TK-21

D'où vient ce bruit à l'horizon ?

Francesca Dal Chele — 2025-03-31T08:07:34Z

« Avec les années, se sont réfugiés à Tarlabaşı ceux que la vie avait mâchés puis recrachés et qui s'efforçaient de rester debout. » (Ahmet Ümit, Beyoğlu'nun En Güzel Abisi)

D'où vient ce bruit à l'horizon ?, un livre-objet de Francesca Dal Chele à paraître en mai 2025 et à soutenir sur ULULE jusqu'au 5 avril minuit !

Même si j'aime parfois faire un pas de côté dans ma relation à la photographie, je me considère surtout photographe documentaire critique. D'où vient ce bruit à l'horizon ? est le troisième volet de ma trilogie interrogeant les dégâts sociaux et environnementaux dans la Turquie du capitalisme globalisé. Ici, il s'agit de la gentrification de Tarlabaşı, quartier déchu au cœur de l'Istanbul historique en proie à un projet de « régénération » urbaine.

Qu'est-ce qui motive un·e photographe à traiter un sujet au long cours ? Pour moi, en dehors de vouloir continuer à interroger les méfaits du néo-libéralisme, ce sont les vies que j'ai croisées à Tarlabaşı. Dans les mots d'Ahmet Ümit encore, « des hommes et des femmes pour qui, à la naissance, il y eut erreur sur la destinée, erreur sur la personne ».

9 juillet 2015
Gül est arrivée de Gaziantep avec son mari et trois enfants à Tarlabaşı en 1978. Ils ont ensuite eu trois autres enfants. « Tu ne peux pas imaginer à quel point nous étions pauvres en arrivant à Istanbul. Cette maison n'avait ni eau, ni électricité. Nous utilisions des lampes à gaz. Je faisais la cuisine avec du bois sur des petits barbecues. Notre propriétaire était Arménien, un homme très bien, déjà vieux. Un jour, il n'est plus venu pour le loyer. » Est-ce que j'ai envie d'imaginer leur pauvreté d'autrefois, face à celle que je vois aujourd'hui ?

27 juin 2015
« Il est mort », dit Ali. Il parle de son pitbull plein de cicatrices que j'avais vu l'année dernière. Ali, un des « mauvais garçons » de Tarlabaşı, participait aux combats de chiens, illégaux bien sûr, pour se faire de l'argent.

8 juin 2022
Un froid glaçant m'enserre le cœur, les tripes. Je reste médusée devant la ruine, les deux étages écroulés, l'escalier coupé en deux. L'immeuble où habitaient Gül et Hidir s'est effondré. Il ne reste que le rez-de-chaussée debout, envahi de débris, de mauvaises herbes. Un chat roux y habite.

20 juillet 2015
« Il m'est arrivé de faire la plonge dans des petits restaus populaires du quartier. Un jour ou l'autre, des clients finissent par m'apercevoir. Certains disaient alors au patron que jamais ils ne reviendraient manger dans un endroit où une trans lave les assiettes. Les patrons ne me gardaient pas. Comment pouvaient-ils faire autrement ? ». Je donne à Özge la paire de boucles d'oreilles achetées pour elle. Jolies et clinquantes. Elle adore, les met tout de suite.

23 février 2017
Le bel immeuble très art déco où Şeref et ses potes avaient pris l'habitude de s'éclipser pour fumer leur esrar a été démoli ! Je n'y crois pas ! Colère. Si un immeuble devait être classé et la façade préservée, c'était bien celui-là.
J'avais des souvenirs avec cet immeuble, je me sens dépossédée. Son effacement renvoie à l'effacement de Şeref, d'Ali, de Şilan, de toutes les personnes que je ne reverrai plus, je le sais.

Voir en ligne : Financement participatif pour "D'où vient ce bruit à l'horizon ?"

Cette poignée d'images et d'extraits de mes carnets de bord est tirée de mon ouvrage. J'espère qu'ils vous donneront envie de suivre ce lien et participer à l'existence d'un livre-objet singulier et sensible. Chaque contribution est importante, aucune n'est négligeable, toutes sont appréciées.
Merci infiniment.

Making a Picture for Women

Gloria Karayel — 2025-03-02T10:04:55Z

Qu'est-ce qu'une image pour les femmes ? Est-ce une image faite pour les femmes ? Est-elle conçue pour les représenter ? Pour les montrer sous une certaine lumière ? Ou à travers un certain regard ? Y a-t-il des images pour les hommes aussi ?

