https://www.tk-21.com/ TK-21 suit les nouvelles formes que prend le conflit entre mots et images. TK-21 décrypte la réalité, les ombres, les croyances. Images, appareils, société, cerveau, ville sont ses cinq vecteurs d'analyse. fr SPIP - www.spip.net https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L144xH172/siteon0-33817.png?1772187034 https://www.tk-21.com/ 172 144 https://www.tk-21.com/Le-dessin-une-grammaire https://www.tk-21.com/Le-dessin-une-grammaire 2026-02-02T11:08:32Z text/html fr Geneviève Hergott et Paul Berry dessin Instagram entretien <p>Couper, éditer, assembler et tracer des lignes pour établir des connexions, construire un langage graphique inédit : telle est la pratique du dessin de Paul Berry.</p> - <a href="https://www.tk-21.com/Entretiens" rel="directory">Entretiens</a> / <a href="https://www.tk-21.com/dessin" rel="tag">dessin</a>, <a href="https://www.tk-21.com/Instagram" rel="tag">Instagram</a>, <a href="https://www.tk-21.com/Entretien" rel="tag">entretien</a> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L150xH100/arton2798-fc15d.jpg?1772186868' class='spip_logo spip_logo_right' width='150' height='100' alt="" /> <div class='rss_chapo'><p>Couper, éditer, assembler et tracer des lignes pour établir des connexions, construire un langage graphique inédit : telle est la pratique du dessin de Paul Berry.</p></div> <div class='rss_texte'><p><br> <strong>Le dessin occupe — si je ne me trompe pas — la première place dans ta pratique artistique. Qu'est-ce qu'il signifie et que représente-t-il pour toi ?</strong></p> <p>Le mot <i>draw</i> en anglais compte 157 acceptions répertoriées dans l'Oxford English Dictionary. La définition la plus évidente renvoie à l'action de tracer des lignes sur une surface à l'aide d'un outil ou d'un médium. Une autre définition du verbe <i>to draw</i> évoque l'idée d'attraction, d'élan vers quelque chose. Ce sont précisément ces deux sens qui traversent et structurent mon travail.</p> <div class='spip_document_23098 spip_document spip_documents spip_document_image spip_documents_center spip_document_center spip_document_avec_legende' data-legende-len="65" data-legende-lenx="xx" > <figure class="spip_doc_inner"> <a href='https://www.tk-21.com/IMG/jpg/untitled02.jpg' class="spip_doc_lien mediabox" type="image/jpeg"> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L500xH694/untitled02-34c31.jpg?1772187955' width='500' height='694' alt='' /></a> <figcaption class='spip_doc_legende'> <div class='spip_doc_descriptif '>Sans titre - collage, encre, dessin numérique - format A4, 2025 </div> </figcaption></figure> </div> <p><strong>Comment procèdes-tu dans ta pratique du dessin ?</strong></p> <p>Je suis avant tout attiré par les dessins des autres. Mon travail prend naissance dans ces dessins préexistants, qui constituent le point de départ à partir duquel mes propres formes émergent. Au fil du temps, j'ai constitué une vaste archive composée de manuels, de livres et de catalogues rassemblant une grande diversité de dessins, de diagrammes et d'illustrations. C'est à partir de ce corpus de sources que se déploie ma pratique du dessin.<br class='autobr' /> Dans son texte <i>Drawing as Discovery<span class="spip_note_ref"> [<a href="#nb1" class="spip_note" rel="appendix" title="Extrait de "Drawing is Discovery", John Berger, 1953 — republié dans le (…)" id="nh1">1</a>]</span></i>, John Berger écrit : <i>« C'est l'acte même de dessiner qui oblige l'artiste à regarder l'objet devant lui, à le disséquer dans l'œil de son esprit, puis à le reconstituer. »</i> Cette idée de dissection est centrale dans mon travail de dessin et de collage. Je coupe, j'édite, j'assemble et je trace des lignes afin de produire un nouvel ensemble. Ce processus me permet d'établir des connexions formelles et linéaires entre des sources multiples, donnant lieu à une nouvelle proposition graphique.<br class='autobr' /> J'envisage ainsi le dessin comme une grammaire, avec son vocabulaire, sa syntaxe, ses conjugaisons, etc. J'utilise ces systèmes grammaticaux pour construire un langage graphique inédit.</p> <div class='spip_document_23099 spip_document spip_documents spip_document_image spip_documents_center spip_document_center spip_document_avec_legende' data-legende-len="65" data-legende-lenx="xx" > <figure class="spip_doc_inner"> <a href='https://www.tk-21.com/IMG/jpg/untitled03.jpg' class="spip_doc_lien mediabox" type="image/jpeg"> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L500xH694/untitled03-a3e63.jpg?1772187955' width='500' height='694' alt='' /></a> <figcaption class='spip_doc_legende'> <div class='spip_doc_descriptif '>Sans titre - collage, encre, dessin numérique - format A4, 2025 </div> </figcaption></figure> </div> <p><strong>Effectivement, tes montages opèrent des télescopages, d'autant qu'ils sont faits d'images procédant d'univers et de styles différents : catalogue de plomberie vs planche anatomique, dessin technique vs dessin artistique... Au-delà de la surprise, tu joues souvent avec l'humour noir, cher aux surréalistes...</strong></p> <p>L'humour noir n'est jamais prémédité ou prédéterminé quand je construis mes dessins. Peut-être est-ce cet heureux hasard cher aux surréalistes qui se manifeste totalement hors de mon contrôle lors des montages de mes images. Comme je le disais auparavant, ce sont avant tout des qualités graphiques et formelles des dessins qui attirent mon œil et avec lesquelles je crée des connections et forme des nouveaux ensembles, qui, effectivement ne sont pas dissemblables du processus de corps exquis, donc effectivement, l'évocation des surréalistes est assez juste.</p> <div class='spip_document_23100 spip_document spip_documents spip_document_image spip_documents_center spip_document_center spip_document_avec_legende' data-legende-len="65" data-legende-lenx="xx" > <figure class="spip_doc_inner"> <a href='https://www.tk-21.com/IMG/jpg/untitled04.jpg' class="spip_doc_lien mediabox" type="image/jpeg"> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L500xH694/untitled04-6fc8b.jpg?1772187955' width='500' height='694' alt='' /></a> <figcaption class='spip_doc_legende'> <div class='spip_doc_descriptif '>Sans titre - collage, encre, dessin numérique - format A4, 2025 </div> </figcaption></figure> </div> <p><strong>Tu explores aussi d'autres médias et d'autres façons de mettre en scène le dessin : l'animation, le "wallpaper", la tridimensionnalité par des petits totems de dessins pliés. Peux-tu nous en parler ?</strong></p> <p>Ces deux dernières années, je me suis aventuré dans l'univers de l'animation. Car il y a un point important à préciser : l'ensemble de ces dessins-collages existe à la fois sur support papier et en format numérique. À partir de ce second format, je réalise de courtes séquences de dessins animés. Les œuvres peuvent ainsi être présentées soit comme des dessins « classiques », accrochés au mur, soit comme des animations projetées ou diffusées sur écran.<br class='autobr' /> Avec des outils modestes, je donne vie à certaines parties de mes dessins, comme si elles s'éveillaient doucement sous mes yeux. Tant de choses restent encore à explorer, et ce nouveau champ de possibles semble ouvrir des horizons insoupçonnés pour l'évolution de mon travail.</p> <div class='spip_document_23101 spip_document spip_documents spip_document_image spip_documents_center spip_document_center spip_document_avec_legende' data-legende-len="65" data-legende-lenx="xx" > <figure class="spip_doc_inner"> <a href='https://www.tk-21.com/IMG/jpg/untitled05.jpg' class="spip_doc_lien mediabox" type="image/jpeg"> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L500xH694/untitled05-e90cf.jpg?1772187955' width='500' height='694' alt='' /></a> <figcaption class='spip_doc_legende'> <div class='spip_doc_descriptif '>Sans titre - collage, encre, dessin numérique - format A4, 2025 </div> </figcaption></figure> </div> <p><strong>Tu es enseignant de dessin d'observation à l'ENSBA de Lyon, cela nourrit-il ta réflexion ?</strong></p> <p>Profondément. Je suis constamment intrigué par la manière dont chaque étudiant regarde le monde puis en retranscrit l'expérience. Le langage de leurs lignes, leur façon d'observer, de comprendre et de construire le réel à travers leurs yeux et leurs mains, demeure pour moi une source inépuisable de fascination.</p> <div class='spip_document_23102 spip_document spip_documents spip_document_image spip_documents_center spip_document_center spip_document_avec_legende' data-legende-len="65" data-legende-lenx="xx" > <figure class="spip_doc_inner"> <a href='https://www.tk-21.com/IMG/jpg/untitled06.jpg' class="spip_doc_lien mediabox" type="image/jpeg"> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L500xH694/untitled06-f17a6.jpg?1772187955' width='500' height='694' alt='' /></a> <figcaption class='spip_doc_legende'> <div class='spip_doc_descriptif '>Sans titre - collage, encre, dessin numérique - format A4, 2025 </div> </figcaption></figure> </div> <p><strong>Pour terminer, peux-tu nous dire de qui tu te sens proche et qui seraient les individus ou les collectifs qui t'inspirent — en art et dans d'autres domaines ?</strong></p> <p>J'ai d'abord reçu une formation très académique en dessin lors de mes études en Angleterre, centrée sur l'observation, la technique et la rigueur formelle. En arrivant en France, j'ai ensuite été confronté à un autre type d'enseignement, davantage orienté vers les questions théoriques et conceptuelles.<br class='autobr' /> Ces deux approches, loin de s'opposer, ont profondément structuré ma pratique. Elles influencent à la fois ma manière de produire les dessins et la façon dont j'élabore mes réflexions autour de l'image. Cette double formation me permet d'articuler une attention soutenue aux qualités formelles du dessin avec une réflexion plus large sur les processus, les sources et les systèmes de représentation. A ce propos, les textes d'Amy Sillman<span class="spip_note_ref"> [<a href="#nb2" class="spip_note" rel="appendix" title="Amy Sillman est une artiste visuelle newyorkaise, connue pour ses peintures (…)" id="nh2">2</a>]</span>, et en particulier <i>Notes on the Diagram,</i> ont été très importants pour moi.<br class='autobr' /> Et parmi mes références, je me sens aussi proche des dessins d'Euan Uglow que de ceux de Roni Horn, de Frank Auerbach et de Silvia Bächli, ainsi que des univers graphiques de Robert Crumb et de Chris Ware.<br class='autobr' /> Ce qui m'intéresse avant tout n'est pas l'appartenance à un courant ou à une discipline, mais la capacité de ces œuvres à nourrir ma pratique du dessin. De la même manière, mon rapport aux autres domaines artistiques repose sur une grande porosité : <i>everything and anything goes !</i></p> <div class='spip_document_23103 spip_document spip_documents spip_document_image spip_documents_center spip_document_center spip_document_avec_legende' data-legende-len="65" data-legende-lenx="xx" > <figure class="spip_doc_inner"> <a href='https://www.tk-21.com/IMG/jpg/untitled07.jpg' class="spip_doc_lien mediabox" type="image/jpeg"> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L500xH694/untitled07-ffa7e.jpg?1772187955' width='500' height='694' alt='' /></a> <figcaption class='spip_doc_legende'> <div class='spip_doc_descriptif '>Sans titre - collage, encre, dessin numérique - format A4, 2025 </div> </figcaption></figure> </div><div class='spip_document_23104 spip_document spip_documents spip_document_image spip_documents_center spip_document_center spip_document_avec_legende' data-legende-len="65" data-legende-lenx="xx" > <figure class="spip_doc_inner"> <a href='https://www.tk-21.com/IMG/jpg/untitled08.jpg' class="spip_doc_lien mediabox" type="image/jpeg"> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L500xH694/untitled08-39a91.jpg?1772187955' width='500' height='694' alt='' /></a> <figcaption class='spip_doc_legende'> <div class='spip_doc_descriptif '>Sans titre - collage, encre, dessin numérique - format A4, 2024 </div> </figcaption></figure> </div><div class='spip_document_23105 spip_document spip_documents spip_document_image spip_documents_center spip_document_center spip_document_avec_legende' data-legende-len="65" data-legende-lenx="xx" > <figure class="spip_doc_inner"> <a href='https://www.tk-21.com/IMG/jpg/untitled09.jpg' class="spip_doc_lien mediabox" type="image/jpeg"> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L500xH694/untitled09-46bc3.jpg?1772187955' width='500' height='694' alt='' /></a> <figcaption class='spip_doc_legende'> <div class='spip_doc_descriptif '>Sans titre - collage, encre, dessin numérique - format A4, 2023 </div> </figcaption></figure> </div><div class='spip_document_23106 spip_document spip_documents spip_document_image spip_documents_center spip_document_center spip_document_avec_legende' data-legende-len="65" data-legende-lenx="xx" > <figure class="spip_doc_inner"> <a href='https://www.tk-21.com/IMG/jpg/untitled10.jpg' class="spip_doc_lien mediabox" type="image/jpeg"> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L500xH694/untitled10-8ea76.jpg?1772187955' width='500' height='694' alt='' /></a> <figcaption class='spip_doc_legende'> <div class='spip_doc_descriptif '>Sans titre - collage, encre, dessin numérique - format A4, 2024 </div> </figcaption></figure> </div><div class='spip_document_23107 spip_document spip_documents spip_document_image spip_documents_center spip_document_center spip_document_avec_legende' data-legende-len="65" data-legende-lenx="xx" > <figure class="spip_doc_inner"> <a href='https://www.tk-21.com/IMG/jpg/untitled11.jpg' class="spip_doc_lien mediabox" type="image/jpeg"> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L500xH694/untitled11-589ad.jpg?1772187955' width='500' height='694' alt='' /></a> <figcaption class='spip_doc_legende'> <div class='spip_doc_descriptif '>Sans titre - collage, encre, dessin numérique - format A4, 2024 </div> </figcaption></figure> </div><div class='spip_document_23108 spip_document spip_documents spip_document_image spip_documents_center spip_document_center spip_document_avec_legende' data-legende-len="65" data-legende-lenx="xx" > <figure class="spip_doc_inner"> <a href='https://www.tk-21.com/IMG/jpg/untitled12.jpg' class="spip_doc_lien mediabox" type="image/jpeg"> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L500xH694/untitled12-f757c.jpg?1772187955' width='500' height='694' alt='' /></a> <figcaption class='spip_doc_legende'> <div class='spip_doc_descriptif '>Sans titre - collage, encre, dessin numérique - format A4, 2025 </div> </figcaption></figure> </div><div class='spip_document_23109 spip_document spip_documents spip_document_image spip_documents_center spip_document_center spip_document_avec_legende' data-legende-len="65" data-legende-lenx="xx" > <figure class="spip_doc_inner"> <a href='https://www.tk-21.com/IMG/jpg/untitled13.jpg' class="spip_doc_lien mediabox" type="image/jpeg"> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L500xH694/untitled13-0e4ef.jpg?1772187955' width='500' height='694' alt='' /></a> <figcaption class='spip_doc_legende'> <div class='spip_doc_descriptif '>Sans titre - collage, encre, dessin numérique - format A4, 2024 </div> </figcaption></figure> </div><div class='spip_document_23110 spip_document spip_documents spip_document_image spip_documents_center spip_document_center spip_document_avec_legende' data-legende-len="65" data-legende-lenx="xx" > <figure class="spip_doc_inner"> <a href='https://www.tk-21.com/IMG/jpg/untitled14.jpg' class="spip_doc_lien mediabox" type="image/jpeg"> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L500xH694/untitled14-ce5b9.jpg?1772187955' width='500' height='694' alt='' /></a> <figcaption class='spip_doc_legende'> <div class='spip_doc_descriptif '>Sans titre - collage, encre, dessin numérique - format A4, 2024 </div> </figcaption></figure> </div><hr class="spip" /><div style="padding:139.04% 0 0 0;position:relative;"><iframe src="https://player.vimeo.com/video/1151325855?badge=0&autopause=0&player_id=0&app_id=58479&autoplay=1&loop=1" frameborder="0" allow="autoplay; fullscreen; picture-in-picture; clipboard-write; encrypted-media; web-share" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" style="position:absolute;top:0;left:0;width:100%;height:100%;" title="Paul Berry, Copy"></iframe></div><script src="https://player.vimeo.com/api/player.js"></script> <p><i>Sans titre - dessin animé, 2024</i></p></div> <hr /> <div class='rss_notes'><div id="nb1"> <p><span class="spip_note_ref">[<a href="#nh1" class="spip_note" title="Notes 1" rev="appendix">1</a>] </span>Extrait de "Drawing is Discovery", John Berger, 1953 — republié dans le magazine britannique New Statesman du 3-9 Mai 2013</p> </div><div id="nb2"> <p><span class="spip_note_ref">[<a href="#nh2" class="spip_note" title="Notes 2" rev="appendix">2</a>] </span>Amy Sillman est une artiste visuelle newyorkaise, connue pour ses peintures basées sur des processus qui oscillent entre l'abstraction et la figuration, et utilisent des médias non traditionnels, notamment l'animation, les zines et l'installation (Wikipédia). Dans "Notes on the Diagram", elle parle de son amour pour les diagrammes, ces modèles démocratiques, merveilleusement inclusifs de multiplicité, de contradiction et de changement (The Paris Review)</p> </div></div> <div class='rss_ps'><p>D'origine britannique, Paul Berry vit et travaille la plupart du temps à Lyon.<br class='autobr' /> @paul_berry1970</p></div> https://www.tk-21.com/La-transcendance-visible-du-sens https://www.tk-21.com/La-transcendance-visible-du-sens 2026-02-02T11:07:27Z text/html fr Franco Cipriano et Julia Rhizoma dessin livre-objet Italie <p>L'œuvre écrite de Julia Rhizoma est un événement de « transcendance visible », du signe, du mot, du nombre, de la matière.</p> - <a href="https://www.tk-21.com/Images" rel="directory">Images</a> / <a href="https://www.tk-21.com/dessin" rel="tag">dessin</a>, <a href="https://www.tk-21.com/livre-objet" rel="tag">livre-objet</a>, <a href="https://www.tk-21.com/Italie" rel="tag">Italie</a> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L150xH142/arton2808-edbc5.jpg?1772186898' class='spip_logo spip_logo_right' width='150' height='142' alt="" /> <div class='rss_chapo'><p>L'œuvre écrite de Julia Rhizoma est un événement de « transcendance visible », du signe, du mot, du nombre, de la matière. <br class='autobr' /> Le cours de l'œuvre ouvre ses chemins ininterrompus en courbant et en stratifiant l'espace dans la répétition de son signe rhizomatique, figurant une <i>idée</i> — dont l'étymologie grecque « idein » signifie « voir » — de l'indéfini. Le sens du mot se dissout dans la trame des signes qui, en se concentrant, en s'étendant, en évoluant, en se transformant, transcende la textualité historico-culturelle réécrite et sursignée dans des palimpsestes orbitaux de mots et de contre-mots.</p></div> <div class='rss_texte'><div class='spip_document_23128 spip_document spip_documents spip_document_image spip_documents_center spip_document_center spip_document_avec_legende' data-legende-len="15" data-legende-lenx="" > <figure class="spip_doc_inner"> <a href='https://www.tk-21.com/IMG/jpg/diarioaperto_2_bn.jpg' class="spip_doc_lien mediabox" type="image/jpeg"> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L500xH340/diarioaperto_2_bn-2e2a9.jpg?1769265917' width='500' height='340' alt='' /></a> <figcaption class='spip_doc_legende'> <div class='spip_doc_titre '><strong>Diario Aperto </strong></div> </figcaption></figure> </div> <p>Des flux scripturaux dans des cartes sans début ni fin qui traversent l'espace en se dessinant en réseaux circulaires et en horizontalité ou verticalité de condensations du <i>verbum</i> et du <i>signum,</i> en vagues de graphèmes en variations expansives ou en se croisant avec des matières de la géologie terrestre – pierres, feuilles, branches, fleurs, os marins – installées dans des « morphurgies », des environnements totémiques. Les tableaux d'une cartographie inscrite dans la mémoire <i>archaïque</i> de la trace originelle, également dans les chiffres pulsants d'une numérologie panchromatique, deviennent un texte imaginal et s'accordent dans leurs battements signifiants comme un chant de l'indicible qui, se révélant dans le non-sens, s'élève dans la spatialité du vide. Ainsi, l'œuvre devient une voix silencieuse qui se propage comme l'écho d'autres voix, comme une résonance rythmique de l'œuvre dans la transparence de l'immémorial.</p> <div class='spip_document_23129 spip_document spip_documents spip_document_image spip_documents_center spip_document_center spip_document_avec_legende' data-legende-len="9" data-legende-lenx="" > <figure class="spip_doc_inner"> <a href='https://www.tk-21.com/IMG/jpg/fiducia_bn.jpg' class="spip_doc_lien mediabox" type="image/jpeg"> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L500xH694/fiducia_bn-ac18e.jpg?1772187972' width='500' height='694' alt='' /></a> <figcaption class='spip_doc_legende'> <div class='spip_doc_titre '><strong>Fiducia </strong></div> </figcaption></figure> </div> <p>Dans les archétypes de la géométrie symbolique, le signe est plongé dans des cercles chromatiques concentriques et centripètes et des spirales centrifuges, qui s'ouvrent dans l'espace comme pour chercher, ou peut-être pour se <i>réaliser,</i> dans d'autres trajectoires du possible, vers une suspension du temps, dans une évocation cosmique du geste qui dessine. <br class='autobr' /> <i>L'histoire</i> des signe de Julia « in-figure » donc le geste qui la matérialise : dans le dessin comme dans un pliage corporel dans le « non-mot » d'une prière secrète qui s'étend dans l'inconditionnel temporel. S'étendant circulairement, son corps, agenouillé ou allongé dans le vaste espace de la page, se recueille dans la main qui, dans le déploiement de l'actus incident du stylet, en rappelle infiniment l'origine performative de l'écriture. Tout comme dans les emboîtements et les dépôts performatifs du corps nu dans les failles rocheuses de la terre, résonne l'événement d'un « motus naturalis », un devenir physis du geste qui devient (grapheme</i> et/ou corps inscrit dans la matière originelle). Dans les tracés en italique d'une courbe <i>archéo-graphique</i> et corporelle, l'attitude performative de l'artiste évoque la mémoire immémoriale d'un pré-langage : la gestuelle marquante du son-voix qui rêve les choses sans encore, ou jamais, les nommer.</p> <div class='spip_document_23132 spip_document spip_documents spip_document_image spip_documents_center spip_document_center spip_document_avec_legende' data-legende-len="6" data-legende-lenx="" > <figure class="spip_doc_inner"> <a href='https://www.tk-21.com/IMG/jpg/nadan1_bn.jpg' class="spip_doc_lien mediabox" type="image/jpeg"> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L466xH800/nadan1_bn-618fa.jpg?1769265917' width='466' height='800' alt='' /></a> <figcaption class='spip_doc_legende'> <div class='spip_doc_titre '><strong>Nada </strong></div> </figcaption></figure> </div> <p>Dans les installations, qui semblent déclinées sous forme de rituels, on voit justement cette <i>analogie</i> entre l'écriture a-sémantique et les matières de la terre – pierres, feuilles, fleurs, plumes – composées comme un « alphabet » de l'innommable, où l'écriture et la matière se croisent dans un hymne au « dieu inconnu », ou peut-être au dieu absent. Dans la chambre matérielle et graphique, l'espace des formes viole l'ordre perceptif environnemental, lance de nouvelles trajectoires du regard, suspend les signes dans des perspectives extrêmes, dans des possibilités impossibles, dans des ascensions et des chutes de logos et de symbolons fugaces. <br class='autobr' /> L'espace de l'art dans la pensée créatrice de Julia Rhizoma apparaît comme un événement de dé-création, un passage préhistorique qui traverse le langage à son point « catastrophique », là où il est possible d'écouter le sous-sol du monde, là où le geste transcende les choses du faire « productif » et tisse son « inutilité » comme souffle cosmique de la terre et de ses créatures.</p> <div class='spip_document_23131 spip_document spip_documents spip_document_image spip_documents_center spip_document_center spip_document_avec_legende' data-legende-len="25" data-legende-lenx="" > <figure class="spip_doc_inner"> <a href='https://www.tk-21.com/IMG/jpg/kaliyugablues_dettaglio_bn.jpg' class="spip_doc_lien mediabox" type="image/jpeg"> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L492xH800/kaliyugablues_dettaglio_bn-f2202.jpg?1769265917' width='492' height='800' alt='' /></a> <figcaption class='spip_doc_legende'> <div class='spip_doc_titre '><strong>Kali Yuga Blues, détail </strong></div> </figcaption></figure> </div><div class='spip_document_23136 spip_document spip_documents spip_document_image spip_documents_center spip_document_center spip_document_avec_legende' data-legende-len="17" data-legende-lenx="" > <figure class="spip_doc_inner"> <a href='https://www.tk-21.com/IMG/jpg/kaliyugablues_bn.jpg' class="spip_doc_lien mediabox" type="image/jpeg"> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L500xH389/kaliyugablues_bn-3cd29.jpg?1772187972' width='500' height='389' alt='' /></a> <figcaption class='spip_doc_legende'> <div class='spip_doc_titre '><strong>kali Yuga Blues </strong></div> </figcaption></figure> </div> <p>Et c'est dans les pages du livre que le « récit » symbolique prend toute sa dimension visuelle. L'artiste écrit une histoire sans sens, sans début ni fin, avec des noyaux pré-alphabétiques qui semblent être les vestiges de cosmogonies ou les cartographies d'un naufrage du langage. S'agit-il de rapports d'un adieu suspendu au <i>Sens</i> : apocalypse de l'écriture qui reflète sa chute ? La question reste ouverte, aussi inactuelle que <i>contemporaine,</i> sur le seuil tragique du temps de l'art comme temps du non-sens. <br class='autobr' /> En retirant la sémantique à l'écriture, dans les rouleaux, reflets de cartouches et papyrus archaïques, l'inscription ininterrompue, dans son développement linéaire virtuellement infini, raconte le silence du monde historique. <br class='autobr' /> Les profondeurs inexplicables de la mémoire ont le non-verbe de dialogues impossibles, des cercles de logo-signes (épines dissoutes d'une couronne auratique de sacrifice du Verbum ?) qui se répètent dans le rythme de leur espacement, contre-conditions verbales, comme des codes secrets qui fracturent l'évidence du texte historico-chronologique.</p> <div class='spip_document_23134 spip_document spip_documents spip_document_image spip_documents_center spip_document_center spip_document_avec_legende' data-legende-len="16" data-legende-lenx="" > <figure class="spip_doc_inner"> <a href='https://www.tk-21.com/IMG/jpg/plato_politeia_bn.jpg' class="spip_doc_lien mediabox" type="image/jpeg"> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L500xH379/plato_politeia_bn-939ad.jpg?1769265917' width='500' height='379' alt='' /></a> <figcaption class='spip_doc_legende'> <div class='spip_doc_titre '><strong>Plato Politeia </strong></div> </figcaption></figure> </div> <p>La spatialité géométrique est dépouillée de son dessin logique et opérationnel, devenant la trace d'un écho, le spectre d'une dérive du symbolique, où chaque spatialité apparaît dans une stratification <i>ambiguë,</i> où profondeur et surface sont des dimensions controversables. C'est le vide généré par la trace en mouvement qui serpente dans la gravure du <i>pré-texte</i> des traits culturels, comme pour en libérer l'ineffabilité. <br class='autobr' /> Il ne s'agit pas d'effacements, ni d'obscurcissements de l'œuvre de la connaissance, de philosophies reflétées et <i>ré-signées</i> dans les volutes spiralées des orbites spatiales ou des coordonnées cosmographiques, mais de la transparence de l'oubli mémorable qui résonne dans le « mot sensé » qui le fait se réfracter sismographiquement dans les vagues et les glissements dans le contre-sens de la <i>scriptura.</i> La science du Logos – Platon, Kant, Hölderlin, Fichte, Léonard – est transcrite et « bordée » par une calligraphie des énigmes et du mystère du signe s-défini, vide de sens mais avec la tonalité désirante du sentiment de l'inconnaissable qui habite les régions du sens. Ainsi, dans l'œuvre de Julia Rhizoma – dans l'œuvre des constellations et des densifications de géométries hétérodoxes et de corps signifiants libérés dans un temps espacé – il y a une transposition du mot qui ouvre à des dimensions réticulaires du « sentir en voyant », dans des flux et des expansions qui déposent dans le vide un hymne originel à l'invisible.