TK-21

Le silence est une pute

Alain Wagner et Elodie Desprès — 2024-12-27T10:36:18Z

Elodie Desprès est poétesse, cinéaste, philosophe et professeur de français. Elle nous parle et nous raconte les origines de son inspiration foisonnante. Et l'on se réjouit de regarder son film exubérant « Le silence est une pute ».

Le silence est une pute

Sa liberté étonnante nous met à table. Quelques minutes d'un plan séquence, qui nous nourrit comme un film italien flamboyant, mais sur lequel plane sa voix profonde et calme aux paroles poétiques, distillant un point de vue parallèle, sorte de conscience accompagnée par la guitare de Delphine Ciampi Ellis.

Ce film de 2016 inspirera d'ailleurs à ces deux femmes le spectacle Sextant. Épopée en 10 chants du duo portant le nom du film et dont le livret est désormais disponible aux éditions belges RealtA .

Elodie Desprès décembre 2024 TK 21 AW

Entretien sonore avec Elodie Desprès par AW, 56 min, décembre 2024.

Hamadryade

Meat is murder

Delphine Ciampi-ellis : https://soundcloud.com/delphineciampi

Lisez la poésie de Elodie Despres aux éditions Réalta,
à commander chez votre libraire préféré :

– Un bout de phrase à toi (poiétique du temps présent) texte de Elodie Desprès, photos de Carmeline Taiello
– Sextant
– Écrire à la corde

Elodie Desprès a également réalisé
– Le souffle des raisons 2011, avec Marcel Conche.
– Meat is murder - James D.Lee
– Hamadryade

Holyshit, de l'inceste au possible pardon

Catherine Belkhodja — 2024-04-01T09:42:49Z

Victime d'un inceste durant l'enfance, Sarah Marcuse ne trouvait pas les mots pour l'écrire. Il lui a fallu attendre plus de quarante ans pour que les vannes s'ouvrent. Holyshit raconte cet émouvant parcours qui va du cauchemar à la guérison.

Elle voulait écrire l'histoire de son inceste à sept ans. À l'époque, Sarah Marcuse ne trouvait pas les mots. Elle s'est alors fait la promesse de reprendre plus tard son témoignage et a tenu parole. Quand elle s'est mise à l'ouvrage, elle avait 49 ans. Elle a écrit « Holyshit ! », une pièce qu'elle interprète elle-même, seule en scène.
Elle utilise son savoir-faire de comédienne, mais nous offre paradoxalement un spectacle d'une grande authenticité. La co-mise en scène avec Madeleine Raykov est sobre et dépouillée, au service de la parole, sincère et sans artifice.

Bouleversante, Sarah Marcuse refuse de se poser en victime. Elle cherche surtout à évacuer la honte et à trouver le chemin de la guérison et du pardon.

Elle explique le processus mental qui, du stade de la stupéfaction, lui permet de traverser cette épreuve et de rejoindre l'autre rive en s'aimant assez pour survivre à ce cauchemar.

Grâce à un chemin spirituel ponctué de lectures variées et de rencontres déterminantes, elle parvient à survivre à ce traumatisme.
Elle ne pourra, naturellement, jamais supprimer les douleurs du passé, mais la créativité lui permet de transformer ses blessures.

Nous la suivons dans sa recherche qui passe par toute une palette d'émotions. Stupéfaction, colère, tendresse, terreur, colère, honte, douceur. Chaque fois, elle aborde de nouvelles situations avec une intelligence rare. Cette enfant surdouée et pleine de ressources aura eu besoin de tout ce temps pour affronter l'innommable.

Nous avons eu le privilège de la rencontrer après la sortie du spectacle.

Catherine Belkhodja - Comment as-tu réussi, après tant d'années, à écrire sur ce traumatisme d'enfance ?

