TK-21

Ici-même

Claudine Capdeville — 2023-10-01T14:21:40Z

Une tentative de mise en abyme des lieux de la galerie.

Ce projet repose sur le jeu entre intérieur et extérieur, entre visible et invisible.
Durant l'hiver, la galerie est vide et abandonnée à elle-même. Elle a sa propre vie et la photographie va témoigner de l'état des lieux et de sa transformation par les signes du passage du temps entre deux occupations humaines : poussière, tâches diverses, toiles d'araignées, insectes morts occupent les surfaces des murs, du sol et du plafond.

Les lieux, c'est aussi le vaste environnement sur lequel le bâtiment de la galerie est posé, et si l'on considère que les murs sont invisibles ou transparents, on obtient une véduta qui donne à voir les paysages alentours.

Superposition et réappropriation du dedans vers le dehors et du dehors vers le dedans se concrétisent sur les tirages photographiques et permettent de dépasser le simple cadre de la réalité pour proposer un autre imaginaire.

Au fil de temps, le projet, au départ minimaliste, s'est progressivement évadé l'univers clos de la galerie et de ses éléments constitutifs pour aboutir à une proposition poétique.

Luboš Plný, marqueur du temps

Catherine Belkhodja — 2023-10-01T14:02:45Z

Artiste majeur de l'art brut contemporain, Luboš Plný présente pour la première fois toutes les facettes de son œuvre (dessins, photographies, objets érotiques) à la galerie Christian Berst jusqu'au 22 octobre 2023.

Luboš Piný, discobole, tirage argentique

prise de vue par Vladimir Pansky 2003 courtesy de l'artiste et de christian berst art brut

Luboš Plný, modèle académique

l'artiste tchèque Luboš Plný, né en 1961, a depuis sa plus tendre enfance une véritable fascination pour l'anatomie qui lui inspire ses premiers dessins. À l'occasion de son service militaire, il est diagnostiqué schizophrène et cherche à approfondir ses connaissances dans la littérature médicale et psychiatrique. Il gagne sa vie en devenant fossoyeur et pose parfois comme modèle à l'Académie des beaux-arts de Prague en Tchécoslovaquie, ce qui lui permet de signer, non sans humour, « Luboš Plný, modèle académique ».

L'anatomie comme un champ expérimental

Il cherche à pousser davantage sa connaissance sur l'anatomie humaine en offrant son corps à des expériences multiples : une approche empirique autant que théorique le pousse à la mortification, une façon personnelle de sublimer la douleur en acte de purification. Ses propres organes deviennent les sujets de ses œuvres, photographies, dessins ou techniques mixtes.
Luboš Plný aime aussi scruter son visage et le photographier en le déformant.

Autoportraits de Luboš Piný

Topographie précise de ses œuvres

Ces expériences — parfois douloureuses — sur son propre corps constituent une manière très personnelle de méditer, en utilisant un protocole créatif immuable dans l'espoir de ponctuer ou scander le temps : il mesure en temps réel le temps utilisé pour les parcelles qui constituent ces œuvres ainsi que l'instant de ses créations. Ainsi, comme des données topographiques, apparaissent des chiffres, comme autant de codes référençant avec précision l'instant de création et la durée nécessaire à la réalisation des zones de l'œuvre, délimitées par des lignes qui ne représentent ni les coordonnées, ni l'altitude d'un lieu, mais sa place exacte dans le temps. C'est un journal qu'il poursuit au quotidien explique Luboš Plný. L'artiste inscrit soigneusement le nombre de jours qu'il a à la date du début de l'œuvre et son âge — toujours en jours — à la fin de l'œuvre, comme le rappel d'une inexorable approche de la Mort.

Luboš Piný, sans titre, objet érotique

Entre 2012 et 2015 techniques mixtes 118 x 31 5 x 75 cm courtesy de l'artiste et de Christian Berst art brut.

Éros et Thanatos  

Paradoxalement, ses sculptures — qui portent, elles aussi, des références temporelles propres à l'artiste —, évoquent plutôt des attributs sexuels, symbolisés sous forme de tuyaux divers : métal, bois sculpté ou PVC, d'inspiration surréaliste, exaltant une sexualité assez étrange, plutôt baroque et hétéroclite. 

Plný a été le premier artiste d'art brut acheté par le Centre Pompidou pour commencer sa collection d'Art brut, alors que l'artiste exposait déjà depuis 2008 dans des galeries, salons ou lieux institutionnels.

Luboš Piný, vagina dentata piège a renard

125 x 46 x 32 cm, 2013, courtesy de l'artiste et de Christian Berst art brut

Luboš Plný — galerie Christian Berst
jusqu'au 22 octobre 2023. du mercredi au dimanche 14h- 19h
3-5 passage des gravilliers 75003 Paris
https://christianberst.com

Chameleon

Leiris Javault — 2023-05-28T08:50:29Z

Dans la lignée d'artistes telles que Claude Cahun, Cindy Sherman ou Gillian Wearing, Tamy Ben-Tor invente et interprète des personnages en lesquels elles se travestit pour dépeindre l'absurdité et les contradictions de notre temps.

Utilisant de simples masques et perruques, Tamy Ben-Tor se transforme en une multitude de figures qui rappellent autant la commedia dell'arte que les foules carnavalesques et inquiétantes des tableaux de James Ensor. Les performances publiques de Tamy Ben-Tor sont profondément liées à son travail vidéo où apparaissent certains des personnages dans un montage dadaïste, brutal et humoristique, qui se veut un reflet dérangeant du monde contemporain.

Miki Carmi & Tamy Ben-Tor, Standing blond

2022, photograph, unique print, 15x10cm

Peintre et photographe, Miki Carmi, travaille une forme de cartographie du visage humain. Il photographie et peint les visages de ses proches sur lesquels il scrute les traces qu'y laisse le temps. Carmi dépeint la matérialité la plus crue de la chair, des rides et des traits qu'il déforme et recompose en une icone contemporaine de la condition humaine. Refusant toute esthétisation artificielle, Carmi choisit au contraire de montrer la corporéité la plus brute, fidèle aux défauts de l'existence et à leur représentation. Par la photographie, Carmi documente également le pratique de Tamy Ben-Tor, incarnant, essayant et travaillant quotidiennement ses personnages.

La Galerie Javault - Eva Pritsky invite l'historienne de l'art Judith Lenglart à assurer le commissariat de la première exposition commune de Tamy Ben-Tor et Miki Carmi en France. Son titre, CHAMELEON, rend hommage à l'aspect de constante métamorphose qui maille leur travail et reprend un motif présent dans leurs deux œuvres. Cette exposition se veut le reflet de la vie et de la pratique quotidienne des deux artistes dans leur atelier. Tamy Ben-Tor et Miki Carmi vivent ensemble et collaborent depuis vingt ans. Cette exposition réunissant peintures, dessins, photographies et vidéos montre le réseau de références internes qui unit leurs deux pratiques.

Miki Carmi, Peeling off grandfather

2002, index print, 24x9cm

« Ma conscience est une éponge qui absorbe toutes les saletés contemporaines. Pour moi, le processus artistique, sous la forme d'une performance, consiste à solidifier cette éponge en un tampon et à la presser sur la conscience du public pendant toute la durée de la performance.