J'avoue, la première fois que j'ai découvert Picture for Women de Jeff Wall, j'ai été frappée plus par son titre que par la photo elle-même. Pourtant, chacun le sait, sa mise en scène est un véritable chef-d'œuvre sur l'artiste en train de créer et sur sa relation avec le public en train de regarder l'œuvre. Une deuxième relation est aussi représentée : celle entre l'homme-artiste et la femme-modèle, archétypes incontournables dans l'art comme dans la vie, indissolublement unis par le lien physique du déclencheur et par celui — métaphorique — du double regard dans l'objectif et dans le miroir.

Mais ce titre ? J'avoue m'être interrogée sur le sens de ces mots presque plus que sur la complexité des trajectoires des regards croisés entre le photographe, le modèle et le regardeur. En effet, comment ce jeu de reflet capte mon regard à moi-spectatrice, doublé tant par l'objectif de la chambre au centre de l'image que par l'écho du titre qui résonne dans ma tête ? Y a-t-il là une prise de position ? Une critique ? Un exemple ? Une provocation ?

Comme tout art, la photographie est misogyne. Les femmes y sont sous-représentées, mais leur corps est systématiquement surexposé. Je dis bien « leur corps », pas elles-mêmes. Mais l'art est aussi le lieu d'expression le plus parfait des liens sociaux et des rapports de pouvoir et c'est là, justement, où l'on peut s'essayer à les comprendre et — peut-être — à s'en émanciper.

Jeff Wall montre l'espace et le temps de la création de son œuvre : c'est le moment où l'artiste (un homme, donc) déclenche l'obturateur de sa chambre dirigée sur son modèle, une femme. Dans quel sens cette image qui en sort et que je regarde, ici et maintenant, est-elle « pour les femmes » ? Comme cette photographie s'adresse à moi, femme ? Pas de doutes, c'est dans la cuisine de la création qu'il faut aller pour le savoir. Et c'est en mettant à l'œuvre mon propre regard des deux côtés de l'objectif que je peux saisir le processus créatif qui fabrique le regard porté sur le (corps) féminin.

Je construis donc ma propre mise en scène en prenant tour à tour la place de l'artiste et du modèle, du sujet qui fait l'action et du sujet regardé dans la photo. Je deviens œil, main, matériau, outil. Et je découvre que montrer les coulisses, c'est dévoiler l'envers du décor comme une tentative un peu insolente de revirement politique. Ce corps photographié fait la photo autant que la main qui pousse le déclencheur. Ce corps féminin qu'on traite d'objet n'est pas passif, mais bel et bien dans la fabrication de l'image. Cette femme-là qu'on regarde à satiété est le sujet de la photo.

Les coulisses de la création sont un terrain d'exploration, de travail et de liberté. En ce sens, fabriquer ma photographie pour moi-femme, c'est un acte politique. C'est faire de la résistance au regard conventionnel, exister au-delà de l'image attendue. C'est aussi se re-approprier un corps assigné à résidence du point de vue dominant.

Si en tant que modèle je n'ai pas de droits, c'est en tant qu'artiste que je vais les prendre.

MAKING OF Making a Picture for Women, Gloria Karayel

Voir en ligne : https://www.gloriakarayel.com/

À voir pour le numéro 03

Cécilia Jauniau, celle qui fascine et qui tue

Jean-Paul Gavard-Perret — 2025-03-01T20:19:33Z

Cécilia Jauniau a étudié la peinture et les arts plastiques à l'Université Paris 8 puis au Queen's College de New York. Elle y a découvert la photographie et plus particulièrement le portrait et le nu féminin. Pour autant elle n'est pas à proprement parler féministe. Elle s'attache à des individus, à des personnalités.

Au début se sa carrière, s'appuyant sur des images chinées, Cécilia Jauniau recherchait des visages durs et sévères afin d'y discerner les femmes qui se cachaient derrière. Leur retenue avait trait à leur histoire personnelle et familiale. Ces femmes étaient montrées corsetées mais — et conséquence — tout autant déshabillées. Il s'agissait de désenclaver celles qui étaient prisonnières de l'enfer de leur propre représentation. « Les libérer passe par le désir, l'envie de suivre leur instinct. Elles sont prises en tenaille par la société et les convenances, j'ai envie de les débrider » écrivait l'artiste.

Le nu lui a ouvert un nouveau champ. Il libère moins l'image qu'une « parole » murmurée ou muette. Le corps y reprend ce qui lui a été confisqué. Il peut assumer ses désirs. En ce sens Cécilia Jauniau reste passionnée par les corps morcelés de Bellmer, le fétichisme de Molinier, la puissance figurale de Nan Goldin et la crudité d'un Saudek et ses corps de femmes abandonnés, crus, dégoulinants, façonnés, pervers. « Ce sont des démonstrations presque monstrueuses » proclame l'artiste.