Sarah Marcuse - Ma boite noire a fait rejaillir en bloc non pas la mémoire, qui n'avait rien occulté, mais les émotions et les sensations que mon corps anesthésié avait refusées, au-delà ce que j'aurais pu imaginer. J'ai ressenti de la fierté d'avoir mis tant de délicatesse et de force dans ce texte alors que je me sentais si fragile.

CB - Comment l'idée d'un spectacle a-t-elle émergé ?

SM - Avec les mots, des images de mise en scène sont apparues, des musiques, des costumes et des accessoires. Tout s'est déployé en simultané. J'ai demandé à Madeleine Raykov de m'accompagner parce que je savais pouvoir me livrer à son regard. J'avais confiance en elle.
Je savais sa rigueur, ses connaissances du corps et son goût du détail. Et les maux ont pris corps. Le corps m'a guidée en scène pour retrouver goût et mouvement alors qu'en moi tout était pétrifié. Retrouver ma liberté. Ma sensualité.

CB - Tu es allée très loin dans l'évocation de ton intimité…

SM - J'avais choisi d'être sur scène avec mes outils et mon expérience de comédienne, mais sans jouer : en me présentant au public dans cet endroit délicat de ma vérité, de ma reconstruction, sans masque et sans tricher. Pour braver la honte de moi afin de me valider enfin. De m'accepter, là, en intégralité.

CB - On sent une grande maturité spirituelle dans le spectacle. En dehors de ta formation au cirque ou en théâtre, as-tu suivi d'autres enseignements ou vécu des expériences spécifiques ? 

SM - Comme j'en parle dans la pièce, j'ai vraiment essayé beaucoup de choses : la méditation Vipassana, l'EMDR et les thérapies psychotropes... Toutes ces méthodes ont en commun de nous permettre d'aller voir ou ressentir les mécanismes qui se sont cristallisés et qui finissent par nous étouffer, pour nous sauver dans un premier temps. Ce qui m'a vraiment permis de revenir dans mon corps, c'est une formation de transe cognitive auto induite, théorisée par Corine Sombrun à partir de sa propre expérience ( ndlr : voir le film Un monde plus grand de Fabienne Berthaud).
Les livres ont aussi été d'une grande aide pour ne pas devenir folle... « Le processus de la présence » de Michael Brown, « Rompre avec soi-même » de Jo Dispenza, « Aimer ce qui est » de Byron Katie.

CB - Tu dis dans un passage de la pièce que tu ne veux pas te victimiser. Peux-tu nous donner des explications ?

SM - C'est le grand paradoxe. Il faut accepter le fait d'être une victime et mettre le doigt sur les souffrances et mécaniques que cela a « engrammé » dans chacune de nos cellules pour pouvoir en sortir ! Et il faut ensuite sortir du statut de victime, qui a été comme une seconde nature et qui nous a constitué, pour sortir de la souffrance. Cette émancipation est primordiale et elle ne dépend de personne d'autre que nous. C'est un acte libérateur que l'on s'offre à soi-même. Plus facile à dire qu'à faire !

CB - Tu animes des ateliers en lien avec le spectacle et ton histoire. As-tu rencontré beaucoup d'enfants ou d'adolescents agressés sexuellement, qui ont pu dépasser ces violents traumatismes ?

SM - Dans les ateliers, les enfants et adolescents n'en sont pas à la prise de parole. Elle vient parfois après, dans un cadre sécurisé. C'est surtout un partage de mon expérience et une proposition pour qu'un regard constructif soit posé sur le traumatisme afin de sortir de la souffrance.

CB - Aurais-tu un message particulier à donner à ceux qui ne parviennent pas à dépasser des traumatismes d'enfance ?

SM - La chose la plus importante à mon sens est de se rappeler toujours que la blessure et le trauma ont généré automatiquement des ressources et des aptitudes très puissantes. Les voir, c'est accepter que quelque chose de beau est fatalement issu de ce cauchemar. Aller à la rencontre de ces trésors que l'on a développés, c'est enrichissant et réparateur. Il existe des techniques très puissantes pour faire ce chemin. « Que faire de cette douleur-là ? », c'est réellement une question de vie ou de mort ... Chercher ce que ÇA m'a apporté de positif pour ne pas sombrer.

