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Jürg Kreienbühl, peintre des marges

Françoise Lambert et Stéphane Belzère — 2024-01-01T11:48:18Z

Avec l'exactitude et l'acuité hallucinante d'un scientifique, l'artiste s'est fait dès les années cinquante le peintre désillusionné des vieilles croyances, des banlieues et des mondes condamnés, des exclus et des ravages de l'urbanisation et de l'industrialisation. Les œuvres présentées jusqu'au 13 janvier 2024 à la galerie Loewe & Co à Paris montrent qu'il n'a rien perdu de son actualité.

Dès ses débuts, le peintre Jürg Kreienbühl (1932-2007) dit sa fascination pour la pourriture et la destruction. Exprimée dans une veine expressionniste, elle trouvera sa forme définitive dans un réalisme objectif, documentant un état des lieux sans concession des bouleversements socio-économiques et écologiques de la seconde moitié du 20ème siècle.

C'est après l'arrêt de ses études — en biologie puis aux Beaux-Arts à Bâle — et une formation de peintre en bâtiment, que Jürg Kreienbühl part en banlieue parisienne grâce à l'obtention d'une bourse de la Ville de Bâle.

Il y peint des décharges, des cimetières et des cadavres d'animaux en décomposition. L'artiste travaille sur le motif. En 1958, il finit par s'installer dans un vieil autobus sans roues, en plein cœur du bidonville de Bezons. Là, il pointe son regard et son pinceau sur une cour des miracles constituée de ses amis et modèles, les immigrés et les gitans. Familier des terrains vagues et des bidonvilles des alentours, au début des années 60, il continuera sa pratique dans un "atelier-roulotte" qu'il installe dans un terrain vague de Carrières-sur-Seine. Il fera pendant une décennie le portrait des marginaux, prostituées, clochards et infirmes qu'il côtoie. Devenant ainsi l'un des seuls témoins et chroniqueurs de la vie quotidienne dans ces marges de l'existence.

Intérieur algérien, 1976

peinture vinylique sur isorel, 125 x 121 cm

Jürg Kreienbühl

En 2007 [1] , le critique Philippe Dagen écrivait dans le Monde : « [Jürg Kreienbühl] pourrait être tenu pour le premier hyperréaliste de la peinture parisienne dans les années 1960. Il peut aussi apparaître comme le prédécesseur de ceux qui font aujourd'hui de leur art les moyens d'une chronique sociale et architecturale désenchantée. »

Si la technique picturale de Jürg Kreienbühl se réfère volontiers à la peinture du XIXe siècle, l'artiste peint la plupart de ses tableaux non sur toile mais sur Isorel, et il n'utilise pas de l'huile mais des peintures acryliques.

A partir des années 70, les grands bidonvilles qui entourent Paris sont démantelés. Jürg Kreienbühl reprend la pratique de la gravure et de la lithographie, tout en continuant à peindre dans son atelier de Cormeilles-en-Parisis. Il développe alors une production autour de sujets comme la pollution, le paquebot France au "quai de l'oubli" au Havre (1978-1979), le cimetière de Neuilly-sur-Seine et le chantier de La Défense (1980).

Il s'intéresse aussi aux trésors abandonnés de la galerie de Zoologie - alors fermée - du Jardin des Plantes de Paris (1982-1985), puis dans les années 90 à la centrale nucléaire de Gravelines et au port de Dunkerque (1995-1997). Il reviendra par la suite à des sujets suisses, avec notamment la brasserie Warteck, le jardin enchanté de l'artiste Bernhard Luginbühl et des paysages de montagnes.

Hortensias et paysage suisse, 1953

huile sur toile, 103 x 140 cm

Jürg Kreienbühl

Une exposition à voir jusqu'au 13 janvier 2024 à la galerie Loewe & Co à Paris présente un ensemble inédit des peintures de la période baloise (1953-1954), crues, fouillant au scalpel l'envers du "cauchemar climatisé" suisse, et une série de paysages de bidonvilles, de grands ensembles, de La Défense en banlieue parisienne, au littoral industriel du Havre et du Tréport. Jürg Kreienbühl, un peintre à découvrir ou à redécouvrir.

Jürg Kreienbühl, Paysages périurbains (1953-1978)
Exposition jusqu'au 13 janvier 2024
Loeve&Co Marais - 16, rue de Montmorency - 75003 Paris
Du mardi au samedi, 11h - 19h.

Image d'introduction : Jürg Kreienbühl, Sans titre (General motors), 1961, peinture vinylique sur isorel, 80 x 90 cm

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L'atelier de Jürg Kreienbühl à Cormeilles-en-Parisis

Photo : Françoise LAMBERT / Hans Lucas, 2017

Photo : Pascal HAUSHERR, 2017

Photo : Françoise LAMBERT / Hans Lucas, 2017

Photo : Pascal HAUSHERR, 2017

[1] Philippe Dagen, « Jürg Kreienbühl, peintre », Le Monde, 16 novembre 2007.

Dossier les Outre-Mer à la Cité Internationale des Arts — IV/IV

Jonathan Bougard — 2022-12-29T16:58:10Z

Entretien avec Titaua Peu, Tevaite, Patricia Bonnet, Leia Chang Soi et Moetai Brotherson

Une exposition collective est venue bousculer les codes durant une semaine à la Délégation de la Polynésie française à Paris, avec les quatre lauréates de la promotion 2022 du programme « Résidence d'artistes - Cité internationale des arts de Polynésie française », bien résolues derrière leur porte-étendard Titaua Peu à se réapproprier une image depuis longtemps confisquée par Gauguin et ses continuateurs, une histoire écrite et réécrite par un pouvoir colonial, et une parole cadenassée par des injonctions silencieuses multiples, un mutisme particulier à de nombreuses familles polynésiennes.

La Polynésie est l'endroit le plus reculé du globe, et le dernier où l'écriture soit arrivée. On ne connaît que peu de choses des temps qui ont précédé le contact avec les européens, lorsque le britannique Samuel Wallis débarque baie de Matavai à Arue en 1767. Les pirogues tahitiennes ont alors tenté d'aborder la frégate Dolphin et les anglais ont ouvert le feu. Rien de très paradisiaque. Wallis est resté en tout un mois sur l'île. En 1768 c'est au tour du français Bougainville de débarquer baie de Matavai. C'est à lui qu'on doit le surnom de Nouvelle-Cythère et le mythe des polynésiennes lascives, d'un éden polynésien qui sera le thème d'une abondante littérature. Bougainville n'a passé que dix jours à Tahiti. En 1769 c'est au tour de James Cook de débarquer sur l'île pour observer le transit de Vénus. Il y reviendra lors de ses deux autres expéditions dans le Pacifique. Plusieurs expéditions espagnoles succèdent à Cook, puis en 1788 les mutinés du Bounty sont les premiers européens à s'installer sur l'île de Tahiti pour plusieurs années. Des équipages de baleiniers commencent à y faire escale. Ils répandent l'alcool et des maladies qui déciment les natifs des îles, alors beaucoup plus peuplées qu'aujourd'hui. La seule île de Raiatea comptait alors plus de deux cent mille habitants, soit l'équivalent de toute la population des cinq archipels d'aujourd'hui…

La véritable introduction de l'écriture en Polynésie a eu lieu le 5 mars 1797 avec l'arrivée de l'évangile, toujours commémorée localement, et l'installation des pasteurs de la London Missionary Society. En 1817 les évangiles sont traduits en tahitien. En 1819 le code Pomare interdit les chants, les danses, les tatouages, et rend obligatoire le port de vêtements à l'occidentale. Pour les femmes, des robes qui recouvrent tout le corps.

Dans les années 1820 toute la population est convertie au protestantisme et Papeete est fondée. La grande ville, le carrefour des archipels et des continents. Le Tahiti des temps anciens n'existe plus. Il y aura des guerres franco tahitiennes qui se solderont par l'annexion du Royaume de Tahiti, et de curieux épisodes comme celui des Mamaia qui vivaient cachés au fond des vallées.

On sait que lors de ces temps anciens dont on connaît peu de choses, il y avait une tradition orale très importante. D'un côté de nombreuses légendes narrant les aventures de héros guerriers, souvent des demi-dieux comme Hiro et Maui, des histoires destinées au peuple et particulièrement aux enfants, des histoires de lézards géants, de fantômes et d'ogresses. Toute une culture populaire. De l'autre une tradition plus hermétique destinée aux prêtres et aux rois, avec des recettes, des formules et une très importante quantité de noms d'ancêtres à connaître. Un roi devait être capable de réciter sa généalogie jusqu'au grand dieu Taaroa, créateur de Ti 'i le premier homme. Beaucoup de rois avaient de plus un nom public et un nom caché, un nom secret. Un vrai nom.

Enormément d'étrangers de passage ont écrit sur leur séjour en Polynésie, parfois de bons livres comme Segalen et ses Immémoriaux, Segalen avait appris le tahitien en quelques mois, Melville et ses récits d'aventure, Robert Louis Stevenson, Max Radiguet… Souvent des ouvrages beaucoup plus fantaisistes comme ceux de Pierre Loti et autres vendeurs d'exotisme.

Pour en savoir un peu plus, il faut aller voir du côté de Tahiti aux temps anciens, de Teuira Henry, petite fille d'Orsmond, un missionnaire anglais qui a habité treize ans sur la presqu'île de Taiarapu au début du dix-neuvième siècle, où la vie se ressentait encore assez peu de l'arrivée des occidentaux. Orsmond avait consigné un grand nombre d'informations et de noms relatifs aux traditions ancestrales dans un recueil égaré par l'administration française, et que sa petite-fille s'est employée à reconstituer en assemblant ses notes.

Tahiti : Memoirs of Arii Taimai e Marama of Eimee ... Last Queen of Tahiti, de l'américain Henry Adams, paraît en 1893 aux Etats-Unis, puis est enrichi de cinq chapitres en 1901. Il s'agit des Mémoires d'Hinarii Taimai, petite fille du célèbre Tati, le chef de Papara, qui lui avait enseigné les légendes, les chants et les généalogies du clan des Teva. Ce qui avait charmé Adams était une sorte de mille et une nuits tahitienne, et des histoires de fantômes, et s'est transformé au fil du temps, des entretiens et des correspondances en une vraie somme.

Il faut encore citer les Mémoires de Marau Taaroa, dernière reine de Tahiti, Traduit par sa fille, la princesse Ariimanihinihi Takau Pomare. Qui vient compléter l'ouvrage de Henry Adams.

Ces trois ouvrages importants n'existeraient pas sans des femmes de la meilleure société tahitienne. Sources d'informations précieuses, ils sont tous tournés vers les temps anciens, dont ils veulent donner une idée. Ces livres ont étés rédigés dans de grandes cases richement meublées et décorées à la parisienne, où rien de manquait.

A ces trois livres il faut ajouter les livrets de Pouira a Teauna dit Te Arapo, un instituteur qui s'est passionné pour les légendes tahitiennes. On l'appelait Te Arapo, littéralement celui qui veille la nuit, car il passait des nuits entières à écrire chez lui à Arue à l'entrée de la vallée de Tefaaroa. Il a demandé à être enterré avec les carnets couverts de textes qui remplissaient son armoire. Heureusement durant plusieurs années Te Arapo avait animé une émission de radio dont les enregistrements ont étés conservés et ont pu donner matière à des livrets diffusés dans les écoles en Polynésie. De 1962 à 1967 c'est cette émission de radio qui a remis au goût du jour l'art oratoire en Polynésie, et inspiré les acteurs du renouveau culturel polynésien à partir des années 1970, Henri Hiro, John Mairai, Sem Manutahi, Raymond Graffe, Jean-Marc Pambrun.

En 1991 Chantal Spitz publie l'île des rêves écrasés, le premier roman tahitien. Si cet ouvrage fait date, Chantal Spitz a été élevée à l'occidentale dans une famille bourgeoise, et ses préoccupations reflètent encore celles de la bonne société, celle des demi, les grands propriétaires.

Titaua Peu rencontre son public parisien à la librairie le comptoir des lettres

Est arrivée Titaua Peu. En deux livres, Titaua Peu est parvenue à donner une vraie forme romanesque au Tahiti contemporain, particulièrement avec Pina, premier tome d'une trilogie annoncée. Titaua Peu donne à voir les gens du peuple. Mutismes, son premier livre, n'a pas été écrit pour être publié. C'est sa sœur qui l'a fait lire à un éditeur. Ensuite Titaua a eu des enfants, elle a travaillé durant une vingtaine d'années. Son deuxième livre, Pina, vient d'être traduit aux Etats-Unis. Titaua a été lauréate de la première résidence d'écriture mise en place en Polynésie l'année dernière. Elle est partie à Mangareva et Tahaa pour se documenter, et l'envie lui est venue de travailler sur une suite de Pina, un texte d'anticipation. Parce qu'elle est pessimiste et que l'avenir de son pays lui fait peur, ça la travaille. Lauréate d'une résidence de quatre mois à la Cité des Arts de Paris avec trois autres polynésiennes, elle est la seule de la promotion à travailler sur un texte. Elle enchaînera ensuite avec une autre résidence en Bretagne. Et peut donc désormais se consacrer entièrement à l'écriture d'une œuvre ambitieuse.

Titaua Peu lit son texte Je ne suis pas celle que tu peins lors du vernissage de l'exposition collective Elles étaient une île à la Délégation de la Polynésie française

Titaua est marquisienne, elle parle marquisien et dit ce qu'elle pense. Elle ne cherche pas à plaire. Directe et colérique, boudeuse et bienveillante. Pas très loquace non plus. Elle doit préférer écrire que parler. On s'en rendra bien compte dans ce premier entretien réalisé à la Cité Internationale des Arts de Paris le 8 novembre 2022.

Comment ça va ?

Ça va bien Jonathan. Et toi ?

Moi ça va toujours, sauf si le corps lâche… J'ai filmé ta rencontre avec tes lecteurs dans une librairie parisienne hier soir, comment tu l'as vécu, comment ça s'est passé ?

Super bien, il y avait du monde. Non c'était bien. Gentillette.

J'ai eu le sentiment que tu commences à être habituée à ce genre d'exercice.

Oui voilà ça fait quand même plus de deux ans… Enfin depuis que j'écris quoi. Ce qu'il y a de bien c'est que je rencontre du public tout le temps différent. Et là à Paris en France, en fait je viens de me rendre compte que mes bouquins, même si ils sont sortis il y a quelques années déjà, en fait il faut toujours les représenter de nouveau, parce que de nouveaux lecteurs sont là. Ils ont envie de lire une autre Polynésie.

