TK-21

Dialogue(s)

Julien Drogoul — 2024-12-27T10:22:21Z

Le projet Dialogue(s) a débuté il y a une dizaine d'années dans les rues suédoises avant de grandir peu à peu au fil de mes pérégrinations.

Témoignage intemporel des rues de ce monde, il se veut un recueil d'histoires fictives et éphémères. Lorsqu'elles ne sont pas purement contemplatives, leurs teintes parfois humanistes ou poétiques, souvent humoristiques, donnent une idée des grands photographes qui ont façonné mon regard ces dernières années (Robert Doisneau, Henri Cartier-Bresson, Elliott Erwitt…) et de ceux dont je m'inspire encore en découvrant le travail plus récent (Jesse Marlow, Matt Stuart, etc.)
Mon projet s'est construit autour de la recherche de connexions. J'attends ainsi de voir des éléments se percuter pour créer — dans mon imaginaire en tout cas — une histoire éphémère. C'est là que je déclenche, lorsque je pense pouvoir raconter une histoire dans laquelle des acteurs d'un instant se donnent finalement la réplique.

De cette succession de petits dialogues indépendants a ainsi pu voir le jour un recueil harmonieux, le livre éponyme édité aux éditions Corridor Eléphant, dans lequel les images se répondent et où les dialogues deviennent pluriels.

Voir en ligne : https://www.corridorelephant.com/pr...

– Galerie d'art XXIe (Montbrison, Loire) : https://galerie-xxie.fr/julien-drogoul-photographie/
– Instagram : https://www.instagram.com/julien.drogoul/?hl=fr

Les modernes (2021)

Pascal Hausherr — 2021-07-29T14:11:44Z

La période actuelle est soumise et de peu de tendresse. C'est l'éternel retour de la crise. La raison, d'ordre strictement social et politique, est liée à un isolement qui désappointe. C'est une fatigue, la lassitude d'une âme désolée face à un monde désolant. Mais qui peut dire qu'à un moment donné il n'a jamais pensé avoir fait le tour de la question. Faut-il se taire alors que trépigne indéfectiblement le nerf de la guerre ?

Je vois à ordonner les mots la tranquillité gagnée. Photographier est ma maison où j'accroche sur ses murs la révolte et la beauté j'espère. J'ai pris parti pour la photographie mais il m'arrive de douter de ce que j'obtiens. C'est peut-être dans l'incertitude et dans l'ambiguïté que se tient mon art. La difficulté, c'est d'admettre que c'est à vous seuls d'en juger. Vous voyez d'ici l'inquiétude que ça cause !

Ceci dit, je veux aujourd'hui n'avoir d'autre préoccupation que d'affronter l'objet, sans trop de détour, et me contenter de photographier les choses du monde telles que je les vois. Pour cela, et fidèle à mon habitude, je me suis imposé un unique format horizontal, un téléobjectif comme optique photographique. Et puis un titre, un livre en cours : Les Modernes ; non plus là une contrainte mais une forme libre.

La photographie est affaire de croyance. Elle fait événement quand s'articulent représentation de l'objet (l'image) et relation au sujet (le spectateur). Qui est pris dans l'histoire ? Sans jouer sur les mots, ça parle de plaisir. C'est pour cette raison que le livre, à mon sens, est bien apte à nourrir un langage photographique, une langue qui sans plus la tirer est déjà une histoire de goût et de toucher, une histoire de l'œil.

Mes photographies véhiculent des extraits de mon corps parce qu'elles ont transité par lui. En l'occurrence, j'aurais souhaité me placer sous l'éclairage des écrits de Bernard Noël. Enfin, permettez-moi d'oser cet aveu : je ne me remets pas de sa mort toute récente. Davantage encore que l'amitié dont il a su à une époque plus tardive de ma vie m'entourer, il fût poète à me donner mes premiers mots.

Quoi qu'il en soit, que soit ici remerciée la revue TK-21 pour son accueil amical et pour nous permettre de fêter communautairement ses dix ans — le plus bel âge, l'enfance de l'art. Tout commence de nouveau.

Fascination Street et Underground

Yannick Vigouroux — 2020-12-27T22:02:24Z

« Rien n'était trop insignifiant pour échapper à mon attention. Si j'allais me promener - et je cherchais constamment des excuses pour me promener, pour explorer, comme je disais - c'était avec le propos délibéré de me transformer en un œil énorme. » 
(Henry Miller, Plexus, 1952)

Au XIXe siècle, poète de cette modernité urbaine qui devait jouer un rôle majeur dans l'histoire de cette photographie - qu'il a, on le sait, tant dénigré -, Baudelaire évoque « l'immense jouissance [...] d'élire domicile dans le nombre » (Mon cœur mis à nu) et propose d'entrer "dans la foule comme dans un immense réservoir d'électricité (Le Peintre de la vie moderne).

Le titre de la série « Fascination Street » est emprunté à une chanson de The Cure, mon groupe de cold-wave favori. Pour rappeler que ma culture visuelle a parfois plus été influencée par la musique que j'écoute depuis l'adolescence que par l'histoire de la photographie...

