TK-21

X International Shiryaevo Biennale Of Contemporary Art

Nelya and Roman Korzhovs — 2019-02-25T12:04:56Z

Nous recherchons tous la « joie ». C'est ce que nous désirons le plus.

Depuis 1999, le projet principal de la Biennale a été présenté dans le village de Shiryavo, situé sur les rives de la Volga, dans une vallée des Zhiguli, les plus anciennes montagnes du monde. La présentation est une mystérieuse exposition/performance d'une journée le « Nomadic Show ». Le nom est né de la combinaison de deux termes : le « Show » européen et le « nomade » asiatique, un mode de vie qui explore les nouveaux territoires. La « Horde » des spectateurs s'attaque aux artistes qui traversent la rivière, les rues, les vieilles maisons, la vallée, les montagnes et les dalles de pierre. L'idée de voyage collectif est en elle-même un changement. et le changement est source d'inspiration.

Dès le début, cette présentation a été inventée comme une alternative au « white cube », et sa réussite lui a donné sont indépendance. Pendant le voyage, chaque « spectateur » se transforme en un « créateur », tous les participants à l'action deviennent œuvre d'art.

Cette Xe Biennale se concentre sur la joie des formes dans les mouvements du corps, les sons et les forces naturelles. C'est une recherche d'un paradis perdu. Trouver le « paradis » dans une ville où tout est « post quelque chose » est pratiquement impossible, mais peut-être se cache t-il dans la nature, les collines et les forêts.

Mais c'était quand, l'âge d'or ?
Redécouvrons les statues et l'art antique, redécouvrons une nouvelle ère : la Renaissance.
Si le Moyen Âge est de retour dans les rapports sociaux, il est peut-être temps de créer une nouvelle solidarité dans un mouvement de joie. La joie plutôt que la frustration, pour résister à l'ultra-libéralisme et au terrorisme. Retrouvons les valeurs humanistes et un nouveau moderniste sera possible.

La partie principale de la Biennale de Shiryaevo a traditionnellement lieu dans le village de Shiryaevo. Les artistes séjournent dans les maisons des autochtones et s'immergent dans une « vie simple » — loin d'un « art-image » répondant plus à des besoin de promotion que de creation. Ils développent ici des interrelations spécifiques entre la vie et l'art. La solidarité et les amitiés qui se créent entre les artistes dans les jardins abandonnés, ouvre un nouvel horizon à l'ère d'une révolution post-industrielle.

Il est intéressant de passer en revue l'histoire du lieu.
Au tournant des années 2000, une source sacrée a été rouverte près de Shiryaevo. Cette source a des vertus curatrices et c'est un lieu de guérison. Les habitants se rappellent qu'avant la dissolution de l'URSS, la source n'était qu'un point d'eau.
Une autre légende dit que le mouvement du glacier s'est arrêté non loin de là. Devant les montagnes Zhiguli, le relief et les plantes de la période pré-glaciaire en témoignent.

Quoi qu'il en soit, nous avons affaire à un « lieu de pouvoir », à des conjonctions de forces telluriques, comme dans le film Stalker de Andrey Tarkovsky, où tous les désirs des personnages se réalisent. C'est un chemin difficile pour atteindre la porte étroite qui permet d'accéder à la connaissance de soi.
Ce chemin est l'essence même de l'art. C'est pourquoi la joie a souvent un revers : une forme de chagrin, de dépression, de paresse, une nostalgie, une incompréhension du moment présent... Mais la méditation nous mène vers l'avant. Si la vision capte ce qui est épanoui, c'est-à-dire le passé, la conscience du spectateur reconstitue un futur et un « ici et maintenant ».

La Biennale de Shiryaevo est axée sur les projets spectaculaires, mais notre principe est de ne laisser aucune trace sur le paysage après l'événement. Ce n'est pas un parc d'attraction ou un musée. Tous les deux ans, le village dois redevenir un lieu vierge pour de nouvelles émotions.

Tout ce que nous ressentons, c'est l'événement lui-même.

