C’est du jazz latino 19 (Colombia)

Le jazz latino s’enrichit, comme cela a déjà été souligné, de toutes les racines culturelles qui convergent dans ce vaste continent, d’origines autochtones américaines, africaines, européennes et autres. Si le jazz est dès ses origines une affaire euro-afro-latino-américain, le jazz latino a encore plus de raisons de revendiquer cette diversité.

Les musiciens colombiens, forts de cette riche tradition, ont conçu et interprété dès le début du siècle dernier leur musique en associant les genres autochtones (porro, vallenato, cumbia, merecumbé, etc.) aux influences du jazz et de la musique européenne. Les musiciens nord-américains et européens ont séjourné en Colombie, contribuant à cette relation, et les musiciens colombiens se sont installés dans les grandes capitales occidentales, côtoyant leurs pairs locaux et, ce qui est très important, sont retournés dans leur pays dans le but de mettre à jour leurs traditions. C’est pour cela que les jazzmen colombiens font partie de cette avant-garde qui crée et diffuse aujourd’hui le jazz latino.

Dans ce premier épisode sur le jazz colombien, un peu d’histoire est forcément nécessaire, puis dans les prochains épisodes, comme nous le ferons avec d’autres pays, nous proposerons une approche plus centrée sur le présent.

Francisco Galán Blanco (Soledad, 4 octobre 1906 - Barranquilla, 21 juillet 1988), plus connu sous le nom de Pacho Galán, était un chanteur, musicien, arrangeur, compositeur et chef d’orchestre colombien. L’importance de son œuvre musicale réside dans le fait d’avoir été le créateur du merecumbé.
Déjà à l’âge de quatorze ans, il jouait du violon et de la clarinette et fait sa première composition. La carrière musicale de Pacho Galán, qui a commencé dans les années vingt, alors qu’il avait à peine quinze ans, et a duré jusqu’en 1976, année où il a pris sa retraite après avoir remporté le trophée du meilleur groupe folklorique, dans un festival de salsa, el Poliedro de Caracas. Cela illustre dans une large mesure le développement de la musique des Caraïbes colombiennes, son âge d’or, les débuts de l’orchestration des genres traditionnels des tropiques, l’évolution des groupes, les changements de style, comme l’apparition d’une pléthore de compositeurs qui ont fait palpable l’esprit d’un peuple riche d’expression, d’espièglerie, de joie picaresque et de sagesse.

Au début des années 1930, la famille Galán s’installe à Barranquilla et là Pacho rejoint la Bande Départementale. En 1940, lors de la création de l’orchestre de l’Atlántico Jazz Band, il en fait partie en tant qu’arrangeur et compositeur de la plupart des pièces de l’orchestre. Vers la même époque, il crée l’Orchestre Pacho Galán. Plus tard, il fait partie de l’Orchestre philharmonique de Barranquilla récemment créé et peu de temps après, il rejoint l’orchestre Emisora ​​​​Atlántico, dirigé par Guido Perla. En 1954, il fonde son propre orchestre et compose le merecumbé « Cosita linda », pour lequel il sera plus tard connu sous le nom de "El rey del merecumbé". En 1955, « Cosita Linda » a été enregistré en plus de quatre cents versions par différents artistes et musiciens du monde.
Atlántico (1946), Victor Vargas Zambrano, Pacho Galan y su Orquesta, album, 1946.

Luis Eduardo Bermúdez Acosta (Carmen de Bolívar, 25 janvier 1912 - Bogotá, 23 avril 1994) mieux connu sous le nom de Lucho Bermúdez, était un musicien, compositeur, arrangeur, metteur en scène et interprète colombien, il est considéré comme l’une des plus importantes figures de la musique populaire colombienne du XXe siècle.
L’importance de son œuvre musicale réside dans l’adaptation des rythmes colombiens traditionnels tels que la cumbia et le porro, à des rythmes modernes qui deviendront des symboles de l’identité nationale dès les années 1930. Lucho Bermúdez a été l’un des premiers innovateurs à avoir expérimenté l’adaptation de ces rythmes locaux des Caraïbes colombiens au langage musical contemporain de l’époque. Son travail a eu un grand impact dans d’autres pays d’Amérique latine. Lucho Bermúdez est peut-être le principal responsable d’avoir fait de la cumbia et du porro des standards de la musique colombienne à l’échelle internationale depuis les années 1940. Son œuvre musicale a toujours été profondément influencée par les porros et les fandangos de la Sabana de Bolívar et les villes côtières du nord de la Colombie.
Tolu, Lucho Bermudez y su Orquesta, album Tolu, 1948.