Dont des lecteurs tahitiens. Il y en avait quelques-uns.

Aussi. Des jeunes lecteurs.

J'ai lu que tu as grandis à la Mission.

Oui c'est mon quartier.

Alors c'est comment, ce quartier de la Mission ?

Alors… C'est ni classe, ni la zone non plus… C'est un quartier, comme son nom l'indique, où l'église catholique est très présente puisqu'on a l'archevêché qui est dans ce quartier. J'y ai passé mes premières années, c'est en même temps à Papeete sans être de la ville vraiment. Donc on avait une position privilégiée par rapport à ça. On était un peu préservé de la ville. Mais en même temps cette ville était accessible. Papeete quoi.

Je ne suis pas celle que tu peins, un texte peint sur toile flottante par Titaua Peu

Ah oui ce n'était pas la Mission d'aujourd'hui alors, c'était la Mission d'il y a quelques années.

Oui enfin ce n'est pas la Mission avec les logements sociaux hein. Moi j'ai habité plus du côté de l'église, en haut.

Oui c'est assez vert et calme, ce n'est pas les quartiers réputés pour les combats de rue maintenant. Ça devait déjà être le cas.

Ah bon ? Mais ça a toujours été comme ça. Même lorsque j'étais petite on avait des caïds aussi.

Oui c'est classique à Tahiti, il y en a partout…

Voilà. Ben je crois que c'est classique dans toutes les villes un peu modernes, un peu… Qui souffrent aussi d'une certaine pauvreté, d'une certaine misère.

Et c'est quelque chose dont… Bon je n'ai lu que les cent premières pages, je suis en cours de lecture de Pina, c'est quelque chose dont tu arrives à rendre compte, à l'écrire, et je ne pense pas, sans avoir jamais lu grand-chose sur la Polynésie, je ne pense pas que ça ait été écrit avant toi…

Non, en tout cas pas de cette façon. En fait oui, mes romans sont très empreints d'urbanité. Moi j'ai pris le parti, de toute façon je n'ai connu que ça, d'écrire sur Papeete, sa banlieue, le Papeete moderne.

Et donc tu es actuellement en résidence à la Cité des Arts. J'ai vu que tu avais déjà fait une résidence en Polynésie.

Voilà, j'ai été la première artiste à remporter ce concours de résidence en Polynésie. C'est une résidence qui permet à un auteur de se mettre au vert, comme on dit, dans une autre île, si on choisit une île de la Polynésie. C'est une résidence de deux mois où l'auteur est payé, comme ici quoi. Et j'ai choisi d'aller sur l'île de Mangaréva, dans le sud, dans les Gambiers, et sur l'île de Tahaa. Pour les besoins de mon prochain roman.

Tahaa ? Il n'y a pas route qui fait le tour de l'île, donc c'est bien isolé…
Mais si, ça va maintenant, il y a juste une petite portion où on ne peut pas aller. Ce n'est pas grave, et puis quand on choisit une île ce n'est pas pour le confort de la ville.

Ce que j'entendais hier soir c'est que Pina serait le premier volume d'une trilogie donc.

Oui.

Edition numérotée du texte de Titaua Peu Je ne suis pas celle que tu peins, illustré d'une encre de Chine de Leia Chang Soi

Et est-ce que tu avais déjà dès le début un plan bien défini ?

Non c'est vraiment quand j'ai terminé Pina et que j'ai vu le succès qu'elle a eu, je me suis dit qu'en fait la littérature tahitienne avait besoin de personnages marquants, d'une fiction ou on aurait ces personnages un peu puissants, et totalement humains, totalement fragiles. Mais qui deviendraient, qui auraient aussi un nom dans notre littérature. Parce que je pense que notre littérature elle est encore, il faut qu'elle soit diffusée beaucoup, et j'avais envie que cette petite famille, ou en tout cas ce personnage de Pina, puisse accompagner le développement de mon pays. En fait l'idée c'est d'écrire sur mon pays, sur ses évolutions statutaires ou institutionnelles, avec ce personnage.

J'ai vu que tu parlais de science-fiction, où peut-être plus d'anticipation que de science-fiction…

Voilà un roman d'anticipation, quelque chose de dystopique aussi puisque il y a des sujets que j'ai envie d'aborder, comme l'exploitation de nos fonds miniers. Et surtout de placer aussi mon pays dans un contexte évidement global, et touché par les changements climatiques, et aussi peut-être par les rivalités qui se construisent dans le Pacifique.

Les rivalités qui se construisent dans le Pacifique ?

Voilà, l'Asie qui voudrait…

Ce qu'on appelle l'axe indopacifique… Donc tu écris là-dessus ?

Oui parce que je pense que c'est déjà un enjeu pour mon pays. Ça sera encore plus difficile dans les années à venir.

Tu disais hier soir que tu es pessimiste ?

Ah oui. Totalement. Avec l'expansion chinoise en tout cas, et ces forces en présence, l'Occident, la France, les Etats-Unis… Je ne pense pas qu'on va être épargnés longtemps, quoi.

Tu as la réputation d'être indépendantiste, je ne suis pas très familier de la politique, ce n'est pas quelque chose qui me passionne, mais effectivement présenté comme ça l'indépendance c'est compliqué…

En fait il faut bien se dire l'indépendance ça n'existe pas, hein. On vit dans un monde d'interdépendance. Ce qu'il faut c'est juste avoir de bons partenaires. Et moi ce que je ne voudrais pas c'est qu'un jour on ait pour partenaire la Chine. C'est juste impossible. Il faut voir comment la Chine, petit à petit, place ses pions dans le Pacifique, en particulier au Vanuatu, en Papouasie Nouvelle-Guinée aussi ils commencent, pour piller les richesses de ces pays… Non, ça fait peur quoi. Après oui je suis indépendantiste. Mais au regard de certaines choses avec le parti indépendantiste polynésien, au regard de ce qu'ils font où ne font pas, voilà là je suis pessimiste.

Tu parles du Tavini ?

Oui.

D'accord, je les ai connus un petit peu… Mais j'ai connu aussi de vrais indépendantistes polynésiens qui étaient revenus du Tavini, enfin ça doit être des choses assez difficiles à comprendre pour des gens de l'extérieur, mais il y a des gens qui en veulent à mort à Oscar de ne pas avoir fait quelque chose quand il aurait pu le faire.

Hé oui…

Et du coup, aux dernières élections législatives, il y a quand même eu un sacré trio qui est sorti, dont un très jeune. Comment tu le ressens ?

Ça c'était juste un vote anti-gouvernement.

Leia Chang Soi, série Ce qu'est une femme des îles, encre de chine

D'accord. Sinon on parlait d'anticipation, d'écrire la Polynésie réelle, contemporaine, urbaine… Ça tu l'as écrit. Mais l'écriture aujourd'hui ce n'est pas qu'écrire un livre. J'y pensais ces derniers jours en voyant d'autres artistes comme Leia qui travaille sur une bande dessinée, qui serait si elle arrive à la faire la première bande dessinée faite par une polynésienne, c'est aussi une forme d'écriture…

Oui bien sûr, mais il y a eu d'autres…

Il y a eu Léon Taerea il me semble qui avait dû faire quelques bandes dessinées mais elles sont introuvables…

Mais pas seulement, il y a des jeunes aussi, il y a Virgile Haoa…

Ha je ne connais pas.

Ah ben oui voilà, il faut connaître un peu… Il y a d'autres illustrateurs de talent aussi.

Qui font de la bande dessinée ? A Tahiti ?

Ben bien sûr. Ça fait peut-être plus de dix ans.

Et ils font des livres ?

Ben ils ont fait des BD ouais. Il faut aller chercher sur internet. Tu disais toi-même que tu ne lisais pas, que tu n'as rien lu de Tahiti. Bon ben voilà.

Oui à Tahiti les endroits où j'étais il n'y avait pas de livres, les gens ne lisaient pas…

Ben écoute, après faut vouloir quoi….

Et toi, tu n'as pas envie d'écrire de la bande dessinée ? Où il n'y a pas que la bande dessinée, il y a aussi les arts vivants, ça pourrait être une forme de théâtre qui n'existe pas vraiment, il y a John Mairai qui a essayé de faire des trucs…

John Mairai a fait des choses. C'est un grand auteur John Mairai.

Oui, je ne vais pas dire le contraire. Je le connais bien, je l'ai beaucoup filmé, mais je pense qu'il reste dans une certaine forme de tradition, comme Coco, et qu'il y a moyen d'aller plus loin que ce qui a été fait jusqu'à présent.

C'est-à-dire ? Le théâtre, le cinéma ?

Ouais, enfin le cinéma il n'y en a pas pour le moment, il y a un début de quelque chose, il commence à y avoir un certain nombre de techniciens, mais est-ce qu'il y a des auteurs en Polynésie ? Par exemple Pina, ça pourrait se prêter à une adaptation…

Oui mais bon, c'est compliqué… Et puis moi je ne laisserai pas n'importe qui réaliser Pina, hein.

Mais tu n'aurais pas envie de le faire ?

Personnellement moi je n'ai pas les qualités. Moi j'écris des romans. Je ne peux pas non plus faire n'importe quoi.

Tu as publié deux livres pour le moment. C'est quand même peu. Pourquoi est-ce que tu as aussi peu publié ?

Enfin ça te regarde ? C'est parce que moi ce n'est pas mon métier… Enfin, là je me mets vraiment dans l'écriture, mais sinon j'avais un métier avant. J'ai une famille, j'avais des enfants à élever. On n'écrit pas tous les jours comme on va aux toilettes. Ce n'était pas d'abord dans mon projet, et puis ça m'énerve tes questions parce que t'as l'impression que… Même quand tu parles des autres par exemple, je veux dire on ne peut pas forcer les gens à faire de l'art où quoi. Je veux dire ce n'est pas comme en France où on a tous les moyens etc… Non on n'a pas ça, nous. D'abord il y a la pudeur. On n'écrit pas comme ça du jour au lendemain pour raconter sa vie. En tout cas nous on n'a pas une littérature à la parisienne touche-pipi quoi, c'est bon. On parle de choses graves qui ne se disent pas tout le temps.

Donc tu es en train de travailler sur quelque chose d'ambitieux. En tout cas quelque chose que tu ressens, qui a demandé du temps à pouvoir sortir, une maturation…

Ouais, si tu veux…

Tu me disais que tu vas enchaîner par une autre résidence.

Oui à Douarnenez.

Tehura Vahine, réalisation collective des quatre lauréates du programme la Polynésie à la Cité Internationale des Arts, exposée à la délégation de la Polynésie à Paris

Après ce premier entretien nous sommes allés voir l'exposition de Leia Chang Soi, qui ouvrait ce soir-là son studio au public de la Cité des Arts. Leia présentait en particulier une série d'illustrations intitulée Ce qu'est une femme des îles, accompagnées d'un texte martelant : Une femme des îles est fière. Une femme des îles est libre. Une femme des îles est belle. Elle est coquette. Elle aime s'habiller. Elle revendique sa culture à travers les motifs de sa robe.

Le lendemain j'ai cherché les bandes dessinées dont m'avait parlé Titaua. En fait Virgile Haoa avait bien participé à l'écriture d'une bande dessinée locale, l'alliance Ma'ohi, publiée en 2004. Et Léon Taerea a bien publié des bandes dessinées militantes dans les années 1980, qui sont introuvables aujourd'hui. Mais beaucoup reste à faire en matière de bande dessinée polynésienne.

Deux semaines plus tard l'exposition collective des résidentes du programme polynésien de la Cité des Arts s'est tenue à la Délégation de la Polynésie française, boulevard Saint-Germain. Chacune des quatre artistes présentait des œuvres crées durant leur résidence, sur le thème de la femme polynésienne, qu'elles entendaient bousculer. Ainsi qu'un cadavre exquis monumental, pour laquelle Titaua a rédigé un texte manifeste inédit. Le soir du vernissage la Délégation était bondée comme cela n'était plus arrivé depuis le COVID, l'évènement attirant à la fois le public de la Cité des Arts et celui de la Délégation, et profitant de la présence de nombreux élus des îles venus assister au 104e Congrès des maires de France, qui rassemble plus de 10 000 élus locaux à Paris.

Cette exposition collective marque un tournant aussi pour la Délégation de la Polynésie à Paris, un immeuble qui joue le rôle particulier d'une ambassade pour un pays autonome mais pas souverain, qui abrite souvent des événements culturels et des expositions un peu désuètes, en tout cas sans grande ambition, qui continuent d'exploiter le mythe de la vahine lascive et du bon sauvage. La carte postale habituelle. Avec cette exposition collective, la Polynésie a démontré qu'elle avait autre chose à offrir que Loti et Gauguin. A la série Ce qu'est une femme des îles, Leia Chang Soi avait mis en pendant Les révoltées, une série d'encres de chine représentant son besoin de se réapproprier l'image de la femme des îles. Dans cette série, des poupées symbolisent l'utopie de la vahine, et une jeune fille rejette cette image à travers plusieurs actions.

Le soir du vernissage Titaua Peu a fait une lecture très applaudie de son texte Je ne suis pas celle que tu peins. Un texte manifeste efficace qu'elle avait sauvagement calligraphié sur une grande toile flottante, un peu comme une pancarte de manifestation. Qui se termine par Je suis entrée en dissidence. Ce qui est une rupture évidente avec les productions artisanales esthétisantes ordinairement valorisées au numéro 28 du boulevard Saint-Germain, organe du gouvernement polynésien en Métropole. Après la fermeture des portes la soirée s'est poursuivie au Café des Arts de la Cité, pour l'anniversaire de l'un des résidents ultramarins.

Quelques jours plus tard lors de la fermeture de l'exposition, qui a très bien marché puisque l'affluence de visiteurs a permis de conclure de nombreuses ventes, j'ai eu un nouvel entretien réunissant les quatre femmes, devant leur œuvre commune.

Leia Chang Soi, détail de la série Les révoltées

On est devant cette œuvre commune, du coup qui a fait quoi ? Comment cela s'est-il passé ?

Tevaite : Déjà on a cherché le thème, donc c'est vrai qu'en étant un quatuor féminin, polynésien, la femme polynésienne s'est imposée. Du coup on a créé cette femme ensemble, et chacune d'entre nous a travaillé sur une partie de cette femme, qui s'appelle Tehura vahine. Et donc pour ma part je me suis occupée de la chevelure, elle a des cheveux comme des tentacules un peu, et avec des motifs qui ont des significations fortes comme l'amour, la féminité, la famille, le tiare Tahiti en référence à la beauté, des choses qui pour moi sont des valeurs de la femme polynésienne qui est un pilier. C'est comme ça que j'ai contribué à cette femme. Il y a également des motifs comme des pierres de marae, parce que comme je disais la femme c'est vraiment le pilier, et aussi des motifs qui représentent le courage et la force.