CB - Es-tu capable de pardonner à celui qui t'a blessée ?

SM - Le chemin est plutôt de me pardonner à moi-même. C'est peut-être difficile à comprendre pour qui ne l'a pas vécu ! C'est plutôt un retour à l'amour de soi. Un amour plus grand qu'auparavant car il englobe aussi les parts de moi que je détestais et qui me faisaient honte.

CB - Ta démarche évoque pour moi le Kintsugi, l'art japonais de réparer les céramiques brisées avec de la laque et de l'or : Cette technique remonte au XV^e siècle et met en valeur les fêlures et les cassures. On peut considérer que tu répares en effet tes cicatrices d'enfance brisée avec de l'or, transformant ainsi ton expérience douloureuse en œuvre d'art.

SM  - Oui, cette image est assez parlante. Il y a aussi ce dicton qui dit que c'est par nos fêlures, par nos blessures, qu'entre la lumière qui nous permet de nous rencontrer ou de nous connaître vraiment. Le résultat est pour moi, je pense, un condensé d'authenticité, un pas décisif vers ma singularité. Celle d'avoir cru ou su depuis toujours que mon salut viendrait de mon aptitude à tirer de ce cauchemar, quelque chose de beau. Voir en moi l'or, enfoui sous toute la peur du monde.

Voir en ligne : Théâtre de la Reine Blanche

Dates et renseignements :
www.holyshit-show.ch

Le texte de la pièce est publié aux Éditions du chamois rouge.

Sarah Marcuse est née à Taïwan en 1971 d'une mère indonésienne et hollandaise et d'un père australien et belge. Genevoise d'adoption, elle est de nationalité franco-suisse.

Madame de Sévigné, ou la question du pouvoir

Anne Marie Poucet — 2024-03-02T11:07:28Z

Le film Madame de Sévigné, de la réalisatrice Isabelle Brocard, nous expose discrètement la richesse de la relation mère-fille, dans un contexte historique particulier, le règne de Louis XIV et ses convulsions, qui en décuple l'intérêt et donne un film foisonnant, complexe. Avec en filigrane la question du pouvoir, sous toutes ses formes.

La relation mère-fille est l'une des plus riches qui soient. C'est d'abord la fusion totale, elles ne font qu'une tout au long de la gestation, puis cette union se prolonge bien souvent par le nourrissage au sein. Il en restera toujours quelque chose quoi qu'il puisse se passer. Le destin de cette relation sera cependant différent selon que l'enfant est garçon ou fille, ce que le film Madame de Sévigné, d'Isabelle Brocard, nous expose discrètement. Il explore cette situation dans un contexte particulier qui en décuple l'intérêt et donne une création foisonnante, complexe.

La relation entre Madame de Sévigné et Madame de Grignan, sa fille, se déploie dans une période agitée du XVII^e siècle : le règne de Louis XIV et ses convulsions — la Fronde et ses conspirations, les jacqueries lors desquelles les paysans qui refusent de payer les impôts nécessaires à la conduite des guerres intérieures et extérieures sont torturés, broyés, pendus. Elle nous donne à voir une grande variété de rapports amicaux, sociaux, familiaux qui s'entrecroisent et dont l'adroit tissage forme la trame d'un film. Son sujet principal est pourtant constitué des rapports entre Madame de Sévigné et sa fille, rapports uniques en leur temps et qui parlent encore à notre époque. De quoi s'agit-il ?

Isabelle Brocard excelle dans la description, tout en finesse, des liens affectifs et de leurs difficultés. Que ce soient ceux d'une architecte en phase terminale et de la jeune femme qui l'accompagne au quotidien — Ma compagne de minuit — ou de ceux des « jeunes aidants », enfants en charge de leurs parents malades ou handicapés et qui se trouvent propulsés dans le rôle de « parents de leurs parents », alors qu'eux-mêmes sont encore loin de la maturité. Ainsi Un trou dans le mur et un câlin sur l'épaule gauche, rend-il compte par le biais d'un atelier de cinéma de la situation et des préoccupations de ces jeunes.