En 1957, le label nord-américain Cadence sort l’œuvre « Rhythmagic », signée par le pianiste de Barranquilla Al Escobar, fils du compositeur Gabriel Escobar Casas. Après de nombreuses années, le nom de ce pianiste, en fait appelé Álvaro Escobar Páez, a revu la lumière parmi les secrets les mieux gardés du jazz et de la salsa avec des contributions colombiennes.
Pendant des années, Al Escobar a travaillé à New York avec Tito Puente, Pupi Campo, Jack Constanzo, Noro Morales, La Lupe, Celia Cruz et la chanteuse soul Eartha Kitt, dont il était le directeur musical. De sa première incursion discographique sort « Barranquilla », une de ses chansons mythiques bien que méconnue du grand public. C’était, apparemment, la première intervention enregistrée d’un Colombien dans la grande scène jazz mondiale.
Avec son propre groupe, Al escobar a visité les hôtels les plus luxueux de la côte ouest des États-Unis, et il ne fallut pas longtemps avant qu’on lui propose d’enregistrer deux œuvres baptisées sous le titre « Rhythmagic », volumes 1 et 2.
Puis, dans les années 60, arrivera son enregistrement « The modern sound of Al Escobar », avec lequel il tentera de trouver sa place dans le phénomène naissant du boogaloo nord-américain. De nombreuses années plus tard, son travail est redécouvert par des chercheurs en musique qui le ramènent dans sa Barranquilla natale, avant de finalement rester à Los Angeles, sa ville d’adoption. Le 12 septembre 2015, à l’âge de 85 ans, l’un des musiciens colombiens les plus importants de la première scène du jazz latin et des musiques tropicales est décédé : le maestro Al Escobar.
Johnny’s Special, Al Escobar, album, Rhythmagic vol 2, 1958.

Luis Rovira : medley « Atlántico - Cosita linda - Guabina chiquinquireña », un enregistrement de jazz classique du clarinettiste espagnol Luis Rovira et de son sextuor, créé à Bogotá en 1961 (23 ans avant Macumbia, par Francisco Zumaqué). Le guitariste d’Antioquia León Cardona en faisait partie. C’est un pot-pourri composé de trois morceaux classiques du folklore colombien, il peut être qualifié de premier enregistrement de jazz en Colombie.

León Cardona García (Yolombó, Antioquia, Colombie ; 10 août 1927). Professeur, compositeur et interprète colombien. Il a écrit et publié cent vingt-sept œuvres musicales et quarante d’entre elles ont été enregistrées et interprétées par divers artistes colombiens, principalement pendant le Festival Mono Núñez, le Festival National Pasillo et le Festival Hatoviejo COTRAFA.
En tant que compositeur de musique andine, son travail a été vaste. Ses morceaux ont été interprétés par les plus grands musiciens nationaux. L’auteur-compositeur-interprète a consacré soixante années à la création musicale et cela se reflète dans ses précieuses contributions à la musique andine.
Atlántico - Cosita linda - Guabina chiquinquireña, album Luis Rovira y su Sexteto, 1961.