À la fin, j'espère qu'ils en sortent tâchés et marqués, comme moi, par le désordre de l'époque dans laquelle nous vivons. »

Tamy Ben-Tor

« Je m'intéresse à l'isolement et à la manière dont il se manifeste à travers la représentation de la subjectivité. Je m'intéresse à l'exil du sujet et aux conditions du sujet en dehors de la structure normale de la société. Je m'intéresse à la manière dont le sujet se comporte sous la répression et à ce qui lui arrive lorsqu'on le dépouille de son contexte social. »

Miki Carmi

Miki Carmi, Pregnant father

2016, oil on paper, 45x60cm

Miki Carmi, Self-portrait

2021, oil on canvas, 94x68cm

Miki Carmi, Masturbator

2017, oil on wood, 8x15cm

Miki Carmi, Jeanne d'Arc

2023, oil on plywood, 14x20cm

Voir en ligne : Galerie Javault - Eva Pritsky

Tamy Ben-Tor & Miki Carmi
CHAMELEON
curated by Judith Lenglart
Vernissage jeudi 1er juin 2023 de 16 h à 21 h Opening Thursday June 1st 2023 from 4 pm to 9 pm
Performance de Tamy Ben-Tor samedi 3 juin à 21 h Tamy Ben-Tor's performance Saturday June 3rd at 9 pm
Exposition du 1er juin au 18 juin 2023 Exhibition from June 1st to June 18th 2023
Galerie Javault Eva Pritsky
5 rue d'eupatoria 75020 Paris +33 (0)6 03 84 43 12 www.galeriejavault.com
jeudi - dimanche 14h30 - 19 h thursday - sunday 2:30 pm - 7 pm

Frontispice : Tamy Ben-Tor, In This Luxurious Household We Believe in Science, 2023, video, 4min 56 (screenshot).

L'artiste et le modèle

Christiane Durand — 2023-05-05T10:50:10Z

Le modèle prend place, vêtu ou nu, parfois accompagné de ses objets fétiches ou favoris, il s'installe dans l'espace et se l'approprie. Au milieu de la pièce, au sol, entre le modèle et la peintre, une surface vierge est prête à recevoir formes et couleurs au fur et à mesure de la conversation. C'est par ce prisme de la rencontre avec l'autre que Christiane Durand peint. Les modèles se théâtralisent, ils parlent, ils se livrent.

L'artiste et le modèle

Christiane Durand (1948), Autoportrait à l'Ascalaphe

Série les insectes, Paris 1998-2000, acrylique sur toile et bois, 110x74,5 cm

 À même le sol, une palette remplie de couleurs vives, des gros pinceaux dans les mains, Christiane écoute, rêve et à coup de grands gestes dresse un portrait de l'autre et de l'espace qu'il s'est créé. Elle immortalise le moment de la rencontre. Elle fait de cet instant une expérience singulière, un « happening psychothérapique ». La peinture de Christiane, c'est l'histoire des autres, de ses amis d'abord qui défilent dans son atelier depuis le début des années 1980, puis d'inconnus qu'elle choisit. Certains sont rencontrés lors de ses voyages ou croisés par hasard. D'autres, des artistes, des comédiens, des figures gays ou des travestis qui ont traversé la vie de l'artiste et l'ont fascinée pour leur liberté et leur capacité à la métamorphose. Chez Christiane, le réalisme n'a pas sa place. Dans ses peintures, les modèles se transforment, le réel se réorganise et son univers magique se déploie. Dans son œuvre, elle donne une place primordiale aux rêves, à la spiritualité et au mysticisme.

Christiane Durand (1948), Funny Darthea (Portrait de Darthea Speyer),

Paris 1997, acrylique sur toile et bois, 39,5x30,5 cm

 Les compositions, qui se construisent à travers l'imaginaire de l'artiste à l'écoute de son modèle, créent des scènes oniriques qui confèrent aux œuvres un caractère parfois « surréaliste ». Dans sa peinture, qui souvent s'étend sur l'encadrement, la gestuelle est libre, la couleur est en fête, les lignes sont larges, les courbes viennent envelopper les sujets, les formes s'entremêlent et les éléments fusionnent. L'artiste se plaît à jouer avec les échelles. Dans certaines scènes, parmi les figures humaines, l'artiste crée un environnement aux multiples symboles, des objets, une faune et une flore flamboyantes et imaginaires. C'est une peinture généreuse à la densité picturale particulière qui rappelle certaines peintures de l'allemand Ernst Ludwig Kirchner mais aussi celles de Paul Gauguin. Christiane Durand naît en 1948 à Albi, d'une mère d'origine Lorraine et d'un père originaire du Tarn. En septembre 1969, elle quitte sa ville natale pour Toulouse et étudie l'histoire de l'art à l'Institut d'Art et d'Archéologie de l'Université de Toulouse et le dessin à l'École Supérieure des Beaux-Arts de Toulouse puis s'installe à Paris en septembre 1972 pour poursuivre ses études à la Sorbonne Université et aux Beaux-Arts de Paris. Sa peinture d'abord non figurative devient au début des années 1980 figurative et explosive de couleurs. Elle consacre sa vie à son œuvre et invente un univers singulier riche de références, qui se nourrit des rencontres et incite aux rêves. Pourtant exposée dans le monde entier et défendue avec passion par la célèbre galeriste américaine Darthea Speyer jusqu'à la fermeture de sa galerie en 2010, l'œuvre de Christiane Durand est restée insuffisamment reconnue. Cet accrochage est l'occasion de remettre en lumière son travail et de présenter certaines de ces œuvres emblématiques.

Texte de l'exposition par Lucas Djaou, commissaire de l'exposition.

Christiane Durand (1948), Le rêve de la fontaine lumineuse (image d'Arnold Pasquier)

Série des rêves, Paris 2003, acrylique sur toile et bois, 181,5x108 cm

Galerie Javault - Eva Pritsky
5 rue d'Eupatoria
75020 Ménilmontant
Vernissage Jeudi 27 avril à partir de 18 h 30
jusqu'au 14 mai 2023
galerie ouverte du Jeudi au Dimanche de 14 h à 19 h
et sur rendez-vous
https://galeriejavault.com

Frontispice : Christiane Durand (1948), Philippe, coquillage et haricots (Portrait de Philippe Duboy), série les nourritures terrestres (Les travestissements), Le Brusc 1992- Paris 1993, acrylique.

Entretemps

Hannibal Volkoff — 2023-01-26T17:07:31Z

Au premier regard sur les dessins de Robinson Haas, l'œil est susceptible de les survoler, de flotter d'une pièce à l'autre comme détaché de leur matière abstraite et minimaliste.

Ce que l'on semble voir, ce sont des aplats de couleurs, des monochromes, parfois en une forme affirmative contrastant avec le blanc du papier, parfois envahissant la totalité de ce dernier dans des tonalités douces et fragiles, au dégradé tenté par l'effacement. C'est en se rapprochant qu'on constatera une technique et ses variations nous invitant à approfondir ce que ce travail contient dans son minimalisme.

