C’est du Jazz latino 21 (Venezuela)

Ce « pays nouveau » qui était le mien, berceau libérateur de cinq nations devenu un mythe prêt à porter, a été le foyer de ces musiciens qui ont mis en notes la tentative de modernité vénézuélienne, après la chute de Pérez Jiménez en 1958. Jusqu’à la montée du chavisme en 1998 qui a mis fin à une expérience démocratique de quatre décennies, si unique dans le contexte latino-américain de cette époque en proie à des dictatures militaires et à des guérillas pro-cubaines. Deux folies qui se sont réunies dans l’idéologie suicidaire qui domine aujourd’hui, avec les armes, la faim et le chantage, dans la république chaviste du Venezuela.

Les héritiers de ces pionniers, ainsi que plusieurs d’entre eux encore en pleine production, font déjà la musique pour un autre pays, même si ce n’est pas leur objectif, celui de ceux qui sont partis, là où la diaspora les a menés, ou celui qui existe dans les espoirs de ceux qui restent, vivant un exil intérieur, et même existant dans le quotidien de ceux qui s’adaptent au régime actuel. Dans tous les cas il s’agit d’un autre pays, non pas parce que la « révolution » en a construit un autre mais parce qu’elle a dévasté celui qui existait avant.

La musique, comme l’art en général, ne nous promet pas le bonheur, elle le crée, ici et maintenant.

Nous espérons seulement que cette musique emplira l’esprit des Vénézuéliens qui reconstruiront ou réinventeront le pays, qu’elle allégera ce qui sera leur tâche la plus ardue car il y a très peu de choses qui n’ont pas été détruites. Qu’avec elle, ils s’habituent au débat, à la conversation, à partager leurs idées non pas par la force mais par la raison, non pas la raison universelle, « onto-téléologique », mais celle qui nait du débat, de l’assemblée. L’éducation esthétique, ont proposé certains philosophes, est nécessairement une éducation pour la démocratie ; celui qui émet un jugement esthétique ne peut que souhaiter que les autres le partagent ; celui qui émet un jugement militaire ou de guérilla finit par expulser, emprisonner ou tuer ceux qui ne le partagent pas.

Cela ne peut pas non plus être un programme unique, ces sociétés, comme l’art qu’elles génèrent, continuent d’évoluer, malgré l’intention du pouvoir politique de les arrêter à un moment de l’histoire, ou de les contraindre à un rêve utopique qui se transforme rapidement en cauchemar.

Des générations d’artistes se succèdent, se rencontrent, s’insèrent dans des tendances diverses qu’il est impossible d’arrêter et cela se produit avec le jazz latino dans tous les lieux d’où il vient et où il est arrivé. C’est pourquoi nous devons le suivre et parcourir des pays que nous n’avons pas visités et revenir vers les pays que nous avons déjà visités.

La musique contemporaine, et en elle le jazz latino, s’inscrit dans un monde complexe, à l’origine tortueuse, marqué par les rapports de force, mais aussi par les rencontres, comme ceux de ces merveilleux musiciens, aux styles divers qui se confondent dans cette musique euro-afro-latine-américaine, et donc dans tout ce qu’implique cette histoire, la rencontre accidentée de trois continents, l’Amérique, l’Europe et l’Afrique, origine multiple de la multiplicité que nous sommes aujourd’hui.

Le jazz latino est une expression de ces figures et de leur somme, qui n’est pas la simple addition des parties, on y sent sans doute la présence de ces parties mais aussi quelque chose de différent, qui ne s’épuise pas dans les parties, il y a la "conquête " et la colonisation, la traite négrière, le commerce transatlantique, la colonie, la piraterie, l’indépendance, les néocolonialismes, les empires, la dispute entre ces empires, la décolonisation, l’afrocentrisme, l’eurocentrisme, l’américanisme, le rural et l’urbain, le postcolonialisme, le son d’un nouveau monde qui se crée avec et dans notre sensibilité.