</p> <div class='spip_document_23133 spip_document spip_documents spip_document_image spip_documents_center spip_document_center spip_document_avec_legende' data-legende-len="23" data-legende-lenx="" > <figure class="spip_doc_inner"> <a href='https://www.tk-21.com/IMG/jpg/notazinevibratoria_1_bn.jpg' class="spip_doc_lien mediabox" type="image/jpeg"> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L500xH500/notazinevibratoria_1_bn-cd7e1.jpg?1769265917' width='500' height='500' alt='' /></a> <figcaption class='spip_doc_legende'> <div class='spip_doc_titre '><strong>Notazine Vibratoria 1 </strong></div> </figcaption></figure> </div> <p>Ce sont les réflexions originelles d'une « pensée visible » qui vit dans les reflets obliques de l'impersonnel. C'est une écriture visuelle qui, immergée/émergée dans la liquidité de la matière-encre, gravée dans la ramification ou la succession des lignes topographiques, des flux qui courbent l'espace et forment des visions labyrinthiques de l'écriture, même lorsqu'elles semblent se composer en une textualité ordonnée. Une interférence entre textures et diagrammes géométriques dans les plis desquels s'insinuent des arabesques extatiques, des codes d'énigmes orientales, des anagrammes errants de la mémoire. Une pulsion mémorielle qui n'a ni choses ni lieu, mais « seulement » le geste qui la met initialement en mouvement. Un geste qui est racine proliférante – on l'appel, Rhizoma (rhizome) ! – des expansions intemporelles de l'écriture désirante qui révolutionne l'Histoire dans la controverse de son silence...</p> <p>Parabita, janvier 2026</p> <div class='spip_document_23130 spip_document spip_documents spip_document_image spip_documents_center spip_document_center spip_document_avec_legende' data-legende-len="29" data-legende-lenx="" > <figure class="spip_doc_inner"> <a href='https://www.tk-21.com/IMG/jpg/hoelderlin_hyperion_dettaglio_2.jpg' class="spip_doc_lien mediabox" type="image/jpeg"> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L500xH660/hoelderlin_hyperion_dettaglio_2-789ee.jpg?1772187972' width='500' height='660' alt='' /></a> <figcaption class='spip_doc_legende'> <div class='spip_doc_titre '><strong>Hoelderlin Hyperion, détail </strong></div> </figcaption></figure> </div></div> https://www.tk-21.com/Les-reminiscences-cinemato https://www.tk-21.com/Les-reminiscences-cinemato 2025-11-30T18:18:15Z text/html fr Lorraine Alexandre Smaris Elaphus dessin <p>On ferait « comme si » le dessin était le prolongement d'une pensée. Sa voix en quelque sorte. On ferait « comme si » le sujet dessiné n'était qu'un leurre, destiné à attirer l'attention de ceux qui se sont tus.</p> - <a href="https://www.tk-21.com/Images" rel="directory">Images</a> / <a href="https://www.tk-21.com/Smaris-Elaphus" rel="tag">Smaris Elaphus</a>, <a href="https://www.tk-21.com/dessin" rel="tag">dessin</a> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L150xH149/arton2770-5726c.jpg?1772255221' class='spip_logo spip_logo_right' width='150' height='149' alt="" /> <div class='rss_chapo'><p>On ferait « comme si » le dessin était le prolongement d'une pensée. Sa voix en quelque sorte. On ferait « comme si » le sujet dessiné n'était qu'un leurre, destiné à attirer l'attention de ceux qui se sont tus.</p></div> <div class='rss_texte'><div class='spip_document_22951 spip_document spip_documents spip_document_image spip_documents_center spip_document_center'> <figure class="spip_doc_inner"> <a href='https://www.tk-21.com/IMG/jpg/lorraine_alexandre.jpg' class="spip_doc_lien mediabox" type="image/jpeg"> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L500xH373/lorraine_alexandre-13d85.jpg?1763464384' width='500' height='373' alt='' /></a> </figure> </div> <p>Qu'apporte le dessin, pour vous que transmet-il que la photo ne peut transmettre ?<br class='autobr' /> « Comme si », comme disent les enfants, faisons comme si...</p> <p>« If you were in my movie, you would be... », chantait Suzanne Vega lorsque j'étais enfant... et elle déclinait tous les personnages les plus récurrents... les plus clichés, archétypaux, signifiants... du vestiaire cinématographique : le détective, le prêtre, le médecin...</p> <p>Ce « comme si » de la fiction que les enfants, et beaucoup d'adultes, ne démêlent pas de la réalité... toute cette « foule sentimentale » qui croit apprendre le monde au cinéma...</p> <p>Je lui tends un miroir, mais j'assume ma culpabilité... Je suis cinéphage bien qu'ayant grandi sans écran, sans télévision... avec une soif d'autant plus accrue de me rattraper à la moindre occasion... Passer des étés entiers enfermée dans le noir de la chambre de ma tante à regarder tous les films... de préférence interdits aux enfants pour y découvrir le monde, un monde qui me libère de celui étriqué du quotidien, mais qui soit une fenêtre, un espace de rêve et de réflexion, de libération... et d'engagement... Tous les paradoxes sont possibles au cinéma... comme dans la vie, mais ce n'est pas pareil...</p> <p>C'est comme le dessin et la photographie, ce n'est pas pareil et pourtant, je suis bancale si j'use de l'un sans l'autre.</p> <p>J'ai toujours dit que la photographie était mon Apollon et le dessin mon Dionysos. Je sais ce que je fais... ou presque, quand je manipule mon matériel photographique ; je structure, je construis ; j'ai une logique de mise en scène, tout est prêt en amont ; je travaille comme une cinéaste...</p> <p>En dessin, je fais ce que ma main décide, je suis dans l'instinctif pur, je ne sais pas à l'avance où je vais aller... mon corps décide et ne fais rien au hasard, je lui fais confiance.</p> <p>En photo, merci de laisser la tête faire son boulot ! Les deux approches me rééquilibrent corps et esprit.</p> <p>Pour le fond, c'est pareil : je suis attirée, irrémédiablement, par les détails visuels... et les récits qui se tissent hors champ... Je les laisse à l'imaginaire de celles et ceux qui regardent, que j'invite à la rêverie, à la réflexion, car ce que j'ai dessiné n'est pas plus important que ce que j'ai laissé en retrait... Le noir et le blanc ne sont jamais des fonds, jamais neutres en tout cas, ce sont des espaces de projection de nos films intérieurs, de nos vies...</p> <div class='spip_document_22950 spip_document spip_documents spip_document_image spip_documents_center spip_document_center spip_document_avec_legende' data-legende-len="60" data-legende-lenx="x" > <figure class="spip_doc_inner"> <a href='https://www.tk-21.com/IMG/jpg/la.petite.be_te.a.tout.casse__l_a_ge.de_glace_15_2x24_1cm.jpg' class="spip_doc_lien mediabox" type="image/jpeg"> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L500xH314/la.petite.be_te.a.tout.casse__l_a_ge.de_glace_15_2x24_1cm-0fb1f.jpg?1763464384' width='500' height='314' alt='' /></a> <figcaption class='spip_doc_legende'> <div class='spip_doc_titre '><strong>La petite bête a tout cassé, l'âge de glace </strong></div> <div class='spip_doc_descriptif '>15,2 x 24,1 cm </div> </figcaption></figure> </div> <p>Bienvenue, Welcome, Willkommen... Chaque image n'est qu'un début... chaque image est un monde en suggestions...</p> <p>Soyons honnêtes... Je crée d'abord pour moi... Mais, soyons honnêtes... Je ne peux pas créer sans rechercher un regard...</p> <p>Je ne connais pas d'artiste qui ne crée pas d'abord pour se trouver soi-même, avant d'être confronté au besoin du regard, le sien, celui de l'autre... C'est pourquoi, Alberti considère que le mythe de Narcisse est le mythe fondateur pour les artistes ; celle et ceux qui se cherchent à travers un regard autre, servant de miroir...</p> <p>C'est un jeu complexe, à haute teneur empathique, hyper-sensible, vertigineux, dangereux pour l'identité, mais qui est sa condition aussi.</p> <p>Et, dans ce jeu troublant de miroir, ce qui m'intéresse, c'est d'inviter à la danse toutes les personnes qui s'y risquent. J'appelle cela la démarche « post-créa- trice ». Je pense mon travail comme un espace de projection de l'imaginaire. Mes œuvres, qu'elles soient graphiques ou photographiques, se jouent de mes fantasmes pour que les spectateur·ices, non seulement, les reçoivent, mais surtout, s'y projettent, s'y confrontent, s'y opposent et se demandent alors ce qu'elles et eux-mêmes auraient imaginé à ma place.</p> <p>Mon travail permet ainsi un dialogue, une rencontre, comme une danse par la voie de l'imaginaire...</p> <div class='spip_document_22949 spip_document spip_documents spip_document_image spip_documents_center spip_document_center spip_document_avec_legende' data-legende-len="52" data-legende-lenx="x" > <figure class="spip_doc_inner"> <a href='https://www.tk-21.com/IMG/jpg/la.double_signature_frenzy_ensemble_21x29_7cm.jpg' class="spip_doc_lien mediabox" type="image/jpeg"> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L500xH717/la.double_signature_frenzy_ensemble_21x29_7cm-8ac1e.jpg?1763464384' width='500' height='717' alt='' /></a> <figcaption class='spip_doc_legende'> <div class='spip_doc_titre '><strong>La.Double.Signature, Frenzy Ensemble </strong></div> <div class='spip_doc_descriptif '>21 × 29,7 cm. </div> </figcaption></figure> </div></div> <div class='rss_ps'><div class='spip_document_22948 spip_document spip_documents spip_document_image spip_documents_center spip_document_center'> <figure class="spip_doc_inner"> <a href='https://www.tk-21.com/IMG/jpg/smaris_elaphus_03.jpg' class="spip_doc_lien mediabox" type="image/jpeg"> <img src='https://www.tk-21.com/IMG/jpg/smaris_elaphus_03.jpg' width="618" height="800" alt='' /></a> </figure> </div> <p>SMARIS ELAPHUS, est un drôle d'animal nous revient une fois par an, disponible en librairie en janvier : :<br class='autobr' /> <a href="https://www.corridorelephant.com/preachat-smaris-elaphus-3" class="spip_url spip_out auto" rel="nofollow external">https://www.corridorelephant.com/preachat-smaris-elaphus-3</a> pour avoir un aperçu.</p></div> https://www.tk-21.com/Le-chaos-et-l-etoile-Rituels https://www.tk-21.com/Le-chaos-et-l-etoile-Rituels 2025-09-29T15:07:50Z text/html fr Geneviève Hergott et Laurie Noyelle dessin entretien Instagram <p>Geneviève Hergott, dans son expérience de rencontre en ligne sur Instagram, a pris contact avec Laurie Noyelle. Elle s'entretient ici avec l'artiste sur sa pratique du dessin.</p> - <a href="https://www.tk-21.com/Entretiens" rel="directory">Entretiens</a> / <a href="https://www.tk-21.com/dessin" rel="tag">dessin</a>, <a href="https://www.tk-21.com/Entretien" rel="tag">entretien</a>, <a href="https://www.tk-21.com/Instagram" rel="tag">Instagram</a> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L150xH79/arton2746-057bf.jpg?1772186868' class='spip_logo spip_logo_right' width='150' height='79' alt="" /> <div class='rss_chapo'><p>Geneviève Hergott, dans son expérience de rencontre en ligne sur Instagram, a pris contact avec Laurie Noyelle. Elle s'entretient ici avec l'artiste sur sa pratique du dessin.</p></div> <div class='rss_texte'><div class='spip_document_22810 spip_document spip_documents spip_document_image spip_documents_center spip_document_center spip_document_avec_legende' data-legende-len="128" data-legende-lenx="xxx" > <figure class="spip_doc_inner"> <a href='https://www.tk-21.com/IMG/jpg/01_-_origine_oiseau_saturnesaturne_kavely_2018.jpg' class="spip_doc_lien mediabox" type="image/jpeg"> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L500xH613/01_-_origine_oiseau_saturnesaturne_kavely_2018-aaa1d.jpg?1772187955' width='500' height='613' alt='' /></a> <figcaption class='spip_doc_legende'> <div class='spip_doc_descriptif '>"Kävely", encre, acrylique et collage sur papier, 20 x 20 cm, 2017<br class='autobr' /> Édition Kävely, 20 x 20 cm, 16 pages, 16 exemplaires, 2018 </div> </figcaption></figure> </div> <p><br> <br> <strong>Geneviève Hergott : Peux-tu nous dire d'où vient ta pratique artistique ?</strong></p> <p>Laurie Noyelle : J'ai toujours dessiné et peint mais ma pratique telle qu'elle se développe aujourd'hui est née de deux voyages, l'un en Suède en 2016, l'autre en Islande en 2017. Tout vient de là. Il y a une continuité entre ce que je vis et ce que je crée, avec un pas de décalage, une distance amenée par l'invention de personnages, de situations, de décors et des jeux de mots aussi dans les titres. J'aime raconter des histoires et j'adore les livres. Quand j'étais ado je voulais en faire mon métier : écrire, dessiner et fabriquer des livres. <br> <br></p> <div class='spip_document_22811 spip_document spip_documents spip_document_image spip_documents_center spip_document_center spip_document_avec_legende' data-legende-len="151" data-legende-lenx="xxx" > <figure class="spip_doc_inner"> <a href='https://www.tk-21.com/IMG/jpg/02_-_pluton_en_verseau.jpg' class="spip_doc_lien mediabox" type="image/jpeg"> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L500xH622/02_-_pluton_en_verseau-3ee7f.jpg?1772187955' width='500' height='622' alt='' /></a> <figcaption class='spip_doc_legende'> <div class='spip_doc_descriptif '>Série « Saturne en Verseau » : Pluton en verseau (détail), feutres, crayons, encre et pastels sur papier marouflé sur MDF, 50 x 70 cm, 2023 </div> </figcaption></figure> </div> <p><strong>C'est quoi pour toi, le dessin ?</strong></p> <p>C'est le dessin pour le dessin. Je l'aime pour ce qu'il est comme médium à interroger, pour ce qu'il offre de liberté et pour ce qu'il pose comme problèmes. Je l'aime pour son accessibilité et sa modestie. C'est ce qui rend certains dessins très forts. Il me semble que le dessin laisse rarement à distance le.a spectateur.ice, parce qu'il a quelque chose d'intime. Je me sens toujours émue face à lui. Pour moi le dessin a quelque chose d'infini, il n'a ni début ni fin. J'ai besoin de faire avec lui, beaucoup. L'ensemble de ma pratique passe d'abord par le dessin. Il précède même l'écriture. <br> <br></p> <div class='spip_document_22812 spip_document spip_documents spip_document_image spip_documents_center spip_document_center spip_document_avec_legende' data-legende-len="133" data-legende-lenx="xxx" > <figure class="spip_doc_inner"> <a href='https://www.tk-21.com/IMG/jpg/03_-_protocole_dessin_et_voyage_volcanoislande_dessins.jpg' class="spip_doc_lien mediabox" type="image/jpeg"> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L500xH500/03_-_protocole_dessin_et_voyage_volcanoislande_dessins-bbd58.jpg?1758443624' width='500' height='500' alt='' /></a> <figcaption class='spip_doc_legende'> <div class='spip_doc_descriptif '>Série « Volcano », feutres sur papier, 18 dessins, 20 x 20 cm, 2020<br class='autobr' /> (Auto-édité en risographie à 30 exemplaires en 2021) </div> </figcaption></figure> </div> <p><br> <br> <strong>Comment procèdes-tu dans ta pratique du dessin ?