C’est du jazz latino, épisode 20

La rencontre de Jane Bunnett et du groupe Maqueque est aujourd’hui l’une des manifestations les plus vibrantes de rencontres heureuses entre musiciens. Mary Jane Bunnett, (née le 22 octobre 1956) est une musicienne et éducatrice canadienne. Saxophoniste soprano, flûtiste et chef d’orchestre, elle est surtout connue pour son jazz afro-cubain. Elle a changé d’instruments, de la poursuite de sa carrière de pianiste classique à 20 ans, au jazz et à la flûte et au saxophone soprano.

Bunnett a fondé et dirige un groupe afro-cubain / jazz entièrement féminin, Maqueque. Le groupe a remporté un prix Juno (meilleur album de jazz de groupe de l’année en 2014 pour son premier CD) et remporté deux nominations aux Grammy Awards, tandis que Bunnett elle-même a remporté quatre prix Juno supplémentaires. Cette célèbre saxophoniste et flûtiste canadienne et le groupe Maqueque, formé de jeunes musiciennes cubaines dévoués et efficaces, fusionnent dans un jazz latino qui en même temps prolonge la tradition et introduit des innovations.

Ici, la controverse entre l’ancien et le moderne perd son sens, ils se stimulent et s’exigent mutuellement. Jouant avec le feu, ni plus ni moins, ce projet irrévérencieux composé exclusivement de femmes qui n’est pas sans rappeler le groupe mythique Anacaona1.

De la même manière, elles questionnent la séparation entre musique cultivée et musique populaire, elles réunissent le classique et le moderne dans de belles mélodies et des rythmes contagieux qui errent à travers des genres qui vont du classique au contemporain, en passant par le rock, la musique brésilienne et caribéenne, latino-américaine et jazz. Avec Jane Bunnett et le groupe Maqueque, le latin jazz devient délicieusement féminin. De l’album Oddara, nous avons sélectionné la pièce « Dream ».
Leurs productions : Jane Bunnett et Maqueque 2014, Oddara 2016 et Playing with Fire 2023.

Pablo Ziegler (né le 2 septembre 1944) est un compositeur, pianiste, arrangeur argentin basé à New York. Il est actuellement le principal représentant du new tango, grâce à ses compétences et à la réputation qu’il a acquises tout en travaillant intensivement en tant que pianiste régulier d’Ástor Piazzolla de 1978 jusqu’à la retraite du maestro pour des raisons de santé en 1989. Il a joué avec Conjunto 9 reformé par Piazzolla en 1983 pour son concert au Teatro Colón avec l’Orchestre philharmonique de Buenos Aires. En 1985, Ziegler compose la musique du film Adios Roberto et en 1990, il crée le New Tango Quartet.

L’album Jazz Tango a rendu le Pablo Ziegler Trio digne du Grammy 2018 du meilleur album de jazz latino, il propose un programme qui synthétise la formule du titre de son album. Sa première moitié commence avec « Michelangelo 70 », une composition du pionnier du Nuevo Tango, Astor Piazzola, avec Ziegler au piano, Héctor Del Curto au bandonéon et Claudio Ragazzi à la guitare. S’ensuivent des œuvres du pianiste lui-même, installé comme ses confrères aux Etats-Unis, plus spécifiquement dans le milieu du jazz new-yorkais : avec des morceaux comme « La Fundición », « Milongo Del Adios », « Buenos Aires Report » et « Blues Porteño », ce trio soutient et enrichit la fusion initiée par Piazzola.

Dans la seconde moitié, la même formule efficace, des œuvres du maestro Piazzolla, « Fuga y Misterio », « Libertango », et des œuvres de Ziegler, « Elegante Canyenguito », « La Rayuela », « Muchacha De Boeda ».

Entre les mains de ces maîtres du jazz tango, et de bien d’autres, se trouve la présence argentine, aux côtés de celle des Caraïbes, du Brésil, du Mexique, du riche folklore et de la musique populaire latino-américaine dans ce "nouveau" genre du jazz latino, expression de la modernité musicale du continent. Écoutons, de l’album Jazz Tango, « Michelangelo 70 ».