Cécilia Jauniau a découvert là le grand chemin de sa recherche. Ne choisissant jamais des modèles professionnels, elle trouve ses femmes par annonces puis discute longuement. Comme l'écrit l'artiste, « Elles relèvent un défi la plupart du temps. Leur démarche est liée à leur histoire personnelle. Ce passage à l'acte, cette mise à nu est quasi thérapeutique. Elles ressentent le besoin de s'affirmer pour maintes et maintes raisons, comme une rupture familiale, une culture trop oppressante. Leur geste va contre leur éducation ou les brimades qu'elles ont pu subir. »

Les modèles (mais elle aussi) lui permettent de saisir leur individualité mais tout autant d'exprimer ses obsessions. Les « dégrafages » créent des suites de mouvements inédits du corps, des micro-structures, des délices du delta (ou d'ailleurs), des survoltages, des dégrillages, des idées forces. L'artiste sait que créer, c'est tout « sauf faire la pintade ». L'espace est à l'intérieur de la femme. Elle n'est plus un oiseau domestique.

Cécilia Jauniau associe le dessin et la photographie. Après avoir capté des épreuves, l'artiste, par le dessin, remodèle le corps, le pousse un peu plus loin. L'idée de sculpture est donc centrale. Dans ce travail, l'obsession de la construction crée des lignes de vie (à main levée afin de perdre un trop de maîtrise). Cela revient à ajouter un filtre à un autre filtre. Voire créer un camouflage utile. Il permet de frayer un chemin de désir qui ne passe plus en caressant les fantasmes. Le dessin au besoin le divise sans séparer, l'unit sans fusionner. Les images portent ailleurs que dans le mensonge ou l'illusion. Cécila Jauniau en de tels rites touche à l'image la plus nue et non à la trop simple nudité.

Mais ce qui fascine dans son livre « Diaporama », c'est la photographie. Elle ouvre une beauté plus que la fascination, là où l'obscène est transformé par des variations sur l'origine. Cécilia Jauniau, sous divers types de tensions propres à susciter le mystère, n'offre pas ses images selon les pauses traditionnelles. Un monde naturel (le nu) et artificiel (formalisme des pauses) s'y mêlent. Si bien que ses portraits de femmes sont à la fois figuratifs et pratiquement abstraits dans ce « diaporama » sous forme de puzzle, plus poétique que réaliste.

Sortant de son ergastule, le sexe féminin ouvre son espace, donnant son silence troué d'éclairs sans jamais de prise de vue au nom du dépit, rage ou provocation. Des toisons cernant le liseré des lèvres de celles qui laissent deviner leur corps battant le carpe diem des très riches heures d'une telle mise en image originale.

Parfois au bout de doigts féminins, parfois touchant en de subtils mouvements les minutes à venir de l'intérieur. Tout pourrait commencer par des caresses éternelles qui répondraient après tout à des sollicitations ou des injonctions de voyeurs. Mais l'objectif de Cécilia Jauniau complote et copilote avec ses modèles une autre envergure. Le féminin y règne entre deux cuisses ruisselantes en des cérémonies plus larges, plus solennelles que celle de l'obscénité et de la perversion.
La vie dans ces rituels chaloupe à flots, souffle sans qu'une tempête fasse rage là où rien ne se perd ; surtout rien des pleins et des déliés. Les callipyges qui sans répit, hantent.

Cécilia Jauniau par ses images en devient copiste et scribe, ne voulant être plus ailleurs que face au sexe. Les photographies restent sa garante d'un tel délice d'existence, de charme et d'harmonie. Face à de telles photographies ne soyons plus les condamnés de temple religieux qui veulent nous rendre coupables de la pire infamie. Celui du livre pivotant sur lui-même devient, avec tant de savoir-faire, un dévouement et une sensibilité extra-sensorielle.

Technicienne exemplaire — qui nous rendent voyeurs admis enfin dans le seul club très recherché —, son but est de satisfaire un échange, qui après chaque rencontre ne peut plus nous éloigner. Nous pouvons envisager comment nos routes peuvent encore se croiser. Mais après tout, la femme qui elle, est sans pitié et peut être prise d'un vertige : existerait-il une autre femme qu'elle ? La photographie agit dans une nouvelle libération qui monte ici de plusieurs degrés. Il se peut que beaucoup désirent jeter l'ancre derrière cette surface bosselée et rose où flambent au besoin des bûches de bouleau. Elles vont à la bourlingue dans ce pays le plus chaud.

