TK-21

Vanités

Guillaume Dimanche — 2020-04-01T17:01:43Z

Un seul objet.
Une vanité, un crâne animal, humain, un corps mort, un végétal suggestif.

Un ensemble entrepris pendant une session de travail avec un clown, un metteur en scène et Hamlet, sur son cheval, se posant la question la plus célèbre du théâtre. « Être, ou ne pas être ? ». Peut-être le texte le plus important de l'histoire de l'art vivant. Justement, vivant.

Justement vivant, parce que c'est le seul moment où l'on peut se poser cette question.

Justement vivant, parce que, humains, nous sommes sans doute les seuls à anticiper cet avenir certain. Certainement les seuls à en avoir autant peur.

Connaissant la fin, elle ne peut que nous angoisser.
Connaissant la fin, elle fait partie du début et de toute la vie.
Cette question, nous nous la posons tous les jours parfois.
Cette fin, nous la croisons quelques fois intimement. Nous l'espérons.
Elle est un but, un accident. Mais sans elle quelle serait nos bonheurs et nos joies ? Une intime joie est comparée à une petite. Pour l'autre moitié elle ressemble à une grande implosion.

Qui sont ces ancêtres que nous regardons ? Nous les avons pris entre nos mains. Qui sont ces ancêtres ? Nous les regardons et ils sont encore en nous, par leurs gènes, par leur mémoire, même si nous n'avons aucun souvenir conscient de ces être indispensables à notre vie. Que serons-nous quand nous aurons atteint le même état que ceux-là ?

Que de questions en regardant ces objet qui ont portés la vie. Les chants qui nous réveillent le matin, de ces oiseaux qui annoncent le changement des saison. Mais encore et surtout, avec cette conscience, je peux plus encore accueillir les plaisirs d'écrire ces mot, de fabriquer ces photographies et de les partager à chaque amateur, à chaque spectateur, à chaque lecteur et ressentir ses peurs, ses passions, ses émotions intellectuelles et physiques. À chaque instant, à chaque respiration, en regardant ces crânes édentés, énucléés, ce sont ces plaisirs et ces luttes pour la vie et les libertés qui se meuvent.

Le crâne-dé

Jean-Christophe Ballot et Jean-Louis Poitevin — 2018-10-28T19:26:50Z

Le dé ? Un crâne ! Qu'il soit en résine change un peu la donne, car il est bien un dé et non pas une relique, même s'il en occupe la fonction.

Vadémécum

Il y a dans cet ensemble d'images réalisées par Jean Christophe Ballot, des images qui ne sont qu'une partie d'un ensemble non fini relevant de la méditation sur les fins de l'homme, comme un parfum d'angoisse qu'il métamorphose en effluves agréables. C'est cette métamorphose qu'il importe de saisir ici, car, au-delà des éléments visibles, c'est un renversement de notre appréhension et de notre position face à la trame de l'existence qui est en jeu.

Le dé ? Un crâne ! Qu'il soit en résine change un peu la donne, car il est bien un dé et non pas une relique, même s'il en occupe la fonction. C'est là que se joue le glissement qui nous fait passer d'un réel supposé à une fiction probable.

La partie ? Se joue seul face à l'autre qui est une version qui restera inconnue de nous-même. Quand nous serons prêts pour prendre la place du dé nous ne serons plus en mesure de nous voir. Heureusement, il y a l'art, la mise en scène, la représentation, le grand théâtre du monde, tant il y a un côté baroque doux dans ces images, le petit théâtre des passions, le jeu de la lumière et de l'ombre, la pierre et l'eau, le plasma rêvé et le sourire de la mort, pour nous permettre d'accéder vivants à l'autre côté, à ce « là-bas » où nous serons et dont nous ne pourrons pas rapporter, « ici » des nouvelles ou des images.

L'ombre et le trait constituent les preuves absolues et indépassables de notre existence, celles qui ont permis à Dibutade, en dessinant les contours de l'ombre du visage de son amant sur le mur où elle était projetée par la lumière à laquelle son corps faisait écran, d'ouvrir la boîte de Pandore du jeu des signes et des formes à partir de quoi on a inventé l'infinie variété des vadémécum.

Car, oui, répondant à la définition rare du vadémécum, celle d'un objet personnel que l'on garde avec soi, les crânes en résine couverte de couleur métallique ou dorée jouent ce rôle aujourd'hui dans la vie de Jean-Christophe Ballot.