C'est en fredonnant cette chanson dans ma tête ou en l'écoutant avec mes écouteurs que j'ai commencé à photographier à Paris les passants en 2000. Cette année-là, en plein début de millénaire, on m'a offert un Lomo LC-A que j'ai commencé à utiliser avec un appétit insatiable de faire des images. Le boîtier, de petite taille, est particulièrement discret. Dans les séries « Fascination Street » et « Underground », la photo est souvent prise sans viser. Le cadre est donc parfois de guingois. Fluidité des corps des passants, aux mouvements précipités. Chaque ville a son style, sa vitesse propre, plutôt lente à Bruxelles, frénétique à Paris...

Je poursuis désormais ce travail au smartphone et une petite application « vignette ».

Alain Nahum

Alain Nahum — 2019-11-01T14:35:53Z

Alain Nahum explore le rouge de la Nation

Francesco D'Alonzo

Corridor Eléphant et Francesco D'Alonzo — 2018-09-26T15:53:00Z

It is wonderful to walk down the street, in the countryside, in the city, and try to understand and experience the dynamics and the stories of the people you meet. This is my "photographic philosophy" to plunge and get lost in the diversity of the world ; walking and walking, observing, in silence, or interacting with the people we meet, new realities are known, new stories and, the camera, photography is my tool available to make these stories mine and to show them to the public.

En partenariat avec Corridor Eléphant

Urban-street

Voir en ligne : http://www.francescodalonzo.it

Francesco D'Alonzo was born in Pescara on 20 September 1981. He began to photograph at the beginning of the second half of the 2000s, mainly landscapes inspired by love for nature and biodiversity. Over the years 2008-2011, the collaboration with the discorsifotografici.it website has been carried out for the creation of a page devoted to travel photography and paesaggidrabruzzo.com on the enhancement of Abruzzo's territory. He began to deepen his photography, and in these years, he attended an advanced Reportage course in Rome at Photographic Offices, winning a special photo contest "Roma in a click" always at the Roman school in the same year. The human factor, investigating urban spaces, geometries, and forms of life within them are fundamental and fundamental themes of photographic evolution. This research brings him to participate in several international exhibitions (exhibition at Blank Wall Gallery in Athens) publications on several international street and black & white photograher magazines (Corridor Elephant, Paris, Apf Magazine Street Photography), entering 2017 within the "Exhibit Around" (Urban and Human Empathy) with exhibitions around Europe. To date, his photographic research, which is expressed through b & w images, concerns the study of urban spaces and its inhabitants, ranging from street to social reportage.

Le net

Laëtitia Bischoff et Mamadou Gomis — 2018-01-28T16:20:31Z

Le net, en photographie, est un infra mince à densité variable.

Il peut s' étendre ou poindre à sa guise, il n'en reste pas moins aussi évanescent que son opposé, le flou. Il est une donnée, non une matière, une qualification, plus qu'un être. Il se déploie comme une nuée, se resserre comme un orage. Il a la densité d'un acide, le photographe peut le diluer à souhait parfois jusqu'à une homéopathique vision du monde.

Le net est un pivot vers lequel tout le reste de l'image bascule. Il en est la cime comme si l'Everest était autant un manège qu'un appel. La netteté fixe le regardeur, l'appelle à sortir de sa bouillie du monde, pour frapper aux portes des images. Le net incarne la marche qui permet le saut pictural, la canne de l'aisance visuelle.

Le net, c'est l'aimant du temps et de l'espace. Il fait clasher l'avant et l'après, le devant avec l'arrière en un épicentre. Il incarne le point de départ que chacun cherche pour s'attaquer à la mesure de l'image.

Mamadou Gomis est un photographe, reporter puis artiste. Sénégalais, il a fait de l'Europe son terrain d'aventure. Ses images, vouées aux pages des journaux ou aux espaces d'exposition, nous parlent toutes à partir de ce point ou de cette frange de netteté.

Sa dernière série intitulée Snapshot Reflexion, prochainement exposée dans différentes capitales européennes et africaines, nous présente des télescopages visuels. Mamadou ajoute à la lentille de son appareil, les vitres de l'espace urbain. Il joue avec les reflets sans jamais se montrer.

Le spectateur met du temps à se rendre compte que, dans ses images, les dents, les visages sont plus froids que les murs, le ciel, le rideau… que la joie est aussi glacée que le papier qui lui sert de résidence. La photographie, est alors plus qu'un lieu d'ambivalence, un lieu de retournement. Le reflet aliène la construction, immole le dehors et le dedans. Reste la jointure, zone de netteté se constituant de deux mondes qui se frôlent enfin. Le mouvant, l'animé n'ont pas les traits d'humains. Ceux-ci sont figés dans la caricature publicitaire.

