TK-21

Portrait de Gérard

Corinne Dardé , Gérard Gartner et Nathalie Rouckout — 2024-01-30T20:11:47Z

Gérard Gartner, l'artiste tsigane aux mille vies, nous reçoit dans sa maison de Collonges-la-Rouge. Entouré de livres, de tableaux et de photos, il nous raconte son histoire, avec une verve et une passion qui ne trahissent pas son âge.

Tour à tour boxeur, garde du corps d'André Malraux, embaumeur, peintre, sculpteur, écrivain et militant tsigane, Gérard Gartner est un « anartiste » intranquille, qui n'a cessé de se réinventer, de se remettre en question. Il évoque son enfance à Pantin, son parcours de boxeur, qui lui a valu plusieurs titres et des rencontres avec des personnalités comme Théo Médina ou Marcel Cerdan. Il raconte sa découverte de la peinture, grâce au vieil anarchiste Charles d'Avray, ami de son grand-père. Il évoque ses amis artistes, écrivains, musiciens, gitans ou gadjés, qui ont jalonné son existence. Il fut le grand ami d'Alberto Giacometti et de Matéo Maximoff, dont il a été le biographe. Il a exposé ses œuvres, faites de déchets recyclés, dans le monde entier, avant de les détruire en 2016, lors de l'événement Ultima Verba.

Gérard Gartner dans TK-21 : Aller voir les autres articles
	À la rencontre l'Alberto Giacometti
	Dernier coup de poing
	C'est fait, c'est fini, c'est sans fin !
	Le geste majeur de la destruction

Sus_pendus

Denis Mercier et Hervé Bernard — 2022-04-30T18:35:17Z

Entretiens avec des personnels soignants suite à leur suspension ou comment passer de l'indispensable à l'impossibilité de travailler.

LES SUS_PENDUS

Après avoir été applaudi, violence, maltraitance, humiliation… c'est ce qu'ont dû subir un certain nombre de professionnels de la santé mais aussi d'autres métiers… qui du jour au lendemain ont été « suspendus »… terme qui ne s‘appliquait dans le code du travail qu'aux actes les plus graves mais qui aujourd'hui s'applique à tous ceux qui, pour des raisons qui leur appartiennent, n'ont pas accepté de se faire injecter un produit expérimental.

Les arguments donnés par certains pour dédouaner la fameuse « obligation vaccinale » s'avèrent caduques car les personnes « vaccinées » peuvent attraper le Covid19 et surtout peuvent le transmettre. De plus ce « vaccin » élaboré pour un virus agissant en 2019 à Wuhan perd en efficacité pour les variants des années suivantes. Ne parlons pas des effets secondaires indésirables qui sont totalement négligés par la pharmacovigilance française mais dont nous avons des chiffres dans d'autres pays !

Les témoignages que nous avons recueillis montrent que les directeurs des relations humaines ont fait preuve d'un zèle inédit pour « faire appliquer la loi », c'est-à-dire empêcher toute personne « non-vaccinée » de travailler ou plutôt de percevoir un salaire. Ce qui a occasionné de multiples injustices car comment vivre sans revenu ?

Les conséquences de ces événements risquent de modifier profondément la relation salarié-employeur. Le fait de bafouer toutes les règles de droits concernant le secret médical, le consentement libre et éclairé, la liberté de choisir de prendre un traitement expérimental ou pas… est une première dans notre société et va laisser des traces.

Ces témoignages nous expliquent ce qui s'est passé. Le fait que les médias aient fait l'impasse sur un tel sujet est éclairant. Les journalistes disent eux-mêmes que « c'est verrouillé », qu'il ne leur est pas possible d'en parler sans risque et donc qu'ils sont obligés de pratiquer l'autocensure.

Afin de mieux informer nos concitoyens sur la situation des « sus-pendus », nous avons choisi de leur donner la parole. Chaque personne prends le temps d'expliquer sa situation mais aussi d'exprimer ses ressentiments face à une cette situation non reconnue par la majorité de la population.

Au-delà de ces événements, ces entretiens montrent aussi que toutes ces personnes, médecin, anesthésiste, psychothérapeute… ont une pensée du soin et de l'attention à l'autre malgré une politique de démantèlement de l'hôpital public.

7h15 merle noir

Judith Auffray et Laëtitia Bischoff — 2021-12-31T11:00:00Z

7h15 merle noir de Judith Auffray est un film présenté actuellement dans l'exposition Panorama 23 - Par le rêve. Le 2 décembre dernier prenait place dans l'auditorium de l'ADAGP, Studiocritique #3. Fruit d'une rencontre entre critiques d'art et artistes-étudiants de la promotion Marie Curie du Fresnoy, l'occasion fut donnée à Judith Auffray et Laëtitia Bischoff d'aborder les thématiques et problématiques à l'œuvre dans "7h15, merle noir" (film, 2021). En voici une restitution.