Je vois des écailles aussi qui m'ont l'air japonisantes…

Alors en fait c'était pour évoquer le lien avec la mer, parce que chez nous on est souvent en contact avec la mer, les poissons, la pêche, la navigation, la plage… C'est quand même un élément qui est très présent dans nos vies.

D'accord. Et comment ça s'est passé concrètement ?

Alors en fait la préparation avant de se lancer s'est faite en concertation, toutes les quatre, ensuite on a préparé la toile, on a peint le fond ensemble. Ensuite chacune a travaillé des parties séparément, donc elle a été un certain temps dans mon atelier où il avait la place pour travailler, ensuite elle est partie dans l'atelier d'une autre et elle a circulé comme ça entre tous les ateliers. Et au final on s'est toutes retrouvées pour la finir ensemble.

Ouais, c'est un vrai cadavre exquis.

C'est ça.

Image Titua

Donc toi Titaua tu as fait un texte.

Titaua Peu : J'ai fais un texte inédit d'une page et demi, donc je n'ai pas pu le mettre en entier sur le tableau.

Du coup tu as fais une toile flottante.

J'ai fais une toile flottante. Ça s'appelle une toile flottante ? Heureuse de l'entendre.

Et ce tableau, il t'inspire quoi quand tu le regardes comme ça ?

Il m'inspire une divinité noire qui dit bien qu'elle n'est pas la vahine exotique à la Gauguin. Elle entre en dissidence, et elle entre en résistance, et elle court dans la montagne, et elle va chercher tout pour s'habiller, tu vois ça c'est du purau, elle porte des racines sur sa tête qui sont les lignées de ses ancêtres, de ces femmes qui l'ont précédée, et puis la couronne pour se cacher, cacher ses longs cheveux, parce qu'elle ne veut pas qu'on la fantasme, elle ne veut pas qu'on la dénude contrairement à ce qui est dit de nos peuples de l'ancien temps, elle veut s'habiller, elle ne veut pas qu'on la voit nue.

Et elle est entrée en dissidence ?

Elle est entrée en résistance. Elle a pris la plume en fait. Elle a pris la plume pour dire que maintenant c'est elle qui choisit déjà, elle a la liberté. Elle choisit qui elle veut aimer, par qui elle veut être aimée.

Merci Titaua. Et Patricia ?

Tehura Vahine, détail

Patricia Bonnet : Moi je l'ai habillée. Avec une robe abstraite et des messages cachés. D'habitude je travaille toute seule.

Et c'est une expérience qui te donne envie d'être renouvelée ?

Non, j'aime bien travailler seule.

Seule dans ton coin. Et du coup tu retournes à Tahiti très bientôt ?

La semaine prochaine.

Et toi Leia ?

Leia Chang Soi : Ce que j'ai beaucoup apprécié c'était de travailler en collaboration, ce qui nous a permis de faire quelque chose d'aussi grand, d'aussi élégant et d'aussi libre. C'était aussi un moyen pour nous de voir jusqu'où on pouvait aller. Ça n'a pas été aussi évident, j'aurais voulu qu'on puisse travailler plus en amont mais on avait trop de choses à faire, chacune avait des obligations, on n'avait pas le même emploi du temps, c'était compliqué, mais malgré ça on a réussi à faire quelque chose.

Et toi, tu as fait quoi en particulier ?

Je me suis occupée de dessiner le visage, le torse, les mains et la couronne.

Et il y a un vrai dialogue avec le texte de Titaua.

En fait quand Titaua a écrit son texte la toile était quasiment réalisée. On avait envie de raconter des choses mais on ne savait pas trop quoi, et elle s'est vraiment inspirée de ce qu'on a fait. En fait c'est vraiment un travail d'équipe.

Donc pour une fois le texte est venu illustrer l'image ?

Oui, alors qu'elle ne pensait pas en être capable, et elle a fait un beau texte.

Sinon on arrive bientôt à la fin de votre résidence, tu en es où ?

Eh bien je suis perdue. Parce que c'est la fin, il nous reste une dernière semaine, on doit commencer à tout ranger, et puis j'ai envie de profiter de ces derniers instants pour visiter d'autres expositions, voir d'autres musées. Il y en a beaucoup que j'avais envie de voir et que je n'ai pas eu l'occasion de visiter parce que j'ai beaucoup bossé sur mon projet personnel, et je me suis beaucoup déplacée aussi pour rencontrer des auteurs, assister à des conférences, voir plein d'expositions au niveau de tout ce qui est BD et science-fiction… Mon art a été bien nourri. J'ai eu l'occasion de bosser sur des illustrations qui ont beaucoup résonnées en moi, et grâce aux discussions qu'on a eu avec les filles autour de la femme, de l'image qu'on voyait d'elle, une image qu'on a eu envie de changer, ça m'a donné envie de travailler sur ça, et de réaliser des planches sur ce thème de la femme telle qu'on veut la voir maintenant.

Moetai Brotherson, tout heureux d'avoir fait l'acquisition d'une toile signée Titaua Peu, Je ne suis pas celle que tu peins

Un peu après cet entretien est apparu un visiteur de marque peu habitué des lieux, le député tavini Moetai Brotherson, président de la délégation aux outre-mer de l'Assemblée nationale depuis juillet dernier. Je ne l'avais pas revu depuis l'époque de Nuna'a e Hau, la troupe de danse de Faa'a qui avait remporté tous les prix du Heiva i Tahiti en 2017, menée par John Mairai qui s'était subtilement inspiré de l'histoire de Terehe, une jeune femme rebelle de Raiatea qui subira la colère des dieux après avoir cherché à libérer son peuple de l'oppression d'un clan rival, pour composer des tableaux brillants et un orero final très politique qui avait fait vibrer la place Toata. Moetai étant également écrivain, il m'a semblé intéressant de recueillir ses impressions à chaud, et je ne me suis pas adressé au politicien mais à l'auteur, dans la mesure du possible.

Que t'inspire cette exposition ?

Super. On voit le travail de nos artistes ici à la délégation, donc c'est bien, ça change. Pour moi ça change. Juste après je vais retourner en session à l'assemblée, donc ça me fait du bien à l'esprit de venir ressentir les vibrations artistiques. Carrément du bien. Il y a des styles très différents tu vois. Là on a de l'abstrait total (Patricia Bonnet) et ensuite ici on a quelqu'un (Leia Chang Soi) qui fait plus dans l'illustration mais avec vraiment une touche polynésienne, on sent une sensibilité particulière, ensuite on a les textes de Titaua, la force qu'on connaît des textes de Titaua, mais qui sont enluminés, enfin qui sont mis en graphisme, c'est encore différent, c'est fort… D'ailleurs j'ai craqué.

Tu as craqué, c'est-à-dire ?

Ben j'ai craqué, j'ai acheté.

C'est pas vrai ?

Ben bien sûr… Et ensuite il y a le travail de Tevaite qui est encore différent, on sent une inspiration presque népalaise, les mandalas, des juxtapositions de couleurs mais aussi une symbolique, tu vois le tableau sur la lune là, tout de suite quand je l'ai vu, au milieu tu as le ipu, donc c'est la fécondité, c'est la vie… Je trouve qu'elle a un mariage des couleurs et des symboles qui est vraiment génial. Il faut suivre nos artistes, il faut aller là où elles sont. C'est à charge de revanche. Il faut les suivre parce que ça ne va pas s'arrêter là. Elles vont faire d'autres expos, j'espère ensemble. Moi je les appelle les sorcières du district parce qu'elles sont quatre. Elles sont géniales.

Tehura Vahine, détail du texte de Titaua Peu

Je reviens sur le texte de Titaua, elle en a fait une lecture jeudi soir, il y avait foule, dommage que tu ne sois pas venu…

Je ne pouvais pas être là oui, on avait malheureusement une occupation à l'assemblée nationale, j'aurais souhaité être là mais je n'ai pas pu. Mais c'est un texte fort. Titaua on la connaît, elle est toujours là, elle casse les codes. Elle démonte les cartes postales, elle montre l'envers de la carte postale, elle vaut sur tout, elle vaut sur la femme, elle vaut sur l'image de l'homme, elle vaut sur l'image de notre société, est-ce qu'on définit une société par sa marge où pas… C'est le monde de Titaua. C'est un monde que je suis et que j'admire depuis qu'elle a commencé.

Parce que toi tu écris aussi…

Moi j'écris un peu, j'ai publié un livre pour l'instant, j'en ai d'autres que je ne destine pas forcément à la publication, mais elle fait partie des gens qui m'ont donné envie de publier.

Titaua tu l'as lue donc ?

Ha j'ai tout lu, j'ai même lu Pina avant qu'il ne soit publié, parce qu'on est amis j'ai envie de dire depuis toujours, mais au moins depuis que son premier livre est sorti. Moi Mutismes ça a été un coup de poing dans le bide si tu veux, littéraire, et presque littéral. Parce que c'est un tout petit bouquin mais quand tu le lis, tu mets du temps à t'en remettre.

Il me semble que Pina décrit quelques chose qui ne l'avait pas été avant…

Pina c'est beaucoup de sujets, le sujet du suicide évidement mais qui est la face émergée de l'iceberg, qui est en fait la pointe de cette espèce de pyramide de malaise social, de pyramide de tout ce qu'on connaît, dans les fonds de vallées chez nous, dans les îles, cet espèce de non-dit qui est latent, qui est là. Pina c'est d'autres sujets qui sont abordés, l'homosexualité, elle aborde même le sujet du racisme, mais avec cette touche unique qui est la sienne. C'est ça qui est génial.

Et ce texte en particulier, sur lequel tu as craqué ?

Ce texte, si tu veux au début j'ai vu les couleurs, alors forcément c'est des couleurs qui attirent l'œil, et donc j'ai commencé à lire, mais je ne savais pas que c'était Titaua qui avait écrit tu vois. Et je lis le truc et je me dis si ça c'est pas du Titaua je ne sais pas ce que c'est. Et puis il s'est avéré que c'était du Titaua. Donc c'est un texte que je lis, que je bois, que j'absorbe… Il me fait vibrer quoi.

Et du coup il va partir en Polynésie ?

Celui-là il va repartir en Polynésie et je vais l'afficher dans ma permanence à Faa'a.

Leia Chang Soi, une image de la série Ce qu'est une femme des îles

Frontispice : Titaua Peu, Leia Chang Soi, Tevaite et Patricia Bonnet réunies devant la grande toile Tehura Vahine, leur création commune.

Dossier les Outre-Mer à la Cité Internationale des Arts — III/IV

Annabel Guérédrat et Jonathan Bougard — 2022-12-01T13:08:46Z

Comme beaucoup d'autres artistes des territoires d'outre-mer, Annanel Guérédrat est passée par la Cité Internationale des Arts de Paris.

Je l'ai rencontrée lors du vernissage du AKAA 2022, au bar du Carreau du Temple, où elle présentait sa dernière création, Hystéria#2 : Mes larmes sont de l'or. Très active, Annabel pratique la performance en pleine nature dans les mangroves de la Martinique. Elle est capable d'endosser des personnalités multiples et déborde d'énergie. Entre Cuba, Sao Paulo, l'Afrique, les Caraïbes et la France, elle a chorégraphié plus de trente spectacles au sein de sa compagnie Artincidence, et mène également des actions dansées dans le milieu carcéral.

En bientôt vingt ans d'activité Annabel est devenue une figure incontournable de la scène artistique caribéenne, respectée par la nouvelle génération et faisant des émules au travers de nombreux échanges, que ce soit avec des chorégraphes, des danseurs où plus récemment dans le cadre du FIAP Martinique, le Festival International d'Art Performance en Martinique qu'elle a créé avec Henri Tauliaut.

Il y a des outre-mer plus reculés que d'autres. La Polynésie est le plus éloigné et même si la transmission des pratiques traditionnelles y a été fortement entravée dès le début du dix-neuvième siècle, la conservation des langues et certains textes et documents ont permis un renouveau culturel et identitaire foisonnant. Terres amérindiennes exploitées par des propriétaires terriens européens très durs qui maniaient le fouet et la cravache, les Caraïbes sont dès le départ le théâtre d'une histoire plus dramatique, plus violente où un simple retour aux sources culturelles serait compromis par la complexité des identités, et les Antillais ont plutôt cherché à se forger une identité propre qu'à renouer avec celles de leurs ancêtres. A la dureté de l'histoire vient s'ajouter le caractère volcanique de l'île en ce qui concerne la Martinique, l'éruption de la montagne Pelée de 1902 ayant fait plus de 30 000 morts. Un véritable holocauste pour une île.

Il faut avoir cela à l'esprit pour espérer comprendre les enjeux à l'œuvre chez Annabel Guérédrat. Au Palais de Tokyo elle a présenté MamiSargassa 2.0, un concert performatif engagé contre la morbidité coloniale et néolibérale, mais aussi un conte caribéen futuriste centré autour d'une entité post humaine qui hante les rivages de la Martinique de 2083. C'est ainsi dans le futur qu'elle se projette volontiers pour espérer se comprendre et comprendre son histoire, et c'est par des états seconds qu'il lui faut en passer pour ressentir et accepter la voix des ancêtres, et leur histoire douloureuse.

Praticienne de la guérison, Annabel réinterprète sur scène des rituels magico-religieux afro-caribéens, parfois en duo ou en trio avec d'autres danseuses, parfois accompagnée de musiciens, parfois seule. Il est important pour elle de passer par la mangrove, confluence des eaux douces et marines, qui lui permet d'accéder au noyau de la terre. Annabel cherche à accéder à un corps plus disponible, plus poreux. Plus éponge, dit-elle. Et pour ça elle danse, elle utilise curieusement sa voix. S'essaie à écrire tout ce qui lui passe par la tête. Mais à la base il y a une vraie maîtrise du corps et de la voix. Une maîtrise parfaite de la langue classique.

Annabel Guérédrat — Hysteria 2 — Mes larmes sont de l'or

J'ai vu que tu es née en Nouvelle-Calédonie. Où est-ce que tu as grandi ?

Oui je suis née en Nouvelle-Calédonie à Nouméa et après on a vécu au Congo Brazzaville à Pointe-Noire et au Sénégal et puis on est rentrés vivre en Martinique.

Comment ça ce fait que vous bougiez autant ?

C'est dû au travail de mon père qui était océanographe chercheur, et qui du coup de par son métier a beaucoup voyagé, du coup la famille a suivi.

