C’est du jazz latino #23 (Panama)

Les périodes de plus grande influence, les moyens par lesquels le jazz arrive dans chaque cas, ceux qui le reçoivent et ceux qui le diffusent, le degré de créativité et de mélange avec les genres nationaux, locaux et régionaux, le niveau de production du jazz latino, le produit de ces mélanges… tout cela varie avec des manières spécifiques de se développer dans chaque pays.
 
Aujourd’hui, nous allons parler du jazz au Panama ou joué par des Panaméens. Comme nous pouvons le constater dans la sélection sans prétention d’exhaustivité que nous avons faite, la majorité de ses interprètes, même s’ils sont afro-descendants, portent des noms anglo-saxons. Cela ne veut pas dire bien sûr qu’ils ne parlent pas espagnol et ne partagent pas la culture latino-américaine, mais qu’ils étaient probablement bilingues : peut-être faisaient-ils partie de familles des Caraïbes anglophones qui ont émigré au Panama lors de la construction du canal ou plus tard pour travailler dans les entreprises qui en dépendent. Cela signifiait aussi sûrement, bien que ce ne soit pas une garantie, une plus grande intégration lors de leur séjour aux États-Unis. Cela pose cependant un problème : puisqu’ils étaient noirs et anglophones, la plupart du public les aurait considérés comme des Nord-Américains, ignorant leur origine. Tout cela est remarquable chez les musiciens que nous présentons ci-dessous. Mais il faut aussi noter leur fidélité aux thèmes et aux genres musicaux qui ont marqué leur vie dans leur pays d’origine, le Panama.
 

Luis Russell, pianiste, arrangeur, compositeur et chef d’orchestre panaméen (Bocas del Toro 1902 - New York 1963). Fils d’un professeur de musique, il jouait du violon, de la guitare, du trombone et du piano. Il a commencé professionnellement dans la ville panaméenne de Colón, en jouant du piano dans les théâtres ainsi que dans les casinos de cette ville-port et en accompagnant des films muets.
En 1919, après avoir gagné 3 000 $ à la loterie, il décide de déménager avec sa famille à La Nouvelle-Orléans, où il reçoit des cours de piano d’Armand Piron. En 1923, il rejoint la bande d’Albert Nicholas, devenant son chef après la marche de celui-ci. Cependant, en 1924, il va à Chicago, où il joue dans des clubs en tant que pianiste et organiste jusqu’à ce qu’il rejoigne l’orchestre de King Oliver en 1925, devenant son directeur quand Oliver quitte le groupe. En 1927, il s’installe à New York et, dès 1929, il accompagne Louis Armstrong pendant plusieurs mois. Luis Russell est le premier chef d’orchestre à nommer son groupe « big band ». Dans celui-ci ont joué des musiciens comme Paul Barbarin et George « Pops » Foster, constituant l’une des sections rythmiques les plus brillantes de l’époque.
En 1935, son groupe joue pour Louis Armstrong, qui décide de l’acheter, laissant Luis Russell comme chef d’orchestre et arrangeur et restant avec lui jusqu’en 1943, quand il revient pour monter son propre big band, avec lequel il tournera jusqu’en 1948. Cette année-là, Luis Russell abandonne la musique active pour se dédier au commerce et à l’enseignement.
Luis Russell et son orchestre sur « Panama » : Henry Allen à la trompette, Jay C. Higginbotham au trombone, Albert Nicholas à la clarinette et au saxophone alto, Charlie Holmes à la clarinette soprano et au saxophone alto, Greely Walton au saxophone ténor, Luis Russell au piano, Will Johnson au banjo et à la guitare, George « Pops » Foster à la basse et Paul Barbarin à la batterie.
1. « Panamá », Luis Russell, album Feelin’ the Spirit, 1930.
 