Expression de tout cela de manière indépendante, sans toutefois ignorer des positions et les régimes politiques, les perspectives théoriques et idéologiques et les politiques culturelles. Expression d’une communauté hétérogène, transnationale, multiculturelle, multiethnique, résidant dans le pays mais aussi n’importe où dans le monde, sédentaire, nomade, capitaliste et communiste, pauvre et riche, de gauche et de droite, occidentalisée et désoccidentalisée. Invitant toutes ces forces à se mettre au service de la vie et non d’intérêts particuliers.

Il est difficile pour un phénomène social de communiquer une totalité comme celle exprimée par le jazz latino. Un phénomène culturel comme celui-ci ne peut se limiter aux oppositions art / non-art, académique / populaire, tradition / avant-garde. Il ne peut pas être compris à partir de perspectives théoriques qui ne se confrontent pas avec les autres dans la construction d’une réalité, d’ailleurs en changement permanent.

Commençons ce premier épisode du chapitre Venezuela du jazz latino avec Aldemaro Romero (1928, Valencia, Venezuela - 2007, Caracas, Venezuela), musicien, compositeur, arrangeur et chef d’orchestre. Un compositeur prolifique, créant un large éventail de musiques, telles que des valses, du jazz, des œuvres pour orchestre, de la musique de chambre et des œuvres symphoniques. Il a commencé ses études musicales avec son père, Rafael Romero. En 1941, il s’installe à Caracas et travaille comme pianiste dans des salons nocturnes et des orchestres de danse. En 1949, il effectue une tournée à Cuba, puis se rend à New York. En 1952, il retourne à Caracas et crée son propre orchestre de danse.

Lors d’une convalescence, Aldemaro Romero trouve l’inspiration pour présenter en 1966 sa création d’une nouvelle forme d’interprétation de la musique vénézuélienne, connue sous le nom d’« Onda Nueva », dérivée du joropo et influencée par le jazz et la bossanova brésilienne. L’idée surgit aussi parce que, jusque-là, la musique vénézuélienne manquait de mouvements innovants qui la moderniseraient. Lorsque Romero présenta cette idée à son ami, le publiciste et musicien d’origine autrichienne, aujourd’hui décédé, Jacques Braunstein, lui demandant son avis, il répondit qu’elle lui semblait « une Onda Nueva » (Nouvelle Vague), ce qui a servi à identifier ce mouvement musical jusqu’à aujourd’hui. Écoutons la composition Quinta Anauco, de Aldemaro Romero, album Dinner in Caracas vol II, 1967.

Francisco Antonio Hernández Valarino (Villa de Cura, État d’Aragua, Venezuela, 1936 – Caracas, 2009). Sa passion pour la musique a commencé lorsque son grand-père écoutait des mélodies à la radio. À l’âge de douze ans, il se rend à Caracas, où il commence à étudier la batterie, faisant ses débuts en tant que batteur professionnel dans l’orchestre Manuel Ramos. À quinze ans, ses compagnons le baptisent "El Pavo Frank", en raison de son jeune âge. Ses performances sont telles que, neuf mois plus tard, en 1953, il intègre l’Orchestre d’Aldemaro Romero. L’année suivante, il se rend en République dominicaine où il poursuit ses études et retourne au Venezuela pour se produire avec l’orchestre de Willy Pérez, puis avec Chucho Sanoja. Jusqu’en 1958, il travaille avec les Havana Cuban Boys, les orchestres de Pedro José Belisario et de Luis Alfonso Larrain. Il participe à des concerts de jazz avec des artistes tels que Barney Keesel et John la Porta. Il déménage alors aux États-Unis pour étendre sa technique de batterie avec le maestro Henry Adler. À New York, il se produit aux côtés de Randy Carlos, Tito Puente, José Fajardo et Pérez Prado et fait partie du groupe de solistes de Mongo Santamaría, en alternance avec des figures du jazz telles que Machito, Dizzy Guillespie, Chick Corea, Hubert Law, Jimmy Smith, Art Blakey. Nous allons écouter la merveilleuse version de Mambo Infierno, réalisée par Frank Hernández, album Rίtmico, 1966.