Cécilia Jauniau, « Diaporama », Éditions de l'artiste, Paris, 2025.

Marie le Moigne

Corridor Eléphant et Marie Le Moigne — 2025-02-02T11:59:45Z

Les photographies de Marie le Moigne incarnent « Liberté et Insolence » en invitant à la contemplation et à l'évasion. Les images montrent le corps féminin mêlé à la nature dans une atmosphère suspendue et intemporelle.

L'élément provocateur de la série réside dans la représentation du corps féminin nu, libre. La nudité, souvent perçue comme un acte de rébellion ou d'insolence, est ici un acte de liberté corporelle et d'émancipation des contraintes sociales et culturelles. Je souhaite montrer le corps féminin dans sa vulnérabilité comme dans sa force. De plus, il est présenté sans fard ni artifice, tel quel en immersion dans la nature, faisant corps avec cette dernière. En choisissant de montrer le corps nu dans un état de contemplation et de connexion avec la nature, ces photographies tentent de défier les normes et les tabous, et revendiquent d'un certain point de vue le droit à la liberté et à l'auto-expression.

En tant que femme, photographier est absolument un acte de liberté et c'est un acte fort qui me tient à cœur. En photographiant, je cherche à explorer et à partager des histoires qui autrement pourraient rester invisibles ou sous-représentées. La photographie est une forme d'auto-expression et d'auto-affirmation.
Capturer des images de corps féminins nus, dans leur état le plus naturel et vulnérable, est une sorte d'acte de défiance contre les normes sociétales qui cherchent à contrôler et à objectiver le corps féminin. En montrant le corps tel qu'il est, sans artifices, les attentes et les stéréotypes sont défiés, ainsi, j'exerce mon droit à la liberté corporelle et artistique.

Dernièrement, j'ai lu le livre « Traverser l'invisible : énigmes figuratives de Francesca Woodman et Vivian Maier ». Cet ouvrage est marquant, et il m'a amené à réfléchir sur la notion de liberté dans la photographie. J'ai un attachement particulier pour les œuvres de Francesca Woodman c'est pourquoi c'est son autoportrait intitulé "Self-Deceit #1", Rome, 1978 que je choisis pour répondre à cette question.
Cette image capture la liberté de l'auto-représentation. Grâce à l'autoportrait, la photographe utilise son propre corps pour exprimer ses états d'âmes, par là elle affirme son autonomie en se montrant telle qu'elle est. La liberté se caractérise aussi dans l'expérimentation qu'elle exploite dans l'utilisation du flou ou encore du mouvement. Ainsi, elle repousse les limites de la photographie traditionnelle. Cette approche reflète une liberté créative où les règles conventionnelles sont brisées. D'autre part, Francesca Woodman crée des scènes oniriques et introspectives dans lesquelles ces environnements évoquent une quête de liberté intérieure, une exploration de soi sans les contraintes du monde extérieur.

Ma démarche artistique s'enracine dans une écriture sensible et intime de l'image, s'étendant au-delà de la photographie pour inclure la peinture, l'écriture et la vidéo. Cette démarche est une exploration de l'identité et de la féminité, ancrée dans une recherche poétique et visuelle qui lie le corps à la nature et à la matière.

[L'IDENTITÉ, LA FÉMINITÉ]
À travers mes œuvres, je cherche à comprendre et à illustrer l'identité mêlée au tumulte du monde. Les temporalités sont dissoutes. Les voyages entre passé, présent, futur peuvent s'opérer. Mes photographies et autres créations montrent des corps nus, sans artifices. Ces corps, comme le monde qui les entoure, sont des lieux poétiques ou encore narratifs. Mon travail interroge la manière dont le corps et les matériaux subissent les assauts du temps, laissant des traces et des écritures propres à chaque expérience.

[MATIÈRE]
J'utilise la matière brute, organique et corporelle comme une forme d'écriture. En écrivant directement sur la matière, je capture des instants, des poèmes, des proses et des mots qui se transforment en œuvres cryptées aux lectures multiples. La gestuelle du peintre et de l'écrivain(e) se retrouve dans chaque œuvre, créant un langage visuel unique et personnel.