Ellerton Oswald White, pianiste de jazz américain (Panama 1917 - New York 1971). Mieux connu sous le nom de Sonny White, il prend le surnom de Sonny alors qu’il est membre du groupe de Jesse Stone au milieu des années 1930. Dans la même décennie, il joue avec Willie Bryant, Sidney Bechet, Teddy Hill (dont le groupe, à l’époque, inclut également Dizzy Gillespie et Kenny Clarke) et Frankie Newton.
Sonny White a enregistré plusieurs sessions avec Billie Holiday, avec laquelle il a eu une liaison d’un an en 1939 (leurs fiançailles ont été annoncées dans Melody Maker en mai). Il a été membre de différentes formations soutenant Billie Holiday à New York, entre janvier 1939 et octobre 1940, et participe à l’enregistrement du classique « Strange Fruit » : « Une chanson écrite et composée par Abel Meeropol (sous son pseudonyme de Lewis Allan) et enregistrée par Billie Holiday en 1939. Les paroles sont tirées d’un poème de Meeropol publié en 1937. La chanson proteste contre le lynchage des Noirs américains avec des paroles qui comparent les victimes aux fruits des arbres. De tels lynchages avaient atteint leur apogée dans le sud des États-Unis au tournant du XX^e siècle et la grande majorité des victimes étaient noires. La chanson a été qualifiée de “déclaration” et de “début du mouvement des droits civiques” [1] ».
Dans les années 1940, Sonny White passe du temps dans les groupes d’Artie Shaw et de Benny Carter – avec qui il a joué à la fois directement avant et juste après le service militaire pendant la Seconde Guerre mondiale – et dans le groupe avec lequel il jouera à nouveau avec Dizzy Gillespie, Big Joe Turner, Lena Horne, Dexter Gordon et Hot Lips.
Dans les années 1950, Sonny White joue avec Harvey Davis puis avec Wilbur De Paris, restant avec ce dernier jusqu’en 1964. Dans les années 1960, il travaille en indépendant avec Eddie Barefield en 1968, entre autres, et jouait avec Jonah Jones au moment de sa mort en 1971.
Chant : Billie Holiday, trompette : Frankie Newton, saxophone alto : Tab Smith, saxophone ténor : Kenneth Hollon, saxophone ténor : Stan Payne, piano : Sonny White, guitare : Jimmy McLin, basse : John Williams et batterie : Eddie Dougherty.
2. « Strange Fruit », Billie Holiday (Sonny White au piano), New York, 20 avril 1939.

 
Victor Everton McRae, musicien de jazz panaméen (Panama 1925 - Panama 2004). Mieux connu sous le nom de Victor Boa et sous les surnoms de « grand prêtre du jazz » et de « maître du clavier », il constitue un élément-clé de la scène jazz panaméenne, très dynamique à partir de la fin des années 1940, et a joué dans un style proche du grand Count Basie ou de Duke Ellington. Il a formé son groupe en choisissant quelques-uns des meilleurs musiciens de jazz du Panama.
Il a siégé aux côtés de grands noms du jazz, tels que Clarence Martin Sr., Gladston « Bat » Gordon ou la chanteuse Bárbara Wilson. Quand Harold « Zaggy » Berry rejoint son groupe en tant que batteur, Victor Everton McRae atteint le son qu’il voulait explorer, mélangeant le calypso panaméen « westindian » et le son jazz des États-Unis. Ricardo Staples, Danny Clovis, John « Rubberlegs » McKindo, Reginald Johnson et Carlos Garnett deviendront des membres permanents du groupe du maestro.
C’était une figure bien-aimée dans les hôtels et les clubs de jazz de Colón et de Panama pendant de nombreuses années. Il a joué partout, des salles les plus humbles au Teatro Balboa et au Teatro Nacional, toujours avec son cigare ou sa pipe caractéristique dans la bouche.
3. « Ruffles », Victor Boa y Sus Estrellas, 1946.
 