Juancho Vargas est un musicien, compositeur et arrangeur, un pionnier du jazz en Colombie et à l’avant-garde des maisons de disques les plus importantes du pays au siècle dernier.
Il est né à Barranquilla en 1934 et dès ses premières années de vie, il se souvient combien il s’est senti absorbé quand il a vu sa sœur, qui était plus âgée que lui, jouer du piano. Son professeur était Pedro Biava, un Italien qui était resté vivre à Barranquilla et qui avait formé les meilleurs musiciens.
A cette époque, étudier la musique n’était pas une activité professionnelle. Au conservatoire, ils n’étaient éduqués que dans la musique des compositeurs classiques, « quiconque était surpris en train de jouer du populaire, ils le renvoyaient ». Cependant, Maestro Biava leur a permis de jouer de la musique populaire en dehors de l’académie. Vargas a commencé à interagir avec beaucoup de ceux qui, à l’avenir, seraient les musiciens les plus reconnus du pays, parmi lesquels Pacho Galán.
À la fin de l’année 1962, un projet appelé Colombian Brass a commencé, qui a pris comme référence la proposition du projet La Tijuana Brass, et « c’était un format à deux trompettes, comme la musique de cow-boy », explique Vargas. Il a fait quelque chose de similaire mais avec de la musique colombienne et un style jazzy. Selon ses mots, « c’était un tube total ». En 1965, un représentant de RCA Victor Internacional est apparu à Sonolux. Il leur dit que ce qui était à la mode dans diverses parties du monde était la cumbia, même s’il lui fallait « l’habiller » d’une manière plus internationale. Il a enregistré deux morceaux : « La flor de la canela » et la valse équatorienne « Odiame » et ils en ont envoyé une copie à Lima. Parmi les chansons de l’album figuraient « Cielito lindo », du Mexique, et il comprenait des chansons colombiennes telles que « La danza negra », « El caimán », « Navidad negra » et une qu’il a lui-même composée, c’était le projet « Cumbias espaciales ».
La flor de la canela, Juancho Vargas y su orquesta, album Cumbias espaciales, 1965.

Antonio María Peñaloza est né à Plato (Magdalena) et décédé à Barranquilla le 18 juillet 2005. Il est l’un des musiciens colombiens les plus polyvalents, jouait de la guitare, de la trompette, des percussions avec une maîtrise exceptionnelle et, surtout, était un grand arrangeur et compositeur. Il avait une grande maîtrise de la théorie musicale. Dans les carnavals de Barranquilla en 1954, « Te olvidé » a commencé son règne, a été intronisé comme l’hymne de la fête du roi Momo. Aujourd’hui, des millions d’habitants à travers le monde dansent au rythme de cette chanson écrite par le poète espagnol Mariano San Ildefonso, qui a vécu à Bogotá pendant ces années. La musique et les arrangements sont d’Antonio María Peñaloza. Actuellement, « Te olvidé » (Je t’ai oublié) a été joué par plus d’une centaine d’orchestres nationaux et internationaux, y compris par des orchestres symphoniques et avec divers arrangements.
Te olvidé, Banda de Antonio María Peñaloza, album Siete sabrosuras bailables y tres viejas serenatas, 1980.

Justo Pastor Almario Gómez (né le 18 février 1949) est un flûtiste, saxophoniste et chef de groupe de jazz latino né en Colombie et basé à Los Angeles. Il fait partie de plusieurs musiciens colombiens recrutés par Mongo Santamaria pour son groupe dans les années 1970, notamment sur l’album Afro-Indio (1975). Né à Sincelejo et élevé à Medellin, Almario est issu d’une tradition musicale familiale, dédiée depuis l’enfance à jouer des instruments à vent.
Il a étudié au prestigieux Berklee College of Music de Boston, Massachusetts. Alors qu’il terminait ses études collégiales, Almario a reçu un appel de Mongo Santamaría pour rejoindre son groupe. Mongo Santamaria vivait alors à New York. À Boston, ils avaient un club de jazz très important appelé Jazz Workshop. Et ils amenaient des groupes, tous les groupes célèbres, Miles Davis, Thelonious Monk, les Jazz Messengers, Mongo Santamaría et son groupe, pour jouer au Jazz Workshop, et ils y restaient toute une semaine, du mardi au dimanche. Il a reçu un appel de Santamaria, qui cherchait un saxophone alto pour le Jazz Workshop Boston 1971.
Après une tournée avec Mongo Santamaría en tant que directeur musical, Almario est venu à Los Angeles pour enregistrer et tourner avec l’omniprésence de Roy Ayers. Depuis lors, ses performances de saxophone, de flûte et de clarinette sont apparues sur des centaines d’enregistrements d’artistes tels que les Commodores, Freddie Hubbard, Jennifer Lopez, les Winans, Patrice Rushen, Luis Miguel, Charles Mingus, Chaka Kahn et Cachao et sur des dizaines de films comme Dirty Dancing, Happy Feet, Rio et Sideways.
Seventh Avenue, Justo Almario, album Interlude, 1981.