Conscience – © JC Ballot

Métanoïa

En effet, relique ou souvenir, objet fétiche ou caillou ramassé sur le chemin, qui n'a jamais gardé par devers soi un objet auquel il prêtait une fonction symbolique voire même activement magique ? Qui n'a jamais désiré que cet objet devienne le vecteur d'une transformation, d'une métanoïa, d'une métamorphose ?

Ainsi en faisant de ce crâne abstrait le dé qui tourne au cœur de ses images, c'est à une partie infinie qu'il nous invite, une partie dont il extrait, pour nous, des éléments majeurs en ceci qu'ils indiquent mieux que d'autres sans doute la direction dans laquelle tourner notre regard. Ce que nous regardons tout d'abord ou ce que nous voyons et ici ce que nous voyons souvent briller, c'est la chose. Car la fonction de ce vadémécum, c'est d'incarner aussi, comme en secret, la chose même, la chose en soi dont ce crâne est à la fois le symbole, l'incarnation paradoxale, la manifestation contradictoire et la preuve qu'elle n'existe pas. On se souviendra ici de l'anamorphose du crâne dans Les Ambassadeurs de Holbein comme un des moments dans l'histoire de l'art où cette question a été posée avec une ironie conduisant à une certaine forme d'extase.

Ici, le pari qui est fait, c'est de révéler l'ambiguïté de l'existence en jouant au dé avec l'objet le plus sacré, car il porte encore la parole et la vie du disparu, de tous les disparus, et le plus repoussant car il « est » la manifestation visible de notre devenir à tous. Et chacun de nous qui regardons et voyons est ce crâne, est ce dé, car c'est bien dans notre crâne que se forme l'image, dans notre crâne que se joue la scène imaginaire inaccessible, dans notre crâne que se décide l'avenir et le commencement et que s'organise l'acceptation ou le renoncement à la sagesse, à la voie, au silence.

En descendant le Styx – © JC Ballot

Rire

Il y a, dans ces images issues de mises en scène, de la pierre, de l'eau et aussi parfois un voile qui fait penser à la transparence de celui qui nous enveloppe dans cet autre moment de notre vie dont nous ne gardons aucun souvenir, celui de notre séjour en apesanteur dans un milieu aqueux. Et, nous faisant face tel un de nos doubles futurs, il y a ce sourire qui transite d'un côté à l'autre de la tête, qui suinte des dents, qui traverse le visible pour venir se loger en nous. Il nous accompagne ensuite lorsque l'immense et sempiternel éclat de rire qu'il semble retenir mais dont nous prenons conscience dès que l'image s'est formée, explose dans le silence de notre crâne. On dirait alors le bruit d'un vieil obus, d'un pétard peut-être. C'est en tout cas une ombre. Elle nous fait peur mais pas assez pour que nous partions en courant.

Car, oui, il faut le dire, nous sommes autant fascinés par le crâne que par le vadémécum, par la peur que par l'objet transitionnel oublié mais toujours hurlant dans un coin de la mémoire et c'est de cette double fascination que nous parvenons à sortir lorsque ce rire explose. Alors oui, quelque chose a lieu qui nous a projetés sans que nous ne puissions nous y opposer, de l'autre côté du miroir, de l'autre côté de la vitre sans que celle-ci n'ait explosé en mille morceaux. C'est l'envahissement de notre vide intérieur par le souffle glacé mais vital de l'ironie.

Et alors, oui, nous aussi, enfin, savons que nous rions !

Silence – © JC Ballot

Jean-Christophe Ballot
L'éternité et un jour
Photographies
Du 9 novembre au 21 décembre 2018
Du mardi au vendredi 11h – 19h
Vernissage le 8 novembre
Loo&Lou Gallery
45 avenue George V, 75008, Paris
www.looandlougallery.com
T. +33 1 53 75 40 13
Métro George V (ligne 1)
Ouvert du mardi au vendredi de 11h à 19h
contact@looandlougallery.com
https://looandlougallery.com

Illustration couverture : Compas © JC Ballot

Attente – © JC Ballot

Bibelot Summer Show

Callisto Mc Nulty — 2018-06-30T19:35:40Z

Le bibelot, préciosité domestique de petite taille, choyée par ses propriétaires, mais située au bas de l'échelle de la société de classes des images. Serait-ce leur existence oisive, leur apparente absence de fonction, qui suscitent tant de déconsidération ?

