C’est du jazz latino 16

On dit, dès le début de ce programme, que ce genre a le mérite de représenter tout le continent américain : ses racines se prolongent vers la rencontre des trois ethnies fondamentales qui ont peuplé le continent, les populations amérindiennes, les européennes, surtout espagnoles et portugaises, mais pas seulement, et les africaines, déracinées de leurs terres, réduites en esclavage et transférés de manière compulsive outre-Atlantique.

Vers la fin du XIX^e siècle, des identités spécifiques avaient été définies dans les différentes régions qui composent aujourd’hui le continent. Darcy Ribeiro, anthropologue brésilien, propose une classification intéressante, aujourd’hui presque oubliée, "Povos Novos", "Povos Testemunha" et "Povos Transplantados" (des peuples nouveaux, des peuples témoignages et des peuples transplantés), (Ribeiro Darcy, As Américas e a Civilização, Rio de Janeiro,1970), pour souligner les identités du continent. On pourrait dire que le jazz latino est avant tout caractéristique des peuples nouveaux et s’étend ensuite aux peuples témoins et transplantées, cependant, on inclurait toute la Caraïbe parmi les « peuples nouveaux », pas seulement la Caraïbe hispanique et le sud-est des États-Unis, ainsi que la côte caraïbe du Mexique. D’autre part, malgré les obstacles idéologiques, politiques et économiques, les phénomènes culturels, comme le jazz et le jazz latino, montrent des relations et des influences de plus en plus denses entre peuples "nouveaux", "témoignages" et "transplantés".

Dès le début de la conquête et de la colonisation, un échange de population, de biens et, par conséquent, un échange culturel a eu lieu entre ces peuples, bien que le programme des métropoles intervenantes (Espagne, Portugal, Angleterre, France, Hollande et, plus tard, les États-Unis) ait été de les séparer, tant que, depuis la fin du XIXe siècle, on peut trouver des relations et des influences mutuelles qui rendent poreuses ces identités régionales.

Un domaine spécifique de ces échanges est celui de la musique. Les colonisateurs européens ont imposé leurs expressions culturelles aux africains et indigènes asservis, ceux-ci, d’une manière ou d’une autre, ont réussi à maintenir en partie leurs traditions, ces traditions ont progressivement et douloureusement commencé à se mélanger et ont donné naissance au jazz, à la musique cubaine, à la musique caribéenne en général, à la musique brésilienne, argentine, etc.

Depuis le début du XXe siècle, certaines chansons populaires latino-américaines se sont popularisées aussi aux États-Unis. Ce pays, en tant que puissance ascendante qui détrône progressivement l’Europe dans ses rapports de domination dans les Caraïbes et en Amérique latine, diffuse ce qui deviendra son expression culturelle la plus caractéristique, le jazz. De la rencontre de ces traditions, le jazz latino est né. Dans les années 40 du XXe siècle, à New York, des jazzmen nord-américains et des musiciens caribéens se sont rencontrés, se sont découverts, et ont commencé un enrichissement mutuel qui dure jusqu’à aujourd’hui, c’est le jazz latino. Sa date de naissance est normalement attribuée à la rencontre entre Dizzy Gillespie et Chano Pozo (1943), on peut garder le caractère symbolique de cette rencontre, la réalité historique est cependant plus complexe, une multiplicité de facteurs et de protagonistes y intervient, ainsi qu’une multiplicité de personnes méconnues ou totalement inconnues, qui ont contribué à la naissance de ce genre musical aujourd’hui mondialisé. On trouve des artistes de jazz latino pratiquement partout dans le monde.

Ce processus relationnel ne s’est pas arrêté tout au long du XXe siècle, il se poursuit encore aujourd’hui et se poursuivra probablement. La Seconde Guerre mondiale a provoqué un mouvement de l’armée nord-américaine vers l’Europe qui comprenait les orchestres, dans ces orchestres, il y avait, bien sûr, dans le cadre de la troupe, des musiciens afro-américains et des musiciens latino-américains, surtout portoricains. Après la guerre, la vie ordinaire reprend sa dynamique, désormais l’échange est marqué par le déplacement des populations, et avec elles des musiciens, qui cherchent une vie meilleure aux États-Unis et dans d’autres pays d’Amérique latine, momentanément sauvés des dictatures de droite et de gauche qui gangrènent la région.

