devient premier violon. Pendant cette période, il s’initie à la musique populaire cubaine et au jazz, auprès de musiciens tels que Chucho Valdes et Arturo Sandoval, et joue dans des clubs. Après avoir quitté le NSOC, il effectue des tournées mondiales avec des formations telles que l’orchestre de José María Vitier et l’Orquesta Enrique Jorrín (avec Ruben Gonzalez du Buena Vista Social Club).
Depuis son installation en Angleterre, Puente enseigne la musique cubaine et le violon jazz au Leeds College of Music, au Trinity College of Music et à la World Heart Beat Music Academy, tout en maintenant des liens avec des musiciens cubains. Il s’est produit avec l’Orchestre des jeunes Simón Bolívar du Venezuela, a composé la musique d’un ballet de Carlos Acosta, s’est produit à Londres avec Nigel Kennedy, Eddie Palmieri et le regretté Tito Puente (aucun lien de parenté), et a collaboré à un projet jazz avec le Royal Philharmonic Orchestra. Parmi les musiciens célèbres avec lesquels il a joué figurent le guitariste John Williams, le pianiste Robert Mitchell, Jools Holland, Kirsty MacColl, Ibrahim Ferrer et Omara Portuondo. Puente est un membre régulier du groupe du saxophoniste Courtney Pine, qui a produit son premier album solo From There to Here (2009).
5 My Mrs, Omar Puente, album From there to here, 2009.

James Sanders (1964), de retour à Chicago en 1989 après avoir obtenu une maîtrise en interprétation à l’université Yale, il se considérait comme un musicien classique. S’il a rapidement décroché une place au Chicago Sinfonietta (place qu’il occupe toujours), une rencontre fortuite avec la légende du violon jazz Johnny Frigo a transformé son approche de la musique à jamais.
Au cours des 30 années suivantes, Sanders a perfectionné ses talents de leader et de collaborateur dans divers contextes : jazz latino, improvisation libre, swing manouche, straight-ahead, blues, third stream et bien d’autres, tout en conservant sa place d’orchestre. Il s’est produit dans le monde entier, notamment lors de grands festivals de jazz en Italie, au Brésil, en Pologne et, bien sûr, à Chicago. Il a fondé l’ensemble de jazz latino James Sanders’ Conjunto en 2001. En 2022 et 2023, Conjunto a collaboré avec le Centre culturel Segundo Ruiz Belvis pour créer Stories From the West Side, deux projets alliant musique, danse et récits afin d’explorer les expériences de vie des communautés latinos historiques de Chicago.
En plus de Conjunto, il dirige le Blue Violin Quartet, un ensemble dédié au jazz pur et dur. Il collabore régulièrement avec les membres du collectif AACM de Chicago. Sanders est également membre de l’ensemble musical Cerqua Rivera Dance Theatre, où il a composé des œuvres originales pour la danse. En 2013, il a fondé Proyecto Libre, un ensemble qui puise autant dans l’improvisation libre que dans les traditions afro-latines.
James est toujours violoniste classique et membre du Chicago Sinfonietta depuis 1993. Il a développé un programme d’enseignement des fondamentaux de l’improvisation pour les instrumentistes à cordes de formation classique. Il enseigne et coordonne également le programme d’instruments à cordes du district scolaire d’Arlington Heights, dans l’Illinois et est membre du corps enseignant du Music Institute of Chicago. [5]
5 Latin flow, James Sanders & Conjunto, album Evidencia, 2022.

Gregor Huebner (1967, Stuttgart) est un compositeur, violoniste et pianiste allemand, particulièrement connu pour ses projets jazz. Huebner, qui a grandi au bord du lac de Constance, a étudié le violon à la Hochschule für Musik de Vienne et à la Hochschule für Musik de Stuttgart auprès de Florian Zweiauer et Gerhard Voss après avoir obtenu son diplôme du Spohngymnasium de Ravensburg, ainsi que le piano jazz et la composition. Il a obtenu un master avec mention à la Manhattan School of Music de New York en 1996.
Depuis 1985, Il collabore avec le groupe Tango Five, qui s’est produit aux Expositions universelles de 1992 (Séville) et de 2000 (Hanovre), ainsi qu’aux Jeux olympiques d’Athènes de 2004, et aux festivals de tango de Montevideo et de Buenos Aires en 1998.
Huebner a interprété des pièces de Cecil Taylor avec le Quatuor à cordes Dominic Duval. Entre 1995 et 1999, il a été membre de l’orchestre de chambre Philharmonia Virtuosi. C’est pour cet orchestre qu’il a composé son œuvre orchestrale In Memoriam Bela. Son œuvre New York Stories a été interprétée par l’Orchestre symphonique de Pittsburgh en avril 2004.Depuis 1996, il collabore avec le pianiste de jazz Richie Beirach. Leur album commun Round about Federico Mompou (avec George Mraz) a été nominé aux Grammy Awards dans la catégorie « Meilleur album de jazz latin ». Avec Charlie Mariano et Beirach, il a enregistré l’album lyrique Beauty, et avec la chanteuse Jutta Czurda, il a enregistré des chansons de Kurt Weill. Depuis 2002, Hübner dirige le Gregor Huebner New York NRG Quartet avec Luis Perdomo, Hans Glawischnig et Billy Hart. Il a également été membre des groupes latins new-yorkais Jovenes del Barrio, Son Radical et Eye Contact. Il a également travaillé avec Dianne Reeves et Uri Caine. Avec l’ensemble à cordes Sirius Quartet, qui évolue entre classique et jazz.
6 Gitano Yambu, Gregor Huebner, album El violίn latino vol 2, 2016.