Madame de Sévigné

©Julien Panié

De relation, il est question aussi dans Madame de Sévigné, mais cette fois dans un tout autre contexte puisqu'il s'agit, là encore, d'une relation complexe, peut-être une des plus complexes qui soit : la relation mère-fille. Une relation faite d'attirance-rejet, de fusion-séparation.
En effet, si les débuts de la vie sont identiques pour la fille et le garçon — une intimité partagée avec la mère — la suite diffère notablement. Si le garçon se trouve un modèle identificatoire paternel — le Nom-du-père lacanien — qui va lui permettre de gagner en autonomie face à la mère, pour la fille dont le modèle identificatoire est précisément la mère, la proximité reste grande. De ce point de vue, le film d'Isabelle Brocard, qui explore ces relations, est intemporel et universel. Bien sûr, il se déroule sur un fond historique précis qui exacerbe les relations de pouvoir et les manifestations les plus cruelles de l'absolutisme.

De pouvoir, il est question en filigrane de ce film, et pas seulement du pouvoir royal qui s'exerce sans contrainte, y compris à l'encontre des femmes, mais aussi de celui dont elles peuvent espérer jouir... ou pas, sans parler du pouvoir marital. Le passage où Madame de Sévigné disserte sur la distinction entre liberté et indépendance dans le salon de son amie Madame de Lafayette est, à cet égard, éloquent.

L'indépendance, Madame de Sévigné en rêve pour sa fille qui refuse de jouer le rôle prévu pour elle par sa mère. Elle veut se plier corps et âme à ce que les conventions sociales exigent d'elle, même si, dans un cri de révolte déchirant, elle dépeint le désespoir de sa condition en reprochant à sa mère d'en être l'artisane.

Madame de Grignan admire cette mère qui la fascine, elle le dit et le récit le montre lorsque nous découvrons qu'elle rend ses lettres publiques. Pour qui en douterait, la piété avec laquelle elle a conservé ces lettres en administre la preuve.

Plus fouillés sont les sentiments de Madame de Sévigné, sentiments qu'elle exprime sans détour dans ses lettres, seuls exutoires à une situation qui lui est insupportable dans une société corsetée. L'avenir de sa fille constitue sa seule ambition, le but de sa vie, l'horizon de tous ses rêves ; séparée d'elle, elle dépérit — extraordinaire expressivité de Karine Viard. Ses lettres constituent son échappée, sa possibilité de partage, de rêves, d'expression de sa tendresse pour sa fille en ce qu'elles abolissent l'espace et cultivent une forme de proximité avec celle dont son gendre la sépare... Car il est aussi question de relations de couple dans une société où la toute-puissance maritale est comme un écho domestique à la toute-puissance royale.

Madame de Sévigné s'est trouvée opportunément veuve, ce qui lui a permis de se construire une vie, si ce n'est à sa guise, au moins de façon acceptable — son cousin-amant Bussy est certes moins encombrant que Sévigné. Elle utilise sa relative indépendance au profit d'une fonction maternelle qui s'exerce prioritairement à l'égard de sa fille, mais aussi d'une enfant pauvre de la noblesse, la maternité symbolique faisant écho à la maternité physique. La marquise se sent l'âme pédagogue pour former cet esprit inculte, mais fort logique et elle amorce une éducation émancipatrice dans le cadre d'une relation presque filiale, cadre qui sera brisé par les conventions. Lors du retour inopiné de sa fille auprès d'elle, elle se séparera sans un geste de sa petite protégée — mais l'expression désemparée qu'adopte en cet instant Karine Viard est éloquente. Cette « fille de substitution » restera « à sa place » quoiqu'en veuille la Marquise.