Les rues ont été court-circuitées. Le flux des gens n'est plus, happé dans un vacuum. Mamadou est allé chercher dans ce travail, un vide dont lui-même réchappe, absent. La photographie a pris la perpendiculaire aux lignes des cités, contrecarrant leurs élans, élevant un plan de coupe dans la matière-ville. Comment faire dans cet univers presque post-humain, dans cette traversée asséchée de durées, de corps, de bruit ? Le diadème graphique construit par Mamadou Gomis annonce les restes, accueille les relents d'une modernité quasiment déchue.

Délimité comme une ZAD, cartographié au millimètre, le net est une chambre perchée et franche, douce et imprenable. De lui les motifs et les traces dégoulinent. On s'y accroche.

Séoul, visages d'une ville

Benjamin Joinau , Gina Kim et Jean-Louis Poitevin — 2017-11-28T11:28:03Z

Avec le "Je me souviens" de Benjamin Joinau et "Les ailes d'un ange" de Jean-Louis Poitevin, s'ouvre un voyage inédit dans une des grandes mégapoles du monde, Séoul.
Le dispositif est simple en apparence pour ce documentaire profond : la réalisatrice revient régulièrement à Séoul, qu'elle a quittée, pour voir sa famille, et à chaque retour, elle tourne des vidéos de ses promenades et rencontres, comme on tiendrait un journal intime.

Un « je me souviens » vidéo, quinze ans de souvenirs filmés de Séoul

De cette masse d'images anodines et accidentelles, elle tire un montage vidéo à partir duquel elle tisse un commentaire inspiré sur la ville, le statut de la représentation et de l'art, le souvenir, l'identité, le rapport au père… Le film commence par le dos de son père filmé dans la voiture de ce dernier alors que la famille se rend sur la tombe du grand-père. Puis sur la place de la mairie, l'auteure cherche à retrouver un mot anglais signifiant « souvenir », mais qui ne serait pas constitué du préfixe « re- ». Sa quête commence, mêlant images anciennes et récentes autour de la mémoire. Elle nous emmène de Seongbuk-dong, au palais Changgyeong, du marché de Dongdaemun à l'effondrement du grand magasin Sampung, de l'anniversaire de Bouddha à Jogyesa au cimetière national et à la révolution d'avril 1960, de la prison de Seodaemun à Itaewon, de Gwanghwamun à la tour de Séoul, pour finalement arriver au mot cherché : « anamnèse ». La scène finale montre son père qui va chez un vieux coiffeur de quartier : l'auteure filme enfin le visage de son père.

© Gina Kim

Ce « film-essai » est fascinant, plus par le texte du récit, d'une rare intelligence, que par la qualité des images, filmées par différentes caméras sur une longue période de temps. Le spectateur est vite charmé par la diction douce et monotone de l'auteure, fasciné par cette promenade visuelle et temporelle dans Séoul, montée comme une enquête philosophique. Un des tours de force de cet essai, c'est de mêler avec beaucoup de virtuosité la ville et le personnel dans une réflexion qui dépasse l'urbain et cherche à capter l'essence de la représentation et de l'espace.

© Gina Kim

La ville nous articule avec ce qui n'est pas nous

Le film est encadré par la question du père. Filmé de dos, dans le rétroviseur, au tout début, on n'en voit pas bien le visage. À la fin, la réalisatrice l'emmène chez un vieux coiffeur qui affirme qu'on n'est jamais arrivé à capter par l'image l'art de la coiffure parfaite. Son père fait le cobaye pendant que sa fille filme. En réalité, on voit peu de changement sur la chevelure du père, mais le coiffeur continue cependant vers son rêve de perfection. On pourrait y voir une métaphore du travail patient et discret du cinéaste du réel. La réalisatrice se souvient alors de l'image de son père au début : le pouvoir de la photo et de la vidéo, symbolisé par le dispositif du rétroviseur, c'est celui de l'anamnèse, la capacité de rendre présents les souvenirs des choses passées. Rappelons qu'anamnèse, c'est aussi le terme utilisé pour désigner le passé clinique d'un patient : c'est la liste de ses souffrances – ce que précisément fait la réalisatrice en évoquant les grandes blessures de la Corée contemporaine à travers les lieux de Séoul. Cette dernière séquence est une manière de clore la quête qui avait commencé autour d'un mot, le mot du souvenir ironiquement oublié : allusion indirecte à l'oubli de l'oubli, cette perte de mémoire qui travaille la société coréenne contemporaine ? Mais c'est aussi une manière de souligner un des thèmes souterrains de ce documentaire : la question du père. À travers la réflexion sur la tradition, l'identité, la quête du nom, l'auteure articule la paternité à la modernité, et pose indirectement la question suivante : comment être les enfants, c'est-à-dire les héritiers de nos parents dans ce contexte postmoderne ? Ici, Séoul, la ville, est plus qu'un décor ou un prétexte à cette réflexion. Elle est le symbole même du travail de l'anamnèse : la ville, en effet, est ce qui articule la mémoire individuelle et collective, les générations, les temps et les histoires, les différentes formes d'identités, les lieux et les noms, le présent et le passé.