Avec plus de trente albums à son actif, le compositeur et pianiste brésilien Antonio Adolfo a maintenant évoqué un hymne vraiment attrayant au maître saxophoniste et compositeur Wayne Shorter. La sélection des morceaux est excellente car elle démontre clairement à quel point la figure de Shorter est essentielle pour le jazz. Elle ne reproduit pas la collection Blue Note de 1988, The Best of Wayne Shorter mais comprend trois numéros de cet album dans Hybrido - From Rio to Wayne Shorter, de 2017, voici ses titres : Ana Maria, Afrosamba, E.S.P., Speak No Evil, Black Nile, Prince of Darkness, Beauty and the Beast, Footprints, Deluge.

Nous parlons de rencontres et Antonio Adolfo sait que « le mélange de différentes races et cultures est irréversible dans le monde d’aujourd’hui » et que « dans la musique, cette tendance existe depuis longtemps ». C’est avec cette conscience qu’il travaille sa rencontre avec Wayne Shorter et sa musique dans cet album, un hommage en vie du grand saxophoniste et compositeur de jazz américain, décédé très récemment, le 2 mars 2023 à Los Angeles, California. Un musicien dont la notoriété dans l’avant-garde du jazz des dernières décennies et dont l’influence sur les générations de musiciens qui lui ont succédé et lui succéderont est inestimable. En tout cas, parmi les musiciens de jazz latino, sa présence est notable : rappelons-nous les interprétations de Danilo Pérez, le pianiste panaméen qui l’a accompagné au cours des dernières années, la version de « Footprints » de Dave Valentin, ses collaborations avec Milton Nascimento (1975) et avec Carlos Santana (1988). Ce n’est pas un hasard si l’influence de la musique de cultures autres, africaines, asiatiques, caribéennes, est également notable dans Shorter.

Toutes les compositions de cette production d’Antonio Adolfo, sauf une, sont de Shorter, ce qui n’enlève rien à sa créativité, au contraire. Réaliser des versions notables des pièces de Shorter n’est pas du tout évident. Nous allons écouter la version de « Deluge » qu’Adolfo fait du morceau de Shorter, publiée pour la première fois sur l’album Juju de 1964, elle ouvre l’album de Shorter et aussi celui d’Adolfo, avec des changements rythmiques importants, à la trompette et au piano qui nous plongent dans l’atmosphère du "côté latin" de Wayne Shorter.

Marcello Gonçalves, l’un des guitaristes à sept cordes les plus acclamés du Brésil, nominé aux Grammy Awards, est reconnu internationalement non seulement comme un interprète stellaire, mais aussi en tant que directeur musical, arrangeur, producteur et éducateur recherché. Sa sonorité infiniment chaude de cordes de nylon, sa large gamme sonore et sa finesse rythmique irrépressible peuvent produire un son aussi plein qu’un orchestre, révélant des racines profondément ancrées dans les traditions de la musique populaire, folklorique et classique brésilienne. La synthèse créative par Gonçalves de tous ces éléments a élevé son art à un niveau rare et transcendant.

Anat Cohen est une clarinettiste de jazz, saxophoniste et chef d’orchestre de New York, nominé aux Grammy Awards, originaire de Tel Aviv, en Israël. Cohen a commencé à jouer de la clarinette et du saxophone et, en 1996, a étudié au Berklee College of Music. Elle a également enregistré avec ses frères Avishai Cohen (trompettiste) et Yuval Cohen (saxophoniste alto et soprano). Son premier album, Place & Time, avec Jason Lindner, Ben Street, Jeff Ballard et Avishai Cohen, est sorti en 2005 sur Anzic Records. Son dernier disque Happy Song est sorti en 2017 également sur Anzic Records.