Au sein d'une même classe s'élaborent des stratégies pour préserver sa situation ou sa vie, les complots font florès. Des solidarités transversales s'esquissent ou se confortent : Bussy, en disgrâce, rédige ses mémoires et peut compter sur l'aide de la Marquise. Une autre ligne de front traverse ce microcosme soumis au caprice tyrannique du roi : la sororité. Madame de La Fayette est une précieuse alliée sur laquelle la Marquise peut compter.

La forme du film épouse parfaitement son propos grâce à une construction rigoureuse sous le foisonnement des événements. Les premier et derniers plans sont presque symétriques, l'un et l'autre se déroulent au même endroit, au bord de l'eau, laquelle est, du taoïsme, pour lequel elle est « yin », à la psychanalyse, la marque du féminin : du côté de la psychanalyse, elle est la métaphore des origines, de la fécondité, de l'enfantement, du liquide amniotique (Freud, Jung). Or la première scène nous montre mère et fille se promenant : la fille prenant un bain, puis sa mère, au sortir de l'eau, l'enveloppant et lui évoquant son entrée dans le monde, comme une seconde naissance. Dans la dernière, nous retrouvons la mère, livrée à une solitude méditative. Une boucle est parcourue, qui la dépose au lieu où tout a commencé, mais transformée. Il ne s'agit en aucun cas de la réitération du même. La Marquise, transformée physiquement et moralement, semble au terme d'un parcours initiatique dans lequel l'introspection à laquelle se livrent les lettres a joué un grand rôle.

Madame de Sévigné

©Julien Panié

Entre-temps une succession de retrouvailles et de départs comme autant de ruptures dont l'importance est soulignée par l'écran noir qui rythme la narration, ravageant moralement et physiquement madame de Sévigné mais la faisant aussi advenir autre. Ce processus douloureux accouche d'une nouvelle femme qui, d'une mère, devient une grande épistolière. On peut risquer, là encore un parallèle entre Françoise de Grignan accouchant dans la douleur d'un enfant de chair lors d'une séquence assez éprouvante, et Marie de Sévigné accouchant, elle aussi dans la douleur, mais lors d'un processus beaucoup plus long, d'une écrivaine et d'un nouveau genre littéraire. Cette mère dans l'âme — il faudrait aussi parler de la tendresse inquiète qui la lie à son fils — a fini par accoucher d'elle-même, réalisant avant la lettre cette injonction de Nietzsche : « Deviens ce que tu es ».

Image d'introduction : Mme de Sévigné, Julien Panié.

Madame de Sévigné, Isabelle Brochart

©Killian Bridoux

Rencontre avec Isabelle Brochard

Anne Marie Poucet — 2024-03-02T11:06:04Z

« Madame de Sévigné », qui sort en salles le 28 février, questionne la relation fusionnelle et dévastatrice entre la marquise et sa fille, Madame de Grignan. Entretien avec la réalisatrice du film, Isabelle Brochard.

Milieu du XVII^e siècle, la marquise de Sévigné veut faire de sa fille une femme brillante et indépendante, à son image. Mais plus elle tente d'avoir une emprise sur le destin de la jeune femme, plus celle-ci se rebelle. Mère et fille expérimentent alors les tourments d'une relation fusionnelle et dévastatrice. De ce ravage, va naître une œuvre majeure de la littérature française.

Anne-Marie Poucet : Vous renouvelez dans votre film « Madame de Sévigné » l'approche de la relation mère-fille. Vos précédentes expériences filmiques ou l'atelier que vous menez avec des enfants « aidants », qui se trouvent en situation de prendre en charge leurs parents, ont influé sur votre vision ?