</strong></p> <p>Je dessine de manière quotidienne. Mais je n'ai pas de processus défini. Un support, un format, ou outil, un sujet, un voyage, un souvenir personnel, une image ou un livre de ma collection, presque tout peut être prétexte à démarrer une série. Je collectionne beaucoup de choses : livres, oracles mais aussi restes d'animaux, cailloux. De mes voyages je rapporte des journaux, des objets et des images. <br class='autobr' /> Le protocole vient ensuite, il me canalise. J'ai besoin de poser un cadre, une contrainte, c'est paradoxal mais ça me libère. <br class='autobr' /> Enfin, mes séries s'enchainent assez logiquement, en suivant le cours de ma vie, de mes expériences. Elles ont souvent en commun d'avoir un évènement personnel déclencheur. <br> <br></p> <div class='spip_document_22813 spip_document spip_documents spip_document_image spip_documents_center spip_document_center spip_document_avec_legende' data-legende-len="102" data-legende-lenx="xx" > <figure class="spip_doc_inner"> <a href='https://www.tk-21.com/IMG/jpg/04_-_journal_de_forets__2016_2025.jpg' class="spip_doc_lien mediabox" type="image/jpeg"> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L500xH300/04_-_journal_de_forets__2016_2025-6dce7.jpg?1758443624' width='500' height='300' alt='' /></a> <figcaption class='spip_doc_legende'> <div class='spip_doc_descriptif '>Série "Journal de forêts" (sélection), 9 x 13,9 cm chaque dessin - lecture horizontale : 2016 à 2025 </div> </figcaption></figure> </div> <p><br> <br> <strong>Tu mènes, entre autres, un travail singulier, celui de dessiner chaque jour une forêt, « variante » d'une carte postale sur laquelle tu es tombée...</strong></p> <p>Oui, le <i>Journal de forêts</i> consiste à interpréter chaque jour cette carte postale, depuis le 19 septembre 2016, en me donnant comme contrainte un médium pour une année. C'est un protocole que j'ai mis en place pour pallier ma peur de l'échec. Il devait ne durer qu'un an mais cela va faire dix ans et donc dix médiums / contraintes expérimentées : aquarelle, noir et blanc, collage, bleu, techniques de reproduction, dessin numérique, calque, etc. <br class='autobr' /> C'est un travail de répétition et de variation, rigoureux, qui explore la notion d'épuisement du sujet. <br class='autobr' /> On me demande souvent si c'est mon échauffement ou ma méditation du jour mais non pas du tout. C'est mon obligation, c'est l'expression d'une discipline et c'est avant tout une recherche. Et bien sûr, c'est un journal : j'écris la date, le lieu, mon humeur, des anecdotes et la météo au dos de chaque dessin. <br class='autobr' /> Tout ce que j'expérimente dans mes forêts se retrouve tôt ou tard dans mes dessins. <br class='autobr' /> Concernant ces derniers, je fais souvent avec ce que j'ai sous la main, et si une série nait, alors je deviens plus exigeante et je mets en place un protocole. On peut dire que je commence par m'amuser et après je travaille !<br class='autobr' /> J'ai des aides au démarrage aussi : je finis mes palettes de peinture dans des carnets, en gribouillant des trucs, sur lesquels j'interviens plus tard. Ça c'est un protocole. <br> <br></p> <div class='spip_document_22814 spip_document spip_documents spip_document_image spip_documents_center spip_document_center spip_document_avec_legende' data-legende-len="169" data-legende-lenx="xxx" > <figure class="spip_doc_inner"> <a href='https://www.tk-21.com/IMG/jpg/05_-_chevalpluton_et_oiseausaturne_interieur_fictif.jpg' class="spip_doc_lien mediabox" type="image/jpeg"> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L500xH664/05_-_chevalpluton_et_oiseausaturne_interieur_fictif-24a30.jpg?1772187956' width='500' height='664' alt='' /></a> <figcaption class='spip_doc_legende'> <div class='spip_doc_descriptif '>Série « Saturne en Verseau » : l'oiseau Saturne et le cheval Pluton en intérieur fictif, pastels, feutres et crayons de couleurs sur carton, 50 x 70 cm, 2022 </div> </figcaption></figure> </div> <p><br> <br> <strong>Peux-tu nous parler de l'oiseau Saturne que tu as créé ?</strong></p> <p>L'oiseau Saturne est mon alter ego : à travers lui, je raconte, fais et exprime ce que je veux, en toute liberté, avec gravité ou humour. Je me souviens l'avoir d'abord pensé comme un masque. Quand je l'ai créé en 2017, j'avais un vrai blocage avec le dessin de personnages. J'ai contourné le problème en prenant de la peinture acrylique et il est apparu, exactement comme je l'avais imaginé. <br class='autobr' /> Paradoxalement, cette expérience m'a complètement libérée avec le dessin. J'ai compris qu'il était bien plus intéressant et aussi moins douloureux de faire de ses faiblesses des forces. Prendre des chemins de traverses. Cette découverte explique sans doute aussi la multiplication des médiums dans ma pratique. Ce que je ne sais pas faire avec l'un, j'y arrive avec l'autre. <br> <br></p> <div class='spip_document_22815 spip_document spip_documents spip_document_image spip_documents_center spip_document_center spip_document_avec_legende' data-legende-len="122" data-legende-lenx="xx" > <figure class="spip_doc_inner"> <a href='https://www.tk-21.com/IMG/jpg/06_-_oiseausaturne__masque_portraitlaurie2025_-_creditphoto_ambrelavandier.jpg' class="spip_doc_lien mediabox" type="image/jpeg"> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L500xH346/06_-_oiseausaturne__masque_portraitlaurie2025_-_creditphoto_ambrelavandier-c22f6.jpg?1772187956' width='500' height='346' alt='' /></a> <figcaption class='spip_doc_legende'> <div class='spip_doc_descriptif '>Portrait avec Masque pour une crémation, grès et émail, 19 x 24 cm, 2024 <br class='autobr' /> crédit photo Ambre Lavandier </div> <div class='spip_doc_credits '>©Ambre Lavandier </div> </figcaption></figure> </div> <p><br> <br> <strong>Tu déploies un univers qui ne se limite pas au dessin mais qui embrasse la céramique, le détournement d'images et le caviardage de textes, le travail d'écriture, l'auto-édition... Comment s'organise le va-et-vient entre ces différents médias ?</strong></p> <p>C'est un processus organique que je ne conscientise pas vraiment. Je m'ennuie assez vite, donc la possibilité de changer de médium est un moyen de garder une forme d'excitation à faire. Cela m'aide aussi à surmonter des doutes et des blocages. Ce que je ne sais pas faire dans l'un, je l'essaye dans l'autre. <br class='autobr' /> J'aime surtout expérimenter et apprendre de nouvelles techniques, tester des outils, les combiner. Récemment, j'ai appris à feutrer la laine. Ce que j'aime, c'est maitriser pour mieux détourner et déconstruire.<br class='autobr' /> Les notions de transposition, variation, répétition et série, omniprésentes dans mon travail font de ce va-et-vient un état naturel. Mais parfois, il y a contrainte technique : par exemple pour la céramique, j'ai besoin de trouver un lieu ou une résidence. Là c'est très frustrant. <br> <br></p> <div class='spip_document_22817 spip_document spip_documents spip_document_image spip_documents_center spip_document_center spip_document_avec_legende' data-legende-len="127" data-legende-lenx="xx" > <figure class="spip_doc_inner"> <a href='https://www.tk-21.com/IMG/jpg/08_-_me_diumsce_ramique_les_ours_meurent_en_novembre__porcelaine2022.jpg' class="spip_doc_lien mediabox" type="image/jpeg"> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L500xH342/08_-_me_diumsce_ramique_les_ours_meurent_en_novembre__porcelaine2022-0c75f.jpg?1758443624' width='500' height='342' alt='' /></a> <figcaption class='spip_doc_legende'> <div class='spip_doc_descriptif '>Série « Dark Kävely » : "Les ours meurent en novembre", porcelaine teintée, jus d'oxyde, émail, laiton, 25 cm, 2022 </div> </figcaption></figure> </div> <p><br> <br> <strong>Quelles thématiques creuses-tu ?</strong></p> <p>Je constate que des thématiques surgissent et se répètent : l'absence, la mort, la renaissance, la transformation, la solitude, la dépression, l'amitié, les paysages déserts, les voyages, la magie, le masque, la dualité, les mondes parallèles. Mais très honnêtement ce n'est pas prévu à l'avance. Je suis ouverte à toute chose ou état qui viendrait à moi, même différent de ce que j'ai fait avant. Cela tient à l'étroite relation entre ma vie et mon travail. <br> <br></p> <div class='spip_document_22819 spip_document spip_documents spip_document_image spip_documents_center spip_document_center spip_document_avec_legende' data-legende-len="86" data-legende-lenx="xx" > <figure class="spip_doc_inner"> <a href='https://www.tk-21.com/IMG/jpg/10_-_tarot_-_oiseausaturne.jpg' class="spip_doc_lien mediabox" type="image/jpeg"> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L500xH506/10_-_tarot_-_oiseausaturne-5ca39.jpg?1772187956' width='500' height='506' alt='' /></a> <figcaption class='spip_doc_legende'> <div class='spip_doc_descriptif '>Tarot de l'oiseau Saturne, encre sur cartes de jeu, 4 x 14 cartes, 6 x 11,2 cm, 2023 </div> </figcaption></figure> </div> <p><br> <br> <strong><br class='autobr' /> Quels rapports entretiens-tu avec l'astrologie et le tarot ? Les sciences ?</strong></p> <p>L'astrologie et le Tarot m'accompagnent au quotidien dans ma vie depuis que je suis adolescente, naturellement cela irrigue mon travail. Mais il est vrai que j'ai mis un moment l'assumer parce que les trucs mystiques et New Age, ce n'était pas particulièrement bienvenu il y a encore quelques années. Je tiens un journal de Lune par quinzaine, pour faire le point, et je me tire les cartes pour discuter avec moi-même. Pour le reste, je collectionne des livres, principalement pour leurs images : astronomie, encyclopédies de la nature et des animaux, paysages, science-fiction, civilisations, peuples autochtones, coutumes et objets... <br> <br></p> <div class='spip_document_22818 spip_document spip_documents spip_document_image spip_documents_center spip_document_center spip_document_avec_legende' data-legende-len="198" data-legende-lenx="xxx" > <figure class="spip_doc_inner"> <a href='https://www.tk-21.com/IMG/png/09_-_terre_arctique_nuits_lumineuses.png' class="spip_doc_lien mediabox" type="image/png"> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L500xH644/09_-_terre_arctique_nuits_lumineuses-8fc92.png?1772187956' width='500' height='644' alt='' /></a> <figcaption class='spip_doc_legende'> <div class='spip_doc_descriptif '>« Je te souhaite des nuits lumineuses », dessin, écriture et caviardage sur pages du livre « Terre Arctique », André de Cayeux, Arthaud édition de 1949, 19 x 14 cm (page), 2024 </div> </figcaption></figure> </div> <p><br> <br> <strong><br class='autobr' /> De qui te sens-tu proche et qui seraient les individus ou les collectifs qui t'inspirent ?</strong></p> <p>Tout d'abord Jonas Mekas, dont l'œuvre <i>Diaries Notes and Sketches</i> a été un vrai coup de foudre. C'est grâce à elle que je me suis moi-même sentie autorisée à faire de l'art. La forme du journal, intime ou non, reconnue comme œuvre d'art, a été une révélation pour moi qui tiens des journaux écrits et dessinés depuis toute petite. <br class='autobr' /> L'art brut et l'art naïf me touchent fortement, c'est ce que je préfère, notamment l'œuvre de Henry Darger. <br class='autobr' /> Je me sens proche d'artistes obsessionnels et/ou sériels. Dessinateur.ices et céramistes. Pluridisciplinaires. De ceux qui font des livres, de l'auto-édition.<br class='autobr' /> Je peux te citer Ragnar Persson, Pauline Barzilaï, Gosia Machon, Edi Dubien, José Maria Gonzalez, Horst Haack, Jockum Nordström, Françoise Pétrovitch, Michael Mcgrath, Tal R, Julia Sobolova et bien sûr Frédéric Fleury, qui a été mon professeur et ami, avec qui je partage la même vision du dessin contemporain. Il m'a encouragée à me lancer quand ma pratique était encore autodidacte. <br class='autobr' /> Et en littérature, la poétesse Laura Vazquez, que j'ai d'abord suivie pour ses ateliers d'écriture en 2020. Je crois que son rapport à l'écriture est celui que j'ai au dessin : régularité, discipline, méthode, protocole et expérimentations. <br> <br></p> <div class='spip_document_22820 spip_document spip_documents spip_document_image spip_documents_center spip_document_center spip_document_avec_legende' data-legende-len="329" data-legende-lenx="xxxx" > <figure class="spip_doc_inner"> <a href='https://www.tk-21.com/IMG/jpg/11_-_dessin_-_editionetvoyage_lesecoliers_3carnets_2021.jpg' class="spip_doc_lien mediabox" type="image/jpeg"> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L500xH450/11_-_dessin_-_editionetvoyage_lesecoliers_3carnets_2021-5c292.jpg?1758443624' width='500' height='450' alt='' /></a> <figcaption class='spip_doc_legende'> <div class='spip_doc_descriptif '>Éditions des trois carnets de dessins originaux, échelle 1 :<br class='autobr' /> Paysages (Islande), Study #1, Collection Les écoliers, 21,5 x 16 cm, 14 exemplaires, 2021<br class='autobr' /> Paysages (Suède), Study #2, Collection Les écoliers, 21,5 x 16 cm, 14 exemplaires, 2022<br class='autobr' /> Routes (Suède), Study #3, Collection Les écoliers, 21,5 x 16 cm, 14 exemplaires, 2022 </div> </figcaption></figure> </div> <p><br> <br> <strong>Les résidences d'artiste dont tu as bénéficié, principalement dans le Nord et le Grand Nord, en quoi et comment ont-elles nourri ton travail ?</strong></p> <p>Plus je vais au Nord, mieux je me sens. C'est un sentiment très intime, quelque chose de viscéral que j'ai découvert lors de mon premier voyage en Suède. Islande, Norvège, Danemark ou Groenland, partout où j'ai fait l'expérience des grands espaces froids, glacials, hostiles et presque inhabités, de la vraie nuit noire et des lumières magiques du ciel, je me suis sentie chez moi. Je ne l'explique pas. <br class='autobr' /> Quand j'y suis, je ne crée presque pas. Je suis trop occupée à vivre. Cela répond à mon besoin d'ancrage et cela passe par le corps : résister au froid. Dans des modes de vie rudimentaires comme ceux que j'expérimente dans mes voyages nordiques, satisfaire mes besoins vitaux a plus de place que la sublimation. Cela devient mon impérieuse nécessité.<br class='autobr' /> Cela me nourrit et donc a posteriori cela nourrit et influence mon travail, ainsi que mon mode de vie. Je vais chercher à représenter, à dire, à suggérer ce que j'ai éprouvé et qui est resté gravé en moi, pour ne pas oublier et pour continuer à ressentir. <br> <br></p> <div class='spip_document_22821 spip_document spip_documents spip_document_image spip_documents_center spip_document_center spip_document_avec_legende' data-legende-len="123" data-legende-lenx="xx" > <figure class="spip_doc_inner"> <a href='https://www.tk-21.com/IMG/jpg/12_-_e_criture_in_situ__residencegroenland_laurie.jpg' class="spip_doc_lien mediabox" type="image/jpeg"> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L500xH346/12_-_e_criture_in_situ__residencegroenland_laurie-d3960.jpg?1772187956' width='500' height='346' alt='' /></a> <figcaption class='spip_doc_legende'> <div class='spip_doc_descriptif '>Portrait, écriture in situ sur journal de voyage « Terre Arctique » ((île d'Akunnaaq, Groenland), décembre 2024 </div> </figcaption></figure> </div> <p><br> <br> <strong>Il y a peu, tu étais en mini-résidence à l'Imprimerie coopérative Ramette de Caen. Qu'as-tu pu y expérimenter ?