Ha ok. Bon forcément tu étais toute petite en Nouvelle-Calédonie. Quels souvenirs tu en gardes ?

Oui j'avais entre zéro et quatre ans donc je n'ai pas de souvenirs précis. Davantage le souvenir de la mémoire de l'eau, parce qu'on passait beaucoup de temps dans l'eau et c'est ce souvenir là que j'ai, qui est un peu imperceptible, d'être immergée dans l'eau, peut-être une sensation de confort aussi mais j'étais toute petite, cette chose dont je parlais tout à l'heure, de revenir à cette mémoire cellulaire, aquatique, aux fluides.

Donc tu dois avoir davantage de souvenirs du Congo ?

Le Congo Brazzaville j'en ai des souvenirs parcellaires, des souvenirs d'enfant, d'avoir été dans la cour de récréation, de jouer aux billes. J'ai le souvenir aussi, c'est très anecdotique, qu'un jour il pleuvait énormément et qu'on avait dû aller à l'école en pirogue. J'ai le souvenir d'une amie avec qui on est allées chercher des branches dans la forêt pour son perroquet et puis on s'est perdues. Nos parents étaient hyper inquiets parce qu'on était rentrées à la tombée de la nuit. Ce sont des souvenirs d'une enfance vraiment heureuse.

Une enfance heureuse ?

Oui.

Super. Combien de temps au Congo ?

Quatre ans. De six ans à dix ans. Et après, on est rentrés en Martinique.

Et comment se fait-il que vous êtes rentrés en Martinique ?

Parce que mes deux parents sont originaires de la Martinique, et mon père a obtenu un poste de directeur de l'Institut de Recherches en Développement en Martinique, ce qui nous a stabilisés là-bas.

Donc tu es métisse ?

Mes deux parents sont martiniquais, je me considère comme martiniquaise.

Parce que tu as la peau claire… Je me demandais si tu étais calédonienne.

C'est ça, Martiniquaise…

Annabel Guérédrat — Hysteria 2 — Mes larmes sont de l'or

OK. Donc tu n'as pas été confrontée au problème qui est souvent celui des métisses, de se trouver un peu à part…

Pas vraiment non. Je me suis toujours frayée un chemin d'émancipation. J'ai toujours trouvé des stratégies d'émancipation. Je repense aux fluides pour naviguer, cette chose un peu poisson, naviguer entre les eaux, me sentir toujours à l'aise. Avec les parents et l'éducation que j'ai eus, j'ai cette sensation d'être caméléon, de pouvoir naviguer d'un milieu à l'autre. Même de milieux sociaux. Et d'être à l'aise en fait. Cette sensation de chercher du confort avant tout quand je relationne avec quelqu'un, ou un milieu ou une communauté.

Tu as séjourné à la Cité Internationale des Arts ?

Oui.

Comment s'est passée cette résidence ?

Je l'ai réalisée sur deux mois, de mai à juin 2021, accompagnée de mon fils de 1 an et demi, Kéo Tauliaut Guérédrat. Ce n'était pas évident d'organiser ma vie de famille, de jeune maman avec un bébé sous le bras et d'assurer en même temps la résidence à la C.I.A. J'ai dû changer de logement pour être dans un appartement plus approprié à mon statut de jeune mère et artiste de 48 ans et accueillir mon bébé dans de bonnes conditions. Et la bourse allouée ne me permettait pas couvrir les frais d'approches de garde d'enfants et de vie chère à Paris.

La résidence en soi, d'un point de vue professionnel a été très profitable. J'ai pu rencontrer deux commissaires et critiques d'art, mentors, Olivier Marboeuf et Chris Cyrille avec qui je continue d'entretenir des liens et que j'ai moi-même invité à mon festival international d'art performance en Martinique l'année suivante, donc ça a été une chouette rencontre. Grâce à ces rencontres, Chris m'a aussi invitée à performer MamiSargassa 2.0., dans le cadre de sa carte blanche Mangrovité au Palais de Tokyo en janvier 2022 (dans l'exposition « Ubuntu, un rêve lucide » de Marie Ann Yemsi). J'ai pu réaliser ma vidéo d'art Mami Sargassa. Dans de bonnes conditions. Et en proposant gratuitement à deux reprises un atelier autour de la pratique body-mind centering, j'ai pu rencontrer d'autres artistes de la Cité, de manière un peu plus intime et approfondie. La sortie de résidence orchestrée par Olivier Marboeuf était très à propos, car j'ai pu performer en lecture performative à la voix, ce qui deviendra par la suite, MamiSargassa 2.0.

J'ai pu aussi faire connaissance avec la commissaire Julie Crenn avec qui j'entretiens aujourd'hui des liens étroits et qui met en valeur mon travail dès qu'elle en a l'opportunité autour des pratiques éco-féministes décoloniales.

Annabel Guérédrat — Hysteria 2 — Mes larmes sont de l'or

Quels étaient les critères de sélection, y avait-il un jury ?

Les critères de sélection, je suppose, étaient basés sur la pertinence du projet de chaque artiste et favoriser des artistes ultra-marins à s'exporter et visibiliser leurs travaux artistiques sur l'Hexagone, à Paris, puisque c'était dans le cadre du programme ONDES financé en grand partie par le Ministère des Outre-Mer. Oui il y avait un jury de sélection.

OK. Bon on se retrouve à l'endroit même où tu as proposé Hystéria#2. C'était une première ?

C'était une première et je suis toujours contente, émue. Surtout à Paris. C'est toujours chouette de performer à Paris parce qu'on a accès à un autre public qu'en Martinique, et puis pour les artistes, Paris c'est comme Berlin ou New York, tu as toujours ce fantasme de performer à Paris. Et ici, au Carreau parce que Sandrina Martins, la directrice, c'est quelqu'un que j'aime particulièrement, qui m'avait accueillie pour I'm a Bruja, pour leur festival Everybody, et le fait de me retrouver après ici dans le bar, ça me permet de sentir le lieu, l'espace. A un moment donné, je ne sais pas si tu te rappelles, pendant la performance je dis « taking care of space, taking care of nature, taking care of oneself and others, is inextricabilly linked to taking care of history », et à chaque fois que je dis taking care of space, je fais référence à cet espace qui est ouvert sur les arbres, un espace luxueux, qu'on n'a pas en Martinique. Je considère toujours comme un honneur, d'être là et de venir performer, même si c'est devant trente, quarante spectateurs. Je ne suis pas à l'Olympia mais j'ai cette sensation que c'est un privilège, de me sentir privilégiée.

Tu cites cette phrase en anglais. Il y a avait aussi ce qui m'a semblé être du créole.

Alors en fait j'aime bien passer d'une langue à une autre, souvent dans mes performances je fais ça, l'allemand, l'italien, l'anglais, l'espagnol, le créole… Là tu fais référence à un poème de Monchoachi qui s'appelle Préserver et qui parle d'un rite initiatique, normalement d'un petit garçon mais que moi j'ai transformé comme si c'était une petite fille. Et à un moment donné il dit « PAS Paroles bébel PAS paroles banda PAS paroles flonflon PAS paroles floup-flap PAS paroles flafla ». Et il dit « m'pas connain, il parle de déblayer chimin l'Ancêtre,… l'Ancêtre est sur sa bouche », en fait ce sont des créolismes. Je considère mon corps comme un canal, c'est comme si ça me permettait d'accéder à une mémoire cellulaire, un background, comme si j'étais mon arrière-grand-père ou mon arrière-grand-mère, qui me renvoie à quelque chose de lointain et qui n'est pas forcément 2022, là maintenant dans notre contemporanéité.

Je pense que la langue est magique et nous renvoie à des mémoires. Quand on la triture, quand on rentre dedans, quand on la mâche, c'est une manière de me décoloniser mais aussi de m'émanciper et me faire être autre. J'accède à ma propre autonomie d'énonciation. La langue elle-même me touche. Ça me traverse. Et quelle que soit la langue. Ça vient m'habiter.

Annabel Guérédrat — Hysteria 2 — Mes larmes sont de l'or

Je t'ai entendu parler tout à l'heure d'écriture automatique. Comment ça t'es venu cette pratique ?

Cela m'est venu d'une expérience, suite à un exercice de danse qu'on m'avait fait faire. Dans la performance Hystéria #2, je suis l'autrice de deux des textes : Dormir et Mes larmes sont de l'or. Pour les écrire, j'ai dû faire appel à mon inconscient.

OK. En parlant de ce texte tu te disais inconsolable.

Je fais référence à Alain Buffard qui, malheureusement, est décédé, qui était un grand chorégraphe français et qui avait écrit une pièce qui s'appelait Les Inconsolés. C'est une pièce qui m'a profondément touchée dans mon inconscient. C'était à Montpellier, en 2008. Aujourd'hui, avec Mes larmes sont de l'or, je me suis dit à moi-même, oui, en fait, il y a quelque chose en moi de l'ordre de l'inconsolée.

Je voudrais que tu me parles de Haïm Isaacs, que j'ai rencontré ce soir-là.

C'est mon professeur de chant, quelqu'un que j'aime beaucoup, que j'ai rencontré par hasard quand j'étais en formation Body Mind Centering. Je trouve qu'il a une approche du chant qui part vraiment du corps, qui revient vraiment à un circuit interne de respiration, de diaphragme, de descente dans les tissus. Quelque chose qui m'émeut et où je me sens dans une très grande porosité. Comme si je devenais étoile de mer ou éponge.

Annabel Guérédrat — Hysteria 2 — Mes larmes sont de l'or

Entretien réalisé au Carreau du Temple à Paris le samedi 22 octobre 2022.

Frontispice ; Annabel Guérédrat — Hysteria 2 — Mes larmes sont de l'or

Dossier les Outre-Mer à la Cité Internationale des Arts — I/IV

Bénédicte Alliot et Jonathan Bougard — 2022-10-29T12:25:15Z

Avec plus de mille deux cents artistes du monde entier en résidence chaque année, la Cité Internationales des Arts est la plus grande résidence d'artistes au monde. En 2021, une première promotion de quatre artistes polynésiens bénéficie ainsi d'une résidence de quatre mois en plein cœur de Paris. Bénédicte Alliot, directrice générale de la Cité,entend ouvrir l'institution qu'elle dirige vers des pratiques qui ne sont pas foncièrement traditionnelles, mais qui relèvent d'un dialogue avec les traditions particulières aux Outre-Mer lointains.

C'est à l'occasion de recherches visant à établir une comparaison entre les pratiques artistiques traditionnelles coutumières, ou plutôt ce qu'il en reste, diverses traditions étant réduites à la production d'objets typiques destinés au marché touristique, du moins en ce qui concerne la sphère des arts visuels, et l'art institutionnel occidental, qui impose de passer sous les fourches caudines d'un discours académique hyper référencé, forcément hermétique aux créateurs autochtones, que je suis arrivé à la Cité Internationale des Arts de Paris, lieu d'échanges et de partage s'il en est. Mon idée était de passer par le prisme des ambassadeurs de la culture polynésienne, pour identifier avant tout les possibles points de contact comme les possibles conflits avec l'art occidental mondialisant, qu'ils soient politiques ou plus culturels.

Des rencontres et des conversations ont vite élargi ce prisme, dans un premier temps à l'ensemble des Outre-Mer, puisqu'il y a bien une scène ultramarine qui se retrouve ponctuellement sur certains lieux de convergence comme la Cité Internationale des Arts, puis à l'ensemble de la francophonie, ce qui correspond grosso-modo à l'ancien empire colonial français. En effet, sans prendre en considération les histoires particulières de ces états souverains qui ont en commun d'avoir connu la colonisation de leurs territoires, il serait difficile de se pencher sur la question de la circulation des pratiques artistiques traditionnelles qui nous intéressent, qui étaient toutes à la base magico-religieuses, et ont commencé à changer de nature avec l'arrivée de l'évangile. Au Congo comme en Polynésie par exemple, le citoyen ordinaire, qu'il soit christianisé ou marxisé, aura le même rejet pour la statuaire précoloniale, réputée maléfique.

La sphère des arts vivants traditionnels, chants et danses, se trouve quant à elle cantonnée dans des festivals folkloriques localement comme à l'international, Heiva en Polynésie, Carnavals dans les autres îles, CIOF en métropole comme à l'international. Les scènes institutionnelles occidentales demeurent hermétiques au ori tahiti comme aux danses caribéennes et africaines. Les écoles de danses africaines et polynésiennes, ainsi que les troupes, sont pourtant de plus en plus nombreuses dans le monde occidental comme en Asie. Si les percussions africaines sont aujourd'hui enseignées dans de nombreuses écoles en France, il n'est encore fait mention dans aucun programme des percussions polynésiennes. Certaines traditions, les plus lointaines, demeurent parfaitement invisibles. Un spectacle grandiose comme le Heiva i Tahiti, avec des troupes pouvant compter plus de cent cinquante membres, devrait pourtant attirer les foules sur les plus grandes scènes occidentales, si quelqu'un avait la bonne idée de s'occuper de sa promotion à l'international.

Force est de dresser le constat que l'on n'a pas encore établi de dialogue, et encore moins d'échanges, entre les scènes contemporaines institutionnelles, c'est-à-dire les lieux du pouvoir officiel, et les représentants de ces cultures traditionnelles extra européennes, comme on avait pu en connaître à l'époque coloniale au sein des expositions internationales et des scènes prestigieuses de l'époque. Joséphine Baker était bien visible, elle n'a pourtant pas fait école.

Le 17 mars 2017 à Paris, Edouard Fritch président de la Polynésie française et Audrey Azoulay ministre de la culture et de la communication, ont signé conjointement une convention-cadre Pays-Etat relative à la culture. Dans le préambule de ce texte, on peut lire que la culture polynésienne est ouverte et s'est enrichie de l'apport, de la confrontation et du métissage avec d'autres cultures. Qu'elle constitue un élément d'attractivité fort, notamment en termes touristiques. Que les richesses culturelles et le dynamisme de la création artistique locale conduisent à l'émergence d'une économie de la culture qui mérite d'être accompagnée. Les objectifs de cet accord étaient principalement de favoriser la production et la circulation artistique et de développer l'accessibilité à la culture par la lecture publique, le spectacle vivant, des équipements culturels adaptés. Suite à la signature de cet accord une Mission aux affaires culturelles (MAC) a été créée en 2018 en Polynésie française.