Isabelle Brochard : Quand un sujet ou une histoire me parle, je ne me demande pas pourquoi cela arrive. Mais il est évident que si je repense à mes films précédents, il y a une forme de constante dans le regard avec lequel je tente de décrire des relations familiales ou des substituts de relations familiales, comme dans Ma Compagne de Nuit, où le personnage joué par Hafsia Herzi devient à la fois la fille et la mère de celui joué par Emmanuelle Béart qui est en fin de vie. Ce sont des relations où les questions de co-dépendance, voire d'aliénation allant parfois jusqu'à des troubles pathologiques, m'intéressent parce qu'elles parlent d'amour et de liberté et finalement de la difficulté, peut-être même de l'impossibilité, de faire cohabiter les deux. Mais les personnes et les personnages que je filme tentent d'y parvenir.

AMP : Le fait d'être vous-même mère a-t-il joué dans votre manière d'aborder la relation entre les personnages ?

IB : On met forcément de soi partout quand on fait des films, et plus généralement quand on crée. Dans les personnages de ce film, il y a de moi en tant que fille, en tant que mère, mais aussi en tant qu'autrice puisque je raconte la naissance d'un écrivain, et il y a aussi de moi à plein d'autres endroits forcément.

AMP : La mise à distance spatiale mais surtout temporelle ne permet-elle pas une vision plus distanciée, n'en retenant que ce qui est universel ?

IB : Oui, bien sûr, je crois que lorsqu'on regarde une autre époque que la nôtre, on voit avec une forme de recul critique ce qui nous parle encore aujourd'hui. Cela s'est toujours fait. Il y a une lecture de la Princesse de Clèves dans le film à un moment. Il faut penser qu'à l'époque où elle écrit ce roman Madame de Lafayette le situe un siècle avant le sien pour y parler d'un sujet très « actuel » pour elle. Eh bien moi je voulais montrer à quel point une relation mère-fille qu'on dirait aujourd'hui toxique est nourrie, en partie générée, par une société patriarcale. Les contraintes qui pèsent sur le corps, le destin, la liberté des femmes, sont en partie à l'origine de cette relation « ravageante ».

AMP : La deuxième partie du XVII^e siècle, que l'on peut considérer comme l'acmé de l'absolutisme, n'exacerbe-t-elle pas les relations de pouvoir, que celui-ci s'exerce dans la société ou dans l'intimité ?

IB : C'est l'invention de la « société de cour », telle que la décrit le sociologue allemand Norbert Elias, qui permet à Louis XIV de régner en maître sur l'aristocratie ; c'est aussi une époque de guerres et de famines. Le personnage de Louis XIV est puissant dans son absence, il règne en creux, presque dans chaque scène les personnages sont sous son emprise de manière plus ou moins directe. Comme le dit à un moment le personnage de l'adolescente que Madame de Sévigné prend sous son aile : « Mon père sait que le Roi a tout pouvoir sur lui, ma mère que mon père a tout pouvoir sur elle et moi je n'ai de pouvoir que sur moi ».

AMP : Vous décrivez une forme de parcours initiatique avec ce film, mais toute maternité n'est-elle pas, d'une certaine façon, un parcours initiatique ?

IB : Bien sûr mais être fille-fils est un parcours initiatique aussi… Pour vivre il faut savoir se séparer et c'est plus ou moins difficile, douloureux. Madame de Sévigné doit laisser sa fille partir, exister par elle-même, accepter sa différence, cesser d'être juge de ses comportements et de ses choix, la laisser libre peut-être de ne pas l'aimer aussi… En faisant cela, en se séparant de sa fille, elle se confronte à elle-même et en ce sens c'est très initiatique.

AMP : Ne peut-on voir les comportements de Madame de Sévigné et de sa fille Françoise de Grignan, comme les deux aspects d'une condition féminine qui, quoiqu'exacerbée par l'époque où elle se déploie, est toujours actuelle en ce début de XXI^e siècle ?