Anat Cohen, clarinettiste, et Marcello Gonçalves, guitariste, se rencontrent pour publier l’album Outra Coisa en 2017, un hommage à Moacir Santos et à sa musique. Moacir, musicien brésilien incontournable, clarinettiste, saxophoniste, compositeur, un de ceux qui ont fait connaître la musique brésilienne sous d’autres latitudes, notamment aux États-Unis. Il avait connu le jazz au Brésil et dans le pays du jazz il a introduit une tonalité afro-brésilienne qui, avec d’autres rythmes d’origine latine, a nuancé le jazz et a donné naissance au jazz latino.

On retiendra de cette production de Cohen et Gonçalves, où clarinette et guitare conversent avec enthousiasme dans leur hommage à Moacir Santos, la pièce « Maracatucutê ».

Dafnis Prieto (né le 31 juillet 1974) est un batteur, compositeur, chef d’orchestre et éducateur cubano-américain. Dans sa ville natale de Santa Clara, à Cuba, Prieto a étudié les percussions et la guitare. Pendant son adolescence, il a déménagé à La Havane pour étudier à l’École nationale de musique. Il s’est concentré sur la musique classique et la musique afro-cubaine avant de s’intéresser davantage au jazz. En 1999, alors qu’il avait vingt-cinq ans, Prieto a déménagé à New York, où il a travaillé avec Eddie Palmieri, Carlos Barbosa-Lima, Arturo O’Farrill, Dave Samuels et Michel Camilo, entre autres. Prieto a dirigé des classes, des cliniques et des ateliers. De 2005 à 2015, il a été membre de la faculté de musique de l’Université de New York. Depuis 2015, il enseigne à la Frost School of Music de l’Université de Miami, en Floride.

S’agissant de rencontres et d’hommages, Dafnis Prieto rend hommage au jazz latino dans son album de 2018 Back to the Sunset. Jack Bowers déclare à l’occasion de la réception de l’album : « En hommage au jazz latino-américain, ceci est exemplaire. Plus que cela, c’est un album dont l’intensité rythmique, le discernement harmonique, l’éclat intuitif et la dynamique de groupe impressionnante devraient enthousiasmer les amateurs de jazz de tous bords ».

Plusieurs de ses ancêtres sont présents dans ses arrangements pour format big band. Prieto fait des dédicaces à Gillespie et Pozo (« Le voyage triomphant »), Bauza et les O’Farrill, Chico et Arturo (« Chanson pour Chico »), ainsi qu’à Puente, Eddie Palmieri, Egberto Gismonti, Jerry Gonzalez, Michel Camilo, Chucho et Bebo Valdes, Art Blakey, Jane Bunnett, Bobby Carcasses, Dave Samuels et Buddy Rich. D’eux, nous avons pris « Song for Chico » où se démarquent les interventions de Steve Coleman au sax, Roberto Quintero aux congas et bongos, du trompettiste Nathan Eklund et Dafnis Prieto à la batterie et aux arrangements.

Eddie Daniels (né le 19 octobre 1941) est un musicien et compositeur américain. Bien qu’il soit surtout connu comme clarinettiste de jazz, il a également joué du saxophone et de la flûte ainsi que de la musique classique à la clarinette. Daniels est né à New-York dans une famille juive. Sa mère a émigré de Roumanie. Il a grandi dans le quartier de Manhattan Beach à Brooklyn à New York.

Il s’est intéressé au jazz à l’adolescence lorsqu’il a été impressionné par les musiciens accompagnant des chanteurs, comme Frank Sinatra, sur les enregistrements. Le premier instrument de Daniels était le saxophone alto. À l’âge de treize ans, il jouait également de la clarinette et à l’âge de quinze ans, il avait joué au concours des jeunes du Newport Jazz Festival.