© Gina Kim

Ville et récit

À travers cette errance vidéo métaphysique, c'est aussi la question de la présence physique et de l'espace qui est abordée. La ville, à travers ses métamorphoses, est toujours présente, ressuscitée à elle-même, alors que nous mourons. Dans une des séquences du début, la cinéaste, perdue dans un quartier de son enfance qui a tellement changé qu'elle ne reconnaît rien, se pose la question de l'« ici », de l'être du lieu. Son enquête y donne une forme de réponse : un film d'art et d'essai, comme une ville, une photo et toutes les formes de représentations qui ont un support physique, relient la présence du présent avec le fantasme du passé, la réalité et le désir, nous et les autres. Car les villes, comme les films et les photos, nous articulent à ce qui n'est pas nous, nous complètent, nous font nous rencontrer dans nos solitudes… La réponse de la réalisatrice à cette problématique du fragment qui est celle de notre hyper-modernité (fragmentation du souvenir, de l'histoire, des grands discours, des identités, de l'image du père…) est donnée par ce film qui prend la ville, ou plus exactement la promenade dans la ville durant plusieurs années, comme métaphore du récit : ce qui suture la fragmentation essentielle, et qui assure nos identités mises à mal, c'est la dimension dialogique et diachronique du récit, le fait que ce dernier tisse des temporalités (évocation du passé, projection dans le futur, etc.) et se déploie lui-même dans le temps. Ce qui correspond dans ce documentaire à la relation diachronique aux espaces de la ville à travers le jeu du souvenir mis en discours par l'auteure. Pour Gina Kim, Faces of Seoul est ainsi un jeu d'anamnèses à la fois collectif et très personnel, une sorte de thérapie par l'art. Séoul pour une fois n'y est pas un simple arrière-plan interchangeable, c'est un acteur de ce processus.

Benjamin Joinau

© Gina Kim

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© Gina Kim

Les ailes d'un ange...

C'est trop loin pour s'en souvenir et aussi trop loin pour le souvenir, et ça n'a pas d'importance. Fin des années soixante passait sur les ondes une chanson intitulée : Si j'avais les ailes d'un ange... On y évoquait ces voyages qu'on faisait alors couché sur le dos d'un nuage qui s'envolait d'une cigarette à l'odeur suave et puissante.

Disons que c'est juste pour l'image de l'ange qui passe et caresse tout de son aile. Disons que cette aile est d'une douceur incroyable et que tout ce qu'elle caresse se retrouve dans le même instant divisé et recomposé, traversé par un éclair et renaissant de ses cendres, semblable et métamorphosé.

© Gina Kim

Cet ange, c'est Gina Kim, ses ailes sont faites des images de son film, « Séoul, visages d'une ville ». La radicale et violente douceur de l'assaut est portée par les mots du film, par cette voix qui dit ce qu'elle voit, voit ce qu'elle pressent, pressent ce qu'elle sait, sait qu'elle ignore ce qu'elle croyait savoir et découvre que c'était en cela que se tenait la chance de parvenir à réaliser ce qui pouvait sembler impossible : faire un film avec presque rien qui serait, de cette ville magique, délirante et folle, un portrait sage et doux, mais si juste que les dents de la vérité crisseraient dans la bouche de chacun de ceux qui le verraient.

C'est que tout ici est vu avec les yeux dédoublés de souvenirs inaccessibles, caressé avec les mains écartelées d'un présent rétif à devenir image et épié avec des oreilles cherchant à entendre vibrer un demain accroché avec des pinces invisibles au fil à linge de l'espoir, peut-être.

© Gina Kim

Certaines des plaques tectoniques qui participent aux mouvements de création et de mutation de la ville sont nommées, situées dans l'espace et le temps, avec mention de l'époque précise, qui parcourt les années comme une catastrophe permanente à l'aspect viral. Des lieux aux intensités brutales ou miraculeuses réveillent dans la chair des traces recouvertes par la peau striée des années. Des bâtiments éclaboussent des images comme s'ils les fabriquaient eux-mêmes.

Et, entre fille et père, mais cela pourrait être entre un voyageur venant d'arriver pour la première fois et attentif aux effluves urbaines – comme on l'est aux signes qui peuplent le visage d'un être aimé et le rêve qu'il porte en lui s'incarnant dans les strates de cette ville qu'il découvre – sous nos yeux l'alchimie d'un retour transforme la nostalgie en une force d'explicitation irrésistible.

© Gina Kim

« Tout » est devenu un mot qui ne veut plus rien dire parce que plus rien ne tient dans l'idée d'un tout, et sûrement pas une ville. Et pourtant, le désir persiste en chacun de tenir au creux de sa main, de son oreille, de son cœur, une part de vérité qui l'absolve et le réconforte.

Il suffit – facile à dire, presque impossible à faire – d'oublier le tout, de laisser de côté ses obsessions de saisie et de porter l'attention sur ce qui parcourt le visible, ici l'ombre des ailes d'un ange.