Cette exposition propose de célébrer le petit, le fugace, le quotidien, l'anecdotique ; de se saisir de ce qui passe habituellement inaperçu ; d'interroger ce « bruit de fond » qui nous enveloppe ; mais a ussi d'élargir le champ du bibelotisable.
Cette poétique de l'attention auprès de choses qui n'en méritent habituellement pas résonne avec le concept de chanoiserie. La chanoiserie est quelque chose de délicat. C'est l'attention portée au détail, à l'insignifiant. La chose qui, perçue par l'oeil de la chanoise, devient chanoiserie en un battement de cil. Le filtre de perception chanois s'apparente au rayonnement infrarouge qui détecte le détail imperceptible à l'oeil nu. Dans un cas, c'est la chaleur qui est détectée, dans l 'autre c'est l'idiosyncrasie, la mignonnerie.

Arthur Aillaud, Sans titre, 2016-2017 22 x 16 x 6 cm

C'est dans un appartement nu de la rue de Grenelle, un espace dépourvu de tout ornement domestique, qu'Éric Bauer et moi-même avons orchestré la rencontre d'une trentaine de pièces issues d'univers, de pratiques artistiques et de générations variés. Libérées de leur environnement habituel, les pièces se rencontrent, se confrontent. Elles font connaissance et s'emparent de l'espace. Les histoires singulières qu'elles transportent suscitent inévitablement des affinités é lectives, échappant à notre contrôle.
La palette-bibelot d'Arthur Aillaud est une monstruosité triomphante. Les fines pattes de porcelaine d'un ancêtre canin soutiennent son épaisse crinière de peinture (deux années de pousse), le fruit du geste ritualisé de l'artiste. Beaucoup plus sage et docile, le petit chien de paille d'Éric Bauer examine, du haut de son tabouret, la pièce de son maître qui se cache derrière le compteur électrique. Il regretterait presque la tranquillité de leur atelier, en l'absence de tous ces envahisseurs.
Perché sur sa branche, mon perroquet coloré a repéré, à travers sa vitrine, la belle Carduelis peinte par Sylvie Fajfrowska. Son regard doux et pétillant invite au dialogue. Cette rencontre fait écho la coutume pékinoise qui consiste à « sortir » les oiseaux en cage devant l'entrée des hutongs de sorte que l'animal prenne l'air et fasse la connaissance d'autres camarades plus ou moins sauvages.

Sylvie Fajfrowska, Carduelis Chloris, 1999 Colle et cire sur toile, 20 x 20 cm

Rarement aussi bien entouré, l'oeil du perroquet s'excite un peu. À sa gauche, un classeur devenu perchoir pop (Égide Viloux), véritable air aviaire de jeux. Derrière, ce qu'il croit avoir identifié comme d'autres compagnons ailés. En réalité, des leurres de pêche capturés par Clément Roche dans une lave translucide, à l'instant de frénésie qui précède une prise. L'unique poisson du marigot desséché (Diafara Kane) n'est pas dupe. Il poursuivra peut-être son chemin jusqu'au diorama luxuriant de mignonerie où, nous l'espérons, les mini-orques et bélugas de Sacha Golemanas l'accueilleront.

Bruno Vanderaert, Night Vision (élément 2), 2017 Huile sur toile, 30 x 30 cm

Certaines pièces opèrent la bibelotisation d'événements « infra-ordinaires », ennoblis par l'attention minutieuse des artistes. Les « small stories » d'Adrien Lécuru transforment les « mèmes » - ces images répétées, recyclées, qui saturent la toile -, en icônes. D'autres dramatisent des instants de quotidienneté urbaine (la « Jeune Orpheline au métro » remarquée par Joël Person), domestique (une maison de famille qu'Anne Sedel capture au feutre, au format iPhone) et intime (la silhouette noyée dans l'aquarelle de Yuna Wang, les amoureux en bronze d'Agnès Thurnauer, le portrait d'« Ellen » révélée par la rencontre entre un rayon de soleil et l'oeil de Nastasia Alberti). Ces saynètes restaurent l'étrangeté familière de ces instants de vie quotidienne, elles brouillent la frontière entre fiction et réalité, entre l'animé et l'inanimé. Un parc d'attraction fantomatique photographié par Naomi Fleischer fait écho à la « night vision » verdoyante d'un joueur à travers
son viseur (Bruno Vanderaert).