[LE LANGAGE & L'ÉCRITURE]
Quel est le langage partagé entre un corps et son environnement. Quelle trace, laisse-t-il derrière lui et dans la nature ? Des images à la fragilité singulière se dégagent de cette recherche, elles baignent dans une atmosphère épurée, silencieuse. On plonge dans un univers à la frontière entre le rêve et la réalité, dans un dialogue entre le paysage et le corps.

« Contempler,
attendre,
être hors du temps,
intemporel(le)…
S'autoriser l'absence psychique,
rêver.
Se laisser voguer sur l'océan des chimères.
Prendre le temps.
Le saisir,
l'occuper ou au contraire laisser le vide prendre place.
Regarder, sentir, ressentir…
Respirer. Breath.
Escale érotique.
Se laisser envahir par l'instant.
Un instant suspendu.
Un instant qui se révèle
à la lumière de la photographie qui se développe. »

Voir en ligne : https://marielemoigne.com

𝔐𝔞𝔯𝔦𝔢 𝔏𝔢 𝔐𝔬𝔦𝔤𝔫𝔢 (@marie.le.moigne)

SMARIS 1

SMARIS 2

Smaris Elaphus 02

Marie-Laure Desjardins , Martial Verdier et Pierre Leotard — 2024-10-06T13:30:33Z

Smaris Elaphus deuxième édition, chimère toujours improbable à la curiosité toujours insatiable, nous éloigne du cours ordinaire des choses.
Le poisson-cerf décortique et pense son époque.

Liberté & Insolences

ArtsHebdoMédias, Corridor Éléphant et TK-21 LaRevue sont heureux de vous présenter le numéro 2 ! Trois revues libres et indépendantes s'allient pour parler du monde qui change, trop vite... ou trop lentement.
Liberté, liberté chérie, mais liberté qualifiée, normée, encadrée, surveillée. Pauvre liberté oxymorée de novlangue, pauvre égalité quand elle est promue par ceux qui sont plus égaux que d'autres, pauvre fraternité qui s'arrête à chaque frontière.

Réapprenons à « roter, cracher, péter », blasphémer et « faire ce que voudra »... Remettons en question les valeurs morales qui doivent nous guider tant elles sont manipulées, perverties. Il faut réapprendre l'insolence, porter l'indécence.
Liberté, liberté à chérir, préserver, conquérir, inventer pour soi-même et pour les autres, avec soi-même et avec les autres. Indispensable liberté à vivre au jour le jour, indispensable égalité à qualifier au boulot, métro, dodo, indispensable fraternité à dispenser autour de soi avant d'ambitionner de l'étendre au monde.

Il n'y a jamais eu d'Éden, de société parfaite, de monde altruiste, d'univers bienveillant. Seulement et toujours des moments de grâce, d'équité, de solidarité, de joie, de désir. Le verre est éternellement à moitié vide, mais seuls ceux qui le voient à moitié plein peuvent faire grandir l'humanité et préserver le vivant. Éduquons, imaginons. Prenons cette liberté.

Emplissons nos verres, laissons couler l'encre et fleurir la création, répondons aux désordres de nos désirs, à l'insolence d'être. Oublions les règles de bonne conduite, les émotions retenues, les engagements tièdes, les amours de façade, les créations de commande et les pensées muselées à l'illusion du « mieux » vivre. Ne cherchons pas demain, mais buvons aujourd'hui à grandes lampées avant que la vie ne s'évapore. Le meilleur reste toujours à venir à celui qui, loin des codes, des diktats que l'on dit imposés à défaut d'avouer sa lâcheté, choisit son devenir.

Si the medium is the message, alors voilà un bréviaire de la liberté et des insolences (supprimer vous-même synecdoques et oxymores).

Le n°02 de SMARIS ÉLAPHUS**, revue annuelle réalisée par trois revues en ligne (Arts Hebdo Médias, TK-21 LaRevue, Corridor Éléphant). Revue expérimentale, elle ouvre ses pages une fois par an pour proposer à des artistes contemporains et des auteurs de s'exprimer sur un thème choisi.
Le N°02 a pour sujet « Liberté & Insolences ».
Souscrire :
https://www.corridorelephant.com/smariselaphus

Smaris Elaphus 01

Martial Verdier — 2023-12-01T19:00:00Z

Smaris Elaphus, la chimère improbable se développe et approche de l'éclosion. Vous avez été nombreux à nous aider et pour préparer un beau moment plaisir de lecture, mais il faut encore que tous ceux qui ont aimé nos teasers investissent dans ce très beau papier.