Notes Un homme aride, une jeune femme enjouée
Un oiseau au réveil
Les heures et les spécimens sont notés dans le carnet et à l'écran
Des appareils
La douche dehors, le linge se lave à la rivière
Repartir
« Un silence là et juste cette présence » dit-il devant le sonagramme
Le jour puis la nuit puis le jour
Un micro et des branchages
Conjuguer la carte, avec le son. Maitriser l'espace par petites touches rouges
Aller au bout de sa trace. À celui dont on ne sait le nom, le point d'interrogation sur le cahier. Les traces indescriptibles du sonagramme
Vérifier son matériel
Éteindre sa lumière frontale
Dormir
Y retourner
Une mésange apparait
À la mine de Viallas, vestige humain dans les bois
Et le tonnerre continue sa clameur
L'électricité du ciel par-dessus le chant des oiseaux
Là s'arrête l'oiseau inconnu
De la pluie aussi, des lumières. La pluie s'éteint
On parle de l'éclair d'argent. Les ouvriers devenaient sourds
« On ignore beaucoup de choses » dit-il dehors
Le monde sous feuilles humides, sans beaucoup de traces d'ailleurs, sans beaucoup de traces du passé
Repartir dans les bois
Sans rien voir
Le micro en l'air
Fermer ouvrir les yeux, le bras tendu
La clameur de l'oiseau a été notée la première fois à 2h37 du matin
29min 40 de film.

Un récit se transforme avec son conteur. En fonction de celui ou de celle qui conte, les circonstances s'adaptent, une vérité de promiscuité avec le conteur se tisse. Ce même récit a pu être raconter dans d'autres forêts, avec d'autres instruments. Cela dépend de qui raconte. Judith, on dit qu'un conteur commence par donner les circonstances de ce qui va être conté, alors la question est posée, quelle expérience t'a amené à créer 7h15 merle noir ?

– > Judith :
Plusieurs expériences. Le projet part de l'expérience d'un lieu où le bruit des humains écrase tout : une aire d'autoroute. C'était d'abord dans ce le lieu là que j'ai posé une histoire, celle d'un homme marginal qui vivrait dans une friche en bordure dans ces espaces a-sonores, de ces non lieux, en même temps emblématiques des catastrophes en cours (écologique, sociale). Puis le projet a évolué au fil de lectures et de rencontres. Notamment Le Parti pris des animaux, de Jean-Christophe Bailly. Il parle de la respiration du vivant entre visible et caché, et de la possibilité du « caché » comme condition du monde sauvage. En parallèle, je dessinais les animaux dans les zoos, je saisissais par le tracé la pure présence de ces êtres réduits à être vus. C'est cette expérience qui fut, je crois, décisive car en contrepoint me vient l'idée de saisir celle de ceux qu'on ne voit pas. Le son s'impose alors, le son comme mode d'expressivité du vivant. Je me rapproche d'audio-naturalistes et je pars avec eux écouter la nature dans des zones reculées de France. Je découvre alors une matière absolument hallucinante, un film fantastique en bande son. Et puis il y a aussi les machines, celles qui enregistrent, celles qui transforment le son en signaux, en images. J'ai écrit un récit. Un personnage qui se retire du monde des hommes pour aller enregistrer et archiver la mémoire d'un lieu à travers les présence qui l'ont traversé. Et il rencontre une jeune fille, sortie tout droit d'une fable, qui peut dialoguer avec les animaux, parce qu'elle (re)connaît leur musique.«

Le lieu Nous sommes derrière l'œillère de la porte de la cabane, nous voyons l'homme s'approcher. Tout au long du film nous serons immergés avec lui et elle, cette jeune femme Mana, qui l'accompagne dans les bois de la Lozère. Nous n'emmenons rien avec nous, nous sommes débarrassés. Faire lieu, c'est forcément un acte d'immersion, c'est perdre l'espace, retrouver l'inévidence, ne plus savoir ce qui fait forme, ce qui fait signe. Notre point de vue ne se pose pas sur le monde, C'est un point de vue dans le monde, que nous propose la réalisatrice. De cette immersion naît un sentiment d'immanence, sans symboles. Nous ne regardons pas le film, nous sommes avec les deux personnes, nous sommes avec les arbres, les bruissements, les sons. Ces relations d'immanence, ne s'élèvent pas, elles s'entretiennent, elles tentent plutôt à se resserrer, à faire corps commun.
Nous entrons dans ce film, par le partage, celui de la musique grâce à cette scène où Mana, petit clavier sur les genoux, lit un passage du livre de Cheney du XIXème siècle qui conte les mérites musicaux et restitue en partition la mélodie d'une grive. Peux-tu nous parler de cette scène, et en général de la place que tu offres au spectateur ?