En 1984, sous le label Fonosema, l’album « Macumbia » voit le jour, véritable référence historique lorsqu’il raconte le jazz et le son progressif des Caraïbes colombiennes. Il a eu la collaboration d’Antonio Arnedo, Juan Vicente Zambrano, Gabriel Rondón, Willy Salcedo et Satoshi Takeishi parmi d’autres grands interprètes.

Francisco Zumaqué Gómez (né le 18 juillet 1945) est un musicien et compositeur colombien de riches rythmes colombo-caribéens. Défini comme un musicien contemporain avec une grande partie de ses compositions orientées vers la musique électroacoustique, effectuant des recherches importantes qui ont contribué à la création de nouveaux rythmes mélangeant la musique traditionnelle colombienne avec des compositions orchestrales. Sa musique est considérée comme avant-gardiste et rafraîchissante, lumineuse, flexible et avec une empreinte personnelle de sa marque culturelle. Tout cela se reflète dans plusieurs compositions qui ont été un succès et font partie de l’histoire musicale colombienne. Ses compositions comprennent des symphonies, de la musique de chambre, du chant et des œuvres pour des groupes musicaux non conventionnels. Son grand succès « Colombia Caribe » lui a valu une reconnaissance nationale et l’a placé dans une position privilégiée dans la plupart des pays d’Amérique latine.
Macumbia, Francisco Zumaqué, album Macumbia, 1984.

Roberto Pla (né le 13 février 1947) est un percussionniste et chef d’orchestre colombien basé à Londres, en Angleterre. Principalement timbalier, il est surtout connu pour sa contribution à la scène musicale latine au Royaume-Uni. Il a tourné avec Carlos "Patato" Valdés, Alfredo Rodríguez et Adalberto Santiago, entre autres. Roberto Pla est né à Barranquilla sur la côte atlantique nord de la Colombie, une région tropicale riche en musique et en folklore. Enfant, il étudie les percussions avec Pompilio Rodriguez, à l’époque l’un des plus grands percussionnistes de Colombie. En 1964, il a quitté Barranquilla pour Bogota, la capitale du pays, et pendant qu’il y était, il est devenu un musicien de session actif jouant avec certains des meilleurs groupes de son pays.
En 1979, Pla a quitté la Colombie pour New York, où il est devenu percussionniste de session de salsa, travaillant entre autres avec l’Orchestre La Tradition. En 1980, les attraits de la scène pop européenne le mènent à Londres, où il rejoint le groupe de jazz fusion Cayenne et les funksters latins et, en 1982, il fait le tour du monde avec les mégastars de la pop Boney M. En 1984, il était l’un des premiers membres de la London School of Samba, la première école de samba à être créée au Royaume-Uni.
Les événements marquants récents de Roberto Pla et du Latin Ensemble ont été le Brecon Jazz Festival (2007), Expo Festival Lisbon, The Edinburgh Fringe Festival (2009), Canada Square Festival Canary Wharf, Docklands. (2009), Under the Stars Festival (2010), Jazz at The Boisdale (Canary Wharf), Ronnie Scotts Club (déc. 2011). En avril 2012, le groupe a célébré son 25e anniversaire avec un concert à l’Assembly Hall à Islington et a remporté son premier prix LUKAS pour "l’ensemble de sa carrière et contribution à la communauté latino au Royaume-Uni". En juin 2013, Pla et son ensemble latino ont été en tête d’affiche du "Glasto Latino Stage" au festival de Glastonbury et ont ensuite remporté leur deuxième LUKAS pour le "Concert de l’année" au printemps 2014. En août 2017, Pla a joué au Royal Albert Hall en tant qu’invité spécial sur "BBC Prom 57 : Swing No End", dirigé par Claire Teal et Guy Barker.
Finlandson, Roberto Pla and his ensemble, album Right on Time ! 1995.