Nelya Korzhova, Curator of Х Shiryaevo Biennale

Organisée par la section Volga centrale du Centre national des arts contemporains dans le cadre de ROSIZO
Avec le soutien :
du ministère de la Culture de la Fédération de Russie,
du musée national et centre d'exposition "ROSIZO",
du gouvernement de la région de Samara,
du ministère de la Culture de la région de Samara
Partenaire général de la Biennale : Fondation Mikhail Prokhorov
Commissaire de la Biennale : Roman Korzhov (Russie)
Directeur artistique de la Biennale de Shiryaevo, commissaire du projet principal : Nelya Korzhova (Russie)

Nelya Korsova - Неля Коржова

Martial Verdier - Les figures poétique d'une révolution - Shiryaevo 2018

Road Movie Horizon

Ann Korzhova et Jean-Louis Poitevin — 2014-02-25T16:57:39Z

Nous pensons que les images disent ce que nous voyons. En fait, elles disent ce que nous sommes. Mais l'être dont elles nous parlent, il se pourrait bien qu'il ne convienne pas à tout le monde.

Anna Korzhova - ROAD MOVIE_HORISON from TK-21 on Vimeo.

C'est pourquoi nous préférons croire à la première hypothèse.

C'est pourquoi aussi certains artistes s'obstinent à creuser le sillon d'autres possibilités.
Anna Khorzova avec Road Movie Horizon pose deux questions. La première concerne en effet l'horizon. C'est le véritable sujet de la vidéo. L'horizon censé être une ligne, la ligne indépassable où se rejoignent le ciel et la terre, apparaît ici en proie à des variations constantes et subtiles, à des effets de décomposition et de recomposition, comme si cette certitude datait du temps où la terre était plate. Aujourd'hui elle est mouvement, vitesse, superpositions, décalages, bref tout sauf une boule ronde pour ceux qui la parcourent dans des véhicules lancés à grande vitesse à travers l'air comme sur les routes. L'horizon variable qui nous est montré ici est pourtant encore une sorte d'image d'une réalité ancienne.

Le début de cette vidéo en particulier nous dit aussi autre chose. Cela ne concerne plus le paysage mais notre vision du monde et nous-mêmes. Nous ne sommes, dans la nuit de la vitesse du déplacement, qu'une bande passante, un émetteur de signaux incertains, une coulée liquide de flux lumineux qui ne semblent même pas adressés à quelqu'un. Nous glissons, nous passons, nous sommes flux traversé de flux et rien d'autre. C'est déjà beaucoup, mais ça ne correspond en rien à l'image que nous tenons à garder de nous.

Ainsi ce Road Movie Horizon nous conduit-il à penser aussi à l'agencement entre flux et lignes, entre vision normée et vision quantique, entre image reconnaissable et image fluide. Oui, ici, nous sommes littéralement au seuil de la matière visuelle, là où, décomposée en flux lumineux, elle se recompose quelques instants au gré de la lumière du jour révélant un monde instable s'accrochant à l'horizon, cette ligne faite de millions de lignes mobiles, comme on s'accroche à un morceau de bois lorsque le navire fait naufrage.

Roulant à toute allure sur la terre-mère, nous vivons un naufrage visuel et nous découvrons lentement notre nouveau statut paradoxal. Ce que nous voyons ici, c'est un peu de notre corps intérieur, un peu de ces millions de mouvements qui le font agir, c'est un peu de notre corps intérieur devenu images.

English —>

Screen-Scape

Martial Verdier — 2014-01-19T22:14:21Z

Landscreen / Monster scape,
Memoryscreen / Unforgettable scape,
Scape Object / Life screen,
Body scape / Eros screen,
Bodyscreen / Inside scape,
City screen / Abstract scape,
Scape as Screen / Screen as Scape

Pour sa huitième édition, « Screen : Between Europe and Asia », Shiryaevo Biennale of Contemporary Art a demandé à Jean-Louis Poitevin et à Martial Verdier de présenter un programme d'œuvres, photographiques et vidéos.

Le titre de la biennale a inspiré directement la problématique et orienté le choix des œuvres.
À partir des notions de screen et de scape, termes qui recoupent directement les questionnements privilégiés par TK-21 LaRevue, c'est la question des cadres implicites ou explicites qui à la fois permettent à un regard d'exister, le déterminent et le limitent.

« En faisant du « screen » notre « scape » nous transformons chaque élément de notre vie en un « scape » dont le devenir le plus glorieux est de venir couler sans fin sur les « screen » de nos villes et de nos maisons, de nos cerveaux. »

En faisant découvrir des artistes d'orient, de Chine et de Corée en particulier, nous avons voulu aussi, non seulement répondre à la thématique générale de la biennale, mais faire découvrir des œuvres et des artistes inconnus en Europe.