Eric Allan Dolphy Jr., multi-instrumentiste et chef d’orchestre de jazz américain (Los Angeles 1928 - Berlin 1964). Ses parents étaient Sadie et Eric Dolphy Sr., qui ont émigré du Panama aux États-Unis. Principalement saxophoniste alto, clarinettiste basse et flûtiste, Dolphy était l’un des nombreux multi-instrumentistes à prendre de l’importance à la même époque. Son utilisation de la clarinette basse a contribué à inscrire cet instrument non conventionnel dans le paysage du jazz. Eric Dolphy a étendu le vocabulaire et les limites du saxophone alto et a été l’un des premiers solistes de flûte de jazz importants.
Son style d’improvisation se caractérise par de larges intervalles en plus de l’emploi d’un éventail de techniques pour imiter les sons des voix humaines et des cris d’animaux. Il utilise des lignes mélodiques anguleuses, zigzaguant d’intervalle en intervalle, prenant des virages en épingle à cheveux à des moments inattendus et faisant des sauts spectaculaires du registre inférieur au registre supérieur. Bien que la musique d’Eric Dolphy soit parfois classée dans le free jazz, ses compositions et ses solos sont souvent enracinés dans une harmonie tonale be-bop conventionnelle (bien que très abstraite) [2].
Caribé est un album du Latin Jazz Quintet avec Eric Dolphy enregistré en 1960 et sorti sur le label New Jazz en février 1961. Le critique d’All Music, Richard S. Ginell, a déclaré : « Ce disque équivaut à jeter un bâton de dynamite dans un dîner calme et bien ordonné à faire exploser la dynamite et à laisser tout à sa place. Le volatil Eric Dolphy, un gémissement sérieux au saxophone alto et encore plus idiosyncratique et radical à la clarinette basse, qui fait irruption dans l’antre du Latin Jazz Quintet de Juan Amalbert et ne les perturbe en rien... Pas idéal mais fascinant sans aucun doute. » Les biographes d’Eric Dolphy, Vladimir Simosko et Barry Tepperman, ont écrit : « Le pianiste Gene Casey et le vibraphoniste Charlie Simons produisent régulièrement de bons solos, mais la voix la plus forte à ce jour est celle d’Eric, à la fois parce que sa corne est intrinsèquement l’instrument le plus puissant du groupe et parce que ses idées et personnalité musicale sont les plus fortes. Cependant, il ne profite pas de ces circonstances pour dominer les débats : il joue avec le groupe, dans le meilleur sens du terme, sans pour autant sacrifier son approche personnelle du jeu. La même philosophie qui a fait ses disques avec [Chico] Hamilton généralement réussis est évidente, et les enregistrements qui en résultent sont à la fois intéressants et satisfaisants. »

Eric Dolphy : saxophone alto, flûte et clarinette basse, Juan Amalbert : congas, Gene Casey : piano, Charlie Simons : vibraphone, Bill Ellington : basse, Manny Ramos : batterie et timbale.
4. « Mambo Ricci », The Latin Jazz Quintet & Eric Dolphy, album Caribé, 1961.

Bárbara Wilson, chanteuse de jazz panaméenne (Panama 1940 - Colón 2005). Considérée comme l’une des grandes protagonistes de l’histoire du jazz panaméen et l’une des chanteuses les plus importantes du pays, elle est apparue dans les émissions de télévision « El Show de la Una », « El Show del Mediodía » et « El Show de Blanquita Amaro ». Elle a voyagé aux États-Unis et s’est produite dans des clubs et des hôtels exclusifs. Elle a également chanté au Nicaragua, à Porto Rico, à Cuba, au Costa Rica et au Venezuela. De la main de Víctor Boa, elle a commencé dans le jazz et chanté pendant de nombreuses années, jusqu’à sa mort, avec le trio Fidel Morales.
Au cours de sa carrière, elle joue avec des artistes tels que Víctor "Vitín" Paz, Carlos Garnett, Víctor Boa, Jimmy Maxwell, Dino Nugget, Marcos Barraza, Walter Smith, Fred Burnham, Kike Fábrega et Reggie Boyce…
Le 23 avril 2004, elle donne son dernier concert au bar jazz Take Five situé dans le quartier de San Felipe de Panama. Prix ​​et distinctions : Búho Dorado, 1977 et 1978. En 2007, la 4e édition du Jazz Festival Panama est dédiée à la mémoire de Bárbara Wilson, « la Dame du jazz ».
5. « Cuando llegaste a mí », Barbara Wilson y Orquesta de Toby Muñoz, 1965.