© Gina Kim

À la fois par honnêteté et par compréhension intime du changement de statut de la ville au tournant du XXIe siècle, en tant que ville et en tant que « sa » ville, Gina Kim fait passer l'ombre de ses ailes et enregistre les lignes à peine visibles qu'elles dessinent et révèlent.

Ici, faire c'est montrer, montrer c'est dire, dire c'est faire, faire c'est accomplir une opération magique de révélation. Si ce mot n'était pas si immensément prometteur et si intensément chargé de significations épuisées, il faudrait dire qu'ici se donne à voir une apocalypse.

L'histoire ne se retourne pas sur elle-même, elle se voit en regardant ce qui la sépare d'elle-même et en découvrant ainsi ce vers quoi elle tend quand elle sait que les données immédiates ou médiates de la conscience ne sont plus les pivots de la connaissance ni de l'autre ni de soi.

© Gina Kim

La ville crisse et c'est ce crissement qu'ici on perçoit. Le brouhaha est transformé en bruit de fond léger et, alors, les petits bruits de la vie, parfois aussi celui d'un immeuble qui croule sans raison apparente, bien sûr, ou le silence du sourire des bouddhas dorés du temple Jogye, deviennent audibles.

Ces bruits sont ceux des fils qui relient les bords du cratère, de la blessure, du gouffre, de l'entaille par où la mémoire s'est enfuie non sans avoir laissé un peu de ses humeurs coaguler sur les bords. Et l'on comprend ce qu'il en est du miracle que font vibrer à travers « tout » les ailes de l'ange : les vibrations qui secouent la ville se retrouvent métamorphosées mais repérables avec précision, comme des lignes sismiques sur deux enregistreurs parallèles, dans l'esprit des habitants, en tout cas dans celui de cette femme qui revient dans « sa » ville.

© Gina Kim

Elle le comprend d'emblée, le temps ne passe pas comme on le dit, répétant une non-vérité pour se caler sur la logique supposée des horloges, qui s'en moquent bien finalement, en oubliant, en occultant l'appréhension du temps par la grande machine pensante du corps vivant.

Il n'y a qu'un seul temps, celui de l'aujourd'hui.

Et ce jour n'ouvre sa porte que si chacun durant chaque journée se saisit des fils qui traversent son esprit, coulent sur les bords, s'emmêlent ou se déchirent, et les reprend comme on le fait pour repriser un vêtement, toujours déjà trop vieux, toujours encore mettable, et qu'on ne veut ni jeter, ni donner, mais garder comme on garde par devers soi la chaleur d'un souvenir, la douleur d'un chagrin ou la beauté d'un sourire.

© Gina Kim

En regardant les images qui composent ce film, on se dit que ce sont des « images de peu ». Pas parce qu'elles sont faites avec une caméra que chacun peut posséder, mais parce qu'elles ne visent à rien d'autre qu'à se lier aux mots afin qu'ils reviennent caresser à leur tour les images en un va-et-vient que suspend parfois le léger coup de fouet d'une vérité qui claque. Et quand on écoute les mots, quand on les lit, on comprend que c'est cela le mouvement de reprise, qu'il se joue des uns, les mots, aux autres, les images.

Ce que nous fait percevoir Gina Kim, c'est que la ville est un canevas et que pour l'appréhender, il faut et il suffit, – mais qui le fait ? Tout le monde ? – non pas de vouloir voir le motif dans le tapis, mais de se glisser dans le mouvement de la navette qui d'un bord à l'autre du temps, du ciel, des rues et des rives du cerveau, fait et défait, présent passé futur et encore présent, non seulement l'image de la ville, mais la ville telle qu'elle vit en chacun.

© Gina Kim

Et ce va-et-vient est autant un mouvement qu'une affirmation à caractère philosophique. L'écart entre soi et l'autre, entre la ville et le rêve, entre l'aveu et l'affect, une fois reconnu et accepté, il importe de saisir que le mouvement de reprise ne vise pas à refermer la faille, la blessure ou la plaie, mais à permettre de passer d'un bord à l'autre du rêve en parcourant les rues de la ville aujourd'hui au moyen des évocations du passé ou de futurs qui pointent leur nez sous le drap du désir.

Et rien n'importe tant alors que de tenir ensemble dans la distance juste qui permet et le passage et le lien sans occulter ce qui fut, est et sera, les variations des sentiments et des affects et les rigueurs des règles et des lois.

© Gina Kim

C'est ce geste que Gina Kim accomplit dans ce film, un geste qui, entre mots qui rient et pleurent et images de peu qui caressent et expriment, se révèle éminemment philosophique. Tout espace intermédiaire, et la ville est cet espace et cet espace qu'elle filme et dit, peut être investit par chacun.

Chacun, à sa manière, est comme une petite navette qui voyage dans le métier à tisser qu'est la ville. Irrésistiblement attiré par ce qui lui échappe, chacun, par ces actes, en fait le champ d'une expérimentation. Et ainsi emporté dans le mouvement des flux, on comprend que ce dont il est question n'est rien d'autre que de montrer comment dans ce chaos irrésistible il est possible encore, toujours, d'inventer une éthique.