– > Judith :
L'origine de la musique se trouve dans les sons de la nature. C'est pourquoi les chants des oiseaux nous émeuvent autant. Une dimension importante dans le film est celle de la transmission. Dans la scène dont tu parles, et dans beaucoup d'autres, Mana est en train d'apprendre une leçon. Là, c'est une leçon écrite il y a près de deux siècles. Ce texte résume une des tensions à l'œuvre dans le film entre une impossibilité à traduire les chants des oiseaux et la nécessité à le faire quand même, avec nos moyens (les mots, les notes de musiques, l'enregistrement, etc) parce que ça nous touche, parce que c'est beau.
À l'époque de Cheney, la situation des oiseaux n'était pas du tout aussi critique qu'aujourd'hui, maintenant il y a de nouveaux enjeux, parce que ce qu'on écoute est en train de disparaître, il faut garder la trace. Le cœur du film se situe là dans cette attention aigüe des deux personnages à ces présences invisibles et c'est aussi ce qui les rapproche, ce qui les lie. Et c'est pour ça que je les filme souvent en train d'écouter. Il y a un lien avec un effacement et, du coup le spectateur peut écouter avec eux. Cette forme de retraite des personnages permet une mise en présence avec le spectateur.

Expérience Ce film est une expérience, bien plus qu'une trame, un déroulé. Nous sommes coupés de nos habitus d'attraction visuelle, de rythmes effrénés, de complexité, d'agitation, de références, de projections, d'entremêlement des temps, des situations. Nous voici enveloppés, comme dans un cocon. Une obscurité et quelques puits de lumière travaillent, qu'ils soient perçants ou d'un rouge effleurant les silhouettes, à une esthétique de l'attention.
Ainsi nous ne sommes pas dans une fiction, nous ne touchons pas à un monde possible, nous n'avons d'ailleurs que faire du vraisemblable. Nous sommes portés dans un monde tangible. Nous ne toucherons pourtant à rien, nous prêterons l'oreille. La bande son est la matière. C'est un film aride d'images, mais complet de sa bande son. Tu nous plonges dans un dénudement, une forme d'épure ? Pour cette attention au son.

– >Judith :
Chaque plan a été travaillé de manière à devenir une chambre d'écoute. C'est pourquoi l'espace, le récit et aussi les actions, sont réduits à l‘essentiel. D'ailleurs il y a un rapport entre la prise de son et l'immobilité, et le « moindre » geste. J'ai de façon générale dans mon travail tendance à enlever plutôt qu'à ajouter. Là, il fallait que l'attention soit portée au son oui, et que l'espace en permette la diffusion, l'écho.

Attention 7h15 merle noir, C'est le récit de nos pas en avant, à l'aveugle vers l'oiseau inconnu. Cet oiseau inconnu, c'est l'entier, menu et nécessaire merveilleux de ce récit. Le prétexte aussi.

Le film ici se pose comme un relai d'attention, nous sommes attentifs à ceux qui prêtent attention. Ils sont affairés vers l'extérieur, à y vivre, à l'écouter, à ne pas passer entre les feuillages en ignorants. Ils participent au lieu. Nous suivons leur geste, il y en a peu, on guette leurs mains, leurs quelques dires. Ils sont là pour récolter et traduire ce qu'ils récoltent. Les micros se posent sur des branches perchées, les micros se tiennent à la main marchant, ils se camouflent aussi.
La récolte se voit sur le sonagramme, la récolte se voit sur la carte, elle s'affiche en note sur le carnet. L'homme est un traducteur d'oiseau. On le voit traduire. Et le merveilleux a bien lieu, le merveilleux qui échappe à cette traduction. Le point d'interrogation, l'oiseau inconnu.
Mana, elle, est en plein mimesis, elle s'essaie à cette langue qui n'est pas la sienne. Elle écoute et tente de restituer avec sa propre voix, elle part essayer de converser avec les oiseaux. Que cache cette posture mimétique, que nous-même spectateurs engageons avec Mana et l'homme ? Peut–être nous nous plaisons à nous fondre dans la mimesis comme le fait Mana avec les oiseaux. Nous fréquentons donc nous imitons. Nous imitons et peut–être ainsi nous comprenons entre connaissance et compréhension. L'attention de Mana et de l'homme est au cœur de ce film. Comment as-tu abordé cette thématique de la traduction, de la mimesis ?