</strong></p> <p>Je suis arrivée avec mon journal de voyage <i>Terre Arctique,</i> démarré au Groenland en décembre 2024. J'avais à disposition un photocopieur, une imprimante riso et un immense mur aimanté. J'ai commencé par sortir les images du carnet en les photocopiant pour les accrocher au mur. Je me suis fait la main sur la riso avec une peinture de ma série <i>Kävely.</i> Travailler à partir d'un fichier c'est technique et moi je n'avais qu'une envie : dessiner et aller chercher la matière. Alors très vite j'ai pris l'option de dessiner puis de poser des objets directement sur la vitre de la riso. <br class='autobr' /> Puis j'ai composé une image, en réfléchissant par décomposition des formes et par couches à superposer. En décalquant des motifs pris dans mon journal <i>Terre Arctique,</i> combinés avec de nouvelles formes dessinées sur papier blanc, le tout organisé dans un ordre précis de superposition, j'ai fabriqué une première image. La machine est devenue mon outil de révélation du dessin. <br class='autobr' /> Cette expérience m'a amenée à me questionner sur la frontière entre le multiple et l'original, sur le statut et la valeur que l'on accorde à l'un ou à l'autre.<br class='autobr' /> Pour cette image, imprimée à une trentaine d'exemplaires, l'œuvre « originale » est composée de morceaux de calques, d'une dizaine de feuilles A3, de ratés, de reprises… Elle n'a à priori rien d'une œuvre d'art. L'œuvre c'est donc l'édition. <br class='autobr' /> Et, détail important, je l'ai imprimée sur des restes de ramette de papiers différents, limitant le nombre de tirages possible. Il s'agit encore une fois d'une contrainte mais pour moi c'est un geste à la fois écologique et politique de se limiter à ce qui est là et de faire avec. J'appelle ça le « Slow Publishing », en référence à la « Slow Fashion ». <br> <br></p> <div class='spip_document_22822 spip_document spip_documents spip_document_image spip_documents_center spip_document_center spip_document_avec_legende' data-legende-len="170" data-legende-lenx="xxx" > <figure class="spip_doc_inner"> <a href='https://www.tk-21.com/IMG/png/13_-_livre_dessinecriture_residence_groenland_terrearctique_2_doublespages.png' class="spip_doc_lien mediabox" type="image/png"> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L500xH763/13_-_livre_dessinecriture_residence_groenland_terrearctique_2_doublespages-44bb5.png?1772187956' width='500' height='763' alt='' /></a> <figcaption class='spip_doc_legende'> <div class='spip_doc_descriptif '>Terre Arctique, dessins, écriture et caviardages sur pages du livre « Terre Arctique », André de Cayeux, Arthaud édition de 1949, 19 x 14 cm (page), 2024-2025 </div> </figcaption></figure> </div><div class='spip_document_22823 spip_document spip_documents spip_document_image spip_documents_center spip_document_center spip_document_avec_legende' data-legende-len="193" data-legende-lenx="xxx" > <figure class="spip_doc_inner"> <a href='https://www.tk-21.com/IMG/jpg/14_-_fabrication_image_avec_riso_residenceramette_vue_de_table_de_travail_maquette_le_courage_des_oiseaux2025.jpg' class="spip_doc_lien mediabox" type="image/jpeg"> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L500xH667/14_-_fabrication_image_avec_riso_residenceramette_vue_de_table_de_travail_maquette_le_courage_des_oiseaux2025-2110b.jpg?1758443624' width='500' height='667' alt='' /></a> <figcaption class='spip_doc_legende'> <div class='spip_doc_descriptif '>Vue d'atelier : travail en cours sur « Le courage des oiseaux », dessin pour impression en risographie, Résidence « Images en cours », Imprimerie Coopérative Ramette, 2025 </div> </figcaption></figure> </div></div> <div class='rss_ps'><p>Laurie Noyelle vit et travaille à Caen.<br class='autobr' /> @laurie_noyelle</p> <div class='spip_document_22824 spip_document spip_documents spip_document_image spip_documents_center spip_document_center spip_document_avec_legende' data-legende-len="211" data-legende-lenx="xxx" > <figure class="spip_doc_inner"> <a href='https://www.tk-21.com/IMG/jpg/15_-_fabrication_image_avec_riso_residence_ramette_vue_daccrcochage_maquette__pleinelune_mai2025.jpg' class="spip_doc_lien mediabox" type="image/jpeg"> <img src='https://www.tk-21.com/IMG/jpg/15_-_fabrication_image_avec_riso_residence_ramette_vue_daccrcochage_maquette__pleinelune_mai2025.jpg' width="800" height="684" alt='' /></a> <figcaption class='spip_doc_legende'> <div class='spip_doc_descriptif '>Vue d'accrochage : dessins ayant servi à imprimer « Pleine Lune - Terre Arctique », risographie 5 couleurs, 29,7 x 42 cm, Résidence « Images en cours », Imprimerie Coopérative Ramette, 2025 </div> </figcaption></figure> </div> <p>Image d'ouverture : Série « Les ours meurent en novembre », encre de chine, feutres et gouache, collage sur pages de livres et magazines, 20 x 28 cm, novembre 2020.</p></div> https://www.tk-21.com/Liberte https://www.tk-21.com/Liberte 2025-07-27T17:10:28Z text/html fr Manolita Smaris Elaphus bande dessinée dessin <p>Chérie, il nous faut plus de sécurité</p> - <a href="https://www.tk-21.com/Societe-15" rel="directory">Société</a> / <a href="https://www.tk-21.com/Smaris-Elaphus" rel="tag">Smaris Elaphus</a>, <a href="https://www.tk-21.com/bande-dessinee" rel="tag">bande dessinée</a>, <a href="https://www.tk-21.com/dessin" rel="tag">dessin</a> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L150xH141/arton2688-18921.jpg?1772186796' class='spip_logo spip_logo_right' width='150' height='141' alt="" /> <div class='rss_chapo'><p>Chérie, il nous faut plus de sécurité</p></div> <div class='rss_texte'><div class='spip_document_22428 spip_document spip_documents spip_document_image spip_documents_center spip_document_center'> <figure class="spip_doc_inner"> <a href='https://www.tk-21.com/IMG/jpg/manolita_smaris_elaphus_2_1024.jpg' class="spip_doc_lien mediabox" type="image/jpeg"> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L500xH707/manolita_smaris_elaphus_2_1024-1fcb0.jpg?1772198038' width='500' height='707' alt='' /></a> </figure> </div></div> <div class='rss_ps'><div class='spip_document_21655 spip_document spip_documents spip_document_image spip_documents_center spip_document_center'> <figure class="spip_doc_inner"> <a href='https://www.tk-21.com/IMG/jpg/smaris_elaphus_couv.jpg' class="spip_doc_lien mediabox" type="image/jpeg"> <img src='https://www.tk-21.com/IMG/jpg/smaris_elaphus_couv.jpg' width="640" height="832" alt='' /></a> </figure> </div></div> https://www.tk-21.com/Mateurs-et-montreuses https://www.tk-21.com/Mateurs-et-montreuses 2025-06-01T18:24:35Z text/html fr Jean-Paul Gavard-Perret photographie dessin <p>La principale préoccupation de Louise Brodsky est de comprendre le mécanisme psychologique de la dépression et du suicide. Plus tard, elle rencontre la question de la condition féminine et de la sexualité et sa réflexion s'élargit tout en puisant dans les mêmes préoccupations fondamentales. Pourquoi l'être humain, doté de conscience et de morale, vacille-t-il en permanence entre le plaisir et la souffrance ? Pourquoi cette attirance vers la destruction ? Et pourquoi cet instinct de survie ? </p> - <a href="https://www.tk-21.com/Images" rel="directory">Images</a> / <a href="https://www.tk-21.com/photographie" rel="tag">photographie</a>, <a href="https://www.tk-21.com/dessin" rel="tag">dessin</a> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L150xH83/arton2673-b52e5.jpg?1772187661' class='spip_logo spip_logo_right' width='150' height='83' alt="" /> <div class='rss_chapo'><p>La principale préoccupation de Louise Brodsky est de comprendre le mécanisme psychologique de la dépression et du suicide. Plus tard, elle rencontre la question de la condition féminine et de la sexualité, et sa réflexion s'élargit tout en puisant dans les mêmes préoccupations fondamentales. Pourquoi l'être humain, doté de conscience et de morale, vacille-t-il en permanence entre le plaisir et la souffrance ? Pourquoi cette attirance vers la destruction ? Et pourquoi cet instinct de survie ? </p></div> <div class='rss_texte'><p>Louise Brodsky, artiste bruxelloise multidisciplinaire, découvre l'art dès le plus jeune âge. Elle suit des cours extrascolaires de dessin durant son enfance et, petit à petit, sa grande passion pour ce domaine est née. À 20 ans, elle tente des études d'architecture à l'Institut Supérieur Victor Horta et des études de dessin et sculpture à l'École de Recherche Graphique, mais après avoir entrepris un voyage en Australie, elle reprend des études d'illustration à l'École de Promotion sociale des Instituts Saint-Luc à Bruxelles. Depuis, elle ne cesse de suivre des cours dans diverses académies afin de développer son propre univers créatif. <br class='autobr' /> <br class='autobr' /> En 2017, elle décide de se lancer dans la ferronnerie d'art et a pour but de maitriser une matière qu'elle trouve plus passionnante que la terre ou le plâtre. Elle élabore des sculptures mais aussi du mobilier design et de la restauration d'art nouveau.</p> <p>Dès l'enfance, Louise connut de grands bouleversements qui lui inspirèrent et inspirent des questions. Avec des problématiques venues très tôt, Louise Brodsky crée un monde propre et prend conscience du sens de son travail artistique et de sa recherche graphique visant à comprendre le paradoxe entre plaisir et souffrance, la limite entre soumission et domination. Mais aussi le balancement entre destruction et construction autant dans l'intimité la plus profonde de l'être humain que dans le fonctionnement de la société.</p> <p>Pour preuve, il n'est pas jusqu'au « Salon de la mort », d'écraser Thanatos par Éros. Chacun des dessins de Louise Brodsky possède en effet une signification personnelle. Ce dessin (ci-dessus) détient une histoire et signe la fin d'un amour toxique, d'un sacrifice. C'est le dernier geste avant une renaissance. Il est fait d'après une photo (jamais publiée) de Irving S. T. Garp.</p> <p>Les œuvres de Louise Brodsky décrivent souvent, selon sa volonté, une trajectoire métaphorique et existentielle où l'artiste piétine, repasse par les mêmes voies en recommençant ce qui ne commence jamais et qui nous menace délicieusement et tragiquement. Pour ses dessins narratifs, elle met en scène, avec élégance, divers jeux entre le subtil et l'arrogant, le secret et l'évidence. Un envers du miroir de nos territoires conquis apparaît sous forme de songe, de rêve que la créatrice découpe en une suite de lieux d'un d'abandon et de liberté. </p> <p>Surgit un espace vacant donc ouvert et presque aussi onirique que discrètement tragique. Les décors s'arc-boutent. Ils échappent à toute localisation précise et donnent une éternité à cet éphémère de moments soudains figés de manière provisoire. Reste une scénographique essentielle, grave, délétère mais jouissive et érotique. Une telle œuvre reste à sa manière des plus engagée. Mais à la place des mots d'ordre, ce sont les images qui servent de revendication.</p> <div class='spip_document_22355 spip_document spip_documents spip_document_image spip_documents_center spip_document_center'> <figure class="spip_doc_inner"> <a href='https://www.tk-21.com/IMG/jpg/louise_brodsky_art_media-2493355972.jpg' class="spip_doc_lien mediabox" type="image/jpeg"> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L500xH281/louise_brodsky_art_media-2493355972-1cf70.jpg?1772190098' width='500' height='281' alt='' /></a> </figure> </div></div> https://www.tk-21.com/Les-corps-lieux-de-Diana-Quinby https://www.tk-21.com/Les-corps-lieux-de-Diana-Quinby 2025-05-05T09:10:48Z text/html fr Diana Quinby et Éric Bonnet corps poésie autoportrait dessin <p>Dessins en nuances de gris mêlant anatomie et sensualité, figures souvent fragmentées, autoportraits interrogeant l'identité multiple et le rapport au monde et au temps : Éric Bonnet pose ses mots sur la recherche de Diana Quinby, sur une œuvre qui interroge : comment habiter les corps, son corps ?</p> - <a href="https://www.tk-21.com/Cerveau" rel="directory">Cerveau</a> / <a href="https://www.tk-21.com/corps" rel="tag">corps</a>, <a href="https://www.tk-21.com/poesie" rel="tag">poésie</a>, <a href="https://www.tk-21.com/autoportrait" rel="tag">autoportrait</a>, <a href="https://www.tk-21.com/dessin" rel="tag">dessin</a> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L150xH116/arton2668-54161.jpg?1772189223' class='spip_logo spip_logo_right' width='150' height='116' alt="" /> <div class='rss_chapo'><p>Dessins en nuances de gris mêlant anatomie et sensualité, figures souvent fragmentées, autoportraits interrogeant l'identité multiple et le rapport au monde et au temps : Éric Bonnet pose ses mots sur la recherche de Diana Quinby, sur une œuvre qui interroge : comment habiter les corps, son corps ?</p></div> <div class='rss_texte'><p>Diana Quinby travaille dans un petit atelier blanc, bien éclairé, dédié au dessin. Passé un dédale de couloirs et d'escaliers étroits dans une maison d'artiste, nous entrons dans un monde sans couleur, un monde gris ou plutôt argenté. Les masses frontales qui couvrent les grands papiers accrochés au mur sont modulées, animées dans leur étendue, percées de zones blanches internes, ouvertures laissées par le contact léger de fragments de corps qui se touchent. Le contact de ces corps dans l'espace est la première impression qui nous saisit. Comment deux corps peuvent-ils se toucher avec cette qualité de caresse ?</p> <div class='spip_document_22311 spip_document spip_documents spip_document_image spip_documents_center spip_document_center spip_document_avec_legende' data-legende-len="80" data-legende-lenx="xx" > <figure class="spip_doc_inner"> <a href='https://www.tk-21.com/IMG/jpg/2_quinby_couple_iv.jpg' class="spip_doc_lien mediabox" type="image/jpeg"> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L500xH376/2_quinby_couple_iv-4a150.jpg?1745335467' width='500' height='376' alt='' /></a> <figcaption class='spip_doc_legende'> <div class='spip_doc_titre '><strong>Couple de dos IV </strong></div> <div class='spip_doc_descriptif '>Crayon graphite sur papier, 97 x 127 cm, 2022. </div> <div class='spip_doc_credits '>© Diana Quinby </div> </figcaption></figure> </div> <p>Corps discrètement sexués dans le cadrage serré, l'apparition d'un sein, d'un pénis, une posture plus souple et ronde à côté d'un corps plus droit, mais toujours des couples accordés et égaux dans leur occupation de l'espace. L'étendue de ces corps qui pourrait relever d'une pratique du monochrome sont pourtant des figures : une peau qui fait volume sans faire effet de ronde-bosse. Et cela tient aux gestes graphiques de tissage de Diana Quinby.