Clément Blanchet et Alexandra Roussopoulos Polymondi, 2018 Carton plume, tiges en plastique, maille métallique, résine et peinture acrylique, dimensions variables

Le microcosme « polymondi », co-élaboré par Clément Blanchet et Alexandra Roussopoulos, est un espace de rencontres improbables. Le paysage domestique s'anime. La fenêtre satinée de Tom Kaniok s'enflamme suite à l'abjection d'un tube de peinture à l 'huile jaune. Un fragment d'ornement sort ses griffes (François Mendras).
Les oeuvres de Silvana Mc Nulty, Paul Roussopoulos, Juliette Dominati et Tamaris Borrelly évoquent des paysages familiers, plus ou moins lointains. Miniaturisée, la nature devient protectrice, votive - sorte de pierre des lettrés dont la force tranquille inspire.

Mathilde Denize, Contours, 2017 Huile sur toile, vinyl, dimensions variables

La vidéo-herbier d'Anne Destival et de Guillaume Emptoz archive une collection d'images fleuries colonisant une maison maternelle auvergnate.
Matthieu Gounelle propose le métissage de bouts de matières rencontrés sur son chemin dans le désert de l'Atacama et à l'Aigle, à la recherche de pierres tombées du ciel.

Eva Bony 04-14, 2014, Paris Sept livres sans texte, papier, 7 x 4 x 3 cm

Une météorite contemple le théâtre de rue à travers la fenêtre. Elle trouve également refuge dans l e dessin sous verre de Régis Sénèque.
D'autres pièces enfin revisitent une mythologie de l'objet ordinaire valsant avec l'extraordinaire. La rencontre insolite de divers bibelots et objets du quotidien réunis dans une vitrine (Sacha Floch Poliakoff). Un souvenir de plage de Royan dégoulinant de glace nacrée (Romain Taieb). Des cadeaux de Noël de provenance quasi extraterrestre tombés au pied d'une cheminée avant d'avoir trouvé refuge auprès d'un radiateur (Martin Mc Nulty). Une bouche de femme bâillonnée par le poids des plumes d'un volant de badminton usagé (Mathilde Denize).

Joel Person, Shanghai, série : « Bruit du monde », 2018 Pierre noire sur papier, 15 x 15 cm

Des bijoux de famille peints sur des factures de fournisseurs de pierres précieuses trouvées par hasard dans la rue (Aurélia Jaubert). Des balises extraites de leur paysage urbain, devenues invitation exotique (Aurel Porté). Une bouteille aux allures morandiesque dressée sur son socle puis allongée, au bout de la nuit (Éric Bauer). Une peinture-bikini qui a pris la forme d'un corps absent (Mathilde Denize). Une pile de mini-livres bibelots (Eva Bony). Un rouleau de peinture (bibelot d'atelier de Joan Ayrton), pelouse moelleuse sur laquelle se prélasse une minuscule femme de porcelaine. Un bloc cubique rainuré habillant la jetée d'Alger, bibelotisé en presse-papier (Max Gagnaire), qui retient non plus l es vagues mais cette feuille.

Nastasia Alberti, Ellen Photographie, 15 x 23 cm

Vendredi 29 juin, samedi 30 juin, dimanche 1er juillet 2018 à la Wendy Galerie.
33 rue de grenelle...

Couverture : Agnès Thurnauer, Sans titre, 2010, Sculpture en terre cuite et émaille, 40 x 20 cm

Déflagration

Xavier Pinon — 2018-05-31T22:47:17Z

Des êtres humains venaient d'être évacués

Les robocops et buildozers ont fait leur travail
Alors ils se sont installés là
Entre deux autoroutes
Sur le site du futur camp d'entrainement du PSG
Une tempête a-t-elle soufflé ces cabanes de bric et de broc
Une nouvelle opération d'évacuation a-telle eu lieu
Les robocops et buildozers ont fait leur travail
Où sont-ils maintenant
Ont-ils créé un nouveau campement
Sont-ils éparpillés
Sont-ils déjà de nouveau évacués
Les robocops et bulldozers ont-ils déjà fait leur travail

Vous pouvez voir un complément de cette série dans Corridor Elephant

Voir en ligne : http://www.xavierpinon.net

Ses réflexions sur les représentations de notre espace quotidien, donc sur nous-même, à partir de la déstructuration et des mutations infligées au paysage, constituent la matière première de ses expérimentations plastiques à partir du médium photographique. Expérimentations personnelles comme ses séries intitulées Mais qu'est-ce qui a bien pu se passer ! La vie formidable, Diptyques et La nuit ou en collaboration avec d'autres artistes.