Depuis le début du XXe siècle, les Portoricains et les Cubains ont laissé leurs îles appauvries par des administrations corrompues et la relation coloniale avec les États-Unis. Ils vont principalement vers la métropole, mais aussi vers d’autres pays d’Amérique latine, Mexique, Colombie, Venezuela, etc. La diaspora est également nourrie de Colombiens fuyant la violence, de Dominicains fuyant la dictature, ainsi que d’Argentins, d’Uruguayens et de Chiliens. Aujourd’hui, au XXIe siècle, plus de 7 millions de Vénézuéliens ont quitté le pays, poussés par la violence et la misère chavistes, dont des centaines ou des milliers de musiciens ; la diaspora cubaine ne cesse pas, s’y ajoutent des Haïtiens, des Nicaraguayens et d’autres Centraméricains.

Ces échanges ont tout sauf l’idylle. Les étrangers, partout, malgré les bonnes intentions et les discours solidaires et égalitaires, rencontrent la traite des êtres humains, la xénophobie, le travail au noir, la prostitution, l’alcoolisme, la drogue, la misère, l’exploitation, l’incompréhension. Au milieu de ces relations, marquées plus par la nécessité que par le tourisme, une bonne partie des musiciens qui interprètent aujourd’hui le latin jazz se sont formés. Beaucoup d’entre eux ont réalisé leurs rêves, aujourd’hui, ils se soutiennent par leur travail artistique, ils enregistrent, ils publient, ils sont professionnels, professeurs d’université, directeurs de groupes, arrangeurs, etc. N’oublions pas cependant que les roses qu’ils nous envoient avec leurs exécutions viennent de cette histoire.

Les chansons et interprètes que nous vous présentons aujourd’hui sont une évidence de cette complexité, de la richesse d’un genre musical à l’origine douloureuse, aujourd’hui sublimé par la nostalgie et la joie qu’il nous transmet.

Formé en 2001 par l’union du batteur Edu Ribeiro, du pianiste Fabio Torres et du bassiste Paulo Paulelli, le Trio Corrente crée un son original, interprétant de manière unique les classiques du choro, du MPB et de son répertoire d’auteurs grandissant. Dans les prestations du Trio, solos virtuoses et moments d’une rare subtilité se mêlent dans un agréable équilibre.
En 2011, Trio Corrente enregistre son deuxième album, Volume 2, et en 2014, l’album Song For Maura, en partenariat avec Paquito D’Rivera, remporte le Grammy Award du meilleur album de jazz latino. Pour la même œuvre, ils remporteront, dans la même catégorie, le Latin Grammy, partageant le prix avec le légendaire pianiste américain Chick Corea.
En 2020, le Trio Corrente, comme les artistes du monde entier, a vu ses engagements annulés en raison de la pandémie. Pendant ce temps, ils écrivent de nouvelles compositions et arrangements et, fin 2021, ils sortent leur 7e album, Sincronia : un mélange d’harmonies et de rythmes brésiliens avec la liberté et l’improvisation du Jazz.

Eduardo José Nunes Ribeiro est musicien, batteur, compositeur et enseignant. Quatre de leurs collaborations ont remporté les Grammys Awards, la plus haute distinction de l’industrie musicale mondiale. Il joue de la batterie dès l’âge de 6 ans et depuis travaille avec les styles musicaux les plus divers. Il a sorti 8 albums en tant que leader ou co/leader et plusieurs contributions en tant que batteur pour plusieurs artistes.
Edu est professeur de batterie, de percussions et de pratique d’ensemble à la Faculté Santa Marcelina depuis 2006 et coordinateur du domaine de la musique populaire à l’EMESP (São Paulo State Music School) depuis 2014.

Fabio Torres a commencé à étudier le piano à l’âge de 5 ans et ne s’est pas arrêté jusqu’à aujourd’hui. Sa musique passe par les heures consacrées aux partitions de Bach, Chopin et Ravel mais aussi par l’écoute passionnée des maîtres du jazz tels que Coltrane et Miles Davis. C’est dans la richesse de la musique populaire brésilienne que le pianiste est venu définir son style. La rencontre avec la musique immortelle de Jobim, Jacob do Bandolim, Pixinguinha, et bien d’autres, a consolidé la musique extrêmement personnelle et essentiellement brésilienne du musicien.
Actuellement, Fabio fait partie du Trio Corrente, l’un des groupes de jazz brésilien les plus reconnus aujourd’hui, aux côtés de ses partenaires Paulo Paulelli (contrebasse) et Edu Ribeiro (batterie). Ensemble, les trois musiciens ont créé une manière unique d’interpréter les standards brésiliens.
Paulo Paulelli, né à São Paulo, travaille comme bassiste professionnel depuis l’âge de 15 ans. Il a reçu une forte influence de sa famille, en particulier de son oncle Messias Santos Júnior, partenaire de Chico Buarque et arrangeur de João Gilberto. Son inspiration constante vient aussi de son grand-père Ernesto, illustre résident du Bairro do Brás, dans la ville de São Paulo et immortalisé par Adoniran Barbosa, dans la chanson « O Samba do Arnesto ».
Multi-instrumentiste et compositeur virtuose, en octobre 2009, Paulelli sort son premier CD auteur intitulé « Insight Moments ». Comme le titre l’indique, leur album est le reflet de leur propre style et de sons uniques. Dans ce CD, le talent et la créativité apparaissent dans une combinaison parfaite de jazz et de musique brésilienne.
Commençons notre programme aujourd’hui avec Song for Maura, Paquito D’Rivera and Trio Corrente album Song for Maura, 2013.