Dans la foulée de cette convention, un concours « Résidence d'artiste – Cité internationale des arts » est mis en place en Polynésie française, fruit d'une collaboration entre le Haut-commissariat, le Gouvernement de la Polynésie française et la Cité internationale des Arts. En 2021, une première promotion de quatre artistes polynésiens bénéficie ainsi d'une résidence de quatre mois en plein cœur de Paris, ce qui leur permet d'élargir leur réseau. On tourne vite en rond sur une île. En 2022 une seconde promotion essentiellement féminine arrive à Paris, et en 2023 une résidence retour sera instaurée en Polynésie, destinée aux créateurs de métropole ou d'ailleurs.

Le programme se rode donc, et inaugure un rapprochement entre les créateurs polynésiens et ceux du reste du monde. Avec plus de mille deux cents artistes du monde entier en résidence chaque année, la Cité Internationales des Arts est la plus grande résidence d'artistes au monde. Assez peu connue en métropole, il s'agit pourtant d'un des lieux phares de la scène artistique internationale. Il ne s'agit pas d'un établissement public mais d'une fondation reconnue d'intérêt public, ce qui lui permet une plus grande liberté d'action.

Un entretien avec Bénédicte Alliot, directrice générale de la Cité, est une bonne introduction à ce dossier. Très investie dans la vie du lieu, elle s'entretient individuellement avec chacun des plus de 1200 lauréats reçus chaque année. Suivront d'autres entretiens avec des artistes dont les pratiques ne sont pas foncièrement traditionnelles, mais qui relèvent d'un dialogue avec les traditions particulières aux Outre-Mer lointains.

Au sein de l'atelier de sérigraphie, un des trois ateliers partagés avec l'atelier de gravure et celui de four céramique

Pouvez-vous me parler un petit peu de l'histoire du lieu ?

La Cité Internationale des Arts a bientôt soixante ans. En 2025 on va fêter ses soixante ans officiels. En fait elle a commencé à accueillir des artistes en 1963, mais on va fêter joyeusement ses soixante ans en 2025. Elle a accueilli des artistes de toutes nationalités, toutes générations, toutes disciplines, sans s'arrêter, puisque pendant la pandémie on est restés ouverts, on a pu garder des artistes qui ne pouvaient pas rester chez eux, et puis on a réussi à transformer le projet de la Cité pour en faire encore plus un lieu d'accueil et d'hospitalité, ce qu'il a toujours été. Puisque le projet de la Cité Internationale des Arts, porté par deux personnes, un couple, les Brunau, porte en fait un projet utopique, un projet de paix, d'un endroit neutre dans Paris qui puisse réunir le monde entier, et qui puisse accueillir dans des conditions dignes de travail, mais aussi d'habitation, des artistes du monde entier, y compris d'ailleurs des artistes français. Moi je suis arrivée en 2016 à la Cité Internationale des Arts et j'ai souhaité, en tout cas dans le nouveau projet d'établissement de la Cité, aussi pouvoir accueillir de manière plus prioritaire des artistes qu'on voyait très peu passer par la Cité. Donc il y a des artistes de toutes les Outre-Mer notamment, et puis des artistes de zones du monde qui étaient très peu représentées, comme des artistes du continent africain.

Intéressant.

Ha c'est un projet passionnant. C'est une fondation reconnue d'utilité publique, puisque c'est porté par cette initiative de deux personnes, mais qui a bénéficié, donc au cœur de Paris, d'un terrain qui a été accordé par la ville de Paris, et on est sur deux sites. Donc on est dans le Marais, où on est aujourd'hui. Dans le Marais on accueille 290 artistes en même temps, et on accueille une trentaine d'artistes sur la butte Montmartre, une trentaine d'artistes qui sont logés et qui ont des ateliers de travail dans un jardin. C'est vraiment deux sites qui sont complémentaires, et cela pour Montmartre depuis 1971. Donc ça fait cinquante et un ans que là aussi on développe des résidences d'artistes. Donc on est sur deux sites et avec toute l'équipe on se mobilise pour non seulement accueillir et accompagner les artistes dans leurs projets, parce qu'ils viennent tous pour des durées temporaires, c'est de trois mois à un an, et donc les équipes accompagnent les artistes sur les projets pour lesquels ils viennent à Paris, et en même temps on a développé tout un volet de programmation très important pour valoriser le travail de ces artistes pendant leurs résidences. Donc des artistes du monde entier. On a de la performance, on a du dessin, on a une bédéiste, et tous les mercredis comme aujourd'hui, tous les mercredis soirs de dix-huit heures à vingt et une heure, on a des portes ouvertes. Puisque les artistes ouvrent leurs portes à tous les publics, les professionnels mais aussi l'homme de la rue. On tient beaucoup à valoriser le travail des artistes. On se fait accompagner aussi par des partenaires. Tous les mercredis les artistes ouvrent leurs portes au public, mais aussi ils vont se produire en danse, en théâtre ou en performance, puisqu'on a un auditorium, mais on travaille également avec énormément de partenaires. Des partenaires qui vont nous aider à accompagner financièrement les artistes qu'on accueille ici, je rappelle que c'est 325 artistes qu'on accueille en même temps sur ce site, entre mille et mille deux cents par an, c'est colossal, c'est le plus grand centre de résidences d'artistes au monde, et on peut le dire puisqu'on en est fier, c'est une ville dans la ville. Le travail qu'on fait aussi avec les artistes c'est de leur ouvrir les portes des réseaux professionnels internationaux, parisiens mais au-delà européens. Donc ça c'est très important dans le parcours d'un artiste tout au long de sa vie. Et c'est pour ça aussi qu'on accueille des artistes qui sont non seulement des artistes émergents, qui sortent des écoles etc… Mais on accueille aussi des artistes qui ont déjà une forte expérience, dans un parcours déjà bien confirmé, mais qui ont besoin par exemple de revenir travailler, faire une recherche, et donc ils reviennent ou ils viennent à la Cité Internationale des Arts à Paris.

Donc ils peuvent revenir ?

Si le projet le justifie ils peuvent revenir. Ils peuvent revenir et il y a même certains artistes qu'on encourage à pouvoir venir sur des durées on va dire de trois mois, puisque le visa Schengen permet ça par exemple, mais le projet n'est pas encore complètement terminé, et on va avec des dispositifs, avec nos cent cinquante partenaires, on va s'arranger pour qu'ils puissent revenir par exemple un an plus tard. Et poursuivre leur projet. Et encore développer et consolider leur réseau. Ça c'est très important. C'est ça aussi un lieu d'hospitalité. Ce n'est pas seulement une fois que vous venez, mais c'est plusieurs fois. Et l'hospitalité, on l'interroge nous à chaque fois. C'est-à-dire qu'on est aussi un lieu, il faut le savoir, ou on accueille des artistes en exil, ou des artistes réfugiés, ou des artistes qui ne peuvent pas travailler librement dans leur pays. Soit ils viennent de manière temporaire, soit ils vont venir à la Cité Internationale des Arts et ensuite ils vont s'insérer dans le tissus de la société française et prendre leur chemin. Mais c'est une dimension aussi très importante de notre action. Et on est soutenu, je tiens à le dire, on a cent cinquante partenaires du monde entier mais aussi des français, et on est aussi soutenu par la puissance publique, qu'il s'agisse de la ville de Paris ou du ministère de la culture, du ministère des Outre-Mer, pour développer des actions particulières.

D'accord. Là on est devant une fresque, que pouvez-vous m'en dire, de cette fresque ?

C'est la fresque d'Abuz. Abuz il est venu en 2021, a fait partie de la première promotion d'artistes de la Polynésie française de toute l'histoire de la Cité Internationale des Arts. On a travaillé main dans la main pendant deux ans avec le gouvernement polynésien et aussi avec le ministère de la culture ici en France, et on a monté un programme absolument remarquable ou quatre artistes polynésiens qui sont choisis, il y a un jury qui se réunit, on choisit sur dossier, bénéficient de quatre mois de résidence à la Cité Internationale des Arts. Et c'est toutes les disciplines qui sont concernées. Donc l'année dernière nous avions surtout des plasticiens et plasticiennes. Cette année on est dans l'écriture, on est aussi dans les arts plastiques, on a quatre femmes cette année, qui termineront toutes leurs résidences à la fin novembre. Vous savez, c'est très très loin, on est géographiquement très loin en Polynésie, on a d'autres artistes qui viennent aussi de très loin, mais ce qu'il faut savoir c'est que ce sont des scènes du coup qui sont aussi méconnues en France. Ce sont des pratiques, des approches, des pensées, qui sont quand même méconnues, et donc notre rôle il est aussi de passer et de faire connaître ces manières de penser, ces manières de travailler sur certains supports. Donc c'est une joie pour ces artistes de pouvoir non seulement venir à Paris consacrer cent pour cent de leur temps au travail et à rencontrer des autres artistes, puisque c'est ça la force de la Cité Internationales des Arts, c'est d'avoir plus de trois cents artistes en même temps qui peuvent se rencontrer. Donc on stimule beaucoup ces rencontres-là. C'est donc bénéfique pour eux mais c'est extraordinaire pour nous, c'est extraordinaire pour l'hexagone. Tout d'un coup on voit le travail d'artistes polynésiennes en train de se déplier, en train de se faire.

Bénédicte Alliot visite Leia Chang Soi, bédéiste polynésienne qui profite de sa résidence pour s'initier à la technique de la sérigraphie

Est-ce que vous avez eu l'occasion de les rencontrer ?

Oui bien sûr, je les ai rencontrées, je les ai même revues, et puis mon équipe n'en parlons pas… Mais moi effectivement je les ai rencontrées personnellement individuellement, j'ai rencontré Leia qui a sa porte ouverte ce soir, mais j'ai rencontré évidement toutes les autres, il y en a une qui partait à Brooklyn à un très grand festival du livre, elle a une traduction en anglais, donc là moi je me propose de l'accompagner sur des mises en contact plutôt j'allais dire plus hexagonales puisque je connais un peu le terrain là-dessus, et aussi parce que les écritures, quelles que soient leurs formes, sont aussi des pratiques très importantes dans la vie de la Cité. Quand je suis arrivée en 2016 j'ai souhaité remettre les écritures en avant parce que les écritures elles sont précédées, ou elles se sont succédé par la parole, et il faut que les gens puissent échanger, il faut que les gens puissent être en conversation. Etre en résidence d'artiste, quand on est au sein d'une communauté de trois cent vingt-cinq artistes, c'est véritablement entrer en conversation avec le monde, entrer en conversation avec des modes de pensées qui sont nécessaires pour les gens que nous sommes nous. Qui sont nécessaires pour les artistes mais surtout pour les autres. C'est cette compréhension du monde, ces questionnements que proposent les artistes qui nous intéressent. Et la promotion des artistes polynésiennes cette année, on est très heureuses de les avoir parce que ce sont des conversations extrêmement enrichissantes aussi pour le territoire ici.

Et comment voyez-vous l'avenir de ce partenariat ?

Ecoutez on a signé une convention triennale, donc déjà c'est tout à fait remarquable, cette confiance avant même d'avoir expérimenté la première résidence l'année dernière, c'est assez remarquable d'avoir établi cette confiance dans le travail de préparation. On est très reconnaissants à nos partenaires, on est accompagné aussi par d'autres partenaires, Tahiti Nui etc… Trois ans ça permet de construire et d'améliorer un programme de résidence. Au fil du temps on voit. Donc c'est ce qu'on a fait. Déjà la deuxième promotion qu'on accueille cette année, on a commencé à faire des améliorations à certains endroits dans la manière de les accompagner, et on va revoir le ministre dans les prochains jours, on en parlera, même si on a encore une année, l'année 2023, on souhaite déjà travailler à la suite. En fait idéalement on voudrait que le programme soit en quelque sorte pérenne, enfin c'est un idéal, mais en tout cas qu'il dure le plus longtemps possible. Vous savez, je vais vous dire une dernière chose : c'est tellement important pour nous, ce programme, et je vous dis, on en a cent cinquante. Donc il y a ce programme, et puis il y en a cent quarante-neuf autres. Tous les programmes sont importants, mais il est tellement important, et c'est simplement la deuxième année, que grâce au soutien du ministère des Outre-Mer, nous avons souhaité développé tout de suite, et donc dès 2023 ça va exister, des résidences retour qui vont permettre à des artistes d'ailleurs, de l'hexagone et peut-être d'ailleurs, de pouvoir se rendre en Polynésie en résidence. Et ça, nous c'était l'objectif. Et en fait il y a une telle relation de confiance, c'est un tel bonheur véritablement de pouvoir travailler ensemble, de pouvoir accueillir ces artistes, qu'on a décidé qu'on allait le faire tout de suite. Et donc il y a deux artistes, je ne peux pas vous dire les noms parce qu'on est en phase de confirmation, mais quelqu'un qui travaille plutôt en photographie et en spectacle vivant, et quelqu'un qui travaille sur des formes artisanales de textiles mais aussi les arts plastiques, qui ont été pressentis pour partir entre six semaines et trois mois en Polynésie. Enfin c'est une aventure. Et ça c'est une sacrée réussite. Voilà, donc c'est cette réciprocité, cette mobilité et ce flux qui est aussi important qu'on puisse instaurer. On n'est pas le centre du monde. Je pense que vous l'avez compris. L'idée c'est vraiment de pouvoir faire en sorte que les artistes se rencontrent ici, mais on développe énormément de partenariats ou on envoie des artistes ailleurs, et là le fait d'aller vraiment en Polynésie, pour ces artistes-là, je peux vous dire ils sont restés sans voix croyez-moi.

Portes ouvertes de l'atelier de sérigraphie de la Cité Internationale des Arts

J'aurais une dernière question, les artistes sont reçus sur dossier, est-ce qu'il y a un travail à rendre à la fin de la résidence, où une évaluation ?

Alors ils sont sélectionnés sur dossier donc ils ont généralement un portfolio qu'on limite, parce que… Avec une description de projet, un CV, parcours de vie et tout ça, mais il n'y a pas d'obligation de restitution à la fin de la résidence. En revanche on les incite énormément, et Leia est un exemple ce soir, elle fait un open studio, et je sais que les trois autres vont en faire, mais à priori dans un mois, à peu près un mois. Mais là ce qui est formidable c'est que on les incite, parce que la porte ouverte, il y a d'autres manières de faire des résidences, c'est aussi une manière de se confronter au travail que l'on fait soi-même. Puisque elle va ouvrir son atelier, elle va montrer son travail, elle va interagir avec le public. C'est aussi très important pour un artiste de parler de son travail, de savoir en parler. Donc on est très heureux qu'elle ait fait ce choix et qu'elle le montre. Et puis on est très heureux parce que c'est une très grande artiste.