Rencontres, hommages, Heart of Brazil : A Tribute to Egberto Gismonti, 2018, d’Eddie Daniels est un hommage au virtuose musicien brésilien Egberto Gismonti, nominé au Grammy 2019 du meilleur album de jazz latino. À son tour, le virtuose de la clarinette Eddie Daniels rend hommage au multi-instrumentiste brésilien dans ce projet. Pour cela, Daniels se produit avec le trio formé du pianiste Josh Nelson, du bassiste Kevin Axt et du batteur Mauricio Zottarelli, ainsi qu’avec le Harlem Quartet. Heart of Brazil compile des compositions issues des albums emblématiques de Gismonti des années 1970. Gismonti déclare dans son entretien avec l’auteur acclamé James Gavin : « Quand j’ai entendu l’album, j’ai ressenti une immense joie… Le répertoire couvre une période riche de mon travail de compositeur. Quel beau cadeau pour mes soixante-dix ans de vie ».

Daniels excelle aussi bien dans le jazz que dans la musique classique. Il se fait d’abord remarquer comme saxophoniste, puis se convertit à la clarinette, bien qu’il joue de cet instrument depuis l’âge de treize ans. Sa particularité est la combinaison du jazz et de la musique classique, son ambition est d’élargir les deux et d’abattre le mur qui les sépare. Gismonti, en plus de sa virtuosité de multi-instrumentiste, a créé une œuvre qui fusionne la musique populaire brésilienne et la musique classique, en les enrichissant de son génie d’improvisateur et des connaissances acquises lors de sa rencontre avec les peuples indigènes d’Amazonie. De Heart of Brazil : A Tribute to Egberto Gismonti, d’Eddie Daniels, nous entendrons « Água & Vinho ».

Bobby Sanabria (né le 2 juin 1957) est un batteur, percussionniste, compositeur, arrangeur, producteur, éducateur, animateur radio d’origine portoricaine et spécialisé dans le jazz et le latin jazz. Il est le directeur musical de Quarteto Aché, Sexteto Ibiano, Ascensión et son Multiverse Big Band. Il est membre de la faculté de la New School for Jazz and Contemporary Music NYU et pendant vingt ans, il a fait partie de la faculté de la Manhattan School of Music de New York. Sept albums de Sanabria ont été nominés pour un Grammy Award, Afro-Cuban Dream : Live & In Clave (2000), 50 ans de Mambo - Un hommage à Damaso Pérez Prado (2003), Big Band Urban Folktales (2007) Kenya revisité en direct (2009), Tito Puente Masterworks Live (2011), Multiverse (2012), West Side Story Reimagined (2018) qui a également été nommé Record of The Year par la Jazz Journalist’s Association (2019). Il a reçu de nombreux prix et distinctions, notamment le prix Le JENS of Latin Jazz Award 2018 Keepers of the Flame Lifetime Achievement Award en reconnaissance de son leadership et de son innovation dans le latin jazz et le New York International Salsa Congress 2019, David Melendez Lifetime Achievement Award pour ses contributions à la musique latine.

Bobby Sanabria et le MultiVerse Big Band rendent hommage à West Side Story, la production scénique qui a redéfini la comédie musicale américaine. Réimaginé, avec une partition instrumentale de jazz latino, il célèbre le centenaire du compositeur Leonard Bernstein (1918-2018).

Selon Sanabria, « le génie de Bernstein dans l’utilisation du triton, de l’intervalle d’harmonie jazz, ainsi que de divers styles musicaux latino-américains, est quelque chose qui n’a jamais été entendu sur la scène de Broadway ». Bobby Sanabria et le MultiVerse Big Band West Side Story Reimigined de 2018, développe les styles latino-américains originaux utilisés par Bernstein pour inclure le joropo vénézuélien, la bombe et la plena portoricaines, le merengue dominicain, la samba et la samba canção brésiliennes, le mambo, le cha-cha-cha, le boléro, le son montuno cubains, la musique avec des racines dans l’Afrique de l’Ouest, le bembé, le funk et le swing américain. Parmi les travaux de ce prolifique musicien Nuyorican : I Like It Like That : The Story of Latin Boogaloo (PBS, 2009) et Latin Music U.S.A. (PBS, 2007), From Mambo to Hip Hop (Bravo, 2003), The Palladium Where Mambo Was King (2011), à cela il faut ajouter avec Bobby Sanabria et le MultiVerse Big Band West Side Story Reimigined de 2018 et ce qui a suivi.