Edy Martinez, Manuel Eduardo Martínez Bastidas, Claviériste, percussionniste, compositeur et arrangeur d’origine colombienne des genres latin, jazz, salsa, funk et soul. Eduardo Martínez Bastidas est né en 1942, à San Juan de Pasto, en Colombie, et s’est installé à New York au début des années 1960.
Ce talentueux interprète de jazz latin a été captivé par la musique dès son plus jeune âge. Pendant ses études à l’université nationale de Colombie, l’artiste a commencé à s’intéresser au jazz, même si sa première chanson était un cha-cha interprété par la chanteuse Yolima Pérez. Après s’être installé à New York, Martínez a commencé une carrière impressionnante en tant que musicien et producteur, enregistrant et jouant avec Ray Barreto, Eddie Palmieri, Larry Harlow et Tito Puente, participant à la bande originale du film « Dernier Tango à Paris », formant Conjunto Libre, et tournée en Amérique et en Europe avec Irazú et Conexión Latina et des artistes inspirants tels que Jerry González et Paquito de Rivera. Eddy Martínez a remporté trois Grammy Awards et une nomination aux Diners Talent Awards en 1992.
Il débute comme batteur de jazz dans les années 1950, notamment avec Hernando Becerra et Don Américo Y Sus Caribes, son premier enregistrement au piano date de 1954. Joué depuis 1965 avec tous les "rois" de la salsa aux USA : groupe Ray Barretto, Mongo Santamaría, Gato Barbieri, Tito Puente, Larry Harlow, le batteur Joe Chambers, Pete "Conde" Rodríguez, Lou Pérez, Raúl Marrero, Vitín Avilés, Luis Perico Ortiz, Federico Crespo, Corina Bartra, Raulín, Manny Oquendo, Cecilia Zaid ou Ray Mantille.
De retour dans les années 1990 en Colombie, a travaillé avec des artistes tels que Tico Arnedo, Orlando Barreda, Luis Díaz, Edilberto Liévano, Joaquín Cuervo, Diego Valdés, Ernesto Simpson, Samuel Torres, Jorge Naranjo y José Vásquez. À nouveau à New York, au milieu des années 2000, membre des Harlem Afro-Cuban All Stars avec Jerry Gonzalez et Dave Valentin.
Suite For Piano, Percussion & Jazz Orchestra, Edy Martinez, album Midnight Jazz Affair, 2008.

Antonio Arnedo est un musicien de jazz colombien, l’un des musiciens les plus influents de la scène jazz colombienne et a dirigé tout un mouvement musical qui cherche à créer un jazz colombien enraciné dans le folklore national. À l’école, il jouait de la guitare et de la flûte à bec. Lorsqu’il prend la décision de quitter son domicile, il constitue un trio de musique colombienne dans lequel il joue de la flûte à bec. Il a également étudié la géologie à l’Université nationale de Colombie.
À la suite de recherches menées autour des éléments de la musique colombienne, il sort « Travesía », son premier album en 1996, et en 1997 « Orígenes », tous deux réalisés à New York, avec la participation de Jairo Moreno, Satoshi Takeishi et Ben Monder. Se référant à l’album « Travesía », Arnedo affirme que les éléments sont mélangés et qu’il n’y a pas de fusion puisque la rencontre des éléments de la musique colombienne avec ceux du jazz se réalise grâce aux musiciens. En 1998, il lance « Encuentros », dans lequel il explore le son des groupes populaires en Colombie, invitant le maestro Ramón Benítez à rejoindre le quatuor, au milieu du processus d’expérimentation. Son dernier album, « Colombia », est le fruit de toute une enquête commencée en 1998, « en voyageant à travers le pays, en échangeant des ateliers de musique avec des groupes folkloriques ».
Fiesta en Corraleja, Antonio Arnedo, album Encuentros, 2015.