Hé bien merci.

Merci à vous.

Frontispice : Bénédicte Alliot devant la fresque réalisée sur le mur des ateliers partagés de la Cité Internationale des Arts par un artiste de la première promotion polynésienne en 2021

Entretien réalisé à la C.I.A. le mercredi 19 octobre 2022

Dossier les Outre-Mer à la Cité Internationale des Arts — II/IV

Jonathan Bougard et Leia Chang Soi — 2022-10-29T12:20:53Z

Leia est actuellement en résidence à la Cité Internationale des Arts de Paris pour quatre mois. Passée par quatre années d'études à l'école Pivaut, elle ambitionne de réaliser une bande dessinée polynésienne, la première réalisée par une artiste autochtone.

On pratique encore beaucoup en Polynésie un art que Jean Guiart qualifiait d'art de femme du colonel. C'est classique dans les anciennes colonies tropicales, les femmes de militaires peignent pour passer le temps. La culture polynésienne c'est d'abord la danse, l'art oratoire, le tatouage et la sculpture en taille directe du bois, de la pierre et du corail. Ce sont les fondamentaux. Le dessin et la peinture sont les arts du colon, arrivés avec l'équipage de Cook et puis Gauguin. Gauguin a été un des premiers occidentaux, avant la mode de l'art nègre, à s'inspirer des arts indigènes. Lors de l'exposition universelle de 1889 il achète deux statuettes gabonaises. Ses sculptures polynésiennes sont probablement plus importantes que ses toiles, parce qu'elles inaugurent un dialogue avec les arts traditionnels indigènes. S'il n'avait fait que peindre, Gauguin serait tombé aux oubliettes depuis longtemps.

Les artistes dont on se souvient en Polynésie sont tous des étrangers : Gauguin, Ravello, Bobby Holcomb, Jean-Charles Bouloc. Le plus emblématique actuellement, Andreas Dettloff, est un allemand de Dusseldorf. Ce qui n'enlève rien à l'importance de sa contribution à l'histoire des arts océaniens. Simplement tous ces gens pratiquaient et pratiquent encore un art venu d'Europe. Les artistes indigènes, sculpteurs, chorégraphes où poètes, commencent à peine à être reconnus. Les plus traditionnels sont aussi les plus revendicatifs, les plus identitaires, et les plus dérangeants politiquement. Ils s'appellent Te Arapo, Madeleine Moua, Henri Hiro, Coco Hotahota, John Mairai, Sem Manutahi où Vaiere Mara, le premier sculpteur polynésien à s'être dégagé de la statuaire traditionnelle très codifiée pour laisser libre court à son imaginaire.

Un porteur de patrimoine comme Chief Miko, tout à la fois sculpteur, orateur, navigateur, maître de cérémonie, chanteur et musicien, ne demandera jamais la carte d'artiste professionnel mise en place par le gouvernement de la Polynésie française. Il a d'autres réseaux. Ce faisant, c'est une grande partie de la culture polynésienne qui demeure invisible depuis la métropole, et même en Polynésie il faut bien chercher pour y avoir accès. Ces gens vivent cachés au fond des vallées…

Aucune tradition n'est figée. Il y a des pratiques plus rigoureuses que d'autres. La bande dessinée par exemple demande de maîtriser un grand nombre de codes. Passée par quatre années d'études à l'école Pivaut, Leia Chang Soi ambitionne de réaliser une bande dessinée polynésienne. Ce serait la première bande dessinée polynésienne réalisée par une artiste autochtone.

Leia est actuellement en résidence à la Cité Internationale des Arts de Paris pour quatre mois. Je suis allé lui rendre visite pour en savoir plus. Et je puis le dire : Leia Chang Soi n'est pas une femme du colonel de plus.

Leia Chang Soi reçoit la visite de Bénédicte Alliot, Directrice de la Cité Internationale des Arts, très investie dans la vie du lieu

Peux-tu te présenter rapidement ?

Je suis illustratrice et réalisatrice de courts-métrages animés. Actuellement on est en résidence à la cité internationale des arts de Paris. Nous sommes quatre lauréates polynésiennes à avoir réussi le concours. Du coup on est en résidence pour quatre mois. Ça fait déjà deux mois que nous sommes là. Ça passe très vite.

Du coup comment se passe ce séjour ?

C'est super, on a plein de choses à faire et du coup on n'a pas le temps de s'ennuyer, on rencontre plein de monde et ça nourrit notre créativité d'être entourés d'autant d'artistes du monde entier.
Et c'est en plein cœur de Paris…
Oui dans le quatrième, et on a des avantages au niveau des musées, on peut les visiter gratuitement ou à tarif réduit, ça dépend des endroits, du coup on a vraiment l'opportunité de voir beaucoup d'expositions.

Alors qu'à tu visité pour le moment ?

Le musée d'Orsay, le quai Branly, Carnavalet, la cité de l'architecture et du patrimoine, le musée Cernuschi, le musée Picasso c'est le premier que j'ai visité, le palais Galliera aussi avec l'exposition Frida Kahlo. Vraiment beaucoup de choses quoi.

Et il y a beaucoup d'artistes en résidence ici ?

Aux alentours de trois cents artistes qui viennent de partout dans le monde. Du coup c'est riche, ils amènent tous une part de leur culture, de leurs valeurs, de leurs idéologies, on en discute et même si nos problématiques ne sont pas forcément… Enfin les problématiques sont les mêmes, mais de nos cultures propres. J'ai rencontré des africains, des latinos, et on est tous pareils d'une certaine manière.

Et comment vous communiquez ?

En général on parle anglais. Après s'ils parlent français c'est top. Il y en a certains qui font l'effort de parler français parce que leur objectif c'est d'apprendre le français. On essaye de parler dans les langues qu'on connaît tout simplement.

Vous avez chacun votre studio. Il n'y a pas d'atelier partagé ?

Les seuls ateliers communs se sont les ateliers de sérigraphie, de gravure et puis de four céramique. Tout le reste est individuel. En fait ces ateliers collectifs, il me semble qu'ils ont été mis en place l'année dernière, avant il n'y avait que l'atelier de gravure, une session dans l'année, et là cette année on a deux sessions. Une en gravure et une en sérigraphie.

Leia Chang Soi — Expérience en sérigraphie

Là tu travailles sur quoi en ce moment ?

Sur une exposition collective avec les lauréates de Polynésie. Notre thème c'est la femme polynésienne. Nous sommes quatre lauréates, il y a Titaua Peu, Tevaite et Patti Bonnet. Du coup quatre femmes, et le thème s'est imposé assez rapidement. On a voulu partager comment chacune d'entre nous voyait la femme de Polynésie, parce que finalement à part Titaua Peu qui est tahitienne, marquisienne, en fait elle est quand même demi, on est toutes demi en fait… Et je pense que ça apporte un point de vue en fait qui représente la Polynésie, parce que finalement c'est un mélange.

Ça me fait penser au dessin tressé comme on tresse le bambou que tu m'as montré.

Si cette technique-là m'a beaucoup intéressé c'est parce que ça mêle deux papiers différents, comme je suis métisse, du coup là je suis en train de faire beaucoup de tests pour l'exposition collective, je suis sûre que je vais pouvoir proposer quelque chose qui me convient.

Il y a tout un mythe de la vahiné, qu'est-ce qu'elle représente la femme polynésienne aujourd'hui pour toi ? D'un côté on parle beaucoup de déconstruire le mythe, c'est très en vogue, toi tu te situes où par rapport à ça ?

Moi je trouve que la femme polynésienne elle est vraiment belle parce qu'elle est forte. Elle a du caractère, et elle est capable de faire des choses. Et je pense que les femmes de Polynésie sont capables de faire beaucoup de choses. C'est ça que j'ai envie de montrer dans mes dessins. Qu'elles peuvent être belles mais qu'elles peuvent aussi porter leur peuple.

Et toi d'où tu viens ? Où as-tu grandis je veux dire ?

Je suis née à Tahiti, j'ai vécu toute mon enfance à Moorea, ma maman est chinoise et mon papa tahitien du coup j'ai beaucoup navigué entre les deux et c'était un petit peu compliqué parce que le métissage c'est bien, on a l'impression que notre culture est plus importante parce qu'il y a deux cultures, mais on se rend compte aussi que l'on est de nulle part, parce que quand tu est chez les tahitiens ils te traitent de chinois, ils te disent que tu n'es pas à ta place, et quand tu es chez les chinois ils te disent que tu es tahitien… Du coup c'est un peu compliqué et à la fois c'est riche. Je pense qu'il faut juste accepter le fait qu'on est dans aucune catégorie et puis qu'on peut en créer une. J'ai pris du temps pour comprendre ça.

Leia Chang Soi — Où sont passées les sirènes

Les demis sont un peu mis à l'écart par les polynésiens parfois…

Après je ne pense pas que ça soit quelque chose de méchant. C'est juste qu'on est différents. Il faut juste accepter d'être différent, pour s'approprier les cultures qu'on a. Et pas juste se chercher. Moi je me suis cherchée longtemps. Et je continue mais j'ai l'impression de me trouver un petit peu plus au fil du temps.

Et sinon c'était où à Moorea ?

J'ai vécu à Haapiti.

C'est un bel endroit…

Oui c'est un bel endroit et en plus on est tranquille, et les gens sont assez sympas. On n'a jamais vraiment eu de problèmes avec les gens. En fait j'ai eu une bonne enfance.

OK. Donc tu travailles sur une bande dessinée depuis un certain temps…

Je suis venue en résidence pour un projet de bande dessinée mais réaliser une bande dessinée c'est un rêve d'enfant en fait, même quand j'ai postulé pour l'école Pivaut dans laquelle j'ai étudié pendant quatre ans, l'objectif premier c'était de faire une bande dessinée parce qu'en fait je trouvais que la bande dessinée c'était un bon outil pour promouvoir ma culture. J'ai finis par sortir de l'école Pivaut avec une option animation 2D mais c'était riche parce que quand tu fais de l'animation 2D tu es capable de créer des personnages, de réaliser des décors, de faire de la composition d'images, de faire bouger des personnages, des objets, et je pense qu'avec les outils que j'ai, de faire de la bande dessinée ça ne serait pas trop compliqué.

Leia Chang Soi — Composition du strip Où sont passées les sirènes

La bande dessinée on y a quand même assez peu accès en Polynésie, on en trouve peu, donc quelles sont tes références, tu as lu de la bande dessinée ?

Oui. Il y a certains auteurs que j'aime beaucoup comme Florent Maudoux qui a réalisé les Freaks' Squeele, il y a aussi les comics Saga, c'est américain et je trouve que la coloriste est géniale, et même le dessinateur parce que son trait est vraiment dynamique, et puis après il y a beaucoup de mangas que je lis aussi, du coup. Si je parviens à faire un mélange de tout ce que j'ai lu jusqu'à présent et à y mettre ma touche personnelle, ça serait bien. Ce que j'ai beaucoup lu dans ma jeunesse c'était des comics et des revues Mickey, le journal de Mickey et puis beaucoup de mangas. Beaucoup de mangas. Après j'ai commencé à lire beaucoup de BD françaises quand je suis venue en France. Je me suis rendue compte qu'en France il y avait plein de styles. Les BD que j'ai lues ici racontaient des histoires à long terme, alors que les Boule et Bill c'était des blagues par pages. En fait je ne suis pas faite pour faire des BD humoristiques.

C'est vrai qu'ici et un peu partout il y a toute une école du roman graphique qui s'est développée et que ça en Polynésie on ne l'a pas encore vu.

J'ai lu des bandes dessinées qui parlaient de la Polynésie mais elles n'ont pas été écrites par les locaux.

Leia Chang Soi — Expérience en sérigraphie

Effectivement il n'y a rien qui a été fait localement.

En fait il y a des associations qui ont fait des BD pour protéger l'environnement, mais moi j'aime bien tout ce qui est fantastique, j'aime bien lire parce que ça m'apprend beaucoup de choses mais ce qui m'intéresse le plus ce sont des histoires avec des super héros, avec de l'action, avec de la poésie peut-être aussi, c'est ce genre de choses que j'ai envie de faire.

J'ai vu ton cahier de croquis et effectivement, il y a beaucoup de textes.

Parce que je suis là aussi pour beaucoup écrire. La première période de mon séjour en résidence je l'ai passée à beaucoup écrire, à visiter des musées, visiter la ville, mais aussi beaucoup à écrire parce que c'était mon objectif premier jusqu'à ce qu'on ait le projet de l'exposition collective avec les filles. Maintenant si je veux pouvoir montrer quelque chose il faut que je produise.

Donc qu'attends-tu des deux mois qui viennent ?

On a projeté de faire cette expo collective, je vais aussi faire mon open studio, du coup ouvrir mon atelier un mercredi de 18 heures à 21 heures pour montrer tous les projets que j'ai pu mettre en place durant la résidence. J'aurais aussi aimé boucler mon dossier éditorial pour la bande dessinée parce que je suis venue pour ça et j'ai envie d'avoir quelque chose de fini. Enfin fini, après la BD il va falloir la finaliser, composer les images, l'encrer, la mettre en couleurs, mais j'ai envie d'avoir quelque chose de fini pour pouvoir montrer mon projet à des maisons d'édition.

OK. Sinon il y a quelques années a été mis en place en Polynésie un statut d'artiste avec une carte d'artiste professionnel. Est-ce qu'il faut avoir cette carte pour accéder à ce genre de résidence ?

C'était la condition pour prétendre à une résidence. Du coup il fallait la carte professionnelle. Il fallait une copie de la carte pour être éligible à ce concours.

Et du coup les artistes professionnels en Polynésie, tu les connais ? Que se passe-t-il en ce moment ?

Depuis la covid je ne suis pas beaucoup sortie, et comme je n'ai pas internet illimité à la maison je ne me suis pas trop renseignée… Par contre j'ai eu la chance de rencontrer des artistes au moment où j'ai postulé pour ce concours, il y a eu des entretiens, j'ai rencontré des artistes de chez nous, on a parlé de ce qu'on faisait, et je trouve qu'ils ne se débrouillent pas mal.

Leia Chang Soi — Où sont passées les sirènes — détail

Et tu penses à qui ?

Je pense à Lovaina qui faisait des parfums, je la connaissais de nom parce qu'on a participé à une exposition collective sur Mona Lisa, j'avais trouvé que tout ce qu'elle proposait c'était cool et du coup on a pu se parler, elle est super sympa et elle a des idées aussi au niveau de ce qu'elle veut faire plus tard.