– > Judith :
La traduction est à beaucoup d'endroits du film, chaque personnage utilise ses moyens, ses outils. Jean nomme chaque espèce qu'il entend, il lit aussi les sonagrammes, qui sont des traductions de sons en images. Mana traduit en musique et comme elle est aussi musicienne, un échange est possible. C'est comme si la musique pouvait constituer une base de communication ou peut-être simplement de commun, entre les oiseaux et les humains. Donc elle est celle qui dans le film, doit être proche, engage sa présence. Celle qui entraîne dans le périple nocturne.

La mine, cet incongru. La mine de Viallas, réintégrée à la forêt, murs embroussaillés. Elle fonctionne comme un pivot dans le film, où les oiseaux ne s'énoncent plus, où le dialogue prend sa forme la plus prolixe du film. On y parle du passé, de l'usine, d'ouvriers qui s'échinent à regarder toute la journée. Il y avait du bruit, les ouvriers devenaient sourds, conte l'homme. Alors entre celui qui parle et celui ou ceux dont il parle, la fourche des possibles humains est immense. Chacun est humain à sa façon, on pourrait dire que chacun humaine à sa façon, l'un dans des murs avec du visuel et du bruit, l'autre humaine avec le moins de murs possibles, avec une écoute et des oiseaux. L'un en revers de l'autre. Être humain, ce peut être un verbe qui inclut et exclut tant d'actions. Car je ne vous l'ai pas dit, être humain est un verbe. Il s'agit de s'intéresser donc à la palette des possibles manières d'humainer, des possibles manières d'oiseauter. Mana et l'homme sont affairés à écouter, enregistrer, comprendre les multitudes manières dont les oiseaux oiseautent dans ce lieu. Ainsi le film aborde la thématique des gestes et de l'attention des spécimens humains, qu'ils guettent l'éclair d'argent ou le chant d'un oiseau. À travers cet épisode de la mine, les actes, les gestes et les choix de Mana et de l'homme prennent une autre saveur, comme si tu mettais en perspective ce qui a été énoncé, décrit en début de film, non ?

– >Judith :
Ce qui m'intéressait dans la mine : déjà l'espace en lui même, une architecture hallucinante construite en fond de vallée, où il n'y a quasiment jamais de soleil, abandonnée depuis la fin du XIXème. La forme du lieu, son ancrage dans le creux de la montage, en font un espace d'où peuvent résonner des sons, les échos d'un passé. On a l'impression que tout s'est arrêté d'un coup il y a 2 siècles. L'histoire d'une catastrophe émane de ce site, sur lequel rien n'a jamais été reconstruit. Mais, des vies qui l'ont traversé, tout à disparu. Il ne reste plus rien, à part les ruines, il n'y a plus de trace. Et puis les bribes d'histoires qui se racontent au village, qui ressemblent à des contes, celle des ouvriers qui attendent un signal, ici un phénomène lumineux, l'éclair d'argent, comme une chimère.
Tout ça résonne avec les activités et la quête des personnages. Les personnages cherchent justement à conserver et, en même temps, avec la voix de l'animal inconnu, le film bascule dans le fantastique. Cette voix est une chimère sonore. Les personnages, comme les mineurs, attendent son signal, et le suivent pour aller vers l'inconnu, le rêve.
La séquence de la mine apporte également une autre dimension, elle ramène une mémoire collective, celle des mineurs, qui disparaît aussi, comme les chants des oiseaux.

Fin J'aime cette dernière scène qui nous rapproche du visage de Mana, bras levé, elle ferme les yeux, puis une ombre passe sur son visage, elle les rouvre et guette. Il y a dans cette attitude deux phénomènes qui adoucissent mon être : la politesse rendue à l'oiseau, et la reddition de sa propre personne au lieu. Se laisser traverser par le son qu'elle capte, s'oublier presque, se poser entière aussi à l'écoute, à une complète attention. Ainsi, naïve que je suis, je l'imagine bientôt converser avec les oiseaux en s'adressant à eux à la deuxième personne, ainsi je suis prête à croire, porté par le conte, qu'elle tutoie quelques spécimens d'un sous-bois de Lozère. Judith Auffray réalise le film 7h15 merle noir, un film qui par son titre même conjugue l'humain et l'oiseau.

Voir en ligne : à propos de Judith Auffray

Nous empruntons le terme d'humainer à INGOLD, Tim, Machiavel chez les babouins : pour une anthropologie au-delà de l'humain, trad. Luigi Balice, Christophe Degoutin et Laurent Perez, Paris, France, Asinamali, 2021.