IB : Au XVII^e siècle une forme d'indépendance et de liberté s'invente pour les femmes de l'aristocratie. C'est l'époque des Précieuses, des salons, de la Fronde à laquelle les femmes ont beaucoup participé. Madame de Sévigné n'imagine pas que cette évolution de la condition féminine va être progressivement muselée au fur et à mesure que s'annonce le début du XVIII^e siècle. Et elle n'imagine surtout pas que sa fille puisse avoir d'autres aspirations qu'elle. Mais quelle mère, dans les années 1970, pouvait envisager que l'égalité hommes-femmes ne serait pas définitivement acquise lorsque sa propre fille serait adulte ? Avec #MeToo on s'est rendu compte en 2017 qu'on était encore très loin du compte. Et puis même si la plupart des mères souhaitent aujourd'hui que leur fille soit autonome, il y a toujours des femmes qui veulent d'abord être des amoureuses, des mères, avant tout être indépendantes.

« Madame de Sévigné »
Film en salle à partir du 28 février 2024 | 1h 32 min | Drame, Historique
De Isabelle Brocard
Par Isabelle Brocard, Yves Thomas
Avec Karin Viard, Ana Girardot, Cédric Kahn.

Madame de Sévigné, Isabelle Brochart

« Niquer la Fatalité »

Catherine Belkhodja — 2024-03-02T10:49:53Z

Naître femme, est-ce une fatalité ? Dans son spectacle actuellement en tournée, Estelle Meyer convoque l'avocate et grande figure féministe Gisèle Halimi pour un formidable dialogue post-mortem. Une ode à la femme et à la vie.

Le public est happé dès les premières répliques. Une femme toute ronde au ventre proéminent occupe toute la scène. On ne peut ignorer ce ventre tout rond qui est presque le personnage principal de cette pièce. En effet, cette femme porte le monde. Non pas qu'elle veuille oublier son sexe féminin. Bien au contraire, elle le glorifie autant qu'elle le peut.

Nous la voyons explorer ses souvenirs avec force et rage. Il fallait résister aux injonctions multiples : celles de ses parents et de sa mère en particulier, celles de sa famille ou de la société tout entière. Les écrits de Gisèle Halimi lui donnent la force de continuer son chemin.

Estelle Meyer convoque, dans son spectacle chanté « Niquer la fatalité, Chemin(s) en forme de femmes », l'avocate et figure féministe, la femme qu'elle admire tant et qui lui permet de résister aux injonctions : « Avec sa clairvoyance et sa ferveur, cette femme tire tout le continent humain. Son combat, sa route, ses forces me devancent, me donnent du courage et du sang pour faire battre mes pas. La sensation d'un rythme cardiaque commun, rappelant l'essentiel : le grand hurlement de vie qui repousse les forces de la mort. Il y a en moi tout un continent qui demande à crier, à chanter, à guérir, à dire. »

Et elle chante bien. Estelle chante comme s'il en allait de sa vie, accompagnée par deux merveilleux musiciens qui ponctuent ses révoltes et ses espoirs. Grégoire Letouvet — au piano et au clavier — et Pierre Demange — aux percussions — ont tous deux participé aux arrangements musicaux.

Bouleversante et éblouissante, Estelle Meyer consulte son propre corps, ses émotions et ses souvenirs pour écrire une joyeuse ode à la femme, et lui rendre un triomphant hommage.

La chanteuse et comédienne évoque dans son récit initiatique, des souvenirs intimes et les batailles qu'elle a dû mener dans sa propre famille pour choisir la vie qu'elle voulait mener. C'est justement cette bataille intime qui lui a permis de trouver les mots pour s'engager dans un combat plus « sororal » : « J'ai foi dans le théâtre et dans les mots pour porter les peurs profondes qui nous habitent. Pour rendre universel l'intime et comme des îles dans le noir, semer des lucioles d'espoir. »

« Niquer la fatalité » : texte d'Estelle Meyer, mise en scène Margaux Eskenazi.
PROCHAINES DATES :
Montreuil-sous-Bois (93), le 08 mars 2024, Théâtre Municipal Berthelot Jean-Guerrin
Romainville (93), le 10 mars 2024, le Pavillon
Saint-Etienne-du-Rouvray (76), le 19 mars 2024, le Rive Gauche
Marcoussis (91), le 26 mars 2024, Atmosphère - Espace culturel Jean-Montaru
La Roche-sur-Yon (85), le 28 mars 2024, Le Grand R
Alençon (61), le 16 avril 2024, Scène nationale 61.