Originaire de Camagüey, Cuba, Omar Sosa a étudié la percussion à l’Escuela Nacional de Musica et à l’Instituto Superior de Arte. Dans les années 1980, il a fondé le groupe Tributo, enregistrant des albums et faisant des tournées avec le groupe. Dans les années 1990, il a déménagé de Cuba à Quito, en Équateur ; à Palma de Majorque, Espagne ; dans la région de la baie de San Francisco, en Californie, aux États-Unis ; et finalement installé à Barcelone, en Espagne.
Pendant son séjour en Californie, Sosa a sorti ses premiers albums sous son propre nom. Il avait reçu des nominations aux Grammy Awards pour quatre de ses albums, trois dans la catégorie Latin Jazz, à partir de 2020. En janvier 2011, Sosa et le NDR Bigband (North German Radio Bigband) ont remporté les 10e Independent Music Awards (IMA) dans la catégorie Jazz Album for Ceremony. Il a également collaboré avec Paolo Fresu, Seckou Keita, Adam Rudolph et de nombreux autres musiciens.
Continuons avec la pièce Alejet, Omar Sosa, album Eggūn (The Afri-Lectric Experience), 2013.

Arturo O’Farrill (né le 22 juin 1960) est un musicien de jazz, fils du musicien de jazz latino, arrangeur et chef d’orchestre Chico O’Farrill, et pianiste, compositeur et directeur de l’Afro Latin Jazz Orchestra. Il est surtout connu pour ses contributions au jazz latino contemporain, ayant reçu des Grammy Awards et des nominations, bien qu’il se soit formé à d’autres formes comme le free jazz et ait brièvement expérimenté le hip hop.
Alors que le chef d’orchestre et pianiste Arturo O’Farrill a toujours cherché à préserver l’héritage du jazz latino, il n’a jamais été du genre à le faire pour lui-même, mais toujours à des fins d’évolution. The Offense of the Drum présente son groupe de jazz afro-latin de 18 musiciens — un nombre impressionnant de 28 instruments de percussion du monde entier — et une foule remarquable de collaborateurs, dont Donald Harrison et Vijay Iyer. Le programme met en lumière les sonorités culturelles et les influences prismatiques de l’Amérique du Sud, de l’Espagne et des Caraïbes dans le jazz moderne.
Écoutons Alma Vacía, Arturo O’Farrill, The Afro Latin Jazz Orchestra, album The Offense of the Drum, 2014.

Dans la lignée de nombreuses sorties précédentes de Conrad Herwig, dont Latin Side de John Coltrane en 1996 et Latin Side de Wayne Shorter en 2008, Latin Side de Joe Henderson en 2014 trouve le tromboniste en concert au Blue Note à New York. Alors qu’il dirige son groupe à travers un ensemble d’originaux de Henderson réalisés dans un style latin. Comme pour tous les autres projets d’Herwig inspirés du latin, Latin Side de Joe Henderson présente un superbe ensemble bien équipé pour plonger dans ces arrangements aventureux et énergiques. Aux côtés d’Herwig, des sommités telles que le saxophoniste ténor Joe Lovano, le trompettiste Alex Sipiagin, le saxophoniste baryton Ronnie Cuber, le pianiste Bill O’Connell (qui contribue également à certains arrangements), le percussionniste Richie Flores, le batteur Robby Ameen et le bassiste Ruben Rodriguez. Adepte de l’improvisation et de l’arrangement, Herwig ne manque jamais d’apporter quelque chose de nouveau au standard de jazz le plus usé, et Latin Side de Joe Henderson ne fait pas exception. À ces fins, nous obtenons une version brillante, langoureuse et funky de "Recorda Me". En fin de compte, Latin Side de Joe Henderson est à la fois un hommage affectueux et un concert live viscéral et instantané (Matt Collar, www.allmusic.com).
Suivons avec Recorda Me, Conrad Herwig, album The Latin Side of Joe Henderson, 2014.