Gerhard Weilheim, plus connu sous le nom de Gerry Weil (Vienne, Autriche, 1939), est un musicien austro-vénézuélien. Il mène depuis les années 60 une importante carrière de pianiste, compositeur, arrangeur et pédagogue. Son œuvre musicale est considérée comme l’une des plus précieuses du genre jazz au Venezuela, étant classée comme celle du « maître du jazz vénézuélien ». Gerry Weil a une discographie, comme celle des autres musiciens présents dans cet épisode, qui mériterait d’être plus connue à l’international : 1969 El Quinteto De Jazz, 1971 The Message, 1984 Jazz En Caracas, 1989 Autana/Magic Mountain, 1993 Volao, 1999 Profundo, 2005 Free Play & Love Songs, 2006 Empatía, 2006 Navijazz, 2009 Tepuy, 2020 Kosmic Flow (80 Years Young). Passons au morceau Sabana Grande, création de Gerry Weil Trio, album Profundo, 1999.

Ramon "Moncho" Carranza Lazo (1940, Barquisimeto - 2003) était un saxophoniste et compositeur de jazz vénézuélien autodidacte. "Moncho" a commencé sa carrière très jeune à Barquisimeto avec batterie et trompette. Il développe plus tard un intérêt pour la clarinette, motivé par Ugo Stegnani. Il a occupé des places exceptionnelles dans des orchestres régionaux, tels que l’Orquesta Filarmónica de Lara. Il déménage à Caracas pour développer davantage ses compétences en saxophone. De 1979 à 1984, il fait partie de l’Orquesta Filarmónica de Caracas, et est invité à plusieurs reprises à jouer avec l’Orquesta Sinfónica de Venezuela et l’Orquesta Sinfónica Municipal.

Il a été impliqué dans plusieurs projets musicaux au cours de sa carrière : Festival « Onda Nueva » avec Aldemaro Romero, Dave Grusing, Tom Scott, Joe Sample, Zimbo Trio, Milton Nascimento, Ástor Piazzolla, Paul Muriat, Paquito D’Rivera. Ecoutons Samba para Oscar Booy, Ramón Carranza, album Carranza Jazz vol. 2, 2001.

Jorge Alberto Naranjo (Caracas, 1941- 2020) musicien et compositeur. Il est reconnu comme un représentant important de la musique populaire contemporaine au Venezuela. Dans ses premières années, Naranjo a été influencé par divers genres musicaux tels que le jazz et la musique classique, de Louis Armstrong à Duke Ellington, de Bud Powell à Thad Jones et Mel Lewis, de Béla Bartók à Claude Debussy, et surtout pour la musique créée par Tito Puente, l’un des plus grands leaders du jazz latino. Il a joué avec des personnalités du jazz telles que Jeff Berlin, Dusko Goykovich, Danilo Pérez, Arturo Sandoval, Bobby Shew et Dave Valentin. En plus d’El Trabuco et d’autres groupes dirigés par Naranjo, il a alterné avec des musiciens tels que Barbarito Diez, Estrellas de Areito, Larry Harlow, Eddie Palmieri, Son 14 et Chucho Valdés.

Régalons-nous avec la composition d’Aldemaro Romero Mambo Timbal, dans la version d’Alberto Naranjo et El Trabuco, album Imagen latina, 1992.

Andy Durán, (Caracas, 1949), Arrangeur, directeur et créateur, il a consacré son travail au jazz latino, à la salsa, à la guaracha, au pasodoble et à d’autres genres, où il a réussi à obtenir la reconnaissance du public. Sa participation à des comédies musicales à grand succès, ses enregistrements et ses performances personnelles le placent comme l’un des maîtres du jazz latino au Venezuela, interagissant professionnellement avec de grandes figures de la chanson nationale et internationale, parmi lesquelles Aldemaro Romero, Eduardo Cabrera, Chuchito Sanoja, Billo’s. Orchestre, Los Melodicos, Carlos Franzzetti, Soledad Bravo, Carlos Quintana « Tabaco » et autres.

Andy Durán’s and his Latin Jazz Big Band, ce groupe est formé d’une quinzaine de musiciens de grand talent. Le groupe combine de manière explosive de nombreux rythmes excitants comme le mambo et le jazz. Avec les arrangements et la direction générale d’Andy Duran et Benjamín Brea au sax, écoutons Mambo En Sax, Andy Duran’s Big Band & Combo, album Latin Music’s Moods and Styles, 2014.