West Side Story est une comédie musicale basée sur un livre d’Arthur Laurents, avec une musique de Leonard Bernstein, des paroles de Stephen Sondheim, conception et chorégraphie de Jerome Robbins. Elle a été inspirée par la pièce Roméo et Juliette de William Shakespeare. L’histoire se déroule dans le quartier de l’Upper West Side de New York au milieu des années 1950, une communauté ethnique et ouvrière — au début des années 1960, une grande partie du quartier a été dégagée dans le cadre d’un projet de rénovation urbaine pour le Lincoln Center, qui a changé le caractère du quartier. La comédie musicale explore la rivalité entre les Jets et les Sharks, deux gangs de rue d’adolescents d’origines ethniques différentes. Les membres des Sharks, originaires de Puerto Rico, sont moqués par les Jets, un gang blanc. Le jeune protagoniste, Tony, ancien membre des Jets et meilleur ami du chef de gang Riff, tombe amoureux de Maria, la sœur de Bernardo, le chef des Sharks. Le thème sombre, la musique sophistiquée, les scènes de danse étendues et l’accent mis sur les problèmes sociaux ont marqué un tournant dans le théâtre musical américain. La version cinématographique musicale de 1961 a remporté dix Oscars.

Extrait de l’album West Side Story Reimagined, 2018, avec Bobby Sanabria Multiverse Big Band, écoutons « The Rumble/Rumba ».

Né dans la province de Pinar del Río à Cuba, le pianiste et compositeur Elio Villafranca a reçu une formation classique en percussion et en composition à l’Instituto Superior de Arte de La Havane, Cuba. Depuis son arrivée aux États-Unis au milieu des années 90, Elio Villafranca est à l’avant-garde de la dernière génération de pianistes, compositeurs et chefs d’orchestre. Son concert Letters to Mother Africa a été sélectionné par NYC Jazz Record comme « Best Concerts » en 2016.

Cinque, ce double album est une suite de cinq mouvements inspirés de l’histoire de Joseph Cinque, qui en 1839 a mené une révolte réussie à bord du bateau négrier La Amistad, quelques jours après avoir été vendu et transporté dans une plantation de canne à sucre à Cuba. Le projet le plus ambitieux d’Elio aujourd’hui met en valeur la diversité culturelle des cinq îles des Caraïbes que sont Cuba, Porto Rico, Haïti, la République dominicaine et la Jamaïque ; tout en mettant en lumière l’héritage musical congolais tissé dans le tissu de chacune de ces diverses nations, et pourtant unifié par la migration forcée des Africains vers les Amériques.

La rencontre dont nous parle Elio Villafranca dans l’album Cinque (2019), n’est pas celle de deux musiciens ou de deux genres musicaux, c’est celle de trois continents qui a commencé en 1492, disent les manuels d’histoire, même s’il y a probablement déjà eu des rencontres auparavant, comme les plus récentes études archéologiques et génétiques sur l’origine de l’homme américain semblent le démontrer. Une rencontre qui ne cesse pas et qui a été et est toujours à la fois désaccord, découverte et dissimulation, incompréhension, xénophilie et xénophobie. Celle des Américains, des Européens et des Africains entre eux et à l’intérieur de chacun d’entre nous, dans cette saga qui est à l’origine de la modernité globale mais pas dans celle des pays latins dont les peuples maintiennent des modes de vie qui ne leur permettent pas d’atteindre leur potentiel, à cause de gouvernements corrompus et dictatoriaux en alliance avec les mafias des empires qui se partagent le monde.
Une des choses générées par cette histoire qu’il ne faut pas regretter, c’est cette musique, un récit de cette épopée qui veut, comme le dit Raul Da Gama « surmonter les défis et apporter des changements spirituels positifs, nous donner une préfiguration appropriée du voyage à venir », comme dans cette « Part I of Cinque Suite of the Caribbean », d’Elio Villafranca, dans son album Cinque, 2019.