Mauricio Smith, flûtiste panaméen (Colón 1931 - New York 2002). Virtuose de la flûte, c’est l’un des musiciens les plus doués du Panama. Il a joué sur l’album-phare de Mongo Santamaria Watermelon Man en 1963 et dans les groupes de Tito Rodriguez, Eddie Palmieri, Mario Bauza, Willie Colon, César Concepción et Candido. Son travail comprend descarga latina, zouk antillais français, calypso trinidadien, be-bop et compas haïtien.
Sa mère était panaméenne et son père, flûtiste dans l’orchestre classique de Colón, était originaire de Trinidad. Mauricio Smith a étudié au Conservatoire national du Panama en 1951 et a joué avec plusieurs musiciens, avant de faire son premier LP, Mauricio Smith y su Quinteto, en 1958. Trois ans plus tard, il s’installe à New York, où un renouveau de la danse pachanga est en cours. Cette musique est dominée par des arrangements fortement chargés de flûtes et de violons. Smith rejoint le groupe de percussionnistes de Frank « Machito » Grillo, contribuant à des solos de flûte sur des albums tels que Variedades de Machito.
Dans les années 1970, son jeu de flûte honore l’album Afro-Cuban Jazz Moods de Dizzy Gillespie. Il fait alors la navette entre le Panama et New York. Il est membre fondateur du NBC Saturday Night Live Band en 1975. Ses contributions à la scène calypso comprennent des arrangements pour Harry Belafonte, Mighty Explainer, King Obstinate et Mighty Arrow. Il a composé de la musique de films pour Crossover Dreams (1985) et Dionysos (1984).
Grand amateur de musique antillaise française, Mauricio Smith a réussi à attirer l’attention du groupe martiniquais Kassav avec « Majestic Zouk » en 1989. Ses exploits avec le groupe haïtien de Compas, Tabou Kombo, sont également notables.
De 1994 à 1997, il a enseigné au festival Panama Jamboree Juventud. Il a contribué à façonner le développement musical de l’ambassadeur culturel actuel du Panama, le pianiste de jazz Danilo Pérez. Il a par ailleurs exercé une influence importante sur des flûtistes de jazz fusion des années 1970 et 1980, tels que Dave Valentin et Nestor Torres.
6. « Hot Peppers Part 1 », Mauricio Smith, album Bitter Acid, 1966.

Victor Nicolas Paz Solanilla, trompettiste de jazz panaméen (Panama 1932 - Panama 2021). Ses parents ont été ses premières influences musicales. Son père, Víctor Nicanor Paz, jouait de la trompette et était le directeur musical de l’orchestre des pompiers municipaux.
Victor Paz a commencé à prendre des cours avec lui à l’âge de 9 ans. Sa mère, Silvia Solanilla de Paz, était une professeure qui chantait également. Sa sœur, également nommée Silvia, est devenue une chanteuse classique accomplie.
À 13 ans, le jeune Vitín fait ses débuts professionnels aux côtés de son père, dans l’orchestre des pompiers, où il reste pendant six ans. Parallèlement, il travaille avec son frère (aussi nommé Víctor, d’où le sobriquet « Vitín » pour le distinguer) dans un groupe de danse nommé Los Hermanos Paz.
Sur la recommandation du compositeur panaméen Avelino Muñoz, Vitín Paz devient le trompettiste principal de l’Orquesta de Planta de Radiodifusora Caracas au Venezuela. Cela lui a offert une expérience musicale panoramique qui couvrait tout, de la musique populaire et classique aux divers styles caribéens et sud-américains. L’orchestre a accompagné des vedettes vocales venues de Cuba, comme Benny Moré, La Lupe et Rolando Laserie.
En 1963, le célèbre chanteur new-yorkais Tito Rodríguez est venu se produire lors des célébrations annuelles du carnaval de Caracas, où il entend Vitín Paz jouer. Impressionné, il encourage le jeune trompettiste à venir à New York et à rejoindre son big band nouvellement formé. Le travail implique de devenir non seulement le trompettiste principal du groupe, mais aussi son directeur musical.
L’orchestre de Rodríguez fait partie – aux côtés des orchestres Machito et Tito Puente – du triumvirat connu sous le nom des « Trois Grands ». Ils sont considérés par les connaisseurs comme la Sainte Trinité de la musique latine. Adepte de la précision, Rodríguez trouve en Vitín Paz son âme sœur musicale. « Quand Vitín est entré dans ce groupe », note le pianiste et maître de jazz Eddie Palmieri, « il l’a transformé en quelque chose qui est devenu une force de la nature » (Bobby Sanabria, « Victor Paz, Soaring Trumpeter Who Took the Lead in Latin Music and Beyond, Dies at 89 », WBGO, 7 avril 2021).
7. « Ven aquí a la realidad », Tito Rodriguez (Victor Paz à la trompette), album Instrumentales a la Tito, 1968.