Nous avons enfin voulu décliner ce cadre général de réflexion à travers des exemples à la fois variés et signifiants. Landscreen / Monster scape, Memoryscreen / Unforgettable scape, Object scape / Life screen, Body scape / Eros screen, Bodyscreen / Inside scape, City screen / Abstract scape, Screen as Scape / Scape as Screen, à travers ces titres nous avons voulu aussi donner une image parfois tragique parfois drôle, toujours intense, des lignes de tension qui parcourent notre monde mais aussi nos esprits et traversent nos corps.

Mais la grande invitée de cette exposition, c'est « l'image », notion fantôme qui fait écho en nous à cet « obscur objet du désir », présent partout et saisissable nulle part. Comme si nous voulions faire ce pari fou de construire une « image » de « l'image » à la fois radicale et plus troublante.

For its eighth edition, "Screen : Between Europe And Asia", the Shiryaevo Biennale of Contemporary Art asked Jean-Louis Poitevin and Martial Verdier.

 The title of the biennial directly inspired the theme, and guided the choice of works.
The notions of "screen" and "scape", are two of the main questions of TK-21 LaRevue. The question of implicit and explicit stages which at the same time allow the look to exist, determine it and limit it.
By making the "screen" our "scape", we transform every part of our lives into a "scape" which most glorious outcome is to become the endless flow coming on "screen" in our cities and our homes, in our brains.

By presenting oriental artists from China and Korea in particular, we not only wanted to meet the general theme of the biennial, but also to show works and artists unknown in Europe.

Finally, we wanted to translate this general frame of thinking through examples both varied and meaningful.
Landscreen / Monster scape,
Memoryscreen / Unforgettable scape,
Scape Object / Life screen,
Body scape / Eros screen,
Bodyscreen / Inside scape,
City screen / Abstract scape,
Scape as Screen / Screen as Scape,
through these titles we wanted to also give a sometimes funny sometimes
tragic picture, always intense power lines that run our world, but also
through our minds and our bodies.

But the greatest guest of this exhibition is the "image" itself, ghost notion that echoes in us to this "obscure object of desire" everywhere and nowhere grasped. As if we wanted to perform the somewhat crazy idea of building a "picture" of the "image" both radical and disturbing.

Catalogue de l'exposition

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Comité de rédaction et Martial Verdier — 2013-08-29T23:09:40Z

Dans le cadre de la biennale internationale de Samara, Russie, Jean-Louis Poitevin et Martial Verdier, ont conçu et présenté une exposition autour du thème de cette biennale, la notion de screen entre orient et occident.

Ce projet se situe dans la droite ligne des réflexions engagées par TK-21 LaRevue depuis maintenant plus de deux ans. Ce projet a pour titre Screen / Scape, révolution visuelle / révolution mentale.

1970-01-01 01:00:00

Notre regard a muté. Plié aux angles des écrans, il glisse sans fin désormais sur l'infinie surface de la trame. Ou plutôt, c'est la trame qui embarque notre regard, indéfiniment. Le regard, les supports et les formes agissent ensemble pour permettre aux hommes d'accéder à des visions qui soient aussi des extases.
Les parois des grottes permettaient déjà de faire trembler les animaux pour des regards hallucinés. Les grands vitraux des cathédrales ont fait de la lumière le support d'hallucinations colorées. La trame mathématique de la perspective a permis de conférer aux objets des visions humaines une hallucinante stabilité. La fixité du regard photographique a ouvert la porte au réveil des fantômes de tous les temps.
Aujourd'hui les écrans peuplent le monde de leur trame invisible. À chaque instant ils nous offrent la possibilité d'assister, fascinés et tremblants, à la résurrection de notre vécu.
Notre paysage mental est en train de prendre une nouvelle forme, d'accéder à de nouveaux territoires, de s'inventer une nouvelle consistance. Les « screen » ouvrent en nous autant de « scape » qu'il y a de sujet. Le pictorial s'exhibe sans retenue sous forme d'images instables ne trouvant leur consistance que dans l'obstination de nos regards à leur conférer une puissance d'évocation.
En faisant du « screen » notre « scape » nous transformons chaque élément de notre vie un « scape » dont le devenir le plus glorieux est de venir couler sans fin sur les « screen » de nos villes et de nos maisons, de nos cerveaux.
Désormais, nous nos rêves habitent nos cerveaux mais comme des hôtes étrangers. Ils le font d'une manière si troublante que nous espérons que ce rêve deviendra réalité. Nous oublions ainsi qu'il est réel comme l'est un rêve, une ivresse ou une extase : il ne dure que le temps d'un rêve.
Ainsi nous nous débattons entre le désir impérieux de savoir si ce rêve est vrai ou si quelque chose d'autre persiste en nous qui le contredirait et la crainte de vérifier ce que nous savons pourtant dans notre chair même, si cet instant, même s'il est aussi long que la vie, est aussi infini que l'éternité même.
Ce projet est devenu une exposition de photographies et de vidéos dans un espace de six cents mètres carrés. Les œuvres des photographes et les vidéastes présents dans cette exposition ont toutes fait l'objet d'analyse dans TK-21 LaRevue ou le feront très bientôt. Il est donc possible à partir des numéros 24 et 25 essentiellement consacrés à cette exposition, mais aussi à partir des archives de la revue, de partir à la découverte de cette exposition.