Symbole ressuscité par la peau des vivants

Hannibal Volkoff et Jean-Louis Poitevin — 2015-12-20T13:16:09Z

Ces trois images ont été produites par Hannibal Volkoff pour l'exposition « Ça ira mieux demain », présentée à la galerie Anouk le Bourdiec.

Paupière

La paupière fermée, au moment de l'échange des salives entre deux jeunes garçons, ouvre sur un passé aboli. Car on y voit faucille enlacée à marteau, l'éclat d'une mémoire occultée. Symbole supposé nous faire vomir car il n'évoque, mais que pour les affidés de la « bien pensance » une idée du mal, il nous fait sourire, posé là où il est, ce jour sur une des trois images, dans lesquelles il est, ce symbole, à chaque fois présent.
Symbole d'un accouplement légitime, la faucille et le marteau évoquent non seulement des combats abandonnés, mais un au-delà de l'oubli ou de l'indifférence. Il y a plus. Ce symbole fait résonner derrière nos paupières la privation d'un mot sali par trop de haine contemporaine dont le sens dit pourtant plus que jamais le devenir possible du monde et la forme du devenir des humains. Ce mot pourrait bien être communisme.

Avant la signification

Les mots contrairement à ce que l'on croit ne servent pas d'abord et avant tout à signifier, mais bien plutôt, nés que nous sommes en eux et vivants avec eux comme avec notre chair, à mesurer des différences de potentiel inhérentes à chacune de ces situations dont nos corps et nous sommes les acteurs et la surface d'enregistrement.
Les mots ne sont pas neutres mais ils ne sont pas non plus chargés de cette valeur explosive ou morte qu'on leur accorde par principe.
C'est au moment où ils transitent dans l'autre strate, celle de la signification reconnaissable, celle de l'allégorie palpable, qu'ils se mettent à changer de statut et à devenir aussi bien des étouffoirs que des bombes, des plâtrées indigestes de vomi à ingurgiter sous peine de punition que des rivières de diamants étincelant jusqu'au confins de la nuit et transperçant la transparence bâtarde des corps.
Sur l'image du baiser, n'oubliez pas de voir l'explosion cosmique des griffures asignifiantes convoquant l'univers au moment où, œil clôt, les garçons aux langues liées, s'envolent vers l'universel singulier de l'instant désiré.

Pose

Elle pose. Nue, mais pas toute comme disent si bien les psy, puisqu'elle a des chaussures et un gode ceinture qu'elle tient d'une main en fumant et rejetant par la bouche un peu de fumée, sperme volatile s'élevant vers le ciel d'une indifférence jouée.
À côté d'elle, prenant à la lettre le programme de l'exposition, un « Ça ira mieux demain » s'affiche sur le mur à sa droite ainsi que d'une taille respectable, une faucille et un marteau. Est-ce d'être vêtue, comme femme, de l'attribut de l'autre, l'homme qui constitue la réponse à la question devenue pour les besoins de la cause affirmation dotée de peu de créance ? Hannibal Volkoff ne saurait se résoudre à cela. Il titille d'un geste non obscène mais direct, la main de l'une sur le sexe de l'autre qui est en même temps le sien pour cet instant, notre besoin de consolation, qui par ce jet de fumée léger est comme réduit à sa plus radicale négation. De consolation aucune. Demain, ni mieux ni pire, non mais qu'est-ce que vous croyez. Je ne travaille pas et je fume semble-t-elle dire et je vous encule. Enfin même pas ! Ou je vous masturbe. Ou je joue au jeu du faire semblant dans la cour de récréation du temps perdu.