</p> <p>Elle travaille actuellement avec des images très rudimentaires, aucunement artistiques, dont elle se sert comme point d'appui pour la mise en page de ses figures. Puis le dessin se développe en lui-même dans sa propre nécessité. Les corps se dilatent, s'étendent sans respect exact des proportions anatomiques, même si la question anatomique reste sous-jacente. Aussi le corps devient-il une peau librement matérialisée et constamment animée de variations de gris, d'ombres sans cohérence et de lumières sans direction véritable. La lumière anime et module, et la texture repose sur un mélange optique très fin, car les traces graphiques sont des griffes linéaires qui se trament et s'orientent, irriguant la peau.</p> <p>Ce sont des micro-rythmes qui traversent et créent un mouvement, imperceptible à distance, mais bien présent, qui suggèrent des courants d'énergies à fleur de peau, et qui relèvent d'une patience qui construit le corps sans nécessité du squelette. Des corps-voiles en quelque sorte. Mais dans certains dessins de dos, la colonne vertébrale apparait comme un tracé droit manifeste ; elle signifie le milieu de la feuille. La partition abstraite de l'espace met en tension le vivant du corps qui s'épanouit symétriquement de chaque côté de cet axe.</p> <div class='spip_document_22312 spip_document spip_documents spip_document_image spip_documents_center spip_document_center spip_document_avec_legende' data-legende-len="76" data-legende-lenx="xx" > <figure class="spip_doc_inner"> <a href='https://www.tk-21.com/IMG/jpg/3_quinby_grand_dos_ii.jpg' class="spip_doc_lien mediabox" type="image/jpeg"> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L500xH641/3_quinby_grand_dos_ii-acc2e.jpg?1772188729' width='500' height='641' alt='' /></a> <figcaption class='spip_doc_legende'> <div class='spip_doc_titre '><strong>Grand dos II </strong></div> <div class='spip_doc_descriptif '>Crayon graphite sur papier, 127 x 97 cm, 2023. </div> <div class='spip_doc_credits '>© Diana Quinby </div> </figcaption></figure> </div> <p>Sur un dessin récent, l'artiste double son autoportrait : une figure enfant devant une figure adulte dont le corps se recouvre d'un vêtement curieusement posé sur la peau, comme en adhérence. Diana me parle de sa famille de médecins et de son intérêt pour la médecine. Dans son enfance, la consultation de livres d'anatomie datant du 19ᵉ siècle a nourri son imaginaire. La gravure d'un homme exhibant sa jambe atteinte de gangrène l'avait marquée. Ces Images choc, nous en conservons la trace dans la mémoire inconsciente ; elles surgissent au détour d'un dessin.</p> <p>Corps fragmentés analogues à des mises en scène que John Coplans a photographiquement explorées sur son propre corps. Il y a quelques années, Diana ne dessinait de son corps que ce qu'elle en voyait directement. Ces vues sans déformation expressive, paraissent à la fois inconnues et singulièrement familières ; elles traduisent la vision brute que nous avons de nous-même. Dessiner son aire corporelle sans le relai du miroir et sans la photographie, intégrer la main qui dessine, tracer son torse, son ventre, ses membres en surplomb ; notre visage nous reste inaccessible. Le refus du miroir et de la photographie fut le parti pris de Diana Quinby quand elle renonça aux images d'anatomie intérieure et commença son exploration de la surface. <br class='autobr' /> Ce refus des outils visuels minimaux, réduction au simple regard direct, est remarquable aujourd'hui, alors que les « images-corps » ne cessent de se spectaculariser. C'est aussi un moment important de la vie de femme de l'artiste. Enceinte, elle dessine son corps en mutation : seins, ventre rond, jambes ; les membres s'étendent dans l'espace de la feuille vide ; la plongée du regard la conduit à placer en hauteur les jambes qui découpent le blanc de l'espace et spatialisent le dessin. Soi-même comme centre du monde, comme <i>« corps actuel que j'appelle mien, la sentinelle qui se tient silencieusement sous mes paroles et sous mes actes<span class="spip_note_ref"> [<a href="#nb2-1" class="spip_note" rel="appendix" title="Maurice Merleau-Ponty, L'œil et l'esprit, Paris, Gallimard, 1964, pp. 12-13." id="nh2-1">1</a>]</span>. »</i> La position existentielle choisie par Diana rejoint les analyses de Maurice Merleau-Ponty.</p> <small> <center><i>L'énigme tient à ceci que mon corps est à la fois voyant et visible. Lui qui regarde toutes choses, il peut aussi se regarder, et reconnaitre dans ce qu'il voit alors l'« autre côté » de sa puissance voyante. Il se voit voyant, il se touche touchant, il est visible et sensible pour soi-même.</i><span class="spip_note_ref"> [<a href="#nb2-2" class="spip_note" rel="appendix" title="Ibid., p.18." id="nh2-2">2</a>]</span></center></small> <p>Ce soi-même se double d'une autre centralité, la gestation d'un enfant. Être enceinte et rester dans l'enceinte de son corps. Le monde est dans le blanc de la feuille qui figure l'entour spatial effacé au profit du corps sien ou de la famille, ou de ses doubles. <br class='autobr' /> Un visage apparait dans les dessins récents, une fois acceptée la photographie et le miroir. Les corps massifs, torses monumentaux, épaules larges, portent un visage à l'échelle réduite. Le regard intense nous fixe dans les yeux et son écriture est quelque peu différente de celle du corps, le visage plus volumétrique et mobile ; des tracés effacés créent un halo de mouvement, un tremblement du temps. Mais la légère disproportion entre le torse et la tête éveille une mémoire des figures archétypiques féminines, les <i>korè</i> de la Grèce archaïque, les vénus préhistoriques. Un moment très particulier du parcours de Picasso pourrait également être évoqué : la période de Gosol en 1906, lorsqu'il intègre des influences de la statuaire romane, les découvertes de la statuaire ibérique et qu'il regarde Cézanne. C'est un moment qui traduit une synthèse entre un réalisme et un archaïsme comme on le voit dans l'autoportrait du Musée Picasso, et le Portrait de Gertrude Stein.</p> <p>Corps dressés comme simple présence « au » monde. Toute la question se résume à ce mot lien : « au », écrit Jean-Luc Nancy<span class="spip_note_ref"> [<a href="#nb2-3" class="spip_note" rel="appendix" title="Jean-Luc Nancy, Le regard du portrait, Paris, Galilée, 2000, p. 86." id="nh2-3">3</a>]</span> . La question de la figuration, dégagée de tout accessoire, se réduit à sa forme la plus essentielle, sans action autre que celle de se figurer. L'être-là, seul, ou en famille. Picasso résumait l'art depuis son origine à la création du masque, l'invention du visage humain. Mais ici, le soi-même est dédoublé, ce n'est pas la gémellité ni l'image spéculaire mais un double ou triple soi-même, un dédoublement si rare dans les autoportraits. <i>« Quand j'ai commencé les autoportraits de grossesse, je me suis dessinée seule sur la feuille, mais en fait, j'étais déjà "double". »</i></p> <div class='spip_document_22309 spip_document spip_documents spip_document_image spip_documents_center spip_document_center spip_document_avec_legende' data-legende-len="108" data-legende-lenx="xx" > <figure class="spip_doc_inner"> <a href='https://www.tk-21.com/IMG/jpg/5_quinby_autop_double_iv.jpg' class="spip_doc_lien mediabox" type="image/jpeg"> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L500xH617/5_quinby_autop_double_iv-8f60a.jpg?1772188729' width='500' height='617' alt='' /></a> <figcaption class='spip_doc_legende'> <div class='spip_doc_titre '><strong>Autoportrait double IV </strong></div> <div class='spip_doc_descriptif '>Crayon graphite et crayon de couleur sur papier, 140 x 115 cm, 2023. </div> <div class='spip_doc_credits '>© Diana Quinby </div> </figcaption></figure> </div> <p>Puis les portraits que Diana réalise en se représentant à côté de sa fille adolescente produit un étrange dédoublement, une ressemblance subtile qu'elle manifeste grâce à la précision de son tracé réaliste, grâce aux postures identiques des deux personnes, mais légèrement décalées. La mise en valeur de la jeune fille pousse la mère sur le côté du format. La robe fleurie et les larges tatouages forment une vaste peau seconde et baroque sur le corps juvénile, qui s'oppose à la simple nudité maternelle. Aussi le double autoportrait poursuit logiquement cette enquête, le soi-même multiple, la confrontation avec sa propre image n‘étant jamais identique émotionnellement. La juxtaposition de plusieurs images de soi comme personnages en représentation introduit une histoire possible entre soi et soi, une inquiétude également qui affleure, un dialogue intime qui prolonge la parole engagée dans l'espace familial.</p> <small> <center><i> (…) « Nous sommes destinés au lieu »</i>, écrit Jean-Luc Nancy. Un lieu travaillé par l'histoire. <i>« En tant qu'elle vient, elle espace aussi. Nous aurons à penser l'espacement du temps, c'est-à-dire le temps comme corps… »</i><span class="spip_note_ref"> [<a href="#nb2-4" class="spip_note" rel="appendix" title="Jean-Luc Nancy, Corpus, Paris, Ed. Métailié, 2000." id="nh2-4">4</a>]</span>.</i></center></small> <p>Enfin le regard droit, fixe et intense de tous ces visages dans leur infime différence révèle à quel point ces autoportraits ne voient pas. Ils n'ont rien à voir sauf nous, les spectateurs ; mais ils regardent, et ils nous regardent. Différent du voir, le regard serait cette poussée de soi-même vers l'autre, poussée du visage tout entier vers le monde, <i>« quand un sujet se fait sujet<span class="spip_note_ref"> [<a href="#nb2-5" class="spip_note" rel="appendix" title="Jean-Luc Nancy, Le regard du portrait, op.cit., p. 81." id="nh2-5">5</a>]</span> »</i>.</p> <p><i>Paris, mars 2023</i></p> <div class='spip_document_22310 spip_document spip_documents spip_document_image spip_documents_center spip_document_center spip_document_avec_legende' data-legende-len="70" data-legende-lenx="xx" > <figure class="spip_doc_inner"> <a href='https://www.tk-21.com/IMG/jpg/1_quinby_torse_v.jpg' class="spip_doc_lien mediabox" type="image/jpeg"> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L500xH503/1_quinby_torse_v-a1d81.jpg?1745329696' width='500' height='503' alt='' /></a> <figcaption class='spip_doc_legende'> <div class='spip_doc_titre '><strong>Torse V </strong></div> <div class='spip_doc_descriptif '>Crayon graphite sur papier, 79 x 79 cm, 2024. </div> <div class='spip_doc_credits '>© Diana Quinby </div> </figcaption></figure> </div></div> <div class="hyperlien">Voir en ligne : <a href="https://dianaquinby.com/" class="spip_out">Les corps-lieux de Diana Quinby</a></div> <hr /> <div class='rss_notes'><div id="nb2-1"> <p><span class="spip_note_ref">[<a href="#nh2-1" class="spip_note" title="Notes 2-1" rev="appendix">1</a>] </span>Maurice Merleau-Ponty, <i>L'œil et l'esprit</i>, Paris, Gallimard, 1964, pp. 12-13.</p> </div><div id="nb2-2"> <p><span class="spip_note_ref">[<a href="#nh2-2" class="spip_note" title="Notes 2-2" rev="appendix">2</a>] </span>Ibid., p.18.</p> </div><div id="nb2-3"> <p><span class="spip_note_ref">[<a href="#nh2-3" class="spip_note" title="Notes 2-3" rev="appendix">3</a>] </span>Jean-Luc Nancy, <i>Le regard du portrait</i>, Paris, Galilée, 2000, p. 86.</p> </div><div id="nb2-4"> <p><span class="spip_note_ref">[<a href="#nh2-4" class="spip_note" title="Notes 2-4" rev="appendix">4</a>] </span>Jean-Luc Nancy, <i>Corpus</i>, Paris, Ed. Métailié, 2000.</p> </div><div id="nb2-5"> <p><span class="spip_note_ref">[<a href="#nh2-5" class="spip_note" title="Notes 2-5" rev="appendix">5</a>] </span>Jean-Luc Nancy, Le regard du portrait, op.cit., p. 81.</p> </div></div> <div class='rss_ps'><p>Diana Quinby, exposition au Festival du Dessin, Arles, jusqu'au 11 mai 2025<br class='autobr' /> Chapelle du Méjean, Place Nina-Berberova<br class='autobr' /> Ouvert tous les jours de 10h à 18h</p> <p>« Incarnation (-s) », avec G. Bonin, L. Dorfner, A. Galissaires et D. Quinby<br class='autobr' /> La Cité du dessin, Académie Malouine d'Arts Plastiques<br class='autobr' /> 7 rue de Bonneville, Saint-Malo<br class='autobr' /> Du 30 avril au 20 juin 2025<br class='autobr' /> l. à j. 10h-18h, v. et s. 10h-12h</p> <p><i>Image d'ouverture : Autoportrait double V, crayon graphite et crayon de couleur sur papier, 110 x 140 cm, 2023.</i></p></div> https://www.tk-21.com/Cecilia-Jauniau-celle-qui-fascine https://www.tk-21.com/Cecilia-Jauniau-celle-qui-fascine 2025-03-01T20:19:33Z text/html fr Jean-Paul Gavard-Perret dessin photographie livre Eros <p>Cécilia Jauniau a étudié la peinture et les arts plastiques à l'Université Paris 8 puis au Queen's College de New York. Elle y a découvert la photographie et plus particulièrement le portrait et le nu féminin. Pour autant, elle n'est pas à proprement parler féministe. Elle s'attache à des individus, à des personnalités.</p> - <a href="https://www.tk-21.com/Publications" rel="directory">Publications</a> / <a href="https://www.tk-21.com/dessin" rel="tag">dessin</a>, <a href="https://www.tk-21.com/photographie" rel="tag">photographie</a>, <a href="https://www.tk-21.com/livre" rel="tag">livre</a>, <a href="https://www.tk-21.com/Eros" rel="tag">Eros</a> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L148xH150/arton2636-d359c.jpg?1772189364' class='spip_logo spip_logo_right' width='148' height='150' alt="" /> <div class='rss_chapo'><p>Cécilia Jauniau a étudié la peinture et les arts plastiques à l'Université Paris 8 puis au Queen's College de New York. Elle y a découvert la photographie et plus particulièrement le portrait et le nu féminin. Pour autant elle n'est pas à proprement parler féministe. Elle s'attache à des individus, à des personnalités.</p></div> <div class='rss_texte'><p>Au début se sa carrière, s'appuyant sur des images chinées, Cécilia Jauniau recherchait des visages durs et sévères afin d'y discerner les femmes qui se cachaient derrière. Leur retenue avait trait à leur histoire personnelle et familiale. Ces femmes étaient montrées corsetées mais — et conséquence — tout autant déshabillées. Il s'agissait de désenclaver celles qui étaient prisonnières de l'enfer de leur propre représentation. <i>« Les libérer passe par le désir, l'envie de suivre leur instinct. Elles sont prises en tenaille par la société et les convenances, j'ai envie de les débrider » </i> écrivait l'artiste.