Les dessins de Robinson Haas sont tous composés en lignes droites tracées de manière répétitive sur le papier. Il utilise pour cela le stylo bille, le graphite, le feutre ou encore le crayon de couleurs. La première étape de sa démarche consiste à interroger son outil sur le support papier selon sa texture, son poids, sa condensation, et de faire de cette interrogation la proposition artistique en elle-même. Il a commencé avec le stylo bille, objet standardisé, populaire, né avec la mondialisation, dont il a ausculté l'encre en alignant des traits avec une règle. L'un après l'autre, ces derniers se mêlent en un même corps et leur multiplication, par leur succession et leur friction, change la couleur et amène dans ce corps de multiples variations internes.

Robinson Haas – Crayon sur papier marouflé sur Dibond – 107 x 100 cm – 2022

Ce geste est devenu le processus créatif de Robinson Haas, qu'il répète encore et encore en un temps des plus étirés (plusieurs jours, parfois plus d'une semaine). Nous pouvons parler, par la simplicité de l'acte, de méditation. Chaque dessin, cependant, a sa propre cadence, sa propre pulsation : selon le médium mais aussi selon la direction du geste, rapide et vigoureux à la verticale, lent et attentionné à l'horizontal. L'artiste d'ailleurs affirme garder une profonde concentration pour chacun des traits (puisque l'erreur n'est pas possible) et nous fait remarquer la possibilité d'une frise chronologique dans leur ensemble, témoignant de ses sensations, de l'expression de son corps dans son balancement obsessionnel. Nous pouvons aisément parler de performance dans ces journées concentrées au traçage.

Après le stylo bille, plusieurs médiums ont été explorés : le crayon de couleur, révélant le grain, qui génère une vibration dans le papier, légère comme un souffle, délicate comme une caresse ; le feutre, aux superpositions beaucoup plus visibles ; et le graphite dont la graisse permet d'obtenir des profondeurs variées et de jouer sur la pression marquant le papier pour en alterner à sa guise des variations sur chaque ligne.

Robinson Haas – Graphite sur papier marouflé sur Dibond – 120 x 100 cm – 2023

C'est à partir de la répétition que naît la différence. Dans la majorité de ses pièces, lorsque le dessin ne conquière pas le papier entier, il nous montre l'effet où l'outil quitte le support, opérant une courbe, toujours singulière, pouvant évoquer une maladresse mais maîtrisée, sur laquelle se fixe notre regard qui se plaît à y voir la révérence d'une herbe, attestant de cette vie difficilement distincte dont elle témoigne. Les lignes, à la droiture d'une route industrielle et à la discipline de fer, sont en quelque sorte les racines d'une périphérie émergeante telle une douce grimace dont on partage l'élan, la pulsion de vie.

Car c'est bien là l'intention de Robinson Haas : à travers un remplissage mécanique, a priori coupé de toute émotion, nous amener à nous plonger dans son temps à lui. Et de même que son minimalisme est composé de milliers de gestes, son temps est un entretemps, contemplatif, une parenthèse où l'on s'arrête, une pause mais portant en elle une danse psalmodique, ce dépassement de soi engendré par la répétition.

Robinson Haas – Crayon sur papier marouflé sur Dibond – 115 x 135 cm – 2022

Robinson Haas – Stylo bille sur papier – 95 x 75 cm – 2022

Voir en ligne : Robinson Haas

« Entretemps »
Exposition du samedi 28 janvier au dimanche 26 février 2023
Vernissage samedi 28 janvier de 18 heures à 21 heures

Galerie Hors-Champs
20, rue des Gravilliers 75003 Paris
www.galerie-hors-champs.com
Contacts :
contact@galerie-hors-champs.com
Galerie Tél : 01 45 35 48 98
Portable : 06 64 11 17 41
www.instagram.com/galerie_hors_champs
www.facebook.com/GalerieHorsChamps

Frontispice : Robinson Haas – Stylo bille sur papier – 40 x 50 cm – 2021

Tumultes d'eaux, formes de pierres

Aurore Bagarry et Philippe Boulvais — 2023-01-26T16:42:24Z

Les paysages naturels sont les formes de la Terre.

Les pierres du sous-sol, de la croûte terrestre, sont sculptées par l'érosion, dont le maître d'ouvrage principal est l'eau, sous toutes ses formes, liquide (la mer, les lacs, les rivières) et solide (les glaciers). Se dessinent alors de larges peintures, où les couleurs sont apposées par les végétaux, herbes et algues.

Aurore Bagarry — Brenva

Aurore Bagarry rend compte de ces arts naturels en y apposant le sien, la photographie.

L'homme n'est pas absent de l'atelier. En ouvrant des carrières, il met au jour les structures géologiques profondes. Les couches sédimentaires d'abord, formées par l'accumulation de débris de tailles diverses au fond de la mer. Ce sont aussi bien des particules véhiculées par les fleuves, en provenance des continents, que des fragments de coquilles, généralement carbonatées. Dans le premier cas, c'est la formation de sables et d'argiles qui donneront, une fois compactés et cimentés sous l'action de leur propre poids, des grès et des argilites. Dans le deuxième cas, c'est l'accumulation de boues carbonatées qui donneront des calcaires et des marnes. Le cadre fondateur de ces roches est l'océan.

Les photographies qu'Aurore Bagarry a prises dans les carrières du Bassin de Paris rendent compte de ces événements. Les couchent se succèdent, alternent en composition, enregistrant les conditions environnementales de l'époque, climatiques au premier chef. Les falaises calcaires de Normandie ou d'Angleterre relèvent de la même histoire.

Aurore Bagarry — Charpoua Tacul

La vie des sédiments, devenus roches, se poursuit parfois hors d'eau, à la faveur des déformations tectoniques, liées aux mouvements des plaques lithosphériques. Au cœur des Alpes par exemple, des roches affleurent qui autrefois se sont déposées au sein d'un océan, la Téthys. Ce sont les mêmes roches que celles qui composent le Bassin de Paris, les calcaires du Jurassique notamment, et son substrat, granites et gneiss, visibles le long des côtes de Bretagne nord ou du sud-ouest de l'Angleterre, en Cornouaille. Les roches portent les stigmates de ces déformations ; les couches sont plissées, les argiles sont métamorphisées sous l'effet conjugué de la pression et de la chaleur, et deviennent des schistes. Granites et gneiss ont porté le processus à l'extrême, dans les conditions du magmatisme.

Le parcours qu'Aurore Bagarry propose sur les côtes de la Manche met à jour ces roches qui ont souffert de déformations t de transformations métamorphiques. Bien sûr, ce ne sont pas les Alpes qui ont déformé ces roches ; mais une autre, ancienne, chaine de montagnes, la chaine varisque. Cette chaine de montagne courrait sur Terre il y a 300 millions d'années. Elle fut aplanie, érodée à la fin de l'ère primaire, la Paléozoïque. Les roches visibles aujourd'hui en surface de Bretagne et de Cornouaille ont été structurées à ces époques. Aujourd'hui, elles s'offent à l'œil, au géologue, à la photographe, à la faveur de l'érosion côtière, action conjuguée des vagues et des eaux d'infiltration en sommet de falaise, qui fragilisent la structure. L'histoire de ces veilles roches doit encore à l'eau, même si là, la relation est plus destructrice que créatrice. Les falaises s'effondrent.