En voici le programme détaillé

Land screen / Monster scape

Les monstres énergétiques dans le paysage d'aujourd'hui

1970-01-01 01:00:00

Olivier Perrot
Radiation, 6'26

Ha taebum
Wargames 1, 3'49
Dance on the city, 4'20

Photos

Martial Verdier
« Les Monstres » (Monsters), Marseille/Fos 2013

Memory screen / Unforgettable scape

Mémoire archives images d'images et formation d'une nouvelle strate mentale

1970-01-01 01:00:00

Alexandrine Boyer
Incantation cinéma, 3'00

Salvatore Puglia
An etiquette lesson, 5'50 ; 2001

Christophe Galatry
Frioul blanc, 2006, 2'50 (White Frioul)

Chan Kai-yuen
Qing, 1'12

Gao Jie
Le premier film du monde, un pari sur le cheval, 1872, 1'
(The very first film of the world, a bet on the horse, 1872) 1'

Daphnée Le Sergent
My split eye, 8', 2011

Photos

Salvatore Puglia
« Wilderatlas » installation, variable format, report on fabric, 1997-2010

Chong Jae-Kyoo
« Indian ink 3D », 2013, 66,5 x 47,5 cm, photo/papier kraft
« Charlot 3D », (30.7 x 39.9 cm) x 10, photo / kraft-paper, 2013

Scape as Screen / Screen as Scape

Des images réfléchissant l'image en rendant sensible sa puissance de répétition

1970-01-01 01:00:00

Daphnée Le Sergent
24 photos I occupied » 8'39

Jacques Robert
Ondes » 14'

Alexandrine Boyer
Mirage, 2'12
Rue François Lehmann, 3'

Sophie Lecomte
Imago, 2007, 4'58

Jean-Guy Lathuiliere
[Summer] heavy rain / moscow, july of 2005, 8'43

Body scape / Éros screen

Les voies secrètes du désir entre peau et profondeurs abyssales

1970-01-01 01:00:00

Sophia Aboulkassem
« Betty » 2009, 1'06
« La petite mort » (Little Death) 2013, 1'25

Martial Verdier
« Une journée particulière » (A Special Day) 2011, 1'19

Mistress Cindy
Ikebana 17'
Your mouth is the expression of the Heart 11'

Chan Kai-yuen
Ha-Billets_l'origine du monde, 0'41

Photos

Martial Verdier
« Le tarot sauvage » (Wild tarot) 40 x 50 cm, 2012

Body screen / Inside scape

Le corps dans tous ses états, décomposé par l'image, ressuscité dans l'image, métamorphosé par l'image

1970-01-01 01:00:00

Damien Valero
Modulor 2013, 2'48, loop

Sophie Lecomte
« O », 2007, 4'58

Xavier Lucchesi
« Thorax abdo » 1'40 (x2)
« Tricolor », 2'22

Chan Kai-yuen
Kiss, 1'08

Chang Soe-Young
« The Toddler » 2009, 7'27

Oh Jaewoo
Echoes, part 1 & 2, 4'53

Photos

Xavier Lucchesi
« Portraits interieurs » (Inside portraits),

Chen Mei-tsen
« Astres » (Stars) 2006,

City screen / Abstract scape

La ville mutante devenant image et support d'images

1970-01-01 01:00:00

Maud Maffei
Flowing Sun, Video installation Video projected on polyester fabric, 2012, 5'05 on loop

Philippe Fabian
Travelling – Londres, 4'24
Travelling - Lucerne – Ile d'Yeu, 3'52
Travelling – Lausanne, 1'44

Martial Verdier
I am a real artist, 2010, 1'53

Bénédicte Plaige
8 mn de pas (8' of steps)