J'ai vu aussi quelques petites pièces en argile, tu t'es essayée un peu au modelage…

Oui, de la terre cuite. Pouvoir faire du volume, sculpter, c'est quelque chose qui m'intéresse beaucoup. Alors j'essaye… Si j'ai l'occasion de travailler le volume avec mes dessins je le ferais un jour.

Il y a quelques années tu as fait un film d'animation qui a eu un certain écho.

J'ai réalisé un court-métrage animé pour la fin de mes études, du coup je suis sortie avec les félicitations du jury, avec ce court-métrage qui est une réinterprétation de la légende du cocotier.

Et tu as d'autres idées ?

J'ai d'autres projets mais je ne peux pas tous les réaliser maintenant, je les laisse murir et si un jour je n'ai plus d'idées je retournerai dessus, peut-être que j'attends de murir aussi un peu pour pouvoir monter des projets beaucoup plus ambitieux que ce que je fais actuellement.

Frontispice : Leia Chang Soi — Crayonné

Entretien réalisé à la Cité Internationale des Arts de Paris le mercredi 12 octobre 2022.

Stéphane Godard ft Jean-Francis Fernandès

2021-11-30T22:54:40Z

Un atelier exceptionnel, deux artistes qui ne se connaissaient pas, parlent de la rencontre de leur travail. Jean-Francis Fernandès featuring Stéphane Godard et réciproquement

Dans LA DINITER, Un autre regard sur Les enfants exceptionnels, Stéphane Godard rencontre les images de Jean-Francis Fernandès pour parler du handicap.
Mais tous les deux ne se connaissaient pas, ils ne s'étaient jamais rencontrés.

Avec TK-21, Virginie Rochetti, instigatrice de ce projet, a organisé une rencontre / projection / discussion, où ils ont pu exprimer leur ressenti du travail de l'autre et échanger avec le public.

Stéphane Godard ft Jean-Francis Fernandès par TK-21 sur Vimeo.

Le corps en désordre

Martial Verdier — 2021-10-31T13:29:34Z

Le corps est présent dans l'art depuis les origines, mais sa valeur symbolique s'est dissoute pour laisser la place à un corps de plus en plus érotisé, et par voie de conséquence, de plus en plus nié par la pudibonderie religieuse relayée par les réseaux sociaux.

Cette table ronde parle de la rencontre des cultures par ce qui est le plus proche de nous et ce qui est sans doute le plus contraint, le corps.
A travers le travail de photographe, plasticiens et théoritiens nous cherchons à voir quelles tentions peuvent apparaître et quelles approches chacun met en œuvre pour en parler.
avec :

Veronica Barbato
Olga Caldas
Oleñka Carrasco
Maria Clark
Daniela Goeller

Nous parlons de l'acte de création.
Nous réfléchissons en images (et en actes) d'abord, nous élaborerons dans un autre temps une phase plus théorique.

Comme base de départ nous posons ces questions :
⁃ Comment, pourquoi travailler sur le corps, comment penser l'acte créatif ?
⁃ Pour moi travailler sur le corps est un acte politique, qu'en est il pour les autres ?
⁃ Quels sont les réactions à la présentation du travail ?
⁃ Quels sont les blocages, personnels, sociaux… ?
⁃ La notion de plaisir dans le travail avec le corps, nu, comme dans l'acte créatif.
⁃ Quel corps montrer ?
⁃ Corps nu, corps habillé

Introduction

Le corps en désordre - Présentation from TK-21 on Vimeo.

Veronica Barbato

Veronica Barbato from TK-21 on Vimeo.

Olga Caldas

Olga Caldas from TK-21 on Vimeo.

Maria Clark

Maria Clark from TK-21 on Vimeo.

Daniela Goeller

Daniela Goeller from TK-21 on Vimeo.

Oleñka Carrasco

Oleñka Carrasco from TK-21 on Vimeo.

Le projet est de poursuivre cette réflexion dans l'espace et dans le temps.

***

Loin de la rhétorique mortifère, déclamons ! Créons ! Exposons et publions en troublions.

Le désordre c'est la vie, l'ordre est un virus mortel. Retrouver le commun, le partage, l'échange est une mission d'utilité publique. Retrouver un monde où s'exprime la différence, le corps, la vie est une nécessité.
En s'associant à Corridor dans le projet « Éléphant in the Room », TK-21 LaRevue réaffirme sa démarche de promotion d'une création vivante, protéiforme, depuis dix ans nous cherchons avec des photographes, sound designer, vidéastes, brodeuses-brodeurs, théoriciennes-théoriciens, écrivaines-écrivains, plasticiennes-plasticiens... à voir-montrer autrement le monde.
Nous travaillons avec ceux qui inventent des histoires autour de leurs créations, des histoires proches de la réalité, des histoires à s'approprier, des histoires à imaginer.

« Pour un monde de jouissance à gagner, nous n'avons à perdre que l'ennui » (Raoul Vaneigem).

Pour tout voir à la suite : https://vimeo.com/631832268

Le corps en désordre, le 18 septembre 2021
Elephant in the room une exposition Corridor Elephant du 13 au 25 septembre
LeStudio
38 - 40 rue de la Victoire 75009 PARIS

Les tables de l'imaginaire

Christophe Robe et Jean-Louis Poitevin — 2018-09-26T16:09:37Z

Peintre à la maturité affirmée, Christophe Robe opère depuis quelques années une bascule à la fois radicale et puissante dans son travail. Cette bascule est le fruit d'une réflexion toujours continuée mais aussi d'un « abandon » à des gestes, à des pratiques, à des enjeux picturaux que, jusqu'alors, il ne s'était pas autorisé à activer.

Les tables de l'imaginaire note sur les œuvres récentes de Christophe Robe

Avant

Vouée à enchâsser un réel pensé dans le réel de la toile, sa peinture avait la rigueur d'une approche réfléchie de l'art et la précision d'un travail d'orfèvre. Si les grands à-plats offraient des plages de respiration, la relation entre les éléments représentés, leur singulier emboîtement dans un espace restreint, la signification explicite ou implicite de chacun, tout concourait à faire se lever en nous une sensation particulière, car l'espace où ils se tenaient était comme suspendu à ces objets emboîtés tels des rébus interrogeant notre mémoire.
Tout était reconnaissable, mais le tableau, lui, nous confrontait à un état du visible occulté par la perception entrée dans l'habitude des mécanismes d'ajustement qui la rendent possible.

La magie de ces rapprochements fonctionnait parce qu'elle nous transformait en visionnaires du quotidien, embarqués dans un voyage immobile par la puissance de la peinture.

Après

Après, c'est-à-dire aujourd'hui, Christophe Robe, au terme d'une réflexion intense, est parvenu à appréhender, dans la peinture même, dans ses possibilités comme dans ses enjeux, dans les questions qu'elle permet d'articuler comme dans les linéaments de sa pratique, des strates nouvelles ouvrant, pour lui, sur des zones perceptuelles auxquelles jusqu'alors nous n'avons pas eu accès.

L'espace conçu comme réel en relation avec l'espace perçu s'est comme dissout assez brusquement pour laisser place, dans le tableau, à un espace d'un autre genre qu'il faut appeler par son nom, celui d'espace mental fortement imprégné d'imaginaire.

Une porte s'est ouverte dans le mur de la représentation qui était celui contre lequel et sur lequel il peignait. Par cette porte, qu'il a ouverte-peinte, il a su s'engouffrer. Alors, comme dans une scène tirée d'un film de Science-Fiction, il s'est retrouvé dans un univers qui semblait n'obéir plus en rien aux lois de la raison.

Liquide, fluide, flottant, même si de grandes verticales viennent conférer à cet espace non euclidien des lignes de forces qui en garantissent la recevabilité, le monde de Christophe Robe s'est retrouvé en train de baigner dans un flux à la fois perceptible et rêvé, comme si tout ce qui jusque-là s'accrochait à l'espace comme à un mur de musée avait été ou s'était abandonné à la jouissance d'être porté et emporté par ce flux.

Abandon

S'il fallait en quelque sorte se convaincre que le réel existe, aujourd'hui, suite à un mouvement profond d'abandon, au sens quasi-mystique de ce terme, Christophe Robe se livre au flux non pour s'y perdre mais bien pour le transformer en un territoire, en une zone viable, en un monde possible et joyeux.
L'abandon signifie accepter de ne pas prendre la place du grand autre pour conférer une signification à ce qui existe et de toujours nous échappe, tout en gardant l'œil ouvert sur ce qui, alors, se produit. Car l'accomplissement de ce geste qui ne laisse aucune trace matérielle, engage tout le vécu, toute la personne, tout le pensable. Et le visible pour un peintre est la forme que prend pour lui le pensable.

Ici, nous assistons à un renversement rare, qui conduit et le peintre et nous qui découvrons ses œuvres, à pénétrer dans le champ même d'une pensée qu'innerve désormais une imagination libérée.

Car ici, dans ces nouvelles peintures, tout flotte et pourtant tout tient. Et c'est bien parce qu'il a acquis une maîtrise de son art qu'il peut aujourd'hui accepter de se laisser porter par ses gestes et « s'accompagner » en quelque sorte dans la découverte, l'invention faudrait-il dire, d'un autre ordre de « réalité » dont il ignorait jusque-là l'existence.

Immersion

C'est donc moins une tabula rasa qui a conduit Christophe Robe à l'entrée de ce monde, que l'acceptation qu'il puisse exister une autre version du réel et qu'il puisse la découvrir en l'inventant. Alors ouvrons les yeux et explorons.
Qu'y voit-on ? D'abord des fonds, de grands fonds colorés qui s'imposent par la sensation de profondeur qu'ils procurent. Le fond est peint à l'aérographe, pistolet à la main, il est repris, gratté, lavé, lessivé et repris, jusqu'à ce que quelque chose se passe qui vienne rendre possible l'émergence de ces éléments qui viendront peupler la toile.

D'entrée, ce fond est hanté par un infini en acte, une profondeur suave. De lui s'avance vers nous pour nous happer, un souffle. Il nous aspire, nous faisant aussitôt désirer nous immerger en lui.

Cette immersion nous installe dans un état proche de celui que connaît le peintre quand il travaille. Pour nous aussi il est question d'abandon à ce qui arrive, de délivrance. Déjà nous flottons et, yeux grand ouverts, nous regardons ce qui passe à portée d'œil.

On voit des formes onduleuses, souples, qui évoquent des cellules agrandies, des plantes aquatiques, des reflets improbables, des lignes de courants sous-marins, des fleurs imaginaires, des animaux fantastiques. Parfois une chose trouve place dans ce flux, un drapeau, un nuage, une branche, mais cette chose ne peut que renforcer par sa présence incongrue la sensation qu'elle n'est qu'un élément imaginaire comme les autres.

Enfin, ici ou là, peuplant la surface comme des écailles d'un souvenir effacé, des plaques de peinture grise ou terne, à la matité tannée par le temps, et qui sont peut-être des souvenirs des toiles d'avant. Anti-motifs, ces morceaux de mémoire morte insistent pour que nous sachions bien que ce que nous voyons est une peinture.

Dépôts de mémoires

Nous nous contentons, le plus souvent, d'une conception réduite et réductrice de « la » mémoire. Nous savons pourtant qu'il en existe plusieurs fonctionnant à des niveaux différents, en nous et hors de nous. C'est un voyage du côté de ce mystère qui constitue le véritable motif de ces toiles.

Ce qui apparaît sur les toiles est à la fois aussi vrai qu'une évidence nouvelle, qu'un souvenir délocalisé et qu'un fantôme passant pas le trou d'une serrure. Ce que nous voyons est prégnant et réel tout en étant patiné à l'imaginaire, au rêve, au fleuve, au lac où dort Ondine.

C'est que celui qui entre dans ce monde, le peintre donc, vient là non pour tenter de recomposer un souvenir précis mais pour retrouver à travers des éléments sans fonction ce qui en lui s'est déposé. Il ne traque pas le vécu, le senti, le pensé, il les appelle et les laisse venir se glisser dans le flux du grand rêve dans lequel ils ont trouvé refuge.

Le tableau est essentiel à sa vie d'homme et de peintre dans la mesure où il lui permet de retrouver non un souvenir mais du souvenir. Avec ces morceaux de souvenirs qui s'inscrivent, il revit, car peindre, c'est faire venir au jour du vécu intense et vrai comme est vrai le château de la princesse ou le baiser du crapaud.
Chaque élément pictural s'impose à lui comme une révélation qui le transporte au-delà du souvenir dans le monde du rêve.

Les couleurs y sont pour beaucoup qui emplissent l'œil de leur tonalité qui est celle d'un moment qu'il va falloir vivre pour savoir ce qu'il a à nous raconter. Les gestes aussi, qui abandonnent la précieuse précision horlogère d'avant pour l'ampleur des vagues et des courants qui balayent l'espace-temps du rêve de leur flux vital.

La tension interne à chaque toile est l'expression de la tension qui l'anime comme sujet cherchant à sortir de l'oubli, pour accéder à une mémoire plus vraie que celle des horloges et des jours.

Cette vraie mémoire est composite parce que fluide, instable, multiple, et, comme l'océan, toujours recommencée. C'est pour cela que Christophe Robe peint des éléments provenant de diverses strates de vécu, éléments aussi radicalement distincts que des cellules du corps, des objets, des pans de l'univers, des vagues de l'océan, des fleurs, des étoiles naines ou infinies, des nuages ou des maisons invisibles.

La puissance de ces toiles vient de ce qu'elles parviennent à allier une dimension cosmique qui vibre dans les flux, à une dimension absolument intime qui se manifeste par la présence incongrue d'éléments hétérogènes et par la sensation d'enveloppement que procurent les fonds.

Dessins

C'est singulièrement lorsque se relâche une certaine pression mentale que le tableau peut en fait se mettre à signifier. Quelque chose se passe qui libère la main d'un certain contrôle et lui permet d'entrer en connexion avec d'autres strates psychiques.

Le dessin, de toujours, comme manifestation la plus directe de la main, a permis aux hommes de faire advenir devant eux des éléments qu'ils pouvaient pressentir mais dont ils ne pouvaient garantir qu'ils ne seraient pas sans contredire ce que leur raison considérait comme acceptable. En ce sens, chaque homme constitue à lui seul, microcosme errant, une manifestation de l'entièreté de l'histoire de l'homme. Dessiner, c'est ainsi laisser aller la main à la dérive et voir ce qu'elle peut bien ramener en suivant le fil du courant.