Voyez plutôt, 112 pages, 30 collaborateurs, 26 articles, 6 mois de travail, 3 revues à la création…

Smaris Elaphus, chimère improbable à la curiosité insatiable, nous éloigne du cours ordinaire des choses. Le poisson-cerf décortique son époque.
Ne dit-on pas que rien ne décrit mieux l'humain que ce qu'il crée ?

La revue des trois revues

Merveilleux & Fantômes

DÉCOUVRIR / S'OFFRIR / SOUTENIR LA REVUE

Merveilleuse revue, faite de rencontres, de vie et d'envie, parfois entre deux trains, créature hybride désormais presque entre vos mains.

ArtsHebdoMédias, Corridor Éléphant et TK-21 LaRevue sont heureux de vous présenter leur revue, épatant véhicule d'imaginaires éclectiques et débridés, mais à l'unisson. Ensemble, les trois medias web explorent de nouveaux chemins partagés et multiplient par trois le plaisir d'informer autant que d'apprendre.

Merveilleux vaisseau peuplé de fantômes et de récits initiatiques, vous n'en croirez pas vos yeux, tout est terriblement vrai et magnifiquement faux ! Fantastique, magique, mirifique, prodigieux, surnaturel, extraordinaire, remarquable, admirable, formidable, fabuleux, surprenant, charmant, délicieux, éblouissant, enchanteur, étincelant, fascinant, splendide, superbe et invisible, la proposition est inédite, unique, un saut dans l'inconnu.

Aucun calcul, les certitudes sont trompeuses. Aucune projection, évaluation, analyse de marché, aucune trajectoire définie par avance. Rien.
L'inconnu, vous dis-je.
L'inconnu pour laisser faire le hasard et voir naître le désir. Mais pas n'importe lequel. Le désir premier, celui de s'émerveiller.

De l'esprit, des idées, Smaris Elaphus vous invite à une déambulation insolite. Ses pages pleines de souvenirs à venir s'offrent comme autant de propositions ouvertes. Pourquoi pas ? Pourquoi ne pas miser sur l'imagination, les songes, la camaraderie, la fantaisie... le merveilleux ?

Votre lecture puisse-t-elle être accompagnée de la dégustation des célèbres meringues à la crème Chantilly parsemées de copeaux de chocolat.

Le merveilleux a plus d'un tour dans son sac !

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Flipbook extrait de la revue

Nicole Sottiaux – Du module à la figure

Christophe Henry , Jean-Louis Poitevin et Pierre Benielli — 2017-02-02T21:45:22Z

Les Éditions TK-21 viennent de publier le livre Nicole Sottiaux Du module à la figure et en proposent un aperçu.

Un parcours

Construction 21, D'Équerre 5, huile sur toile, 73 x 60 cm, 2013, collection privée Paris

« Nicole Sottiaux procède par une recherche permanente, mais c'est une recherche plastique, qui absorbe les matériaux dans un vortex où ils perdent leur étiquette, leur identité, la précision de leurs contours et de leur signification. Et cela est d'une impérieuse nécessité si l'on désire que la production de cette mécanique anthropophage donne lieu à quelque chose qui échappe à l'analogie avec le monde connu tout en en rappelant de façon plus ou moins certaine les codes et les normes [1] ».

L'Objet 3, huile sur toile, 81 x 100 cm, 2013

« C'est en particulier avec les œuvres intitulées L'Objet, le mot objet étant suivi d'un numéro que s'est imposée la présence d'une sorte d'élément figural à partir duquel et autour duquel le tableau allait se construire. Le monde minéral des profondeurs de la terre, d'abord converti en minéral à angles aigus comme ceux des pierres si chères à Roger Caillois, est devenu un monde d'êtres singuliers ni humains ni objets et pourtant tous investis de cette puissance propre au vivant, celle de se métamorphoser [2] ».

Melancholia, La Bande à Gazza, 50 x 165 cm

« Et en effet, dans ces tableaux, on est plongé dans un univers sombre aux tons marron, à la palette restreinte, aux angles noirs pénétrant la chair du monde avec insistance. Parfois des tons bleutés viennent comme libérer cette charge chtonienne de ses pesanteurs affectives. Car singulièrement, ici, tout est à la fois géométriquement orienté, emporté par des déséquilibres savants et aspiré par la tentation de voir enfin quelque chose sortir de ces limbes chaotiques et qui serait peut-être ni une chose ni une forme mais une manifestation de “l'être” [3] ».