Gao Jie
Ouvrir la porte, 3'22

Photos

Bénédicte Plaige
Photo « yellow sequences » ± 160 cm x 90 cm

Object Scape / Life screen

Du quotidien revu et transformé par la puissance plastique de l'image et l'intime apparaissant comme monde

1970-01-01 01:00:00

Oh Jaewoo
Collectors choice, 14'41

Philippe Fabian
Interiors - Lucerne - KKL
Interiors - Rotterdam - Europoort
Interiors - Rotterdam – Willemsbrug (1'20 x3)

Jacques Robert
Cris, 4'33

Ulice Deborne
By my CAR, even (ma VOITURE même) 4'25

Jean-Guy Lathuiliere
Srilanka, 4'28
CityScape 4'17

Olivier Perrot
“110 photogrammes Etudes sur la vitesse de la lumière” 6'31
(110 photogrammes Studies on the speed of light)

Photos

Philippe Fabian
Série « Intérieurs » 2012

Philippe Soussan
Shirts and Chairs, 2013

Olivier Perrot
Photogrammes, 2012

1970-01-01 01:00:00

Entre surface et abysses

Comité de rédaction et Martial Verdier — 2013-08-29T23:09:00Z

Les photographies et les œuvres issues de photographies et transférées sur papier ou sur tissu qui ont composé l'exposition Screen / Scape ont pour point commun de penser l'image comme une donnée avant tout mentale. Une image est une construction mobilisant l'ensemble des capacités physiques et mentales dont peut disposer l'homme et une mise en scène paradoxale, non pas de la seule réalité ni même du seul monde intérieur, deux catégories pour le moins réductrices, mais de quelques-uns de leurs croisements possibles.

Fidèle au calotype, un procédé de tirage à partir de négatifs en papier accentuant, par la texture du papier, le grain photographique, Martial Verdier a présenté quelques-uns des monstres industriels dont il recense l'obsédante présence dans le paysage, présence le plus souvent « non vue » par nos yeux trop pressés d'ignorer le danger pour ne pas avoir à faire face à la peur.

1970-01-01 01:00:00

Olivier Perrot, par un travail renouvelé de photogramme et de projections de morceaux de ficelles sur un scanner, a peuplé l'espace du art center de samara de figures anthropomorphes plus inquiétantes que celles qui peuplent les rêves des singes.

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Des corps à la fois transpercés par les rayons indiscrets d'un scanner médical, transformés en voyageurs transtemporels et ressuscités avec de singulières auréoles, tels ont été les « saints » présentés ici par Xavier Lucchesi.

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Une plongée dans les strates de notre cerveau, voilà ce que Chen Meitsen a réalisé avec ces coupes cérébrales aux couleurs « pop » et qui, accompagnées de lettres visibles sur un écran électronique, tendent à nous faire comprendre qu'ici, c'est notre cerveau qui directement nous parle.

1970-01-01 01:00:00

Tissage d'images photographiques et de papier kraft découpés en bandes fines, les œuvres de Chong Jae Kyoo, pour certaines suspendues dans l'espace, ont décliné le registre de l'hésitation vitale des forces qui nous composent entre souvenir d'un geste pur et informe et vision de visages reconnaissables.

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Balayant le visible immédiat de son œil implacable, Phlippe Fabian a présenté des paysages urbains métamorphosés par des couleurs obsessionnelles et par des découpages si fins qu'ils rendent compte peut-être de l'image telle qu'elle se forme au fond de la rétine avant en tout cas de parvenir au transformateur central qu'est le cerveau qui les recompose alors, lui, à « sa » mesure.

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Un immense drap noir sur lequel sont accrochés, reliques du temps perdu, des morceaux de tissu blanc, telle est l'œuvre présentée par Salvatore Pugglia. Il ne faut pas dédaigner ces « guenilles » car elles sont porteuses de mémoires aussi diverses que prégnantes, personnelle et historique, qui émettent à travers ce reliquaire quasi baroque des signes visuels inquiétants.

1970-01-01 01:00:00

En isolant, découpant une image d'une de ses vidéos et en la transférant sur un ensemble fragile et instable de très fines feuilles de papier jaune et marron, Bénédicte Plaige nous installe face à cette terrible « image » que nous avons de la mémoire comme composée de feuilles d'un carnet qui ne cessent de s'envoler ou comme ce morceau de cire sur lequel s'impriment souvenirs et pensées un instant avant de disparaître. Face à cette œuvre nous sommes debout face à cet instant, portés par l'espérance contradictoire qu'il ne passera jamais.