Carlos Garnett, saxophoniste de jazz panaméen-américain (Red Tank, Zone du canal 1938 - Panama 2023). Il s’est intéressé au jazz après avoir entendu la musique de Louis Jordan et de James Moody dans des courts-métrages. Il a appris à jouer du saxophone tout seul à l’adolescence, puis avec des soldats de la base de l’armée des États-Unis. En 1957, il commence à jouer du calypso avec des groupes de musique latine.
Après avoir déménagé à New York en 1962, il joue dans un groupe de rock and roll dirigé par Leo Price. À cette époque, il commence également à apprendre le solfège, étant autodidacte et ayant toujours joué à l’oreille. Le trompettiste de jazz Freddie Hubbard l’engage en 1968 et le présente à de nombreux musiciens new-yorkais. Le premier enregistrement de Carlos Garnett est l’album A Soul Experiment de Freddie Hubbard en 1969, qui contient deux compositions originales de lui.
À la fin des années 1960 et au début des années 1970, Carlos Garnett joue aussi avec les Jazz Messengers d’Art Blakey, Charles Mingus et Miles Davis. Il dirige son propre groupe appelé Universal Black Force. Ce dernier enregistre cinq albums entre 1974 et 1977. En 1982, Carlos Garnett, souffrant de dépression et de toxicomanie, connaît un éveil spirituel et arrête de jouer de la musique durant des années. Il recommence en 1991 et sort les albums Fuego en mi alma (1996), Under Nubian Skies (1999) et Moon Shadow (2001). En 2000, il retourne au Panama.
Carlos Garnett s’est produit lors de trois éditions du Panama Jazz Festival. La 9ᵉ édition de ce festival, en 2012, organisée par le pianiste panaméen Danilo Pérez, lui a été dédiée en reconnaissance de sa contribution à la musique. Il a été invité à se produire au Japon, où l’on s’intéressait à sa musique « funk » antérieure, et en Autriche à deux reprises. Son album Shekina’s Smile porte le prénom de sa fille.
8. « Let Us Go (To Higher Heights) », Carlos Garnett, album Journey to Enlightenment, 1974.

Carlos Ward, musicien de jazz américain (né à Ancón 1940). Saxophoniste alto et ténor ainsi que flûtiste, il jouait également de la clarinette, son premier instrument commencé à 13 ans, alors qu’il vivait à Seattle. Plus tard, il a rejoint la Navy School of Music et travaillé avec Albert Mangelsdorff, lorsqu’il était en poste en Allemagne.
Il travaille avec John Coltrane en 1965-1966, bien qu’il n’apparaisse pas dans les disques de l’époque. Plus tard, il développe une longue association avec Don Cherry, depuis The Third World-Underground (aux côtés d’Abdullah Ibrahim) jusqu’à son apparition en solo sur l’enregistrement de Relativity Suite de 1973, pour le groupe Nu, dans les années 1980, et au-delà.
Son duo avec le pianiste Abdullah Ibrahim a été important pour sa carrière. Son apparition au festival de Bracknell en 1982 a été décrite comme « délicate, poignante, austère... évoquant une résonance de tonalité plus simple ». Carlos Ward a été membre du groupe de Cecil Taylor dans la période qui a immédiatement suivi la mort de Jimmy Lyons, en 1986. Il était également membre de The Ed Blackwell Project et il a dirigé son propre quatuor en 1987.
9. « Kali », Carlos Ward, Kirk Lightsey, album Faces, 1994.