Pareillement

Et puis il y a la troisième image, à voir dans la réserve de l'expo. C'est la même femme, le même gode, mais elle pose, statue fière affirmant son existence par la puissance de son regard. L'indifférence est loin, il y a juste ici l'affirmation silencieuse d'un je suis j'existe non cartésien.
En fait cette image joue avec et contre l'autre. Le décor est le même, mais celle-ci joue à retourner le lien qui, dans l'autre unit les balbutiements du souffle et les gargouillements de la signification.
Le sens se recroqueville sur lui même et se met à combattre contre lui même, faisant ainsi apparaître dans cet écart minime entre des postures à la banalité programmée un passé qu'on nous impose de haïr. Et elle, elle dit simplement non à la haine. Elle se dresse, statue et chair impliquée dans la vie de la polis, contre la manipulation de masse des cerveaux. Ici pas de message subliminal, une affirmation de type double bind mais qui au lieu de nous enfermer dans l'impossibilité de choisir nous conduit à l'affirmation de soi, un soi sans autre prétention, mais avec celle-là chevillée au corps, d'exister.
Parce que, nous savons que d'autres phrases, elles sont répétées à l'envi entre deux déclamations, comme des plages de pub sur l'écran des pensées : pas tuer ! pas se révolter ! aller voter ! ne pas désirer renverser les tyrans par les armes !
Le passé on l'a anéanti avec des mots slogans. Ici un slogan mot et symbole tout ensemble, accompagné de chair et d'artefact sort de son contexte pour resurgir comme question affirmative. Ainsi entre ces deux fois du même corps mais dans des postures aux accents sensiblement distincts se joue comme entre ces yeux clos sur le plaisir ouvrant sur une paupière marquée de mémoire involontaire, la présentation active dans un monde apparemment sans autre engagement que celui lié à la désespérance des plaisirs illicites, la part invisible d'un aveu : un silence vaut mieux que deux tu l'auras.

Pour le reste, je peux vous le faire en fumant !

Discussions

Jean-Louis Poitevin et Julia Borderie — 2015-11-25T17:06:09Z

Discussion est un projet présenté dans le cadre de l'exposition de groupe « Même l'imprévu est quantifiable » qui a eu lieu au château de la Roche Guyon, dans le Vexin français en mars 2014 pendant une résidence de production de 4 jours.

Avant de laisser la parole à Julia Borderie, il importe de dire que ce dont elle témoigne ici d'une manière calme et décidée, précise et factuelle, est révélateur de multiples dysfonctionnements de la société française.

Ainsi, une première expérience artistique à échelle1 a-t-elle débouché, pour cette jeune élève d'une grande école nationale d'art d'Île de France, sur une expérience d'un autre genre, celle de la lâcheté des hommes, de la veulerie des responsables, de la pleutrerie des enseignants, de l'aveuglement des personnels, qui tous se sont largement défaussés sur la jeune femme « sous de spécieux prétextes de cafards » comme disait le poète. Qui parce que cette affaire risquait de remettre en cause les petits arrangements école château ! Qui son autorité au sein de sa « maison » ! Qui ses privilèges symboliques ! Qui ses avantages en nature ! Jusqu'à cet employé interviewé qui a fini lui aussi par tenter de la rendre responsable de son licenciement !

Responsable ! Le grand mot est lâché. Personne ne veut plus rien assumer de ce qu'il fait ou doit faire. Nulle part, entendons à aucun niveau de la société. Et plutôt que de se tenir debout face à ce que l'on doit assumer comme sujet, comme conscience, comme personne, comme représentant d'une institution ou d'une autorité, on remet en marche, réflexe millénaire, le bon vieux mécanisme du bouc émissaire.

Et il ne suffit pas alors de dire d'un ton d'orfraie châtrée : Quoi vous n'avez pas lu René Girard ! (sur le ton outré d'une femme du monde faisant remarquer à un jeune écrivain dans un salon quelconque : comment pouvez-vous écrire cela après Mallarmé !) pour se dédouaner de sa propre responsabilité d'homme ou de femme, de directeur ou d'enseignant, pour croire être libéré des conséquences de sa lâcheté.

Parfois, le boomerang fait retour. Il retrouve facilement son point de départ, car toujours l'odeur fétide persiste sur le vêtement de ceux qui se sont oubliés, pire, ont renoncé à eux !

Alors qu'ont-ils fait, là aujourd'hui, en France, dans un espace culturel de part en part ? Rien d'autre que de remettre en marche, un clic suffit, non pas l'histoire ou le mythe mais la réalité palpable du bouc émissaire en désignant comme victime expiatoire, celle qui à l'évidence était la cause de tous ces malheurs et en cherchant réellement à se venger d'elle ou « sur » elle !

Bon, si vous avez un instant, relisez donc aussi La ferme des animaux de Georges Orwell... Après tout, cela vous permettra peut-être au moins un court instant de rire des autres avant de vous apercevoir que c'est sur vous-même que vous devriez pleurer.

Pour Discussions j'ai réactualisé la galerie de portraits d'époque du château en prenant comme sujets les membres de son personnel.