</p> <p>Le nu lui a ouvert un nouveau champ. Il libère moins l'image qu'une « parole » murmurée ou muette. Le corps y reprend ce qui lui a été confisqué. Il peut assumer ses désirs. En ce sens Cécilia Jauniau reste passionnée par les corps morcelés de Bellmer, le fétichisme de Molinier, la puissance figurale de Nan Goldin et la crudité d'un Saudek et ses corps de femmes abandonnés, crus, dégoulinants, façonnés, pervers. <i>« Ce sont des démonstrations presque monstrueuses »</i> proclame l'artiste.</p> <p>Cécilia Jauniau a découvert là le grand chemin de sa recherche. Ne choisissant jamais des modèles professionnels, elle trouve ses femmes par annonces puis discute longuement. Comme l'écrit l'artiste, <i>« Elles relèvent un défi la plupart du temps. Leur démarche est liée à leur histoire personnelle. Ce passage à l'acte, cette mise à nu est quasi thérapeutique. Elles ressentent le besoin de s'affirmer pour maintes et maintes raisons, comme une rupture familiale, une culture trop oppressante. Leur geste va contre leur éducation ou les brimades qu'elles ont pu subir. »</i></p> <div class='spip_document_22188 spip_document spip_documents spip_document_image spip_documents_center spip_document_center spip_document_avec_legende' data-legende-len="19" data-legende-lenx="" > <figure class="spip_doc_inner"> <a href='https://www.tk-21.com/IMG/jpg/outlook-sc50ck43.jpg' class="spip_doc_lien mediabox" type="image/jpeg"> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L500xH699/outlook-sc50ck43-4230d.jpg?1772189364' width='500' height='699' alt='' /></a> <figcaption class='spip_doc_legende'> <div class='spip_doc_credits '>© Cécilia Jauniau </div> </figcaption></figure> </div> <p>Les modèles (mais elle aussi) lui permettent de saisir leur individualité mais tout autant d'exprimer ses obsessions. Les « dégrafages » créent des suites de mouvements inédits du corps, des micro-structures, des délices du delta (ou d'ailleurs), des survoltages, des dégrillages, des idées forces. L'artiste sait que créer, c'est tout <i> « sauf faire la pintade ».</i> L'espace est à l'intérieur de la femme. Elle n'est plus un oiseau domestique.</p> <p>Cécilia Jauniau associe le dessin et la photographie. Après avoir capté des épreuves, l'artiste, par le dessin, remodèle le corps, le pousse un peu plus loin. L'idée de sculpture est donc centrale. Dans ce travail, l'obsession de la construction crée des lignes de vie (à main levée afin de perdre un trop de maîtrise). Cela revient à ajouter un filtre à un autre filtre. Voire créer un camouflage utile. Il permet de frayer un chemin de désir qui ne passe plus en caressant les fantasmes. Le dessin au besoin le divise sans séparer, l'unit sans fusionner. Les images portent ailleurs que dans le mensonge ou l'illusion. Cécila Jauniau en de tels rites touche à l'image la plus nue et non à la trop simple nudité.</p> <p>Mais ce qui fascine dans son livre « Diaporama », c'est la photographie. Elle ouvre une beauté plus que la fascination, là où l'obscène est transformé par des variations sur l'origine. Cécilia Jauniau, sous divers types de tensions propres à susciter le mystère, n'offre pas ses images selon les pauses traditionnelles. Un monde naturel (le nu) et artificiel (formalisme des pauses) s'y mêlent. Si bien que ses portraits de femmes sont à la fois figuratifs et pratiquement abstraits dans ce « diaporama » sous forme de puzzle, plus poétique que réaliste.</p> <p>Sortant de son ergastule, le sexe féminin ouvre son espace, donnant son silence troué d'éclairs sans jamais de prise de vue au nom du dépit, rage ou provocation. Des toisons cernant le liseré des lèvres de celles qui laissent deviner leur corps battant le <i>carpe diem</i> des très riches heures d'une telle mise en image originale.</p> <div class='spip_document_22187 spip_document spip_documents spip_document_image spip_documents_center spip_document_center spip_document_avec_legende' data-legende-len="19" data-legende-lenx="" > <figure class="spip_doc_inner"> <a href='https://www.tk-21.com/IMG/jpg/jauniau.jpg' class="spip_doc_lien mediabox" type="image/jpeg"> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L500xH630/jauniau-af465.jpg?1739814979' width='500' height='630' alt='' /></a> <figcaption class='spip_doc_legende'> <div class='spip_doc_credits '>© Cécilia Jauniau </div> </figcaption></figure> </div> <p>Parfois au bout de doigts féminins, parfois touchant en de subtils mouvements les minutes à venir de l'intérieur. Tout pourrait commencer par des caresses éternelles qui répondraient après tout à des sollicitations ou des injonctions de voyeurs. Mais l'objectif de Cécilia Jauniau complote et copilote avec ses modèles une autre envergure. Le féminin y règne entre deux cuisses ruisselantes en des cérémonies plus larges, plus solennelles que celle de l'obscénité et de la perversion.<br class='autobr' /> La vie dans ces rituels chaloupe à flots, souffle sans qu'une tempête fasse rage là où rien ne se perd ; surtout rien des pleins et des déliés. Les callipyges qui sans répit, hantent.</p> <p>Cécilia Jauniau par ses images en devient copiste et scribe, ne voulant être plus ailleurs que face au sexe. Les photographies restent sa garante d'un tel délice d'existence, de charme et d'harmonie. Face à de telles photographies ne soyons plus les condamnés de temple religieux qui veulent nous rendre coupables de la pire infamie. Celui du livre pivotant sur lui-même devient, avec tant de savoir-faire, un dévouement et une sensibilité extra-sensorielle.</p> <p>Technicienne exemplaire — qui nous rendent voyeurs admis enfin dans le seul club très recherché —, son but est de satisfaire un échange, qui après chaque rencontre ne peut plus nous éloigner. Nous pouvons envisager comment nos routes peuvent encore se croiser. Mais après tout, la femme qui elle, est sans pitié et peut être prise d'un vertige : existerait-il une autre femme qu'elle ? La photographie agit dans une nouvelle libération qui monte ici de plusieurs degrés. Il se peut que beaucoup désirent jeter l'ancre derrière cette surface bosselée et rose où flambent au besoin des bûches de bouleau. Elles vont à la bourlingue dans ce pays le plus chaud.</p></div> <div class='rss_ps'><p>Cécilia Jauniau, « Diaporama », Éditions de l'artiste, Paris, 2025.</p></div> https://www.tk-21.com/SUITE-A-suivre https://www.tk-21.com/SUITE-A-suivre 2025-03-01T20:11:30Z text/html fr Diana Quinby , Paul van der Eerden et Romy Muijrers dessin <p>Depuis 2018, Romy Muijrers et Paul van der Eerden travaillent ensemble sur leur projet SUITE, une série continue de dessins aux formats intimes, principalement réalisés au crayon graphite et au crayon de couleur, réhaussés parfois avec un peu de gouache.</p> - <a href="https://www.tk-21.com/Images" rel="directory">Images</a> / <a href="https://www.tk-21.com/dessin" rel="tag">dessin</a> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L150xH109/arton2626-944e9.jpg?1772189223' class='spip_logo spip_logo_right' width='150' height='109' alt="" /> <div class='rss_chapo'><p>Depuis 2018, Romy Muijrers et Paul van der Eerden travaillent ensemble sur leur projet SUITE, une série continue de dessins aux formats intimes, principalement réalisés au crayon graphite et au crayon de couleur, réhaussés parfois avec un peu de gouache. Le projet a démarré accidentellement lorsque Paul a remis à Romy un dessin qu'il avait commencé et lui a demandé de le terminer, entièrement comme elle le souhaitait. Ce premier dessin à quatre mains a été suffisamment intéressant pour leur donner envie de poursuivre l'expérience.</p></div> <div class='rss_texte'><p>Aujourd'hui, la série de Romy Muijrers et Paul van der Eerden compte plus de 200 dessins, dont plusieurs ont été exposés, notamment à la galerie Maurits van de Laar, à La Haye, et au Kunstmuseum de Bochum, en Allemagne. La riche diversité graphique de ces œuvres à quatre mains nous apparaît comme un témoignage encyclopédique des possibilités infinies de la ligne, de la couleur et de la composition, une célébration du processus de création du dessin.</p> <p>Avant de se rencontrer, et malgré leur différence d'âge, Romy Muijrers (1990) et Paul van der Eerden (1954) étaient déjà des âmes sœurs. Non seulement leur dévouement et leur passion pour le dessin sont sans équivoque, mais la manière dont chaque artiste structure, compartimente ou sature l'espace du papier invite à la comparaison. Avant leur rencontre, les dessins de Muijrers pouvaient être décrits comme des paysages sensuels et labyrinthiques dans lesquels le désir et l'émotion s'expriment par le jeu tumultueux de lignes, de textures, de formes et de clair-obscur. En utilisant uniquement un crayon graphite et un crayon de couleur — souvent rose ou couleur chair — elle obtient une gamme complète de tonalités et crée de multiples espaces qui suggèrent un mouvement perpétuel, comme si les différentes parties du dessin se réajustaient constamment. Dans ses compositions complexes, des bribes d'images figuratives, des parties du corps, des notes de musique et des fragments de texte s'entrecroisent, suscitant le développement d'un récit dans l'imagination du spectateur.</p> <div class='spip_document_22152 spip_document spip_documents spip_document_image spip_documents_center spip_document_center spip_document_avec_legende' data-legende-len="113" data-legende-lenx="xx" > <figure class="spip_doc_inner"> <a href='https://www.tk-21.com/IMG/jpg/2-suite_064.jpg' class="spip_doc_lien mediabox" type="image/jpeg"> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L500xH417/2-suite_064-5b40c.jpg?1739532471' width='500' height='417' alt='' /></a> <figcaption class='spip_doc_legende'> <div class='spip_doc_titre '><strong>SUITE 064 </strong></div> <div class='spip_doc_descriptif '>pencil, colored pencil and felt-tip marker, 16,9 x 21 cm, 2019. </div> <div class='spip_doc_credits '>© Romy Muijrers / Paul van der Eerden </div> </figcaption></figure> </div> <p>Il a été écrit que Muijrers a une méthode de travail obsessionnelle, qu'elle passe beaucoup de temps sur ses dessins et qu'elle <i>« se perd »</i> dans le processus<span class="spip_note_ref"> [<a href="#nb3-1" class="spip_note" rel="appendix" title="Alex de Vries in Mister Motley, 2017." id="nh3-1">1</a>]</span>, ce qui l'amène à repousser les limites du dessin au-delà de la feuille de papier en ajoutant des éléments de collage et en dessinant sur l'espace environnant du mur. En revanche, les dessins de Paul van der Eerden ont une apparence plus contrôlée et plus nette. Il a déclaré à maintes reprises qu'il ne travaille pas à partir d'idées, mais certains thèmes ou images réapparaissent régulièrement dans ses œuvres. Parmi ceux-ci se trouvent des parties du corps schématisées qui sont empilées ou arrangées pour créer des motifs géométriques, des visages répétés avec des yeux grands ouverts et des bouches béantes, des femmes aux jambes écartées et des personnages qui se livrent à diverses formes d'activité sexuelle. À la fois caricaturaux et brutaux, ses dessins explorent toute la panoplie d'émotions et de comportements humains. Cependant, ils sont finement travaillés, résonant d'une perfection digne d'un bijou. Aucune ligne ne semble déplacée, aucune couleur ou contour ne semble incongru ou accidentel. Les formats intimes nous incitent à nous approcher pour mieux voir, attirant l'œil par leurs riches textures, allant de l'intensité scintillante des couches superposées de graphite au flou voilé de tons délicatement nuancés au crayon de couleur.</p> <div class='spip_document_22153 spip_document spip_documents spip_document_image spip_documents_center spip_document_center spip_document_avec_legende' data-legende-len="112" data-legende-lenx="xx" > <figure class="spip_doc_inner"> <a href='https://www.tk-21.com/IMG/jpg/3-suite_moreau.jpg' class="spip_doc_lien mediabox" type="image/jpeg"> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L407xH800/3-suite_moreau-1a282.jpg?1739532471' width='407' height='800' alt='' /></a> <figcaption class='spip_doc_legende'> <div class='spip_doc_titre '><strong>SUITE 126, GUSTAVE MOREAU </strong></div> <div class='spip_doc_descriptif '>pencil and colored pencil, 21,5 x 10 cm, 2020. </div> <div class='spip_doc_credits '>© Romy Muijrers / Paul van der Eerden </div> </figcaption></figure> </div> <p>En regardant attentivement les dessins du projet SUITE, nous pouvons voir et sentir la présence de la main de chaque artiste. Les taches de graphite de Muijrers et le modelage sensuel des tons gris fusionnent et contrastent avec les contours fermes et l'imagerie stylisée de Van der Eerden. Il n'y a pas de règles pour guider le processus de réalisation de ces dessins. Certains sont composés à partir de formes imbriquées, de parties de corps et de motifs caricaturaux en arrangements kaléidoscopiques, tandis que d'autres révèlent un contenu plus « reconnaissable », nous suggérant des personnages, des portraits ou des paysages. Les références aux œuvres d'autres artistes — celles de Maria Lassnig et de Philippe Guston par exemple — sont également nombreuses, et certains dessins rendent ouvertement hommage à l'histoire de l'art, en revisitant des œuvres de plusieurs artistes : Arcimboldo, Gustave Moreau, Victor Hugo, Picasso, Léger et De Chirico pour ne citer que quelques-uns. Parfois, des fragments de texte sont intégrés dans des dessins, l'impact visuel des lettres et des mots dessinés (et non écrits), devenant partie intégrante de la composition. Les deux artistes s'inspirent de la littérature et de la poésie, et Muijrers a mentionné l'importance du groupe Oulipo, l'Ouvroir de littérature potentielle fondé par Raymond Queneau, pour son travail. L'utilisation de contraintes auto-imposées pour le choix du texte, ou pour la réorganisation de passages d'une œuvre littéraire de prédilection, peut entrer en résonance avec l'émotion du moment et déclencher le processus créatif.