Santi Wilson Debriano, bassiste de jazz américain (né à Colón 1955). Il a grandi à Brooklyn, où il avait déménagé avec sa famille à l’âge de 4 ans. Il a étudié la composition à l’Union College de New York, puis a fréquenté le New England Conservatory of Music et Wesleyan University.
Il travaille avec Archie Shepp à la fin des années 1970 et au début des années 1980. Puis il s’installe à Paris et joue avec Sam Rivers pendant trois ans. Il retourne enfin à New York et y travaille avec Don Pullen, Pharoah Sanders, Sonny Fortune, Billy Hart, Larry Coryell, Chucho Valdés, Hank Jones, Cecil Taylor, Randy Weston, Freddie Hubbard, Kirk Lightsey et Attila Zoller.
Santi Wilson Debriano a dirigé plusieurs unités, y compris de petits groupes à la fin des années 1980, dont Circle Chant, un ensemble influencé par la world music qui a compté parmi ses membres Helio Alves, Will Calhoun et Abraham Burton. Il a également été directeur musical des arts à la Dwight Morrow High School à Englewood, New Jersey, et a reçu un prix pour l’enseignement du jazz décerné par l’Université de New York en 2001.
10. « Golden Legacy », Santi Debriano, album Golden Legacy, 2019.

Danilo Pérez, pianiste et compositeur de jazz panaméen (né à Panama 1965). Il a commencé la musique à l’âge de 3 ans, formé par son père, qui était chanteur et chef d’orchestre. À l’âge de 10 ans, il étudie le répertoire européen de piano classique au Conservatoire national de Panama. Diplômé en électronique, il obtient une bourse pour étudier à l’Université de l’Indiana en Pennsylvanie et, en 1985, il étudie le jazz au Berklee College of Music. Entre 1985 et 1988, alors qu’il est encore étudiant, il joue avec divers musiciens tels que Jon Hendricks, Terence Blanchard, Claudio Roditi et Paquito D’Rivera. De plus, il produit l’album Rencontre et joue sur le disque lauréat d’un Grammy Award, Danzon.
Dans les années 1980, il joue et enregistre avec divers musiciens de jazz, dont Dizzy Gillespie, Jack DeJohnette, Charlie Haden, Michael Brecker, Joe Lovano, Tito Puente, Gerardo Nuñez, Wynton Marsalis, John Patitucci, Tom Harrell, Gary Burton, Wayne Shorter, Roy Haynes, Steve Lacy… Il fait partie de l’Orchestra of United Nations dirigé par Dizzy Gillespie, dont il est le plus jeune membre. Cela lui permet d’assimiler les styles be-bop et post-bop et de participer à l’album lauréat d’un Grammy Award Live At The Royal Festival.
En 1993, il se concentre sur son propre groupe et enregistre les disques Danilo Pérez (1993) et The Journey (1994), ce dernier étant dans les charts des meilleurs albums de l’année. Le magazine de jazz Downbeat l’a nommé parmi les meilleurs CD des années 1990 et il a reçu le Jazziz Critics Choice Award. En 1995, il est le premier Latino-Américain à faire partie du groupe de Wynton Marsalis et le premier musicien de jazz à jouer avec l’Orchestre Symphonique du Panama. En 1996, il enregistre son album PanaMonk qui, en plus d’être qualifié de « jazz masterpiece » par le New York Times, est choisi comme l’un des 50 albums les plus importants de piano jazz par Downbeat. Avec l’album Central Avenue de 1998, il décroche sa première nomination au Grammy Award du « Meilleur album de jazz ». En 2003, il enregistre l’album Till Then, qui comprend des compositions d’auteurs-compositeurs-interprètes du Brésil, du Chili, de Cuba, des États-Unis et du Panama. Ces enregistrements accumulent de nombreux prix et figurent parmi les listes des meilleurs CD de l’année.
Guitare basse : John Patitucci, batterie : Jeff Ballard, piano et composition : Danilo Pérez.
11. « Blues for the Saints », Danilo Pérez, album Central Avenue, 1998.