L'Orant Chaissac, huile sur toile, 92 x 73 cm, 2016

« Au tremblement des zones colorées répond donc une ligne vibratile qui s'impose comme le vecteur de propagation des forces que l'œuvre mobilise. On ne peut pas ne pas associer cette forme qui rappelle un personnage de Chaissac dans sa fragilité même de poupée aux prises avec le grand théâtre du monde, avec celle d'un homme. Mais on perçoit tout autant par la double masse noire centrale et les tons qui s'étirent dans l'espace, combien peindre c'est inventer ce que l'on conquiert. Cette toile quoique intitulée L'Orant Chaissac, est pour elle son hommage à Poliakoff, l'indépassable.
Tête, tronc et bras sont saisis ici au moment de leur émergence même, non pas comme élément d'un embryon mais comme formes en devenir à partir d'un projet général d'envahissement de l'espace [4] ».

L'Orant borroméen avec rejeton rouge qui regarde un coin de la mer bleue, 146 x 97 cm, 2016

« Au croisement d'une interrogation traversée par la triple présence de l'inconscient et des dessins mathématiques, de la peinture comme geste interdit et finalement autorisé et de la croyance en la puissance du geste créateur comme réponse à l'impossibilité de la foi, l'œuvre de Nicole Sottiaux fait littéralement « figure » dans le triple sens que l'on a donné à ce mot, celui figural de forme plastique échappant à la mimesis, celui figuratif de manifestation de l'humain échappant à l'identité et enfin celui de concept-clé de l'acte créateur même, articulant les trois plans de l'existence en une unité paradoxale mais vivante.
Le prodige de l'art actuel de Nicole Sottiaux, c'est de parvenir à coordonner ces forces contradictoires et à les faire toutes participer à l'élaboration, tant picturale que psychique et spirituelle, d'un devenir-acte du geste [5] ».

Sfumato, huile sur toile, 60 x 73 cm, 1983, collection privée, Paris

« Mon arsenal de droites et de courbes, le marquage par le cubisme, le goût du sfumato et autres embruns de térébenthines, l'attirance pour les chiffres de l'art, l'exigeant office des proportions répondent à la nécessité qui s'impose à mes peintures : architecturer l'objet. L'aligner même, comme à Carnac, le figurer comme à l'Île de Pâques, le lever comme à Stonehenge ..., l'« érechteioniser » comme à Athènes.
L'abstraction géométrique des objets levés que je peins assure mon regard d'un dressement toujours véritable de l'être. L'objêtre : j'ai besoin de lui. Dès lors, mes dernières peintures « cariatident » l'objet. C'est ça « les figures » du critique. Il faut et il suffit de reconnaître que j'exprime là la tentative d'approcher ce chiffre φ des proportions dont l'intransmissibilité de la révélation a déchiré la vie devant mes yeux sur le site de Pæstum. J'inaugurais alors ma vie adulte. C'était en 1960 [6] ».

[1] Adolescente forcenée, Avant-propos de Christophe Henry, p. 11.

[2] Texte de Jean-Louis Poitevin, p. 18.

[3] Texte de Jean-Louis Poitevin, p. 26.

[4] Texte de Jean-Louis Poitevin, p. 63.

[5] Texte de Jean-Louis Poitevin, p. 67.

[6] Biographie, Nicole Sottiaux, p. 74.

© Nicole Sottiaux, 2016.
isbn 978-2-9527260-2-3 –
92 pages – 52 illustrations – 18 x 23 cm – prix 15 €.
Disponible :
– à la Librairie Wallonie-Bruxelles, 46 rue Quincampoix 75004 Paris – www.librariewb.com
– chez l'auteur : nicole.sottiaux@free.fr

OVNI

Martial Verdier , Virginie Rochetti et Xavier Pinon — 2017-01-03T00:27:41Z

Il a débarqué,
Intempestif
Un coup de tonnerre, de foudre
Comme la foudre qui nous conduit à la sidération, l'ovni rend, dans un premier temps, muet.
Puis il libère le discours.

Virginie featuring Pol Lujan - équipe intersiderale

Ovni

Une grande majorité des gens déclarant avoir vu un ovni se mettent, après un premier temps mutique, à parler, parler.
Saisis de logorrhée, ils commentent à l'infini l'expérience.
Expérience unique exceptionnelle et cependant impartageable, décidément intime, grand spectacle singulier, jamais collectif, toujours ambigu.
Ainsi en va-t-il de notre rapport aux images.
Toujours singulier, toujours intime, individuel, dans un premier temps, puis,
suscitant le logos, la parole, l'analyse, le commentaire.
Un déluge de mots sort des images, les enveloppe à retardement.
Comme si la vision pure était un impensé désirant la parole pour lui assurer existence, comme si les images étaient si ambiguës que pour sortir de leur statut limbique, il fallait les mots.
Tant de mots pour rendre compte de l'expérience de l'ovni…

Virginie Rochetti

Ovni n'est pas

un panorama de la photographie contemporaine. C'est autre chose.