Alί Bello, né au Venezuela, (1975) est devenu l’un des violonistes les plus reconnus et les plus recherchés de la scène new-yorkaise. Il s’est distingué par sa polyvalence dans différents styles de musique latine et de jazz, ainsi que par sa solide formation classique et ses talents d’improvisateur. Alí a débuté sa formation musicale au sein du Système national des orchestres de jeunes du Venezuela, son pays natal. Son éducation musicale a été guidée par de grandes figures de la scène musicale, dont José Antonio Abreu, créateur et fondateur d’El Sistema. M. Abreu est internationalement reconnu comme l’instigateur du programme vénézuélien d’éducation musicale, diffusé à travers le monde, et de l’Orchestre symphonique Simón Bolívar du Venezuela. Il a également été le mentor de plusieurs artistes internationaux, notamment le directeur musical de l’Orchestre philharmonique de Los Angeles, Gustavo Dudamel.
Pour poursuivre sa carrière, Alí ​​a quitté Caracas pour New York. Il s’est immédiatement impliqué activement dans la scène jazz et latine locale, développant ses talents dans les multiples univers musicaux de la ville. Son talent s’étend à de nombreux genres, dont le jazz, la musique classique, la pop, le R&B, la musique du Moyen-Orient, le flamenco et, plus particulièrement, les nombreux styles de musique sud-américaine. [6]
7 Caracas, Alí Bello & The Sweet Wire Band, album Inheritance 2020.

On a beaucoup parlé de la maîtrise du violon de Maureen Choi, 1983, ces dernières années : « C’est la nouvelle grande voix du violon jazz », « Elle chante avec son violon », « C’est un jeune talent incroyable ». Choi est une violoniste unique qui allie avec brio la virtuosité de la musique classique à l’improvisation et aux sonorités et rythmes de la diaspora espagnole.
Maureen est une violoniste de formation classique passionnée de composition et d’improvisation. Depuis 1993, ses performances et collaborations primées ont parcouru plusieurs continents et ont intégré des influences musicales diverses, contribuant toutes à créer son son unique, résolument ancré dans le latin jazz.
Elle a suivi une formation classique à l’université d’État du Michigan, où elle a été initiée au jazz. En 2010, elle a obtenu une bourse pour étudier au Berklee College of Music de Boston, consolidant ainsi sa passion naissante pour le langage et la technique de l’improvisation au violon. Outre ses concerts dans le monde entier, Maureen est actuellement basée à Madrid et enseigne au Berklee College of Music de Valence ainsi qu’à l’Escuela de la Música Creativa de Madrid. Elle est compositrice et leader de son quatuor diversifié, composé de musiciens flamenco-jazz de formation classique.
Son premier album de jazz, Maureen Choi Quartet, 2011, a été salué par la critique sur les radios américaines et dans des publications telles que Jazziz Magazine et Jazz Corner, et est resté dans le Top 50 d’All About Jazz pendant plusieurs mois. Son deuxième album, Ida y Vuelta, a été salué comme « L’un des groupes les plus originaux, intéressants et surprenants de la scène actuelle » (Oscar Gómez), le Maureen Choi Quartet offre une performance live captivante, composée de compositions et d’arrangements originaux de morceaux traditionnels espagnols et latino-américains. [7]
9 Tacones lejanos, Maureen Choi, album Arturo Cardelús : Con Aire de Tango, 2015.

Le violon constitue un pont entre le classique, la musique populaire et le jazz. Le violon apporte un héritage classique qui fusionne avec l’énergie de la musique populaire latine et la liberté harmonique du jazz, créant un son unique. Cet héritage musical diversifié s’inscrit dans la tradition des violonistes latins ou de ceux qui, bien que non latins, ont un style clairement enrichi avec cette tradition. Vous êtes déjà invités pour le prochain épisode.