Stéphane Godard ft Jean-Francis Fernandès

2021-11-30T22:54:40Z

Un atelier exceptionnel, deux artistes qui ne se connaissaient pas, parlent de la rencontre de leur travail. Jean-Francis Fernandès featuring Stéphane Godard et réciproquement

Dans LA DINITER, Un autre regard sur Les enfants exceptionnels, Stéphane Godard rencontre les images de Jean-Francis Fernandès pour parler du handicap.
Mais tous les deux ne se connaissaient pas, ils ne s'étaient jamais rencontrés.

Avec TK-21, Virginie Rochetti, instigatrice de ce projet, a organisé une rencontre / projection / discussion, où ils ont pu exprimer leur ressenti du travail de l'autre et échanger avec le public.

Stéphane Godard ft Jean-Francis Fernandès par TK-21 sur Vimeo.

Le corps en désordre

Martial Verdier — 2021-10-31T13:29:34Z

Le corps est présent dans l'art depuis les origines, mais sa valeur symbolique s'est dissoute pour laisser la place à un corps de plus en plus érotisé, et par voie de conséquence, de plus en plus nié par la pudibonderie religieuse relayée par les réseaux sociaux.

Cette table ronde parle de la rencontre des cultures par ce qui est le plus proche de nous et ce qui est sans doute le plus contraint, le corps.
A travers le travail de photographe, plasticiens et théoritiens nous cherchons à voir quelles tentions peuvent apparaître et quelles approches chacun met en œuvre pour en parler.
avec :

Veronica Barbato
Olga Caldas
Oleñka Carrasco
Maria Clark
Daniela Goeller

Nous parlons de l'acte de création.
Nous réfléchissons en images (et en actes) d'abord, nous élaborerons dans un autre temps une phase plus théorique.

Comme base de départ nous posons ces questions :
⁃ Comment, pourquoi travailler sur le corps, comment penser l'acte créatif ?
⁃ Pour moi travailler sur le corps est un acte politique, qu'en est il pour les autres ?
⁃ Quels sont les réactions à la présentation du travail ?
⁃ Quels sont les blocages, personnels, sociaux… ?
⁃ La notion de plaisir dans le travail avec le corps, nu, comme dans l'acte créatif.
⁃ Quel corps montrer ?
⁃ Corps nu, corps habillé

Introduction

Le corps en désordre - Présentation from TK-21 on Vimeo.

Veronica Barbato

Veronica Barbato from TK-21 on Vimeo.

Olga Caldas

Olga Caldas from TK-21 on Vimeo.

Maria Clark

Maria Clark from TK-21 on Vimeo.

Daniela Goeller

Daniela Goeller from TK-21 on Vimeo.

Oleñka Carrasco

Oleñka Carrasco from TK-21 on Vimeo.

Le projet est de poursuivre cette réflexion dans l'espace et dans le temps.

***

Loin de la rhétorique mortifère, déclamons ! Créons ! Exposons et publions en troublions.

Le désordre c'est la vie, l'ordre est un virus mortel. Retrouver le commun, le partage, l'échange est une mission d'utilité publique. Retrouver un monde où s'exprime la différence, le corps, la vie est une nécessité.
En s'associant à Corridor dans le projet « Éléphant in the Room », TK-21 LaRevue réaffirme sa démarche de promotion d'une création vivante, protéiforme, depuis dix ans nous cherchons avec des photographes, sound designer, vidéastes, brodeuses-brodeurs, théoriciennes-théoriciens, écrivaines-écrivains, plasticiennes-plasticiens... à voir-montrer autrement le monde.
Nous travaillons avec ceux qui inventent des histoires autour de leurs créations, des histoires proches de la réalité, des histoires à s'approprier, des histoires à imaginer.

« Pour un monde de jouissance à gagner, nous n'avons à perdre que l'ennui » (Raoul Vaneigem).

Pour tout voir à la suite : https://vimeo.com/631832268

Le corps en désordre, le 18 septembre 2021
Elephant in the room une exposition Corridor Elephant du 13 au 25 septembre
LeStudio
38 - 40 rue de la Victoire 75009 PARIS

Rendez vous avec l'Italie

Alain Wagner , Jean-Louis Poitevin et Martial Verdier — 2017-01-03T00:16:24Z

Ciro Vitale et Pier Paolo Patti, rencontrés en Russie et dont nous avons montré la remarquable vidéo Est memoriale réalisée autour de leur voyage aller-retour Naples Samara dans le numéro 32 de TK-21 LaRevue, ont pu déployer en Mai dernier, à la galerie La ville A des arts, les aspects les plus radicaux de leur travail.