Datant du XVIe siècle, le Château de la Roche Guyon est situé dans un petit village du Vexin français, à une heure de Paris, et est aujourd'hui habité par la famille La Rochefoucauld. Classé monument historique depuis des années, il est depuis peu de temps une institution culturelle où sont présentés des pièces de théâtre, des expositions d'art contemporain et tous types d'évènements. Le temps qui m'est alloué pour la production et pour l'installation dans le château est de 4 jours (avec la possibilité de dormir sur place). L'organisation des jours se décline ainsi :

Jour 1 : j'observe les employés, l'architecture et le décor. J'admire les portraits de maîtres dans les salons, leur prestance, leur posture, leur allure, leur image usée par le temps malgré tout bien conservée.

En discutant avec les employés il me vient l'idée d'aborder le lieu par le biais de son personnel et du rôle de chacun d'entre eux dans le château : jardiniers, techniciens, gardiens, vendeuses de la boutique, gestionnaires. Y sont aussi inclus la directrice culturelle et le directeur général. Tous habitent le château. Différentes équipes se relaient tous les jours de l'année pour l'entretenir et l'animer. On y retrouve, à petite échelle, tous les éléments d'une société dont la structure (classique) est pyramidale, ce qui entraîne donc des rapports de force et des seuils à respecter. Certains sont là depuis 25 ans, d'autres sont en contrat de réinsertion sociale pour une durée déterminée. Certains se connaissent bien, sont amis, d'autres sont des collègues. Tous s'entendent pour dire que travailler dans un château est particulier. C'est un endroit reposant, agréable, beau, confortable… et lourd de significations. À la fois décor et lieu de travail ainsi que lieu domestique et de prestige, on éprouve une fierté à y travailler ; on s'y identifie avec bonheur parce que, le dit-on, les châteaux, ça fait rêver.

Jour 2 : je fais la rencontre des employés pour leur demander s'ils acceptent de participer au projet.

Sur une trentaine, 23 me donnent leur accord. Je leur donne le choix d'être représenté par un dessin, une photo, une vidéo ou un enregistrement audio.

Jour 3 : je fais leur portrait de jour (vidéo, photo, son) et de nuit (dessin).

Jour 4 : impression des photos, montage, vernissage.

Le portrait réalisé en dit beaucoup sur chacun : la posture, le regard sur la caméra, l'endroit choisi pour poser. Il s'agit de leur image et de la place qu'ils se donnent ou qu'ils souhaitent se donner au sein du château, ce qui révèle beaucoup sur leur condition personnelle au sein même de cette structure.

Je viens à leur rencontre avec une caméra et un trépied. Ils me conduisent du potager au donjon en passant par les salons, la cour extérieure, les salles d'expositions, un théâtre (fermé au public) et la boutique. Je travaille différemment selon le medium qu'ils choisissent, et ce, toujours en accord avec eux à toutes les étapes du projet. Mes heures de travail sont conditionnées par l'horaire du château et se partagent en deux : 9 heures de travail au château de jour et quelques heures la nuit dans le studio du château pour dessiner les portraits photographiés pendant la journée. Malgré mon approche très précipitée, un climat de confiance s'établit très rapidement entre eux et moi. La direction me propose très généreusement de m'offrir les tirages photos. Je réalise au total vingt portraits : neuf dessinés, deux filmés, huit photographiés et un audiographié.

Avant le vernissage, un portrait sonore cause problème, ce qui déclenche une suite de réactions dont je ne peux mesurer l'ampleur à ce moment. J'efface la plupart de l'enregistrement car il contient des propos diffamatoires sur la direction et le fonctionnement hiérarchique de cette institution. Devenue complexe, la situation a généré chez moi un grand nombre de questions et de problèmes révélant certains enjeux socio-politiques qu'il me semble essentiel de pointer dont celui du respect de la valeur de chacun au sein d'une structure institutionnelle.

Dans une visée démocratique, je pose la même question à chacun des employés. Bien que cela puisse paraitre naïf, il me semble délicat de retirer la parole à l'un d'entre eux même si cela pourrait le desservir. Il me semble facile pour chacun d'exprimer ses opinions sans aucune retenue et de régler des problèmes qui les concernent sous la protection d'un projet artistique en pensant que rien ne pourrait arriver.