1970-01-01 01:00:00

L'œuvre de Philippe Soussan est portée par une interrogation inlassable sur les tensions entre les images précognitives et les images que nous offre la réalité, celle d'objets qui y existent aussi comme des fantômes. Chaise se libérant de sa gangue d'image ou chemise pliée au point de devenir feuille d'un arbre à souhait, c'est la lutte du regard avec et contre le « cadre » que célèbrent ces photographies. Ces cadres, qui découpent l'espace de leurs lignes tranchantes, segmentent aussi le regard. Du cadre aux plis se dessinent les lignes de force d'une lutte immémoriale entre les images et l'ombre de la douleur qui se lève quand on regarde et quand on voit.

1970-01-01 01:00:00

My spilt eye

Daphné Le Sergent — 2013-08-29T23:06:24Z

Le travail de Daphné Le Sergent est déconcertant dans le sens où il travaille les "raccords" de la subjectivité, ces glissements constants entre une perception intérieure et une appréhension extériorisée.

Daphné Le Sergent enseigne la photographie à l'Université Paris 8, où elle mène des recherches artistiques et théoriques autour de la notion de schize et de frontière. Auteure de L'image-charnière ou le récit d'un regard, Paris, L'Harmattan, 2009, elle est membre de l'AICA. Artiste, son travail est représenté par la galerie Metropolis et ses vidéos sont distribuées par le Collectif Jeune Cinema.

Née en Corée et adoptée en France, Daphné Le Sergent aborde la question de la partition politique de la Corée au travers d'un point de vue subjectif et personnel, non pas celui de la séparation douloureuse et du déracinement, mais celui d'une expérience de scission entre apparence asiatique et appartenance française. Aussi la frontière n'est elle pas seulement présentée sous un éclairage géopolitique que comme installée en chaque individu, conséquence qu'un territoire divisé imposerait aux gestes quotidiens qui y sont rattachés et à la conscience que l'on a de soi.
Le travail de Daphné Le Sergent est déconcertant dans le sens où il travaille les "raccords" de la subjectivité, ces glissements constants entre une perception intérieure et une appréhension extériorisée. Il est une mise à mal des certitudes liées au souvenir comme conservation des images des choses ; tout, ici, semble en perpétuel mouvement, comme glissant "bord à bord", frontières des mots sur le réel.
Ses photos, dessins, vidéo, installations tant par l'objet que par l'aspect formel sont centrés sur les questions de mémoire, de sensation, de flou, de construction imaginaire et d'emprise sur le réel.

My Split Eye-Daphné Le Sergent- 2011 from TK-21 on Vimeo.

Ta bouche est l'expression du cœur

Maîtresse Cindy — 2013-08-29T23:04:26Z

Maîtresse Cindy, dominatrice et artiste transdisciplinaire vivant à Paris, associe, par la scénographie, les pratiques sadomasochistes à l'esthétisme de la mise en scène du corps dans l'espace.

Maîtresse Cindy, dominatrice et artiste transdisciplinaire vivant à Paris, associe, par la scénographie, les pratiques sadomasochistes à l'esthétisme de la mise en scène du corps dans l'espace.
Loin des clichés stéréotypés, son travail percutant innove dans cet univers et questionne sur le conformisme ambiant du milieu traditionnel du sadomasochisme.
Elle se distingue dans sa démarche par son originalité et sa façon d'aborder ses jeux, en permettant un dépassement de soi dans une approche créative.
Son travail artistique emprunte et intègre des éléments qui relèvent de nombreuses disciplines, telles que :
• la mise en scène, dans son donjon scénographié à l'aide d'installations, telle que « le Monde Cosmique », dispositif transgressif immergeant le public au cœur d'une œuvre fantasmagorique dans laquelle il est à la fois acteur et spectateur, faisant partie intégrante de l'œuvre et non simple regardeur,
• la performance : « Fantasmes des liés », présentée au centre Georges Pompidou,
• l'écriture de textes de poésie (publiés sur son blog) dont « A mes bottes » diffusé sur France Culture,
• la réalisation de films courts (comme « Abysses », projeté au cinéma Le Grand Rex à Paris) ou d'auto-filmages (comme « Je m'appelle Marie », également édité sous la forme d'un livre-objet en latex),
• la création de sculptures interactives, les machines-robots « La fesseuse », et « La pénétreuse », collection du Musée de l'Erotisme à Paris,
• l'accueil en résidence dans son donjon du compositeur Frédéric Acquaviva pour la création de l'œuvre « Le disque », projetée au Palais de Tokyo et au Cabaret Voltaire à Zurich,
• la réalisation de la tenue « Cyber-Domina », vêtement interactif muni d'une caméra et d'un écran LCD.

maitresse cindy - Ta bouche est l'expression du coeur from TK-21 on Vimeo.