Chez Christophe Robe le dessin se décline sous plusieurs aspects. Dans l'un, c'est la couleur qui domine. Elle est à la fois utilisée comme élément du fond et vecteur des traits. Ce jeu, sur des surfaces de moyenne ou petit taille permet de faire apparaître des figures inattendues, imprévues. On y découvre un peu comment cela se passe dans les grands tableaux, sans que pour autant on puisse faire de ces dessins leur laboratoire. Ils ont une autonomie manifeste en ce qu'ils donnent naissance à un ensemble de figures, de personnages, de paysages, de situations.

Dans l'autre, un travail au crayon fait naître par un jeu de modelé et de recouvrement, des formes à tendance grotesque porteuses d'un devenir qui confine au comique. Les formes jouent avec le grain du papier et le recouvrement des surfaces se fait par un travail en couches successives de traits.

Ces dessins, rapportés aux dessins en couleur, en isolant la figure de tout contexte, lui confèrent une présence d'un autre type. Le jeu des regards dans des anti-visages puissamment expressifs fait de ces personnages des entités critiques porteuses d'un trouble existentiel intense.

Dessins couleur

Dans les dessins en couleur et les petites peintures, le paysage semble proche de ceux que l'on voit dans les grandes peintures même si les gestes sont plus anguleux, le trait plus direct. On est dans un monde malicieux où se jouent des rapprochements hasardeux que la main n'hésite pas à laisser advenir. Le trait rapproche et unit des éléments formels qui révèlent par leurs associations non réalistes la structure imaginaire, sinon du monde, du moins de notre esprit qui le construit et l'invente à chaque instant pour continuer à pouvoir y exister.

Le dessin couleur, ici, c'est l'existence en ce qu'elle a d'extatique, car c'est bien d'une extase qu'il s'agit quand la fleur devient montagne, le ciel cellule, la tête proie d'une pensée encore à naître, le nuage réservoir de feuilles et la forme d'un animal vaguement connu la boîte magique où loge un jardin d'Éden.

Cette extase est celle d'une enfance rêvée, portée par la surprise et l'amusement face à tout ce qui existe, et qui pourrait se préserver assez pour échapper aux manifestations de l'angoisse générée par la présence au monde, en s'abandonnant au flux sans cesse renouvelé d'images émergeant des rêves.

Dessins crayon

Dans les dessins au crayon, le contexte ou ce qui vaut pour tel est si peu présent que l'on comprend qu'il est question ici d'ouvrir une autre porte encore. Cette porte nous plonge dans le blanc asignifiant d'une pure surface sans territorialité dans lequel flottent des figures avec des têtes improbables mais inquiétantes. C'est qu'elles sont composites et cela de trois manières.

La première se fait par mélange de niveaux d'éléments corporels, un œil pouvant venir se loger au bout d'un pouce, une tête s'enrouler autour d'une ombre, une queue d'animal faire panache au sommet d'un arrondi.

La deuxième se fait par agrégation de formes aux contours organiques avec des formes aux contours géométriques. Là, c'est toute la tension interne de la pensée humaine qui se met en scène de manière comique, à mi-chemin entre un rêve surréaliste et une description rabelaisienne.

La troisième, par la présence de masses colorées mates et monochromes, renvoie le dessin à ce hors-champ qu'est le monde fluide des grands tableaux. On pourrait aussi y voir comme des phylactères de bande dessinée attendant qu'un texte vienne s'y inscrire.

De la miniature

À une époque qui a privilégié le grand pour ne pas dire l'immense en art, produire des œuvres minuscules et les exposer est sinon un défi du moins un peu une provocation. Réaliser des miniatures, et qui plus est dans des matériaux qui sont au sens strict des déchets ou plus exactement des fragments, des restes de la palette du peintre, c'est oser une transgression à la fois drôle et incisive.
Pourtant, ce qui se joue est plus qu'un amusement, c'est une mise en perspective sur trois niveaux de ce qui est en jeu dans une pratique picturale. Si peindre et dessiner sont depuis toujours associés, la production de sculptures, elle, vient se positionner autrement. Fut-il minuscule, le volume, de ces œuvres en fait bien des sculptures. Le fait qu'elle soient composées de minuscules assemblages de fragments provenant des restes des couleurs acryliques utilisées dans la fabrication des toiles leur confère simplement un aspect singulier.

Que voit-on dans ces miniatures ? On pourrait dire que ce sont des sortes de paysages aperçus de loin, à la jumelle par exemple, et que l'optique écrase pour les rapprocher au point qu'ils ne nous parviennent que sous cette forme minuscule. On pourrait constater que ce sont des éléments qui évoquent l'enfance. On pourrait encore ajouter que ces éléments sont des morceaux d'enfance, si l'enfance consiste bien pour une part à essayer le monde des grands par des appropriations de modèles réduits et sans tenir compte des normes rationnelles ou raisonnables qui président à leur agencement. On pourrait enfin convenir que ce sont des assemblages plus ou moins hasardeux de matière, elle-même composite, qui s'accumulent par ajouts et forment, malgré leur taille, de véritables saillances. Posés sur de petits socles en métal, ces fragments de paysage semblent effectivement remonter du lointain de l'enfance jusqu'à nous et nous aspirer en eux.

Ces morceaux assemblés font image et constituent au sens strict des plats offerts au regard servis sur un plateau installé à hauteur d'œil, ce qui confère à l'ensemble du travail une cohérence onirique imparable.

Ces tables de l'imaginaire révèlent - et il faut donc y regarder d'un peu près, s'approcher, se coller l'œil à la matière autant qu'au sujet - comment finalement la main procède pour offrir à la sensibilité, à la pensée, quelque chose à se mettre sous l'œil.

Cette main, elle accumule, accole, assemble, ajoute, retire et rajoute, et reprend, elle associe des bouts sans que jamais autre chose que ces bouts de couleur ne soient utilisés. Cette main invente sans trop le vouloir, sans chercher à voir ce qui va devenir un objet pour l'œil, un délice pour le regard. Elle opère au plus près de la nature ou de la pensée, ou comme la nature et la pensée : elle projette et tente ensuite d'appréhender ce qui est venu.

Dans ces strates, ce que nous pouvons voir n'est autre que la pensée au travail. La forme, le résultat « reconnaissable » est porteur d'une satisfaction psychique, mais la jouissance offerte, elle, passe par le jeu des couleurs et le fait que le tout est tellement petit que non seulement nous n'avons pas peur de l'approcher, mais nous pouvons nous autoriser à nous y perdre, en laissant travailler notre imagination.

Le paysage imaginaire s'impose comme le seul véritable paysage réel et les scories de matière s'impriment comme des morceaux d'une vérité absolue n'ayant d'autre objet que d'incarner le seul véritable paysage, celui dans lequel ont lieu nos opérations mentales et psychiques.

Ici le souvenir s'évanouit au profit de l'immensité de l'instant éternel de l'abandon auquel on accède à travers son incarnation minuscule.

Les trois ordres

Ces tables de l'imaginaire que constituent au sens strict ces sculptures minuscules posées sur des socles à hauteur du regard, nous permettent d'appréhender une loi de la pensée qui est aussi une loi de l'art. En nous donnant un étalon de mesure souvent occulté ou en tout cas trop rarement pris en compte et incarné par la miniature, ces tables de l'imaginaire nous rappellent que rien n'est pensable, c'est-à-dire visible, s'il n'a d'abord été rapporté à des dimensions compatibles avec l'œil et la main, le corps et la pensée, les affects et la peau.
Car c'est peut-être la fonction majeure de l'art que d'opérer dans la chair infinie du ciel et de la si inhospitalière et si étrange terre, des coupes qui les rendent soudain plus accueillants l'un et l'autre, moins terribles, moins étrangers, moins angoissants et finalement plus proches, plus acceptables, désirables même, qui sait !

Ne touchons-nous pas ici au motif secret de l'art ? L'homme éternellement surpris d'être là, dans cette situation si improbable quels que soient les dérivatifs qui lui sont offerts par l'époque, ne cesse de rejouer cette surprise sur la scène de son âme et de contrer cette angoisse en la faisant resplendir dans un ciel qu'il connaît.

Connaître, c'est trouver la bonne distance permettant à un objet d'être appréhendé. La peinture, celle de Christophe Robe en particulier, s'évertue à nous offrir des passages entre ces dimensions et à leur conférer une cohérence possible. Chaque ordre, chaque pratique, les grands tableaux comme les dessins et les sculptures miniatures nous installent à une certaine distance. Mais de quoi ? De la réalité ? Il semble que ce soit des objets qui viennent à l'esprit, par le biais de l'appareil perceptif comme de l'appareil imaginatif, et toujours par le truchement de la main.

Et c'est d'avoir compris que l'un était aussi important que l'autre dans la constitution d'une image possible du pensable que le travail de Christophe Robe parvient à nous offrir avec ces tables de l'imaginaire, un repas visuel et visible qui satisfasse quelques-unes de nos attentes les plus anciennes et les plus profondes.

Il recharge de rêve l'attente éternelle où nous sommes de voir quelque chose se lever qui nous ravisse. Un tel ravissement est la condition du savoir et le savoir, lui, est la porte qui rend possible le geste intime de s'abandonner à ce qui vient. Et ce geste, lui, est la condition de l'accès à nos affects, à nos émotions et à nos peurs délicieuses.

Ainsi voit-on ici, entre dessins, peintures et sculptures, se mettre en place une scène dans laquelle, plus que la raison, c'est la vie affective, la seule véritable « vie pensante », qui s'éjouit.

Exposition Christophe Robe : Œuvres récentes
du 13 septembre au 27 octobre 2018
Galerie Jean Fournier
22, rue du Bac, 75007 Paris
33 (0)1 42 97 44 00,
info@galerie-jeanfournier.com
http://www.galerie-jeanfournier.com

Exposition : Même pas peur
au POCTB – Orléans
du 27 septembre au 28 octobre 2018 du jeudi au dimanche de 15h à 18h30
5 rue des Grands-Champs
45000 Orléans
www.poctb.fr

L'autre face

Jean-Louis Poitevin et Stéphane Mortier — 2018-01-28T16:17:00Z

Ces trois vidéos ont été réalisées par Stéphane Mortier dans le cadre de son projet sans fin Quotidien d'atelier, dans les ateliers de Christophe Baltimore, Olivier Kervern, Sébastien Le Guen et Roberto Cont.

Lorsque l'on peut accéder à la vie secrète d'un atelier d'artiste, un peu à la manière dont on regarde par le trou de la serrure, on découvre quelque chose que l'on peut appeler l'envers, l'envers de l'œuvre, l'envers de l'existence, l'envers des gestes qui la composent.
Car lorsque l'on regarde une œuvre, certes on voit quelque chose mais le comment de sa réalisation nous est inconnu et on ne peut que l'imaginer, le fantasmer, le sacraliser, le diviniser. Les mots sont forts parce que, qu'on le veuille ou non, c'est cela qui fait que notre esprit, en proie au besoin de comprendre, accomplit en nous, pour nous, malgré nous.
On imagine, on rêve, on évalue à la hauteur de notre attente l'immensité de la réalisation.
Et pourtant, il n'en est rien. Le comment est par essence prosaïque, enchâssé dans le quotidien, l'expression d'extase peut-être, mais à travers des gestes simples, banals, inusables, des gestes que chacun peut accomplir, identiques ou presque.
Et c'est alors que vient à l'esprit justement ce qui constitue le « secret » de toute œuvre, à savoir qu'elle doit exister d'une manière ou d'une autre dans l'esprit de l'artiste pour advenir dans le monde concret des formes et que ce qu'il y a dans cet esprit au moment de la création nous ne le saurons jamais. Nous ne pourrons qu'en goûter les manifestations qui sont éternellement les cadavres des batailles homériques qui se livrent en nous, que nous ayons les yeux ouverts ou fermés et que nous rêvions.
L'autre face de l'art, ce qui est vu par le petit trou de la serrure, et qui est réellement de l'art, est aussi, inévitablement du « non art », quelque chose qui se passe entre la poire et le fromage de la vie et dont on n'arrive pas à déterminer le goût.
Ce qui est certain, c'est que cet espace interstitiel est infranchissable et qu'il agit à la manière d'un gouffre.
Voir travailler Christophe Baltimore, Olivier Kervern, Sébastien Le Guen et Roberto Cont c'est s'approcher au plus près de ce gouffre.

#24 Roberto CONT from TK-21 on Vimeo.

#23 Sébastien Le Guen from TK-21 on Vimeo.

#22 Olivier Kervern from TK-21 on Vimeo.

#21 Christophe baltimore from TK-21 on Vimeo.

Et soudain, comme un aveu…

Jean-Louis Poitevin et Stéphane Mortier — 2017-12-18T17:20:58Z

Ces trois vidéos ont été réalisées par Stéphane Mortier dans le cadre de son projet sans fin Quotidien d'atelier, dans les ateliers de Miller Levy, Jacquie Martin-Horwitz et Radovan Kragulj. C'est l'évidente solitude de ces travailleurs de l'art qui apparaît ici. Ces images nous introduisent dans une sorte de suspens. Nous voyons ce qu'ils ne voient pas quand ils font et ainsi nous tenons nous entre respect et stupeur face à ces gestes dont le sens, presque nul, finira par produire quelque chose comme une œuvre.

#18 Quotidien d'atelier- Miller Levy from TK-21 on Vimeo.

Ouvert sur le dehors ou semblable à une boîte minuscule, rempli de lumière ou éclairé par des lampes, les trois ateliers dans lesquels nous pénétrons aujourd'hui, sont des appareils à distiller une solitude apparemment sans fin. Notre œil indiscret à la limite du voyeurisme, comme toujours ici, n'a pourtant rien à voir d'obscène, sinon des gestes dont le sens échappe plus ou moins.

#19 Jacquie Martin-Horwitz from TK-21 on Vimeo.

Et c'est précisément cette distance entre le geste et l'œuvre à venir qui ici nous saisit. Nous voyons qu'il n'y a rien à voir pas de secret, pas de révélation, rien que le décompte inacceptable des secondes qu'il faut oublier pour leur permettre de passer et à soi de durer, encore, encore un peu entre dépit et rage, entre imminence de l'effondrement et désir d'en finir.

#20 Radovan Kragulj from TK-21 on Vimeo.

Certes, on sait que la pierre deviendra sculpture, mais on ne sait pas ce qu'elle représentera. Quant au marteau cognant sur un carnet à souche, ou à des feuilles de dessins jetées au sol, il est difficile de voir dans ces gestes autre chose qu'un aveu. Non qu'il y ait en tout cela quelque crime à confesser, non l'aveu est plus proche de la prestation de serment d'un vassal à son maître. On connaît le vassal, c'est l'artiste. Mais qui donc est le maître ?