Aurore Bagarry — Ladram Devon

Dans les Alpes, dont l'histoire géologique commence il y a environ 75 millions d'années, les roches sont mises à jour par l'effondrement de larges blocs, érosion mécanique violente. Les glaciers se chargent de ces blocs : ils les transportent en leur sein ou sur leur surface. Et lorsque ces blocs frottent contre le substrat sur lequel coule le glacier à des vitesses de plusieurs mètres par an, le glacier polit la roche, celle des blocs et celle du substrat. L'œuvre est élaborée…

Aurore Bagarry sublime cette relation entre les roches et les glaciers. Elle en révèle admirablement bien la mécanique. Les langues des glaciers glissent dans les rainures rocheuses, desquelles s'écoule une eau de fonte pure et bleue. L'érosion des roches de montagne se révèle sensuelle dans sa brutalité. Aurore Bagarry est une voyeuse. Vicieuse ? Peut-être… Lorsque qu'elle nous révèle cette autre action de l'eau, pénétrant au cœur même des pierres, dans le corps des roches, où elle dissout des corps caverneux et y dessine des formes organiques…

Aurore Bagarry — Gypse — Buttes Chaumont

Création et destruction rythment la relation entre l'eau et les pierres. Superposées, ces deux actions enfantent des paysages naturels remarquables. La vie tente bien de s'y accrocher, par les algues génératrices de couleurs vives, bleues, violettes ou rouges des côtes ou des cavernes, par les végétaux terrestres, contraints au vert. Mais ce n'est qu'un vernis, un filtre. Et si les photographies d'Aurore Bagarry saisissent le fragile de ce vernis, elles rendent surtout compte de la force et du tumulte, de la passion unissant les eaux et les pierres.

Philippe Boulvais

Aurore Bagarry — Plestin — Les grèves

Voir en ligne : Aurore Bagarry

Frontispice : Mer de glace

Des garçonnières

Hannibal Volkoff — 2022-12-01T13:02:09Z

La dernière exposition d'Hannibal Volkoff qui a eu lieu à la galerie Simon Madelaine

« Nolwenn et Igor se maquillent »

Photographie numérique, 2015, 37,5x25cm, 1/7, 300 euros

Il m'a semblé évident de commencer l'exposition avec une image de maquillage dans la salle de bain. On y projette autant l'idée de la valorisation, dans une volonté de séduction, régulièrement sexuelle, que celle du devenir-autre, fictionnel, imaginatif, transformant l'appartement en théâtre –ici sur le thème de l'asile psychiatrique au XVIIIe siècle. Et le lieu, la salle de bain, comme espace de recueillement et de discussion intime, comme calme avant (ou pendant) la tempête.

« R. avalant du lubrifiant »

Photographie numérique, 2010, 39,6x25cm, 1/7, 300 euros

A propos du geste absurde, l'acte incohérent de soirée que l'on peut considérer comme rituel adolescent. Alors que l'on demande à l'adolescent de commencer à s'intégrer dans les lois sociales, des études et du marché, du point de vue du langage, du travail, ou encore de l'habillement, il développe dans ses parenthèses nocturnes un art de l'absurde qui n'appartient qu'à son âge et qui ne s'épanouit que par la confrontation inconsciente de cette soudaine et nouvelle pression sociale. Il m'a semblé que cette photographie, comme exemple, avait sa place dans l'exposition

« KC. au milieu des garçons »

Photographie numérique, 2020, 37,7x25cm, 1/7, 300 euros

KC. se faisait prendre en masturbant le garçon à sa gauche. J'aime bien ce plan où l'on aperçoit en premier les fesses de ceux qui attendent de la pénétrer aussi. Là où leur but était dominateur, consistant à baiser en tournante la même fille, l'angle leur donne un côté soudainement enfantin. Certains disaient que l'un d'entre eux (les fesses de gauche, je crois) était vierge. Elle : souriante, assurée.

« F. et R. remontent les marches de mon immeuble »

Photographie numérique, 2021, 37,5x25cm, 1/7, 300 euros

Nous étions sous 3MMC ce soir-là, c'était une de nos habituelles soirées bdsm. Au milieu de la nuit F. et R. ont voulu sortir de chez moi et se balader nus dans la rue. Je les ai suivi avec uniquement une chemise. Nous étions en novembre 2021, je ne sais pas comment nous avons échappé à la pneumonie. Et si vous me demandez pourquoi R. avait un marteau à la main, je ne saurais vous répondre.

« Joanna et Sorrel dansent »

Photographie numérique, 2021, 37,5x25cm, 1/7, 300 euros

« Lecture sur Spinoza »

Photographie numérique, 2019, 37,5x25cm, 1/7, 300 euros

Dans mes soirées où nous sommes plus de trois, j'ai toujours envisagé les passages sexuels éventuels comme des moments normaux, désacralisés. On baise comme on discute, boit, danse ou trace. C'est nécessaire pour ne pas exclure. Pendant que J. baisait E., Franck et moi parlions de son livre sur Spinoza. Si mes souvenirs sont bons, il s'agit du « Miracle Spinoza » de Frédéric Lenoir. C'est important Spinoza. Pour revenir au sexe, dans une bonne soirée les places sont interchangeables et les occasions de baiser doivent garder en elles quelque chose d'inconséquent. C'est pourquoi j'ai toujours préféré le terme « orgie » à celui de « partouze » ; il ne faut jamais que le sexuel devienne une étape obligatoire. Dans cette photo, nous nous sommes rendu compte un peu plus tard que nous avions oublié de retirer les feuilles d'orties du canapé.

« Le pénis de Sucre d'Orge »

Photographie numérique, 2015, 37,5x25cm, 1/7, 300 euros

« Serena vomit dans sa cuisine »

Photographie numérique, 2022, 37,5x25cm, 1/7, 300 euros

Dans une exposition sur les soirées dans les appartements, il est logique de montrer la phase du vomi. Parce que notre but, dans les soirées, consiste régulièrement à chercher ce qui, dans nos corps, est susceptible de déborder. La jouissance en trop – et puis de trop comme si nous devions nous en punir. Cette image est une mise en scène. J'ai déjà essayé de prendre en photo des amis qui allaient vomir, mais il faut être très rapide, penser aux réglages, à l'angle, etc. C'est compliqué. J'ai pensé plus tard à reproduire l'acte en mise en scène. Je lisais Baudrillard, qui parlait de la photographie comme « nostalgie du présent », puisqu'à travers le numérique nous avons tué dans l'image ce qu'il y avait de réel. Je me disais que nous organisons des soirées en nostalgie d'autres soirées – lointaines, idéalisées ; à partir de là, quelle différence entre le réel et son imitation ?