Jean-Louis Poitevin

© Gina Kim

Broché, 128 pages Couverture quadrichromie, intérieur quadrichromie 14 x 22 cm 18 euros/18 000 wons EAN : 9791091555388 Parution : 10 novembre 2017 Rayon : Essais littéraires (Clil 3643)
Responsable éditorial : benjaminjoinau@hotmail.com

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L'atelier des cahiers, Éditeur
15 boulevard Saint-germain c/o SCI Lamal 75005 Paris
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contact@ateliersdescahiers.com

[noir-quotidien]

Aldo Caredda et Pascale Geoffrois — 2017-03-01T17:50:19Z

365, c'est le nombre de journaux que Aldo Caredda a couvert en 2015. Il nous les présentera en Déc. prochain à Paris dans le 8e, épinglés ou encadrés, tous collés les uns aux autres dans une pièce noire d'informations. Un journal au quotidien, que l'artiste nous propose, "empreinté" de son passage.

Tenir un journal et s'en mettre plein les doigts… Tenir un journal a toujours quelque chose de noir, l'encre peut-être… Mais ce sont les nouvelles… Sempiternelles… C'est de cette noirceur que chacune des unes de cette année 2015 se revêtent, se revendiquent et se parent, davantage encore sous le regard d'Aldo Caredda qui de chaque jour ne semble finalement ne retenir que la date. Cette presse, qu'il nous expose, sur une année complète, en aura connu des évènements, du pire au pire, jamais rien n'allant en le disant… Les titres se figent sous ce deuil permanent et se voilent et se parent. Encore et toujours. Ne reste que cet angle, cette empreinte posée sur un présent qui ne dure pas, tout ça pour ça ? Chaque 24 heures, un nouvel arbre… Chaque fois, une forêt, sacrifiée… Tout ça pour ça ? Alors tenir un journal et se salir ? S'en mettre plein les mains ? Puis s'en laver ? On lit avec des gants. Où alors, c'est nouveau, on ne lit plus… C'est aussi moderne que de se protéger, un préservatif pour le coeur, pour l'esprit, pour la raison. Lire ou ne pas lire, telle est la question. Puisque personne n'y voit rien… De toute façon. Occulter et oublier ? Recouvrir et déformer ? Rester aveugle et sourd ? Quand même ce qui est censé nous éclairer, nous plonge dans les ténèbres, alors, l'artiste, lumineux, viendra pointer la seule vérité contenue là : le jour et l'heure.

galerie[s]mortier paris
14, rue Lincoln 75008 Paris France
http://www.galerie-s-mortier.com/
0 (033) 6 67 31 67 81
nulle part en particulier, partout en général

Gens à Pékin...

Antoine Tricot et Jean-Louis Poitevin — 2016-03-28T14:02:08Z

Antoine Tricot a séjourné à Pékin en 2015 et en a rapporté quelques images.

Mais sur ces images, aucune vue de la ville, aucun bâtiment connu ou monument, aucun point de repère, aucune indication, sinon cela, Pékin. Et nous savons que nous pourrions être ailleurs, sans doute, et que nous sommes là, pourtant, ou si l'on veut, là-bas. Et là-bas, aujourd'hui, c'est ici, parce que partout la bascule se fait, lente ou brutale, entre des mondes qui s'éloignent, des plaques tectoniques qui se fuient. Et au milieu, arpentant les rues de la vie, des hommes, des femmes, des enfants, des gens, des corps.

Ce sont ces corps qu'Antoine Tricot a perçu comme porteur non d'un « message » mais d'un ensemble d'indications sur notre situation aujourd'hui dans la ville infinie.
En arrière plan, comme une strate de mémoire inévitable et bienvenue, de cette mémoire que nous permettent de nous inventer les livres, et qui est plus vraie souvent que celle qu'on croit être la nôtre, le livre de Lao She, Gens de Pékin et ses histoires aussi rugueuses qu'implacables.

D'image en image regardons-les, suivons-les, observons-les, ces gens de Pékin. Ils apparaissent, un par un, image par image et cette extraction constitue un révélateur plus puissant encore peut-être que des images qui auraient montré la ville, son agitation, son trafic et ses millions d'habitants. Ici pas d'identification mais une compréhension qui s'ouvre entre eux et nous, car tous nous sommes, en effet, dans le même bateau.

Dans ses notes, Antoine Tricot remarque :

« Lao She, dans Gens de Pékin, brosse le tableau d'individus en rupture. Ils observent du bord de la route les mutations brutales de la société chinoise des années 1930. Désemparés.
L'image d'Épinal nous donne cette image éternelle d'une Chine divisée entre traditions et modernités. En vérité, un écran qui nous reflète. »

Ce que l'on voit sur ces images, c'est moins cette division que le moment qui est le nôtre d'une désorientation. Car les gestes que saisit Antoine Tricot, sont des gestes du quotidien ou plutôt des attitudes de gens qui se déplacent, bras qui ondulent le long du corps, jambes qui s'avancent vers le prochain pas, mobylette ou scooter glissant sur l'asphalte, homme traversant le vide d'une place, la valise liée à lui comme son ombre ou sa chimère. Ce sont des gestes de personnes qui à un instant précis sont seules dans un environnement dont la foule est absente, du moins dans le cadre de l'image.