Gonzalo Micó (1954), guitariste et compositeur vénézuélien, le plus grand représentant de la guitare jazz au pays. Le style de ce guitariste est définitivement lié au jazz, bien qu’il ait expérimenté dans le domaine de la fusion et des musiques du monde, puisqu’il est l’un des rares instrumentistes à avoir développé et composé des chansons de jazz au Venezuela avec le steel pan, instrument originaire de Trinidad et Tobago, flânant dans le calypso. Le répertoire de Gonzalo est composé de standards de jazz, de ses propres chansons et d’auteurs vénézuéliens. Ce maître des six cordes a développé des projets parallèles dans lesquels il interprète des chansons de blues et de rock & roll.

Avec Gonzalo Micó (guitare, ténor steel pan), Teresa Briceño (piano), Giovanni Ramírez (basse), Willy Díaz (batterie, percussions) écoutons Modal Prologue, Gonzalo Micó, album Untitled Dreams, 2016.

Ed Calle (Eduardo J. Calle, 1959) est un musicien de Miami, en Floride. Il est né à Caracas, au Venezuela. Calle joue du saxophone, de la flûte, de la clarinette, de l’EWI et du clavier. Il réalise des projets d’ingénierie et chante. Il compose et arrange également de la musique. Calle a été président du département des arts et de la philosophie au campus nord du Miami Dade College et il est actuellement professeur titulaire d’affaires et de production musicales dans le même College.

Au cours de sa carrière, il a été nominé trois fois pour le Latin Grammy Award, en 2005 pour Ed Calle Plays Santana, en 2007 pour In the Zone, et en 2014 pour Palo ! Live. Discographie solo : Dr. Ed Calle Presents Mamblue 2015, In the Zone 2006, Ed Calle Plays Santana, 2004, Twilight 2001, Sunset Harbor 1999, Double Talk 1995. Écoutons la version d’Ed Calle de la pièce emblématique de Carlos Santana Europa, album Sax Appeal, 2009.

María Rivas (26 janvier 1960 – 19 septembre 2019) était une chanteuse, compositrice et peintre vénézuélienne de jazz latino.
Née à Caracas, au Venezuela, d’une mère espagnole et d’un père vénézuélien, Rivas a progressivement développé ses compétences vocales comme passe-temps, absorbant les multiples influences des musiciens vénézuéliens et latins contemporains. Elle a ensuite commencé à chanter professionnellement dans les boîtes de nuit locales à partir de 1983. Elle a ensuite rapidement déménagé à Aruba où, pendant deux ans et demi, elle a joué dans un spectacle de jazz nocturne intitulé Sentimental Journey Through Jazz, dans le style d’Ella Fitzgerald et d’autres divas notables.
Rivas est devenue une voix de premier plan dans le mouvement environnemental de la région et son message musical en tant que compositrice avait souvent des connotations écologiques.
En 2005, Rivas retourne à Aruba pour participer au spectacle God Save The Queen, un hommage au groupe de rock Queen. Depuis 2006, Rivas passe quatre mois chaque année à Tokyo, où elle est acclamée pour ses performances de jazz brésilien et latin, ainsi que de jazz classique américain, partageant la scène estivale avec l’Indigo Trio, un ensemble de jazz local à Roppongi, au Japon.
Rivas a enregistré onze albums en tant que soliste. Son dernier CD, Motivos, est sorti en 2018 et nominé pour un Latin Grammy lors de la 19ᵉ édition des Latin Grammy Awards. Elle s’est produite en Colombie, au Brésil, en Autriche, aux Pays-Bas, en Italie, en Suisse, en France, en Allemagne, au Portugal, au Panama, à Porto Rico, en Espagne, en Grande-Bretagne, en République dominicaine et aux États-Unis [1].
Es tiempo para amar, María Rivas, album Motivos, 2018.

Ceci conclut notre programme d’aujourd’hui et nous annonçons désormais une deuxième heure de jazz vénézuélien avec de jeunes musiciens, en pleine production, de Otmaro Ruiz à Linda Briceño. Ça a été un plaisir et je vous invite pour le prochain épisode.