« Sarah ensommeillée »

Photographie numérique, 2017, 38,56x25cm, 1/7, 300 euros

A partir d'une certaine heure, on croise régulièrement dans l'appartement des gens qui s'endorment. Ici, Sarah s'était assoupie en plein milieu des Salons Mocchia di Coggiola, sur cette table devenue lit. Je me demande de quoi on peut rêver avec un tel boucan autour (musique hurlante, discussions et danses). J'avais d'autres photographies de corps endormis, sous la table, ou étalés entre la cuisine et le salon, mais leurs propriétaires n'auraient pas voulu les voir publiées.

Naître vestige

Catherine Ludeau et Hannibal Volkoff — 2022-12-01T13:00:39Z

Catherine Ludeau est la principale peintre française spécialisée dans la résine.

Pour son exposition Naître vestige, elle confronte cette résine à la peinture à l'huile, à l'acrylique, et à la feuille d'or en un savant jeu de confrontation des matières, des textures contraires et des sensations, méditatives ou crépusculaires.
Dans son recueil « Car l'adieu, c'est la nuit », Emily Dickinson écrivait :

« Par dons modestes et mots entravés
Le cœur humain apprend
Le rien —
« Rien » est la force
Qui rend le Monde neuf — »

Les peintures de Catherine Ludeau sont abstraites et généralement monochromes, de formes sphériques et rectangulaires. On émerge dans la couleur par ses dégradés formés par le poids de la résine sur la toile. De nombreuses images peuvent s'évoquer à leur vision, de l'océan lovecraftien aux doux lagons pour les œuvres bleues, du ronronnement d'un volcan endormi à l'éclipse de sang pour les œuvres ambrées ; elles se refusent pourtant à ces suggestions. Ces peintures sont des blasons — un « don modeste » — de ce qui en nous — en nos « mots entravés » — n'existe plus. Des vestiges d'une éternité perdue et pourtant toujours là, endormie en un magma intérieur, berçant nos nuits avec la distance de l'étranger, d'un horizon inaccessible et autosuffisant. Ils ne disent rien, et nous soupçonnons en ce rien nos souvenirs impossibles de l'accueil pur du monde, celui de la naissance, quand rien n'est encore défini. Ainsi les peintures de Catherine Ludeau porteraient en elles la répétition de cette naissance, encore et encore, tournoyant dans la laque éthérée des sphères de résine. A défaut de pouvoir dialoguer avec leur absence de langage, nous en apprécierons la poésie, et peut-être la dynamique de cette dernière, la « force qui rend le monde neuf ».

Catherine Ludeau — Bleu vega # 21 — 100 X 100

Catherine Ludeau — Bleu Vega # 26 — 100 x 100

Catherine Ludeau — Vega # 16 — 100 x 100

Catherine Ludeau — Vega # 10 — 120 x 120

La Galerie Hors-Champs présente
Catherine Ludeau
"Naître vestige" Peintures

Vernissage le samedi 26 novembre 2022
de 18 heures à 21 heures
Exposition jusqu'au dimanche 15 janvier 2023

20 rue des Gravilliers, 75003
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Frontispice : Catherine Ludeau — Bleu Vega #20 — 100 x 100

multiple x multiple

Véronique Verstraete — 2022-09-30T16:17:43Z

Le multiple dans tous ses états !

Ont été abordés par les œuvres et les idées tout autant la multiplication, la répétition, la reconstitution, la réactivation, la multiplicité que l'unicité ou le multiple comme pratique. La notion a été réfléchie au delà d'une catégorie d'œuvres, en dehors de la reproductibilité technique où le multiple constitue une évidence et au sujet de laquelle de nombreux écrits sont déjà parus. Les imprimés ne sont pas écartés pour autant de nos interrogations, mais ils se différencient bien souvent des multiples par leurs réalisations en nombre infini, en un seul matériau, exécutés à partir d'une matrice particulière. Le multiple a été un point de départ, sans savoir si c'est une notion, si c'est une forme en soi, une forme possible dans l'action, où cette large résonnance est dans l'art contemporain par les formes entre elles, les actes entre eux, ou les paroles.

Artistes et théoriciens invités se sont succédés depuis janvier 2021 pour présenter des performances, des formes, des textes, des communications et des discussions de durées variables lors d'un colloque de deux jours, au sein de la galerie Michel Journiac : Jean-Charles Agboton Jumeau, Sylvie Coëllier, Laurence Corbel, Gilles Drouault, Valentina Gioia Levy, Emeline Jaret, Stéphanie Jeanjean, Fabrice Michel, Ghislain Mollet-Vieville, Laura Moretti, Jean-Christophe Nourisson, Cesare Pietroiusti, Hubert Renard, Carolle Sanchez, Joy Seror, Magali Taureilles, Muden Water, David Zerbib, Zihue Zhou. Cette recherche en plusieurs temps - séminaires, colloque, un numéro de la revue [Plastik], puis une exposition et une publication recherche-création - se construit par les œuvres, choisies dans un corpus existant international, commun à notre étude. L'exposition intitulée multiple x multiple, créée par un comité scientifique constitué d'un galeriste, un philosophe, deux historiens, des artistes, deux critiques et trois doctorantes en arts plastiques et cinéma se tient entre mi-septembre et fin octobre 2022 à la galerie Michel Journiac à Paris, au sein de l'EAS (Ecole des Arts de la Sorbonne). Une publication écrite, éditée aux Editions Jannink, en sera le témoin et une source pour la recherche sur la notion de multiple.

Jean-Charles Agboton-Jumeau, Ouverture d'un concours artistique à l'occasion de l'exposition multiple x multiple, critique et historien de l'Art

Nous avons resserré le champ de travail pour concentrer notre étude sur le signe produit par une répétition de formes ou d'espaces ou de concepts. Qu'il soit production industrielle, manuelle ou esthétique, le multiple permet une diffusion plus importante de l'œuvre certes, et peut-être une compréhension plus fine, mais lorsqu'il est une pratique récurrente de l'artiste il développe une œuvre d'une autre nature. Il s'agissait de l'identifier et de l'analyser à partir d'une commande passée à des artistes dont le travail questionne le multiple. Le passage du pluriel au singulier dans le titre du projet : multiples à multiple rejoint l'intention de faire de chaque multiple une.

Le premier témoin de cette recherche, hormis les enregistrements et notes de chacun est constitué d'articles rassemblés dans le numéro de la revue en ligne Plastik qui paraîtra ces prochains mois. Ils rendent compte de la variété des manières de pratiquer le multiple en Art. L'ensemble propose une réflexion par études ou analyses de la multiplication/multiplicité dans certains domaines artistiques, de l'unicité de l'œuvre, de la signature ou du signe dans l'œuvre, ou bien encore de pratiques artistiques particulières, sorte d'études de cas. Cette pratique, qui peut l'être à part entière chez l'artiste, ouvre différents champs d'action et de réflexion tels que les stratégies de production, les effets de la multiplication, les enjeux de la reproduction ou bien encore l'identité de l'œuvre, son unicité relative, sa sacralisation et les facteurs d'auctorialité et de signature.