C'est à une mise en abîme des images telles qu'elles nous parviennent, il faudrait dire aujourd'hui des images « non médiatisées » tant l'image qui est pourtant un media fait partie intégrante de notre existence et nous assaille sous la forme d'éléments relevant de notre environnement, que l'un et l'autre travaillent sans relâche.

Ciro Vitale avec une vidéo prenant pour appui plus que pour sujet le célèbre tableau de Böcklin, L'île des morts, en faisant apparaître puis disparaître les trames qui font du tableau une image, nous entraîne dans une dérive spéculaire rendant impossible l'identification de l'objet visuel et de l'attente qu'il propose de combler. L'objet de l'attente qui est si l'on veut tout autant celui du désir, est ici appréhendé comme une sorte de « signe vide » dont le tableau est l'incarnation subtile et apparemment trompeuse. Le processus visuel mis en place d'apparition-disparition transforme l'objet en une sorte d'hallucination douce ou légère qui à la fois nous ravit et nous trouble sans pour autant faire de nous des « fous ». Cette expérience singulière condense en elle l'un des enjeux les plus importants de notre relation aux images, expérience qui est sans aucun doute l'une des sources du phénomène de la croyance tel qu'il s'invite en nous et conspire non tant à notre perte qu'à notre exaltation.

Pier Paolo Patti, lui, déplie et déploie des images banales saisies à même la chair interstitielle du flux informationnel qui nous cerne et les présente comme des atomes ou des pixels isolés de leur contexte. Il nous offre ainsi la possibilité de faire l'expérience de cette obscure passion de ne pas voir qui hante chaque instant où nous voyons. Nous pouvons en effet faire le point sur ces chaînes d'images et nous apercevoir qu'elles constituent moins des informations que des manières de donner forme à notre regard même. Le medium est bien le media mais pas dans le sens où on l'entend habituellement. Notre cerveau se modifie au gré des modes même selon lesquels les informations et donc les images lui parviennent et c'est à l'exacerbation de cette fausse évidence réellement partagée que ces œuvres nous convient. Il en va de même pour les livres réalisés sur des supports autres que le papier dont la texture invite à reconsidérer ce qu'il en est non seulement du toucher mais de la sensation même dans la « saisie » d'une information.

C'est à cette complicité dans le questionnement que TK-21 LaRevue a tenu à rendre hommage en invitant ces deux artistes à exposer à Paris et en présentant aujourd'hui deux entretiens réalisés par Martial verdier et Alain Wagner qui permettent de prendre une mesure plus précise encore des enjeux de leurs œuvres.

Rencontre à la Ville a des arts
Une nouvelle perspective pour observer les événements historiques.

Première partie Pier Paolo Patti

Rendez vous en europe 1 from TK-21 on Vimeo.

Seconde partie Ciro Vitale

Rendez-vous en europe 2 from TK-21 on Vimeo.

Paysage en vue

Alain Wagner , Carol Müller et Christiane Louis — 2015-11-25T18:47:41Z

Suite de l'Atelier de Carol Müller qui aborde la question du paysage dans son travail.

Séquence 4 :
La potentiel d'abstraction du paysage, les enjeux de forme

Séquence 5 :
La charge mémorielle d'un paysage : Nida, Histoires d'arbre

Séquence 6 :
Le paysage et ses fantômes : Assise, au chevet du franciscanisme

Séquence 7 :
Les livres comme matrice d'une expérience du paysage.

Réalisation Alain Wagner, montage Carol Muller - Alain Wagner

Virginie Rochetti

Hervé Bernard et Virginie Rochetti — 2015-10-28T10:09:03Z

Mon travail de plasticienne s'articule sur le rapport des pratiques artistiques les plus archaïques avec les techniques informatiques les plus récentes et innovantes.

De même que, nous promenant dans la rue, Ipad en main, branché sur le Web, nous pouvons, la soif nous saisissant, boire de l'eau à une fontaine à même l'autre main.
Une main dans les nouvelles technologies, l'autre, ancrée dans ce qu'il y a de plus ancien à l'humanité. Cette dialectique est devenue notre condition. Ecartelée entre ces extrêmes (que l'on retrouve dans le discours politique sous la forme : « La décroissance ? Vous voulez vivre à la bougie ? »), notre vie nous bouscule et nous chavire loin des certitudes.

Les problèmes climatiques ? La Science nous les résoudra. Dans le même temps, la peur est là, de la fin de ce monde que nous avons toujours connu, mené par le Grand Progrès.

Du dessin à la broderie assistée par ordinateur, de la vidéo au rétro projecteur de conférence en passant par la performance dessinée, c'est cet entrechoc que je recherche. Le rapport entre le sujet et le médium crée un trouble, une transcription de la violence de ce monde que nous avons créé.