La plupart des images, par les techniques utilisées (utilisation d'appareil jouet, image « photoshopées », techniques anciennes...) ou par ce qu'elles montrent (des jeux sur les ombres, des grilles, des abeilles, existent-elles encore ?), une réalité étrange et pas très claire, un peu comme un ovni.
Ovni, c'est quoi ?
Une vision du monde désabusée, un peu comme si, nous, photographes, on se cachait des choses. Un côté mystique peut-être.
Derrière les images, une envie de revenir à l'essentiel, mais l'essentiel, c'est quoi ?
Derrière les techniques utilisées et par ce qu'elles montrent il y a comme un filtre, il y a des barrières, des vraies (fils barbelés, grilles…) et des barrières subliminales, peut-être aussi des fractures personnelles, des peurs, des angoisses.
Ces images traduisent une fragilité, fragilité de l'artiste face à une réalité incertaine. Ou une certaine réalité.
On se cache des choses, tout le monde se cache des choses.
Ces images invitent le lecteur à un double voyage vers soi et vers l'ailleurs.
C'est ce qui fait la force
d'ovni.

Xavier Pinon

Alain Wagner vs Jean-Louis Poitevin

Jean-Louis Poitevin - Martial Verdier

Pascal Hausherr

Françoise Lambert

Jean-Guy Lathuillère

Martial Verdier

Xavier Pinon

Jean-Francis Fernandès

Hervé Bernard

Yannick Vigouroux

Martine Catois

Pol Lujan

OURS
Rédactrice en chef d'OVNI : Virginie Rochetti
Rédacteur en chef de TK-21 : Jean-Louis Poitevin
Directeur de la publication : Martial Verdier
Secrétaire de rédaction : Pierre Benielli
Présidente de TK-21 : Clémentine Ader
Attachée de presse : Xin Guan

Ont également participé à ce numéro :
Hervé Bernard
Martine Catois
Etienne Diemert
Jean-Francis Fernandès
Pascal Hausherr
Françoise Lambert
Jean-Guy Lathuilière
Pol Lujan
Olivier Perrot
Xavier Pinon
Yannick Vigouroux
Alain Wagner

OVNI

La rédaction et Martial Verdier — 2016-09-30T22:32:55Z

Mémoires en constructions sur fond de balayage intempestif des souvenirs, envies chroniques de transformation se muant en voyages mentaux, dépiction d'un réel devenu source de rêverie infinie, extrapolations plastiques d'anamorphoses psychiques, OVNI s'offre aux dents gigantesques et acérées que cultivent les hommes dans les villes qui ne suffisent pas pour mâcher ce qui s'avance, recule, s'éloigne à chaque pas.
OVNI est un voyage où le temps s'avance pour ce qu'il est : un voyage immobile dans les replis d'un cerveau cosmique.

OVNI c'est :

Une extension de la revue sous la forme d'un numéro spécial, tirage papier en format 30 x 40, composé de propositions visuelles et textuelles des dix artistes et de quelques contributeurs régulier.

Cinq semaines d'événement : dix artistes et photographes exposent, performent, confèrent, débattent et présentent des images pour des voyages intersidéraux psychiques à la galerie « La ville a des arts ».

Un financement collaboratif sur KissKissBankBank avec des cadeaux pour que tout le monde puisse participer.

Programme des expositions :
1er novembre 2016 : début des 5 semaines d'expositions à la galerie La Ville a des Arts.
2 novembre : Vernissage Martial Verdier (Rrose Semoy) - Martine Catois
8 novembre : Vernissage Pol Lujan – Jean-Francis Fernandès
15 novembre : Vernissage Xavier Pinon – Yannick Vigouroux
22 novembre : Vernissage Hervé Bernard – Jean-Guy Lathuilère
29 novembre : Vernissage Olivier Perrot – Virginie Rochetti
11 novembre : fête de l'OVNI et rencontres-débats de TK-21 sur l'OVNI.
4 décembre : fête de clôture.

Polyptyque I

Jean-Louis Poitevin — 2011-03-06T17:05:00Z

24 septembre – 24 octobre 2004

avec les œuvres de :

Lynne Cohen
Aldo Caredda
Faust Cardinali
Xavier Lucchesi
Christian jaccard
Enzo Rullo
Yann Toma
Francesco Passaniti
Wolfgang Seierl