Mistress Cindy, a dominatrix and trans-disciplinary artist living in Paris, combines through scenography sado-masochistic practices and the aesthetics of staging the human body in space.
Far from stereotyped clichés, her striking work innovates in this universe and challenges the atmosphere of conformism that permeates the traditional circles of sado-masochism.
The originality of her approach and her way of handling play scenes aim at breaking down individual barriers in a creative approach.
Her artistic work draws upon and integrates elements from a range of disciplines such as :
• staging, in her scenographed dungeon through installations such as "The Cosmic World". This transgressive arrangement immerses participants in a fantasy work, where they become both actors and spectators, a part of the work itself and no longer simple viewers,
• performance : « Fantasmes des liés », staged at the Pompidou Centre,
• writing poetry (published on her blog), including « A mes bottes » (« At my boots ») broadcast on France Culture,
• making short films (such as « Abysses », shown at the Grand Rex cinema in Paris) or self-filming (such as « Je m'appelle Marie », also published as a latex book-object,
• creating interactive sculptures, the robot-machines « The Spanker » and « The Penetrator », now part of the collection of the Paris Museum of Eroticism,
• accommodating in her dungeon the resident artist Frédéric Acquaviva for creating the work “Le disque”, shown at the Palais de Tokyo (Paris museum of modern art) and at the Cabaret Voltaire in Zürich,
• making the « Cyber-Domina » costume, interactive clothing featuring a camera and an LCD screen.

Voir en ligne : http://www.maitresse-cindy.com/

Flowing sun

Maud Maffei — 2013-08-29T23:01:40Z

Passer le Styx.

Un travelling arrière dans la photographie d'un paysage avec rivière. Au rythme d'une respiration, le paysage passe d'un brouillard jaune à la couleur naturelle du paysage puis au noir et blanc. Lorsque le travelling se termine sur la rivière, Charon, le nocher des enfers, annonce que nous allons faire demi- tour et revenir au point que nous avons quitté. Peu à peu, nous nous enfonçons de nouveau dans l'image vers la rive. Nous ne l'atteignons cependant jamais, restant au milieu sur la rivière, entre cette rive des vivants et celle des morts. L'image est projetée sur deux rangées de toile de verre, par derrière, afin que la lumière du vidéoprojecteur tienne lieu de soleil sur le paysage. En fonction à la fois du mouvement de travelling dans l'image et du mouvement du visiteur autour de l'installation, le soleil se trouve tantôt sur la ligne d'horizon, tantôt juste au-dessus, tantôt juste en-dessous dans l'eau de la rivière.L'expérience du paysage oscille ici entre expérience artificielle de l'image et expérience physique de la lumière vidéoprojetée. Cette installation vidéo rafraîchit la représentation du paysage élégiaque telle qu'on peut en faire l'expérience dans les toiles de Nicolas Poussin et Claude le Lorrain. Le mouvement du visiteur est ici essentiel pour construire l'œuvre.

Maud Maffei - FLOWING_SUN from TK-21 on Vimeo.

2012 Video installation Video projected on polyester fabric 5'05 on loop

Au bord de l'incision

Weiswald — 2013-07-30T16:15:00Z

Le travail de Daphné Le Sergent parle de « l'oscillation distincte » des images.

Pour expliquer le lien entre texte et image, Jean-Luc Nancy, dans son essai « L‘oscillation distincte », parle d‘une fente, d‘une fissure ou scissure qui ressemble à la limite entre les lèvres. Une incision qui ouvre le regard pour le sens. Ce sens se présente visuellement comme abîme, la bouche ouverte envoie les mots de la langue mais donne à voir le noir profond de l‘engloutissement. Le graphème reprend cette incision comme pratique et l'inscrit dans une oscillation entre signe et trait, entre texte et image. C‘est à l'endroit de cette oscillation, qui distingue sans cesse entre le voir et le savoir, que le sens se forme et se déforme. [1]

Faire sens

Le travail de Daphné Le Sergent parle de cette oscillation. Dans une belle série de dessins / photographies, « Frontière/ligne/tracer/diagonale du temps », elle colle un dessin, coupé à la diagonale sur une photo, de façon à ce que l'image qui donne à voir les deux moitiés « fasse sens », (re) présente une scène, en l'occurrence une scène de guerre, une réalité militaire, des frontières. On apprend plus tard qu'il s'agit d'images faites en Corée, qu'elle s'intéresse à cette histoire politique, à cette présence d'une césure dans un pays qui devient deux.