L'exposition quant à elle, et la publication écrite qui suivra, poursuivent l'enquête sur ces mêmes interrogations et problématisent en quelque sorte le multiple par l'œuvre elle-même. multiple x multiple, titre de l'exposition, s'est construite sur la base d'une commande d'œuvres qui questionne la notion de multiple, envoyées exclusivement par boîte postale ou mail à la galerie. 28 artistes et un critique, historien d'art, ont répondu favorablement. L'ouverture des enveloppes, colis et autres s'est déroulée lors d'un premier vernissage devant le public, en présence des artistes. Aucune œuvre installée, accrochée lors de ce premier jour, aucun objet exposé au sens le plus courant du terme. S'agissait-il d'une exposition, d'un protocole, d'une œuvre, d'une performance ou de toute autre chose ? La question peut se poser, mais la réponse n'a pas grande importance en soi et ne constitue pas un geste de commissariat qui ferait œuvre. La réponse par l'œuvre nous intéresse davantage. Les enveloppes, colis, cartes postales, mails ont parfois été l'œuvre elle-même (Jean-Charles Agboton-Jumeau, Dominique Blais, Damien Dion, Fabrice Michel, Carolle Sanchez, Michel Verjux). Une proposition de participation à un concours artistique, l'envoi de plusieurs enveloppes timbrées de façon inédite et singulière, des cartes postales dont le recto et le verso comportent deux adresses différentes laissant le choix du destinataire au postier, l'envoi de quatre enveloppes en recommandé contenant le récépissé d'envoi, une pièce unique dont le contenu est le terme pièce unique avec variations possibles de typo et couleur sur Instagram, de multiples réponses potentielles à une question posée au public constituaient des œuvres multiples. Elles ont été envisagées par certains artistes sous la forme d'objets uniques, presque identiques (Estèla Alliaud, Eddy Firmin, Claire Maugeais, Christian Robert-Tissot). Un pain de terre qui sèche dans son emballage d'envoi et durant l'exposition, un objet insolite en céramique dans sa boîte, une forme en paille sous une couche transparente de plastique, Truth découpé dans un bloc de polystyrène et présenté dans son carton sont autant de multiples reçus en un seul exemplaire.

Vue de l'exposition

Des objets à plusieurs exemplaires transformés en œuvre par la commande (Clément Davenel, Claude Horstmann, Hubert Renard, Christophe Viart). Des tee-shirts Kiabi devenus tableaux, des tampons en métal gravés du mot become devenus inutilisables, une rame de papier A4 à disposition du public dont chaque feuille est un duplicata, une pile de cartes postales avec quatre images différentes et semblables à disposition du public transcendent par le multiple l'objet initial.

Des sculptures qui contiennent de part leur nombre, leur forme et leur présentation la notion de multiple (Jean-Christophe Nourisson, Benjamin Sabatier). Deux éléments identiques de couleurs différentes qui peuvent s'associer, plusieurs blocs de béton formés dans un emballage dont ils ne peuvent se dissocier nous incitent à la manipulation et la répétition.

La notion de don, ou de diffusion est présente dans les œuvres envoyées et de façon non négligeable. Pourrions-nous par conséquent établir un lien entre le don et la notion de multiple, ce n'est pas certain (Cesare Pietroiusti, Cécile Mainardi, Hubert Renard, Véronique Verstraete). Des séries de dessins à distribuer au public qui fera le choix de leur destin, une distribution individuelle de confettis numérotés, des petites sculptures en fourrure avec ruban comme des cadeaux donnés par tirage au sort contenaient un protocole de don.

L'image était présente (Louise Hervé et Clovis Maillet, Antoine Perrot, Delphine Reist, Joy Séror). Des dessins de postures, des mots constituant une affirmation provocante, une imprimante dont l'encre coule sur le papier, des images presque identiques de lieux à des moments différents nous transportent de façon singulière du côté de la reproductibilité.

Des protocoles proposés au public ont été engagés, parfois au delà de la durée de l'exposition (Jean-Charles Agboton-Jumeau, Michel Verjux, Elsa Werth). La proposition de participer à un concours par l'intermédiaire d'un QRcode, des réponses à apporter à la suite d'une question posée, 100 fragments sous forme de papiers imprimés acquis par les personnes qui le souhaitent invitent le spectateur à être l'acteur et le déclencheur de l'œuvre.

Quelques autres œuvres ne peuvent pas être définies selon une catégorie (David Bihanic, Muden Water, Ziyue Zhou). Images produites à partir du nombre de like sur les réseaux sociaux à un moment donné, objet fabriqué reprenant l'idée de la tombe, une forme hybride légère composée d'éléments naturels et fabriqués sont à la frontière de la notion de multiple.

La galerie est le lieu de ce laboratoire, le temps d'une exposition. Elle a un caractère inédit, une expérience et une forme qui regroupent des interrogations. Peut-on trouver un artiste qui n'aurait jamais eu recourt au multiple dans son parcours ? Est-ce que tous les artistes ont à un moment ou un autre de leur carrière recours au multiple ? Peut-on découvrir une actualité sur des pratiques contemporaines du multiple ? Autant de questions qui ont alimenté le début de la recherche. Nos discussions ont orienté la conception de l'exposition vers un projet, une projection en faisant le pari de faire la proposition à des artistes contemporains de réagir à un protocole. Lorsque l'on étudie les œuvres produites, la problématique devient plus simple, les actions et procédés se dévoilent.

A la notion de fragmentation correspond celle de singularité. Signifiée et valorisée, elle est l'une des constantes actuelles de l'art parce qu'elle est liée à une revendication de l'individualité dans un système mondial globalisant. Cette singularité est revendiquée artistiquement par bon nombre d'artistes. Elle dénote un état d'esprit dans lequel les créateurs se trouvaient déjà dans les années quatre-vingt et quatre-vingt-dix. Les réalisations d'Allan McCollum sont significatives de ce constat et dénoncent en même temps l'élitisme d'un Art qui s'en éloigne. « Les artistes semblent accepter, sans se poser de questions, d'avoir pour destin de produire des objets rares - des objets pour un usage exclusif. C'est d'après moi la raison pour laquelle l'activité avant-gardiste reste coupée du grand public » [1] énonce Allan McCollum, interviewé par Thomas Lawson en 1992. Notre période n'est plus aux courants regroupant des créateurs défendant les mêmes idées ou esthétiques, ni à une recherche collective de la nouveauté. La fin de la frontalité et la perte de l'aura de l'œuvre ont ouvert de nouvelles formes de création. A partir du moment où l'œuvre n'est plus en dehors du monde, et où son espace et celui du spectateur se rejoignent, les attitudes peuvent devenir formes, les commissaires d'exposition ou d'autres peuvent s'en emparer. La performance a en ce sens un statut particulier. Le hic and nunc [2] s'y manifeste de façon éminente, et traduit une expression ultime de la singularité. Le temps et l'individu qui s'y produisent sont radicalement singuliers et se montrent comme tels. Nous sommes captés et saisis, physiquement. Ainsi l'aura est présente. La production de multiples procède parfois du même dessein et le multiple est un, une œuvre à part entière.