« Être seul dans un lieu public, c'est négocier son espace individuel, ce segment du collectif qui à la fois nous différencie et nous relie à la foule des autres individus.
Être seul dans un lieu public, c'est laisser émerger la possibilité d'une rêverie. C'est le lieu de l'imaginaire. Un temps de conversation avec soi-même. Un fragile équilibre entre intériorité et extérieur.
Et pendant ce temps, les regards se cherchent »

remarque encore Antoine Tricot.

Pourtant à bien observer ce choix d'images ce sont aussi et surtout les mains qui cherchent quelque chose et les yeux scrutent moins le regard d'autrui que les messages qui s'inscrivent sur leur téléphone portable.
Dans beaucoup de ces images, les gens de Pékin sont en effet aux prises avec leur téléphone portable. En d'autres termes, oublieux de la ville alentour, ils cherchent à obtenir des informations essentiellement relatives à leur orientation qu'elle soit immédiate ou qu'elle leur permette de prévoir un peu l'avenir tout proche. Car c'est cela l'enjeu majeur de l'usage du portable, trouver son chemin lorsque l'on est seul au cœur de la ville et que personne ne peut vous renseigner.

« Que cela soit bien clair, la démarche n'est pas nostalgique. Mettre en évidence la solitude dans l'espace public ne revient pas à regretter un quelconque Âge d'or de la sociabilisation. Un moment de l'histoire où les relations, non perverties par la technologie, auraient été illusoirement plus « naturelles ».

Cet Âge d'or n'existe pas. Nul ne peut dire si nos ancêtres avaient plus ou moins d'interactions sociales et si celles-ci étaient plus ou moins vecteurs d'ouvertures et d'imaginaires. Qui plus est, la technologie ne saurait être tenue responsable d'une évolution de la société qui est la résultante de choix politiques. »

écrit encore Antoine Tricot.

Loin des grands discours qui enferment la vérité possible dans le béton armé des bonnes intentions, ces photographies nous renvoient vers des corps dont l'anonymat et l'isolement à cet instant précis constituent le facteur de vérité le plus manifeste. Nous voyons des gens de Pékin dans des instants qui à la fois les incluent dans la ville « et » les isolent de ce contexte.
C'est donc le corps qui parle ici, le corps simple et banal qui constitue l'entité individuelle dans laquelle chacun est au monde, et ce qu'ils nous montrent, ces corps, c'est combien la grande famille humaine est embarquée dans cette aventure commune à tous : s'orienter dans l'existence et tracer sa voie comme un oiseau le fait dans le ciel, un poisson dans l'océan, un sanglier dans la forêt.

Et se promenant dans Pékin, l'œil aux aguets, Antoine Tricot entend aussi la voix de la littérature. Elle lui renvoye ces mots de Jules Supervielle :

« Je croise des hommes tranquilles
Qui connaissent la mer et vont vers les montagnes ;
Curieux, en passant, ils soupèsent mon âme
Et me la restituent repartant sans mot dire. »
(« Rencontres » in Gravitations)

Il y a aussi les mots de Lao She, dans Gens de Pékin qui résonnent en lui, que dit la voix d'une femme au début du texte « Le croissant de lune » : « Oui, je revois enfin le croissant de lune, froide faucille d'or pâle. Combien de fois, oh ! Combien de fois ne l'ai-je pas vu fidèle et immuable ? Il est lié pour moi à tant d'émotions, tant de scènes différentes : aussi à le contempler, je le retrouve, accroché de biais aux nuages, au fil de mes souvenirs, qu'il réveille comme le vent du soir effeuille une fleur qui voudrait dormir. »

Sismographe de nos croyances

Martine Catois et Pol Lujan — 2016-02-23T21:33:54Z

Photographe de la rue, Pol Lujan arpente la ville et en capte ses humeurs : au milieu de la foule, dans une gare, une ruelle presque déserte, ici ou ailleurs.

En mars, Pol Lujan investit « l'Appart » de DiverZarts. Son exposition a pour titre : Croyances Photos Créalités. Elle se déploie dans la grande pièce centrale de l'appartement : sur un mur, une pyramide de photographies monte vers le plafond. Sur d'autres, quatre tirages grand format noir et blanc et un autre saturé de rouge. Et puis, il y a un écran d'où, inlassablement, surgissent d'un diaporama en boucle, de multiples figures, des personnages, des situations, des scènes qui tous nous renvoient une image diffractée de ce que nous sommes.

Gens, foules, multitudes, passions et convictions, excès ou discipline… mais aussi solitudes, abandons, exils, retranchements et disparitions : les images de Pol Lujan semblent répondre au cycle même de la vie. Issus de l'eau puis retournant à la terre, entre naissance et mort, tous ces êtres que nous sommes paraissent avoir besoin, pour poursuivre leur chemin, de « croire » en un avenir meilleur que le présent qu'ils vivent chaque jour.