Affiche Niquer la fatalité

Estelle Meyer, Grégoire Letouvet et Pierre Demange

Pauline Le Goff

Ourika : première héroïne noire de la littérature française

Catherine Belkhodja — 2023-12-01T16:17:47Z

Le roman de Claire de Duras « Ourika », publié en 1823, décrit la vie d'une jeune Sénégalaise qui est offerte en cadeau à une aristocrate. Double actualité pour cette histoire inspirée de faits réels, avec une adaptation au théâtre et une réédition au format poche des œuvres complètes de l'auteure.

Dans son roman « Ourika » publié en 1823, Claire de Duras donne la parole à une jeune Sénégalaise, qui, échappant à l'esclavage à l'âge de deux ans, est donnée en cadeau à la princesse de Beauvau. Elle vit dans l'hôtel particulier du même nom à Paris aux côtés de Charles, le petit-fils de sa bienfaitrice et mère d'adoption. Elle a une enfance heureuse et choyée au sein de l'aristocratie de la fin du XVIIIᵉ siècle, dont elle épouse tous les codes, jusqu'à ce qu'elle découvre, à l'âge de quinze ans, son irréductible différence : juste la couleur de sa peau, qui ne lui permet pas de se marier.

Cette année, deux cents ans après la première édition du livre « Ourika » publié alors anonymement par Claire de Duras, les éditions Gallimard sortent en format poche un recueil des œuvres complètes de l'auteure : « Œuvres romanesques » (Folio Classique Gallimard). Le texte « Ourika », qui faisait pleurer Goethe en personne, était tombé dans l'oubli pour revenir à nous dernièrement, et il est désormais programmé ou proposé en choix pour le bac de français.

Un texte qui faisait pleurer Goethe

La comédienne et metteure en scène Elizabeth Tamaris a adapté ce texte en prose en proposant une performance théâtrale — presque confidentielle — au théâtre Darius Milhaud, interprétée par Marie Plateau, artiste métisse « arabo-franco-tchadienne », fondatrice de l'Association Mélane, qui a produit plusieurs spectacles liés à la diversité.

Elizabeth Tamaris parle de ce texte avec enthousiasme : « Claire de Duras était une aristocrate cultivée, tenant, sous l'Empire puis pendant toute la période de la Restauration, un brillant salon où se croisaient les gens les plus éminents de l'époque : politiques, artistes, savants, hommes de lettres, comme Madame de Staël, Benjamin Constant, et bien d'autres, comme Chateaubriand, son meilleur ami. »

Très traumatisée par les drames de la Révolution, Claire de Duras avait une nature hypersensible et s'est retirée pour écrire. L'histoire réelle qu'elle connaissait de cette jeune enfant sénégalaise, élevée dans la famille de Beauvau, et morte à seize ans, bien qu'élevée et aimée comme une enfant de la maison, l'a fortement inspirée pour son premier roman. Pour la première fois dans la littérature française, elle a donné la parole à une jeune femme noire.

Voir en ligne : Ourika au théâtre Darius Milhaud.

Ourika
Adaptation et mise en scène : Elizabeth Tamaris , performance : Marie Plateau, voix : Gabriel le Doze. D'après le texte de Claire de Duras.

Théâtre Darius Milhaud, 80 Allée Darius Milhaud, 75019 Paris
jusqu'au 19 décembre 2023
les mardis à 19h et les dimanches 3, 10 et 17 décembre 2023 à 18h

La représentation du 10 décembre sera suivie d'un entretien entre Marie-Bénédicte Diethelm, responsable de la toute dernière édition des « Œuvres romanesques » de Claire de Duras, en Folio Classique Gallimard et de Roger Little, ancien titulaire de la chaire de littérature française au Trinity College de Dublin.