Former l'identité

On apprend également qu'il s‘agit d'une histoire qu'elle a fait sienne, elle, qui se sent française et qui a l'apparence d'une coréenne. Elle parle alors de différentes frontières : des failles entre image et graphe, particulièrement dans la série « History is another day » avec des gauffrages de texte sur papier, à peine perceptible, entre photo et dessin, mais aussi de la crevasse dans le paysage de la mémoire et des formations politiques. Et enfin également de la taillade qui la traverse, qui forme son identité.

Un parcours de scènes

Cette diversité de sujets qui tournent tous autour du thème de la distinction et autour du motif de l‘incision est très présente dans l'exposition à la galerie Metropolis. Elle invite à se balader au long des scènes représentées en photo, d'une scène qui est installée dans l‘espace comme un échafaudage devant une grande photo d'une clôture de sécurité (« D'aussi loin que je, tu, il peut voir », 2011) ou bien de mises en scène dans des vidéos qui jouent toutefois, comme ses autres pièces, avec la limite entre documentaire et fiction. Une multitude de représentations que l'on pourrait apercevoir comme redondante. Mais la répartition en petits foyers donne au visiteur la possibilité de se plonger à partir de l'un des différents aspects de la question centrale de cette exposition : comment (re)présenter, comment (re)connaître, comment faire sens ?

La place du corps

Que cette question soit toujours la question du corps, la question du positionnement et de la confrontation des corps, cela est mis en évidence par les deux poings qui se touchent et forment ainsi une fine fissure qui nous rappelle celle entre les deux lèvres de la bouche (« revers du geste », 2013). On comprend alors : cette artiste travaille le corps et ses gestes. Outre les collages / photos, la vidéo est la pratique majeure de Daphné Le Sergent, qui enseigne également à l‘université Paris 1 en tant que maître de conférences. Là encore on retrouve la double casquette d‘artiste visuelle / critique d‘art, et donc l'oscillation entre image et texte. Pour l'exposition, elle a décidé de décliner cette pratique avec ce qu‘elle maîtrise d‘une manière bluffante : les gestes d‘images.
En travaillant l'insertion de texte dans l‘image vidéo, notamment dans « Politique, Visage » (2012), en chorégraphiant son et image, elle renvoie, à chaque instant dans ce parcours approfondi, aux limites de l‘image et de ce qu‘elle peut transporter. En nous montrant le « revers du geste » de montrer / démontrer en images, elle nous renvoie aussi à ce qui motive toute image / texte : l'entrevue.

Appel à la réplique

Jean-Luc Nancy, dans le texte cité, rappelle que cette entrevue appelle à une réaction, une réplique. C‘est ce qui met en tournure « l‘oscillation distincte » entre texte / image. Le travail de Daphné Le Sergent se situe au bord de l'incision pour sonder les possibles formes de l‘oscillation. Il reste de la responsabilité du regardeur de trouver la forme adéquate de réplique.

Voir en ligne : Galerie Metropolis

[1] Jean-Luc Nancy, « L‘oscillation distincte », in : J-L Nancy, Régis Durand et al., Sans commune mesure, Paris : Scheer 2002, p. 6-19

La petite mort

Sophia Aboulkassem — 2013-07-30T16:12:37Z

Ma vidéo s'appelle "La petite mort", j'ai voulu illustrer le fait qu'on ne contrôle rien, on pense pouvoir mais ce n'est qu'une illusion. Ici, la personne a un certain contrôle, s'en amuse, franchit des limites, atteint des moments d'extases, mais au final elle se perd ne sait plus si elle contrôle vraiment quelque chose ou pas, jusqu'à ce que ça la pousse à la vraie mort ?

Sophia Aboulkassem - la petite mort from TK-21 on Vimeo.

My video is called "Little Death", It shows that we control nothing, we think but it is a total illusion. Here, the girl has some control of herself, she plays with herself, with it, she has fun but she crosses her limits, reached moments of ecstasy (little death). At the end she gets lost, does not know what she really control, until the true death ?