Avant mon départ pour le Canada, la direction me promet qu'elle fera signer un document de droit à l'image à chaque employé, et de m'envoyer leur adresse afin que je puisse leur envoyer une copie du portrait. Mais voici que rendue au Canada, je reçois ni l'un ni l'autre, mais plutôt une suite de messages de la part des directeurs. Les échanges de courriels entre eux et moi me font comprendre qu'ils m'ont retiré toute possession des œuvres réalisées sur place, ainsi qu'ils opèrent une sorte de censure à mon égard auprès des employés. L'employé en question (celui dont j'ai enregistré les dits propos), a été licencié, et aux yeux des directeurs, j'en porte la responsabilité. On m'écrit :
Depuis quand l'artiste est-il au-dessus des lois et peut-il faire n'importe quoi au nom de l'art ?

Aujourd'hui, cette expérience particulière me fait comprendre la complexité des enjeux avec lesquels je travaillais. Mon projet, sans que je puisse le savoir, touchait un des nerfs sensibles de cette institution puisqu'il révélait une faille dans ses composantes internes. La situation a fait en sorte que, du fait de ce témoignage scabreux, je me suis involontairement retrouvée dans la position vulnérable de sa messagère. Cela m'a fait également réaliser les limites qu'un tel type de projet peut rencontrer. Cependant, il me semble difficile de les déterminer et de les prévoir puisqu'elles dépendent de la relativité, et des systèmes mis en place qui résistent avec force à toute forme de remise en question alors que c'est justement ce avec quoi je cherche à œuvrer.

Ce projet m'a aussi permis de me questionner sur l'identité individuelle dans son rapport à la collectivité. La mienne et celle des autres. Il m'a donc permis aussi de réfléchir sur les points forts et vulnérables de mon identité « d'étudiante-jeune-femme-artiste », sur sa place, son rôle, ses droits et sa liberté dans la société et dans les institutions artistiques (académie et université), ainsi que le rôle, les limites et les possibilités que cette institution permet, impose et implique. J'ai pu aborder une façon de travailler qui est désormais au centre de mes préoccupations : m'insérer dans un milieu inconnu et travailler au sein d'une microstructure en élaborant un groupe de travail qui implique des individus non familiers avec le monde de l'art, et créer une forme plastique à partir de cet échange.

The art of shovel (2015)

Do-Yeon Gwon — 2015-06-27T17:24:35Z

The project started out as an odd imagination on afterlife.

I imagine the world after death as a simple playground of wonders. In that world, everything is no longer an accustomed tool held in hand but is used in an unfamiliar way to induce a new kind of joy and cheer. Peculiar beings like tourists and drunks wander around this mysterious playground. Everything loses itself here.

The first step was purchasing a small shovel. After work I would return to my studio and roam around the place with my dog, the shovel in my hand. Then as if I am a serious archeologist, I would dig up the ground and lay out what I've found on the table to observe.

Ignoring the functionality of the objects, I focused on seeking possibilities other than those functionalities. In this way, I had wished to hold onto the functionally degraded objects and discover something from them. As the project proceeded, such act seemed to be an intense temptation and danger.

Shoveling is an act of opening up the image and at the same time an act of filling it up. Now as the image is no longer functionally instrumental and faced squarely, it is exposed to the temptation and insecurity even more directly.

Shovel versus human. Which will be buried ?

Les paradoxes de l'image

Hervé Bernard et Jean-Louis Poitevin — 2015-03-25T12:10:00Z

Joel-Peter Witkin qui exposait ses œuvres récentes à la galerie Baudoin Lebon a accordé un long entretien à TK-21 LaRevue.

Fidèle à lui-même, il parle de l'image, des images, de ses images et de ce à quoi il croit.
Une image, pour Joel-Peter Witkin, est une construction mentale complexe, une sorte de plan de consistance matérialisé. Chaque image est portée par une « histoire », celle des rencontres nécessaires à sa fabrication, des anecdotes qui ont émaillé sa réalisation, mais elle est aussi, en tant que telle, un opérateur de transformation mentale et spirituelle. C'est en tout cas cette croyance qui fonde l'œuvre entière de Joel-Peter Witkin et à propos de laquelle il nous entretient aujourd'hui.

Au clair de la lune

Chan Kai Yuen — 2015-02-26T12:59:12Z

Humour et exacerbation des attentes allégoriques qui nous hantent et nous désespèrent : un petit rat tels nous sommes creusant sinon notre tombe du moins le schème en chou de notre vanité.