Theodor W.Adorno, en parlant d'un « continuum entre les beaux arts et les arts populaires » [3], mettait l'accent sur une période qui interrogeait l'identité de l'œuvre d'Art par ce continuum, et non par une dissolution complète de l'art dans la vie, auquel cas celui-ci disparaîtrait totalement. La piste du décoratif dans lequel les signes et les formes se répètent à l'infini, est ainsi questionnée et se retourne contre le décoratif lui-même. La volonté de l'artiste de populariser sa pratique par la multiplication a également une légitimité artistique. La part d'humanité revendiquée dans le refus de l'élitisme - à un summum dans les années quatre-vingt - est un élément à relever, quand bien même il s'inscrirait dans un phénomène de globalisation culturelle évident. Comme si, le fait de développer les multiples était un paradoxe, au sens où ceux-ci dénotent tout à la fois une perte de l'aura de l'œuvre, et une évolution d'un lien plus fort en direction du public.

[1] « Allan McCollum interviewed by Thomas Lawson », 1992, publication originale A.R.T. Press, Los Angeles, 1996.

[2] Walter Benjamin, L'œuvre d'art à l'époque de sa reproductibilité technique. Das Kunstwerk im Zeitalter seiner technischen Reproduzierbarkeit, 1935.

[3] Theodor Adorno, L'art et les arts, 1967, texte co-traduit par Jean Lauxerois et Peter Szendy, éd. Desclée de Brouwer, coll. Arts et esthétique, 2002.

MOTS#MAUX

Mohamed Rachdi — 2022-09-30T16:03:21Z

Dans son exposition MOTS#MAUX, Mohamed Rachdi propose au public de la galerie Dar D'art deux séries d'œuvres réalisées pendant le confinement lié à la pandémie de la Covid-19 qui a eu lieu à partir du printemps 2020.

Il était alors en résidence forcée, pour ainsi dire, dans le haut lieu artistique et culturel, H2/61.26 (h2.art.com) où l'artiste-penseur résidait et créait entre plasticité et écriture, entre jeu visuel et poésie à portée autant artistique que sociologique et philosophique.

La première série s'intitule Mots-Covid-19 et sera sous forme d'un diaporama redéployant en boucle sur un moniteur tél des publications que Mohamed Rachdi postait quotidiennement, comme à son habitude depuis presque une dizaine d'années, sur les réseaux sociaux Facebook et Instagram [1]. Cette série a inspiré spontanément un texte à Jean-Claude Le Gouic dont voici un extrait :

« Il est possible d'installer les lettres-mots sur toutes sortes de vitres transparentes, mais le choix de Mohamed est déterminé par le lieu à partir duquel il peut embrasser une large partie de la ville de Casablanca et au-delà puisque l'horizon est constitué réellement et imaginairement par la mer. En bon regardeur (on pourrait cette fois dire aussi regard d'heures ; certaines vues donnent d'ailleurs sur la fameuse Tours de l'horloge pointant le ciel du quartier administratif) il sélectionne le moment propice. L'image saisie réunit les espaces vus mais aussi rêvés : l'espace de la ville avec la mer au loin comme promesse de potentiels voyages et celui de l'ouverture de la signification à partir des différents mots indices du monde de la pensée. Les mots choisis par l'artiste sont personnels, jamais savants, suffisamment polysémiques pour favoriser de multiples liens entre les regardeurs et l'auteur. La perspective urbaine est accompagnée d'une suggestion majuscule : AMOUR, DESIR, MORT, NATURE, TFOU, TRACE, RAGE, CIMENT, POUTRE, PUNIR, SQUARE, JARDIN, VOIR, ARGENT, MUR, COIN, TOURS, RUE, PORTE, POTEAU… » [2]

La deuxième série d'œuvres que propose Mohamed Rachdi a pour titre Les Enluminures du désir. Il s'agit d'un ensemble de petits formats réalisées sur des pages de livres à base de médiums divers en articulant son vocabulaire habituel à travers des compositions qui privilégient la polychromie. Cette série s'inscrit pleinement dans la suite des autres séries de Mohamed Rachdi, « comme Les Dunes du désir, Les Puits du désir, Les Rosaces du désir…, tout en développant le projet en continuelle mutation qu'est Le Laboratoire de La Bibliothèque de Majnoun. Les Enluminures du désir cultive donc de multiples échos aux réalisations passées et réactive sciemment l'univers plastique et poétique de l'enluminure et de la miniature arabe et persane, où la part belle est donnée aux jeux de lignes et couleurs d'entrelacs géométriques et d'arabesques florales, comme promesse du jardin paradisiaque... » [3]

Mohamed Rachdi — élément de la série Mots-Covid-19 réalisée pendant le confinement.

Résidence improvisée pour développer une œuvre dans le cadre de Nafida نافذة à H2/61.26

Mohamed Rachdi — élément de la série Mots-Covid-19 réalisée pendant le confinement.

Résidence improvisée pour développer une œuvre dans le cadre de Nafida نافذة à H2/61.26

Mots-Covid-19

Depuis que je me suis fixé en 2017 dans les hauteurs de l'espace qui abrite H2/61.26, je ne cesse de contempler, photographier, filmer, dessiner et même sculpter, de jour comme de nuit, le spectacle que m'offre cette position privilégiée : un panorama en continuel changement de la gigantesque ville de Casablanca. Et ce que je saisis depuis cette hauteur, je le partage presque instantanément sur mes pages Facebook et Instagram.

Avec le confinement, le besoin de contempler l'espace extérieur augmente et l'attention devient plus intense. Mon intérêt artistique redouble et je me suis mis à créer dans l'espace même entre mon organe de vision et le spectacle environnant qu'il scrute. En effet, sur les parois vitrées surélevant le garde-corps des terrasses, je me suis mis à écrire des mots à l'aide d'une panoplie de lettres de diverses couleurs, qui n'est rien d'autre qu'un jeu de lettres alphabétiques pour enfants.

Cette nouvelle approche centrée sur le mot se détachant sur un fond urbain s'inscrit parfaitement dans la continuité d'un projet que je développe depuis presqu'une dizaine d'années sous l'intitulé Le Laboratoire de la Bibliothèque de Majnoun [4].

En effet, je partage déjà des mots que j'écris, dessine, peint, sculpte, etc. de différentes manières, dans divers matériaux et sur des supports variés, que j'expose mis dans des vitrines ou agence en dispositif d'installation entre sol et mur, ou encore que je peins directement sur les pans muraux des lieux qui accueillent mes interventions artistiques, mais aussi que je distribue en permanence sur Internet. Plus précisément, sur les réseaux sociaux que j'investis depuis le lancement de cette bibliothèque qui évolue entre le réel et le virtuel, comme un espace de création à part entière, un espace interactif de production et de diffusion où l'intermédiation avec le public-acteur est quasi inexistante [5].

Ces inscriptions de mots sur les parois vitrées sont de mini-installations éphémères. Composées à base de lettres en mousse légère, leur fixation se fait aisément par simple vaporisation de produit lave-vitres. À peine disposés les mots sont photographiés et immédiatement partagés sur les réseaux sociaux avec une « communauté d'amis » déjà bien habituée à mon jeu et auquel elle contribue et alimente systématiquement.