J'essaie à travers ces improbables rencontres de montrer les lignes de tension qui nous traversent, de les rendre visibles, de les apprivoiser, pour peut-être entrevoir, donner à voir et sentir la possibilité d'un apaisement.

Paysage en vue

Alain Wagner , Carol Müller et Christiane Louis — 2015-10-27T23:23:27Z

Dans cet Atelier TK-21, Carol Müller essaie d'aborder la question du paysage et de montrer comment cette question sous-tend en profondeur son travail.

À partir des premiers projets et jusqu'aux plus récents, elle montre comment s'est mis en place un véritable cheminement qui l'a conduite d'une vision occidentale du paysage : le paysage comme vue, à une vision plus orientale celle du paysage comme avénement, du paysage comme expérience de l'être.

Séquence 1 :

Entrer en paysage : les empreintes, Cadrer le paysage : les fenêtres

Séquence 2 :

S'arrimer dans le paysage : l'expérience du paysage, à bord du cargo Anna

Séquence 3 :

Toucher le paysage : vers le Nord

Dans le prochain numéro :

Séquence 4 : La potentiel d'abstraction du paysage, les enjeux de forme

Séquence 5 : La charge mémorielle d'un paysage : Nida, Histoires d'arbre

Séquence 6 : Le paysage et ses fantômes : Assise, au chevet du franciscanisme

Séquence 7 : Les livres comme matrice d'une expérience du paysage.

Carol Müller participera à l'exposition « Légendes »
Espace Beaurepaire – 28, rue Beaurepaire – 75010 Paris
Du mardi 27 octobre au dimanche 8 novembre 2015 (14h - 20h)
Vernissage le jeudi 29 octobre de 18h à 22h

L'engendrement des images - interview

Hervé Bernard , Jean-Louis Poitevin et Philippe Soussan — 2015-01-27T00:15:46Z

Répondre à notre faim d'images en nous donnant à voir des objets imagés désirables et délicieux, tel est peut-être le propos secret de Philippe Soussan. Mais c'est aussi et surtout une tentative de nous faire saisir avec une précision d'orfèvre certains des enjeux de notre relation aux images.
Atelier TK-21 du 11 juin 2014

philippe01-HD from TK-21 on Vimeo.

Surface, cadre et boîte

Habitués que nous sommes à vivre avec des images, à voir des objets devenir des surfaces, à considérer comme faisant partie de la vie matérielle et objective, ces à-plats parfois immenses s'étalant aussi bien sur les pages des magazines que sur les murs des immeubles, nous avons fini par occulter un aspect au demeurant méconnu des images. La bidimensionnalité semble bien constituer le monde originaire des images dans notre psychisme et en tout cas un univers antérieur à celui que nous révèle l'apprentissage du monde ordonné autour des trois dimensions de l'espace.
L'œuvre de Philippe Soussan est tout entière portée par une interrogation inlassable sur les tensions qui servent de vecteur de communication entre les images précognitives qui hantent nos esprits, la réalité visible peuplée d'objets qui y sont parfois comme des fantômes et les images matérielles qui hantent, elles, la réalité, de leurs surfaces inaccessibles cernées par des cadres. Ces cadres découpent l'espace, qu'il soit ciel ou mur, de leurs lignes tranchantes qui segmentent le regard et les images proprement dites remplissent ce trou d'une douleur qui se fait sage.
C'est pour faire face au trouble qui finit par sourdre de la mise en abîme à laquelle il se livre depuis plusieurs années qu'il a choisi de faire tenir ses nouvelles œuvres dans des cadres qui ressemblent à des boîtes, protégeant notre regard de ces formes qui sinon jailliraient de la surface de l'image pour devenir absolument réelles.