Pour une oreille non avertie, cet album The Rhythm of Invention du Wayne Wallace Quintet (plus) peut sembler n’être qu’un autre enregistrement de Latin-Jazz, mais juste sous la surface, quelque chose de tout à fait différent se produit en réalité. Que vous choisissiez de lire les notes de M. Wallace avant d’écouter la musique ou non, une plongée plus profonde révélera ce que le tromboniste a tenté de faire — et plutôt réussi, pourrait-on ajouter. Comme la musique vous le dira, selon la tradition de M. Wallace, c’est une merveilleuse réalité. Mais ne pas comprendre que la dynamique interne de la tradition est d’innover est une prison. Et ainsi, M. Wallace se positionne en conflit créatif avec des protocoles séculaires sur la façon dont la relation entre le trombone (en fait, tous les cuivres, anches et vents) devrait fonctionner avec les percussions et les cordes. En jetant activement par-dessus bord des crochets mélodiques, structurels et harmoniques qui se sont émoussés de manière expressive à cause de la surutilisation, il construit à partir de ce qui pourrait — ou ne pourrait pas — rester.
M. Wallace crée une superstructure orchestrale virtuose avec son superbe quintette et quelques invités stellaires, dont le violoniste Dayren Santamaria, les anches et les instruments à vent Mary Fettig, Masaru Koga et Melecio Magdaluyo et les musiciens à cordes merveilleusement sensibles dont les détails ravissants suggèrent la vie foisonnante de la terre musicale dans toute sa variété protéiforme (Raul De Gama, latinjazznet.com).
Avec The Wayne Wallace Latin Jazz Quintet, album The Rhythm of Invention, 2019, écoutons El Arroyo.

Il est né à Mendoza, en Argentine, le 29 octobre 1962. Il a commencé ses études de piano à l’âge de 8 ans au Conservatoire National de Musique de Buenos Aires. Parallèlement, il étudie le piano, l’harmonie, le contrepoint, la composition, l’improvisation et la programmation de synthétiseurs auprès de certains des professeurs les plus prestigieux de son pays, tels que Susana Kasakoff, Manolo Juárez ou Gabriel Senanes. Il a suivi un cours de musique contemporaine avec le Modern Ensemble d’Allemagne et des master-classes d’improvisation avec Lyle Mays, Kenny Barron et Michel Petrucciani. A New York, il prend des cours d’improvisation avec Warren Bernhardt. Une fois en Espagne, il poursuit ses études de direction d’orchestre avec Miquel Ortega et de composition avec Gabriel Brncic.
Entre 1983 et 1994, il participe activement à la nouvelle scène musicale argentine, intégrant différents groupes tels que Apertura, Quinteto El Quartetazo et Emilio Solla et 5 de Copas, une fusion des tendances modernes du tango et du folklore argentin avec des éléments de jazz et musique de chambre contemporaine. Il a participé à de nombreux groupes de jazz, tels que le Carlos Campos Quartet et avec Ara Tokatlian. Avec le quatuor vocal 4 & Cuatro, il se produit aux côtés de Paquito de Rivera et Claudio Roditti.
Buenos Aires Blues (dédié à la Nouvelle-Orléans) commence par un ostinato discordant qui dessine une ligne nette et même inquiétante. Une telle férocité est justifiée, car la ville portuaire de la Nouvelle-Orléans était une destination pour de nombreuses personnes qui ont été forcées d’y être. Les Africains ont été amenés comme esclaves et vendus sur les marchés de la ville, un chapitre laid du passé mouvementé de l’Amérique qui a également laissé sa marque sur la musique. Solla invoque une forme de blues pour évoquer la noirceur historique de ce port, tandis que le battement et le rythme de la mélodie font clairement référence au tango moderne d’Astor Piazzolla. L’escalade des lignes de cuivre crée du suspense et de la tension tout au long de la pièce. Il y a même de la tension dans le solo de saxophone, encadré par la marche-marche du travail de caisse claire. Ce n’est que jusqu’au solo de saxophone de Goss, que Solla offre au public un moment de swing sans fard. L’accordéon en solo de Julien Labro accompagné de la contrebasse de Pablo Aslan est un beau moment en duo de cette production (Full Liner Notes by Kabir Sehgal, album Puertos…)
Terminons le programme avec Buenos Aires Blues, Emilio Solla Tango Jazz Orchestra, album Puertos : Music from International Waters, 2019.

Nous terminons ainsi l’émission d’aujourd’hui, l’épisode 16 de C’est du jazz latino, nous espérons qu’il vous a plu et nous vous invitons cordialement à la prochaine diffusion. Merci