Ainsi, le lien demeure maintenu avec le public qui réagit sans tarder aux différents mots qu'il reçoit et l'œuvre continue de se construire à travers de multiples lectures et interprétations que les mots provoquent, mais aussi des échanges entre les différents commentateurs. Tout l'intérêt réside dans la génération d'une telle situation d'interactivité avec le réseau d'amis, susciter chez eux des réactions et des commentaires à travers lesquels s'expriment des préoccupations de diverses natures touchant au culturel aussi bien qu'au social, à l'économique qu'au politique… Un simple mot peut devenir le miroir de toutes sortes de projections qui renvoient à la réalité comme à l'imaginaire, en mobilisant des ressources mnésiques et références culturelles, créativité et inventivité [6]…

Mohamed Rachdi — élément de la série Les Enluminures du désir, réalisée pendant le confinement.

Résidence improvisée pour développer une œuvre dans le cadre de Nafida نافذة à H2/61.26

Les Enluminures du désir

— […] Pourriez-vous vous arrêtez un moment sur cette période de confinement, durant laquelle les activités de H2 ont momentanément cessé. Quel impact a-t-elle laissé sur votre façon de vivre et de créer ?

Le confinement est arrivé subitement et a stoppé net les activités de H2. Ce qui a libéré l'espace et m'a donné tout le temps pour me consacrer à mes propres activités de création et d'écriture, qui deviennent parfois une seule et même chose.

Concernant l'impact qu'auraient eu les conditions du confinement sur ma façon de vivre, je dirais qu'en réalité, il n'y a pas beaucoup de changement, car je suis déjà habitué à m'isoler pour pouvoir méditer, créer, réfléchir, écrire... Cela a toujours été une nécessité pour moi. La chose que le confinement m'a offerte, c'est de prendre davantage soin de ma santé. En effet, bien que je sois un sportif bien régulier et que je prenne toujours soin de moi-même en faisant très attention à ce que je mange et en régulant mon rythme de sommeil, la période du confinement, qui s'est étendue au Maroc sur une bonne centaine de jours, a été pour moi une précieuse occasion de bien organiser mes séances d'exercices physiques et de limiter mon alimentation en ne choisissant que le strict nécessaire et que des produits sains. Ce qu'en temps normal, on a parfois tendance à négliger. Ceci étant dit, quelque chose a pesé psychologiquement sur moi dans mon confinement, effectué en total isolement : le manque du contact physique avec ma famille et mes amis.

Heureusement, il y a l'écriture et l'activité créatrice. En effet, et j'aurais dû d'ailleurs en parler aussi dans ma réponse à votre précédente question en évoquant certaines réalisations pendant cette période, j'ai aussi inauguré une toute nouvelle série, intitulée Les Enluminures du désir, qui s'inscrit pleinement dans la suite des autres, comme les Dunes du désir, les Puits du désir, les Rosaces du désir…, tout en développant le projet en continuelle mutation qu'est La Bibliothèque de Majnoun. La série Les Enluminures du désir cultive donc de multiples échos aux réalisations passées et réactive sciemment l'univers plastique et poétique de l'enluminure et de la miniature, où la part belle est donnée aux jeux de lignes et couleurs, d'entrelacs géométriques et arabesques florales, comme promesse du jardin paradisiaque...

Ainsi, ai-je clairement fait le choix d'aborder le confinement de manière positive et enthousiaste en célébrant le désir et l'amour à travers l'enchantement des rapports de formes, de couleurs et de lumières...

Dans cette série, on est toujours dans l'espace physique du livre, mais au lieu d'y inscrire mon vocabulaire plastique (lettres, signes, figures florales, figures de couples...) comme je le pratique habituellement, par soustraction de la matière en creusant dans la masse du papier imprimé, ici, je les articule par addition, en dessinant et peignant. Spontanément construites, les compositions s'animent sur des pages selon une fécondité graphique et chromatique en générant des structures parfois d'aspect sculptural, qui articulent les formes avec le fond en déployant les figures récurrentes des couples amoureux s'embrassant, s'enlaçant, dansant... et toujours accompagnés de silhouettes d'étoiles, de fleurs et de fruits, mais aussi, bien sûr, d'égrainement numérique, de lettrages poétiques et autres tournoiements de toupies...

— Paradoxalement, ce confinement a donc été plutôt favorable pour vous en changeant le rapport au temps et à l'espace. Mais nous constatons que cet enfermement a accéléré d'une part la production artistique et d'autre part, il a imposé des choix plastiques ; le recours aux petits formats, aux deux dimensions, et surtout à la peinture. Pensez-vous que c'est une manière d'exorciser votre peur du Covid-19 en allant vers la couleur ?

Sans doute y avait-il au début du confinement quelque chose de cet ordre, car j'ai arrêté net le travail en volume pour le bidimensionnel, avec un plaisir inouï à œuvrer en couleurs, non seulement dans la série Les Enluminures du désir, mais aussi avec les mots composés à base d'un jeu de lettres alphabétiques pour enfant vivement colorées. L'approche bidimensionnelle, l'explosion chromatique, mais aussi certainement le recours à un jeu d'enfant, tout cela semble participer en effet à quelque réaction, non réfléchie mais très intuitive, à la pandémie du Covid-19 dont la presse annonce quotidiennement les ravages partout dans le monde. Comment pourrions-nous demeurer indifférents à une telle situation qui a subitement imposé un repli sans précédent de l'activité humaine à l'échelle mondiale, en obligeant les populations à s'isoler en se confinant et en se pliant à des exigences sanitaires tout à fait inhabituelles ? Ma réaction a été plutôt saine et positive, en prenant bien soin de mon corps et en m'investissant dans mes deux activités de prédilection, l'écriture et la création artistique, et en m'orientant plutôt vers ce qui procure du plaisir, vivifie et donne de l'espoir... [7] »

Mohamed Rachdi — élément de la série Les Enluminures du désir, réalisée pendant le confinement.

Résidence improvisée pour développer une œuvre dans le cadre de Nafida نافذة à H2/61.26

Notice bio

Mohamed Rachdi est né en 1964, à Goulmima au Maroc.
Artiste, critique d'art et commissaire d'expositions, il est l'auteur de plusieurs ouvrages sur l'art contemporain et de nombreux articles d'essai dans des magazines, revues scientifiques et ouvrages collectifs, ainsi que des préfaces de catalogues. 
En tant qu'artiste Mohamed Rachdi a réalisé de nombreuses expositions au Maroc et à l'étranger et ses œuvres sont dans plusieurs collections au Maroc, au Moyen-Orient, en Europe et Amérique. Son activité artistique se développe autour d'un projet ouvert et dynamique, sans cesse créatif et interactif, un projet qui se déploie sous diverses formes et attitudes créatrices, en constante mobilité entre territoires réels et virtuels, entre invitation aux expériences ludiques et échafaudages rigoureux d'actions stratégiques touchant aux niveaux poétiques, philosophiques, sociologiques et politiques. Usant d'une diversité d'ouvrages imprimés, d'une pluralité de textes de multiples provenances et de différents registres d'écritures aux typographies variées faisant la part belle au latin et à l'arabe, Mohamed Rachdi cultive des interférences de références en affirmant tout particulièrement son identité plurielle, celle d'un artiste, penseur et acteur libre et ouvert à la multitude de la culture humaine.