Histoire de pommes

Il y a quelques années Philippe Soussan s'est mis à transformer des photographies absolument réalistes, en général de fruits et de légumes, tirées sur du papier blanc assez fin, en des sortes de sculptures ou d'objets tridimensionnels. En effet, il faisait correspondre l'image de l'objet et l'objet en moulant la feuille comportant la représentation sur l'objet même, donnant ainsi naissance à une sorte de volume qui n'en était pas tout à fait un. D'une certaine manière, même s'il travaillait apparemment sur le mouvement de retour de la seconde à la troisième dimension d'un objet réel et donc tridimensionnel, il plongeait dans un mystère plus grand, proche de celui des fractales. En effet, un objet fractal hésite le plus souvent entre deux dimensions et ces images en volume nous faisaient plus sentir cette tension entre surface et volume qu'elles n'affirmaient la consistance de l'une ou de l'autre.
De plus, les plis du papier renforcent cette impression qui devient au sens strict perception effective d'une tension habituellement invisible.
Face à ces « choses » qui ne sont ni des images, ni des objets et pourtant des œuvres, c'est aussi l'idée d'un processus qui émerge, celui-là même par lequel les images ne cessent de s'engendrer en nous. La photographie, depuis son invention, est confrontée à ce mystère qui lui est inhérent, à savoir qu'elle rend visibles les choses connues de nous en les faisant changer de dimension. En nous efforçant de les reconnaître, nous « oublions » ce processus magique et fermons la porte à l'inquiétante étrangeté qu'il devrait faire naître en nous. C'est à actualiser ce processus « magique », à l'objectiver pour le rendre communicable que se voue Philippe Soussan depuis quelques années.
C'est pourquoi il est impossible aussi de ne pas esquisser un sourire devant ces pommes ou ces concombres à la fois nets et plissés. En effet, la distance introduite par ce double geste entre image et objet, fait jaillir la source de l'ironie et fait passer sur le regard le sillage d'un sourire amusé.

Voir l'oubli

Conscient du processus d'occultation multipolaire fonctionnant au cœur de la photographie, Philippe Soussan le prend en charge à travers un questionnement sur le contexte. Après avoir accroché ou disposé ses fruits et légumes volumiques en papier froissé, il décide de les rephotographier en incluant dans l'image le contexte, comme un fragment du mur de l'atelier, ou l'espace de la galerie par exemple.
Il poursuit cette exploration en posant sur les vitres de son appartement des morceaux de peau de fruits et de légumes qui ainsi suspendus au milieu de nulle part révèlent à celui qui les voit qu'il y a une image derrière l'image. Ce sont en général les immeubles, nécessairement flous mais reconnaissables qui émergent, masses grises et molles, derrière les signes sans signification que forment sur la vitre les bouts de peau. Sur d'autres images, des détails se détachent d'un fond et, captant l'attention, la détournent des signes posés sur la vitre en déroutant ainsi notre perception d'une autre façon.
Qu'est ici la vitre ? Rien d'autre que la doublure de l'objectif de l'appareil ou du corps vitreux de l'œil. Que sont ces morceaux de peaux collés sur une vitre ? Rien d'autre que des projections possibles, des traductions communicables de la part oubliée de l'image dans toute image, l'image mentale qui la précède, l'accompagne et la prolonge inévitablement. Le visible croit-on nous précède. Ce qu'aurait dû nous faire percevoir et vivre la photographie depuis ses débuts, l'expérience intime et dangereuse à laquelle elle nous conduit si l'on accepte de ne pas avoir peur, c'est de reconnaître que le visible et donc la réalité sont toujours seconds, qu'il y a toujours en nous une infinité d'images formant un continuum dans lequel la perception vient se loger, d'images floues, incertaines, nées à l'intérieur de nos têtes ou restées non perçues durant notre exploration du monde.

Boucle de rétroaction

La force du travail de Philippe Soussan tient en ce qu'il retourne « contre » les objets le processus technique et mental qui les transforme en images. Pour le rendre perceptible à la fois au regard et à la conscience, il passe par ces étapes qui sont chacune comme le décryptage d'une strate d'oubli auquel nous contraignent les images et les choses lorsque nous les regardons. Ainsi, face à un disque vinyle devenu image encadrée ou face à une ampoule éteinte que l'on regarde enfin parce qu'elle ne nous éclaire pas, c'est ce regard oublieux que nous portons en général sur les choses banales de nos vies qui nous revient comme un boomerang.
En rassemblant ici ces diverses étapes, il met à nu les mécanismes secrets de notre conscience. Ainsi, sans qu'il y ait besoin de nous représenter sur l'image, sans recourir en rien donc à une quelconque forme de narcissisme, nous nous voyons en train de voir et nous découvrons que ce que nous nommons images sont de véritables boucles de rétroaction. En effet, aucune image n'est en soi un tout mais un moment d'un processus complexe. Une fois révélé, ce processus nous renvoie à nous-mêmes comme à des aveugles qui croient voir et des ignorants qui savent enfin qu'ils ignorent, même s'ils ne savent pas quoi.
Philippe Soussan s'attache à la célébration d'une esthétique qui révèle l'image comme étant un processus complexe de connaissance et de jouissance, et c'est doté de cette illumination rétrospective que nous pouvons à nouveau regarder et les images et le monde qui nous entoure et nous retrouver à la fois chez nous en elles et en nous grâce à elles.

Cet entretien à eu lieu lors de l'exposition de Philippe Soussan à la Galerie INTUITI (12 rue de Thorigny 75003 Paris), Atelier TK-21 du 11 juin 2014.