Croyances Créalités : dans cet énoncé aux sonorités bizarres – où la réalité, malgré elle, semble à la fois submerger le reste et se laisser avaler par la bouche ouverte de la croyance – Pol Lujan constate que le quotidien de chacun ne peut être supporté sans une certaine croyance, qu'elle soit religieuse, sociale, politique, écologique...
Photographe de la rue, il arpente la ville et en capte les humeurs : au milieu de la foule, dans une gare, une ruelle presque déserte, ici ou ailleurs. Ce sont les gens qui l'intéressent, ceux-là même dans lesquels il se voit, lui, comme dans un miroir. Eux, c'est lui. C'est nous. Dans leurs attitudes banales comme dans leurs écarts, dans leurs sages rituels comme dans leurs folies, il décèle les gestes qui les poussent à continuer de vivre encore et encore chaque jour.

Pol Lujan est un enregistreur. La main prolongée de l'appareil, il consigne sur papier photo les informations qu'il tire de ses déambulations. Mines de renseignements, indices, anecdotes ou événements de grande envergure, ses images sont le sismographe de la vie ordinaire. Adepte du noir et blanc, il y trouve une manière efficace de sublimer l'instant. Entre lumière et ombres qui se profilent, se révèlent des morceaux de vie, des moments à la fois fugitifs et éternels, des opportunités de rencontres avec les autres.

Qu'est-ce qui pousse l'homme à rechercher le contact de ses semblables au sein d'un groupe ? Qu'est-ce qui le fait s'engager dans une démarche assez folle, voire même utopique, s'il ne se sent soutenu par les autres dans un même élan, un même espoir de rendre possible ce qui, seul, lui aurait paru insurmontable : changer les choses, se battre contre l'injustice, résister aux pressions, mais aussi accomplir des actes démesurés ou grandioses ? Les foules, c'est bien connu, sont capables des meilleurs comme des pires agissements…
Qu'est-ce qui le pousse cet homme à commettre parfois des gestes inconsidérés, irresponsables voire irréparables, envers lui-même ou les autres, sans quelque « folie » apparente ? Qu'attend-il lui-même de la vie, quitte à la risquer, à s'anéantir, à anéantir ses semblables ? Quelle motivation le pousse, quel objectif, au-delà de sa propre personne, veut-il tenter d'atteindre ? Quel idéal lointain, quel absolu, l'entraîne parfois à l'extrême ?

Dans les images qu'enregistre Pol Lujan, peuvent se discerner toutes les manifestations que l'homme invente pour s'adapter à l'existence, qu'elle soit banale ou problématique, démunie voire même critique : situations communes, actions que l'on répète quotidiennement, événements surgissant au détour d'une rue, au gré d'une déambulation.
Dans les rues passantes de la grande ville qui absorbe chacun sans possibilité d'issue, les uns se démarquent par des attitudes (harangues, gestes ou paroles outrées, vêtements criards, signes distinctifs, …) qui veulent montrer, parmi la foule des anonymes, qu'ils sont là, qu'ils existent.
D'autres au contraire se réfugient dans une retraite solitaire, à l'écart. S'isoler parmi les autres pour lire le journal ou faire une prière, cela participe-t-il d'un besoin de repli sur soi ?

Qu'attendre des nouvelles du monde si ce n'est tenter de déceler, parmi les catastrophes qui remplissent les colonnes, l'espoir d'une amélioration de la vie ? Qu'attendre de la foi, d'un au-delà promis comme possibilité de rédemption, de paradis, face à celui qu'on ne peut trouver sur terre, qui toujours nous échappe, si ce n'est poursuivre sa route grâce à la certitude d'accéder ensuite, au bout du chemin, aux cieux promis ?

De la Terre-Mère que l'on embrasse de son corps au ciel au-dessus de nos tours, de l'eau dans laquelle on baigne au feu qui nous dissout, de l'air que l'on respire au bois qui nous recouvre, on ne peut continuer d'avancer sur la route qui se déroule sous nos pas sans cette certitude que demain sera certainement plus serein, à condition que l'on y croie encore, sans cette conviction que, dans l'avenir, pour chacun, il reste encore des chances à saisir…

Après le déferlement des images sur l'écran, la pyramide de Pol Lujan nous montre-t-elle un des chemins à suivre ? Le chemin monte, certes, mais il est semé d'embûches, à l'instar de ce christ barricadé d'échafaudages et dont la voix, peut-être, ne porte plus si loin. Pourtant là-bas, tout en haut, sur le parapet du pont, un ange ? Mais le chemin qu'il emprunte ne semble pas non plus dénué de risque…

Une exposition de © Pol Lujan à l'appart DiverZarts – 12/13 Mars 2016 de 15h00 à 21h00
– CROYANCES – PHOTOS – CRÉALITÉS –
Une présentation d'Art© du photographe Pol Lujan
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