<span class="spip_note_ref"> [<a href="#nb3-2" class="spip_note" rel="appendix" title="Alex de Vries in Mister Motley, 2017." id="nh3-2">2</a>]</span></p> <p>Les dessins peuvent être commencés ou terminés par l'un ou l'autre artiste. Muijrers peut amorcer un dessin par le frottage de taches de graphite sur la feuille papier, autour desquelles Van der Eerden dessinera ensuite des contours. Ou au contraire, Van der Eerden peut commencer un dessin en traçant les contours d'un personnage, que Muijrers transformera et intégrera peut-être dans un paysage imaginaire. Un dessin peut faire l'objet de plusieurs allers-retours, être tourné sur le côté ou retourné à l'envers, être partiellement effacé ou se voir ajouter des zones de couleur. Parfois, à la suite d'une discussion, un dessin peut être réalisé par un seul artiste. Mais la présence de mains et de doigts dans plusieurs dessins, tels que SUITE 009, ou encore SUITE 064, où des doigts entrelacés relient ce qui semble être deux planètes distinctes ou deux mondes artistiques, témoigne de la nature collaborative du projet et de la profonde complicité entre les deux artistes. Les mains et les doigts dessinés peuvent également faire allusion à la notion du dessin en tant que concept. C'est la main pensante qui emmène le crayon dans un voyage à travers la surface du papier.</p> <p>Si l'histoire de l'art compte plusieurs « équipes » et collectifs d'artistes bien connus, depuis la célèbre collaboration entre Rubens et Brueghel au début du XVIIᵉ siècle jusqu'aux nombreux couples et collectifs d'artistes qui travaillent aujourd'hui, l'originalité du projet SUITE réside dans la capacité des deux artistes à rester constamment inventifs, ce qui permet à leur projet de devenir une entité évolutive dotée d'une vie propre. Les deux artistes conservent leur pratique individuelle, mais ils sont en communication constante, visitant ensemble des expositions et des collections de musées, produisant des notes, des diagrammes et des croquis qui mènent à la création de dessins.</p> <div class='spip_document_22154 spip_document spip_documents spip_document_image spip_documents_center spip_document_center spip_document_avec_legende' data-legende-len="109" data-legende-lenx="xx" > <figure class="spip_doc_inner"> <a href='https://www.tk-21.com/IMG/jpg/4-suite_225_cut-up.jpg' class="spip_doc_lien mediabox" type="image/jpeg"> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L500xH363/4-suite_225_cut-up-0af43.jpg?1772188178' width='500' height='363' alt='' /></a> <figcaption class='spip_doc_legende'> <div class='spip_doc_titre '><strong>SUITE 225, CUT-UP : GRÜNEWALD </strong></div> <div class='spip_doc_descriptif '>pencil and gouache, 21 x 29,4 cm, 2023. </div> <div class='spip_doc_credits '>© Romy Muijrers / Paul van der Eerden </div> </figcaption></figure> </div> <p>Plus récemment, dans une série intitulée SUITE : CUT-UPS, ils ont adapté une technique de l'Oulipo pour tenter une approche plus expérimentale du dessin. Sur une feuille de papier badigeonnée de graphite que lui remet Muijrers, Van der Eerden réalise un dessin au crayon inspiré d'une peinture qu'ils ont vue ensemble — par exemple, une œuvre de Fuseli, d'Ensor, de Munch ou de Grünewald. Van der Eerden montre ensuite ce qu'il a dessiné à Muijrers, qui l'associe à un poème d'E.E. Cummings. Van der Eerden sélectionne ou réarrange alors les lignes de la poésie et les intègre au dessin. D'apparence rapide et griffonnée, ces œuvres inaugurent une nouvelle orientation pour le projet SUITE. « CUT-UPS » se réfère non seulement aux poèmes réarrangés, mais aussi aux dessins qui sont eux aussi découpés, ou « cut up ». Van der Eerden divise sa feuille de papier en deux, réalisant d'un côté un dessin à partir du tableau choisi et de l'autre un détail ou un agrandissement de son propre dessin. Ces gros plans, qui ne sont pas reconnaissables en tant que tels au premier abord, apparaissent comme des dessins distincts, et pourtant, en combinaison avec le texte, les images jumelées pourraient suggérer un fragment d'une bande dessinée inachevée, invitant le spectateur à imaginer le déroulement de l'histoire.</p> <div class='spip_document_22155 spip_document spip_documents spip_document_image spip_documents_center spip_document_center spip_document_avec_legende' data-legende-len="104" data-legende-lenx="xx" > <figure class="spip_doc_inner"> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L500xH356/5-suite_235_falcon-bd051.jpg?1739532471' width='500' height='356' alt='' /> <figcaption class='spip_doc_legende'> <div class='spip_doc_titre '><strong>SUITE 235, FALCON </strong></div> <div class='spip_doc_descriptif '>pencil and colored pencil, 14,7 x 21 cm, 2023. </div> <div class='spip_doc_credits '>© Romy Muijrers / Paul van der Eerden </div> </figcaption></figure> </div> <p>Dans une autre série récente, Muijrers et Van der Eerden ont répondu à l'invitation de la Kunsthal KAdE d'Amersfoort, aux Pays-Bas, en réalisant une centaine de dessins pour <i>Êtres miraculeux</i><span class="spip_note_ref"> [<a href="#nb3-3" class="spip_note" rel="appendix" title="Wonderbaarlijke Wezens" id="nh3-3">3</a>]</span>, du 3 juin au 3 septembre 2023, une exposition célébrant les animaux et inspirée d'un texte attribué à Aristote, <i>De Mirabilibus Auscultationibus</i> (<i>Au sujet des choses merveilleuses entendues</i>). Composé de descriptions « par ouï-dire » d'animaux et de phénomènes naturels — telle que <i>« En Inde, dans la partie appelée Keras, on dit qu'il y a de petits poissons qui se promènent sur la terre ferme, puis retournent à la rivière »</i> — ce texte ancien a été une riche source d'inspiration pour les artistes, donnant lieu à des représentations fantastiques de créatures réelles ou imaginaires. Les dessins « zoologiques » du projet SUITE, créés à partir du modelé subtil de Muijrers et des contours affirmés de Van der Eerden — tels que le FAUCON céleste ou la HYÈNE expressive et anthropomorphe — peuvent nous amener à contempler notre profonde ressemblance avec ces Êtres miraculeux.</p> <p>L'échange entre Muijrers et Van der Eerden ressemble à une conversation visuelle, un projet de dessin épistolaire dans lequel chaque artiste répond à ce que l'autre a fait d'une manière qui explore continuellement le processus de création d'un espace mental « à deux », avec des outils aussi rudimentaires qu'un bâton de graphite et un crayon de couleur. En tant que spectateurs ayant suivi l'évolution du projet SUITE, plongeant notre regard dans ces énigmatiques paysages de la pensée pour y chercher nos propres fantasmes et désirs, nous pourrions souhaiter prendre part à la conversation et demander aux artistes : Chère Romy, cher Paul, quelle est la suite ?</p></div> <hr /> <div class='rss_notes'><div id="nb3-1"> <p><span class="spip_note_ref">[<a href="#nh3-1" class="spip_note" title="Notes 3-1" rev="appendix">1</a>] </span>Alex de Vries in Mister Motley, 2017.</p> </div><div id="nb3-2"> <p><span class="spip_note_ref">[<a href="#nh3-2" class="spip_note" title="Notes 3-2" rev="appendix">2</a>] </span>Alex de Vries in Mister Motley, 2017.</p> </div><div id="nb3-3"> <p><span class="spip_note_ref">[<a href="#nh3-3" class="spip_note" title="Notes 3-3" rev="appendix">3</a>] </span>Wonderbaarlijke Wezens</p> </div></div> <div class='rss_ps'><p><a href="http://www.paulvandereerden.nl/" class="spip_url spip_out auto" rel="nofollow external">http://www.paulvandereerden.nl/</a><br class='autobr' /> <a href="https://www.romymuijrers.nl/" class="spip_url spip_out auto" rel="nofollow external">https://www.romymuijrers.nl/</a></p> <p>Image d'ouverture : SUITE 009, crayon, crayon de couleur et feutre, 21 x 29,7 cm, 2018.</p></div> https://www.tk-21.com/Les-chemins-de-Bernadette-Delrieu https://www.tk-21.com/Les-chemins-de-Bernadette-Delrieu 2025-02-02T11:39:42Z text/html fr Bernadette Delrieu et Diana Quinby peinture dessin photographie <p>Bernadette Delrieu expérimente et combine de multiples techniques picturales, notamment la peinture, le dessin, la photographie, le collage et les techniques d'impression. Son œuvre se situe entre figuration et abstraction, ces termes n'étant pas adaptés pour saisir la pluralité de ses interrogations sur le tableau, la représentation et la perception. <br class='autobr' /> J'ai découvert le travail de Bernadette Delrieu en 1999, au SAGA, le Salon de l'Édition d'Art à Paris. Elle présentait un impressionnant (…)</p> - <a href="https://www.tk-21.com/Images" rel="directory">Images</a> / <a href="https://www.tk-21.com/peinture" rel="tag">peinture</a>, <a href="https://www.tk-21.com/dessin" rel="tag">dessin</a>, <a href="https://www.tk-21.com/photographie" rel="tag">photographie</a> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L146xH150/arton2620-18bc0.jpg?1772189223' class='spip_logo spip_logo_right' width='146' height='150' alt="" /> <div class='rss_chapo'><p>Bernadette Delrieu expérimente et combine de multiples techniques picturales, notamment la peinture, le dessin, la photographie, le collage et les techniques d'impression. Son œuvre se situe entre figuration et abstraction, ces termes n'étant pas adaptés pour saisir la pluralité de ses interrogations sur le tableau, la représentation et la perception.</p></div> <div class='rss_texte'><p>J'ai découvert le travail de Bernadette Delrieu en 1999, au SAGA, le Salon de l'Édition d'Art à Paris. Elle présentait un impressionnant diptyque de la série Chemins, composé d'un côté d'une photographie en couleur représentant un chemin bordé d'arbres, et de l'autre d'un dessin à la mine de plomb avec des traces de gomme, qui remémore une promenade en forêt. Chacun de ces chemins se dévoilait à mon regard comme un tunnel parsemé de lumière avec au bout une petite mais éblouissante ouverture, attisant la curiosité de l'œil. J'aurais pu rester longtemps devant ce diptyque, à suivre le mouvement en spirale des branches d'arbres entremêlées dans la photographie, à me perdre dans les méandres des traits à la mine de plomb dans le dessin. Le chemin qu'explore l'artiste est celui du regard, le parcours visuel à l'intérieur même de l'œuvre.</p> <div class='spip_document_22118 spip_document spip_documents spip_document_image spip_documents_center spip_document_center spip_document_avec_legende' data-legende-len="83" data-legende-lenx="xx" > <figure class="spip_doc_inner"> <a href='https://www.tk-21.com/IMG/jpg/1-delrieu_chemins_28.jpg' class="spip_doc_lien mediabox" type="image/jpeg"> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L500xH475/1-delrieu_chemins_28-70bfd.jpg?1737817402' width='500' height='475' alt='' /></a> <figcaption class='spip_doc_legende'> <div class='spip_doc_titre '><strong>Chemins 28 </strong></div> <div class='spip_doc_descriptif '>photographie cibachrome, 105 x 105 cm, 1998-1999. </div> <div class='spip_doc_credits '>© Bernadette Delrieu </div> </figcaption></figure> </div> <div class='spip_document_22119 spip_document spip_documents spip_document_image spip_documents_center spip_document_center spip_document_avec_legende' data-legende-len="85" data-legende-lenx="xx" > <figure class="spip_doc_inner"> <a href='https://www.tk-21.com/IMG/jpg/2-delrieu_chemins_3.jpg' class="spip_doc_lien mediabox" type="image/jpeg"> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L500xH471/2-delrieu_chemins_3-1e6d9.jpg?1772189223' width='500' height='471' alt='' /></a> <figcaption class='spip_doc_legende'> <div class='spip_doc_titre '><strong>Chemins No 3 </strong></div> <div class='spip_doc_descriptif '>mine de plomb sur papier, 120 x 80 cm, 1998-1999. </div> <div class='spip_doc_credits '>© Bernadette Delrieu </div> </figcaption></figure> </div> <p>Quand je l'ai rencontrée peu de temps après, Bernadette Delrieu s'est présentée comme une artiste éclectique. Elle expérimente et combine de multiples techniques picturales, notamment la peinture, le dessin, la photographie, le collage et les techniques d'impression. Son œuvre se situe entre figuration et abstraction, ces termes n'étant pas adaptés pour saisir la pluralité de ses interrogations sur le tableau, la représentation et la perception.</p> <p>Lors de cette première visite d'atelier, elle m'a parlé de son cheminement artistique et m'a montré des photographies de ses œuvres plus anciennes. Dans les années 1970, ses recherches plastiques portaient sur le trait, sur la mise en espace du dessin et sur l'emploi du blanc. Repérée par Marcelin Pleynet en 1978 pour une exposition qu'il organisait au Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, Tendances de l'art en France 1968-1978/79, elle y a exposé deux dessins de la série « Mur Sol » qui, à mon sens, annoncent les Chemins à venir. Les deux dessins, composés chacun de plusieurs feuilles de papier déchirées ou découpées, et recouvertes par endroits de traits vigoureux aux crayons aquarellés, se révèlent comme un diptyque et constituent une imposante installation murale. L'un des dessins est en noir et blanc, l'autre en traits superposés des couleurs primaires. Intégré dans l'espace pictural du diptyque, le blanc du mur circule autour et à l'intérieur des dessins dans un mouvement tournoyant, repoussant ainsi les frontières de l'espace du tableau jusqu'aux bords même du mur. Dans un poème de 1979 sur le travail de Bernadette Delrieu, l'artiste allemand Gerd Zwing décrit son œuvre avec justesse : <i>« Dans le cercle ouvert / le mur blanc circule / se baigne dans le dessin / trace des chemins à travers les hachures / disparaît / jaillit à nouveau / coule à flot / de retour au mur environnant : continuum blanc. »</i> En dessinant avec le blanc environnant, l'artiste avait « paysagé » le mur du musée.</p> <div class='spip_document_22120 spip_document spip_documents spip_document_image spip_documents_center spip_document_center spip_document_avec_legende' data-legende-len="164" data-legende-lenx="xxx" > <figure class="spip_doc_inner"> <a href='https://www.tk-21.com/IMG/jpg/3-delrieu_muse_e_art_moderne.jpg' class="spip_doc_lien mediabox" type="image/jpeg"> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L500xH496/3-delrieu_muse_e_art_moderne-8f0e4.jpg?1772189223' width='500' height='496' alt='' /></a> <figcaption class='spip_doc_legende'> <div class='spip_doc_titre '><strong>Mur sol grands formats, N°6 et N°21 </strong></div> <div class='spip_doc_descriptif '>Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, mine de plomb et crayons aquarellés sur papier, 1979. </div> <div class='spip_doc_credits '>© Bernadette Delrieu </div> </figcaption></figure> </div> <p>Cette lumière blanche, qui déambule autour et entre les traits et les hachures, se retrouve dans un grand nombre de ses œuvres des années plus tard, notamment celles qui s'inspirent du paysage, telle que la peinture Chemin N°5. Au lieu de figurer le paysage, cette toile, qui n'est pas sans rappeler certaines peintures de Joan Mitchell, voire les Nymphéas de Monet, traduit une expérience visuelle et sensorielle de la nature. Une sente lumineuse, dont la voie semble être interrompue à plusieurs reprises, se confond ici et là dans les couleurs et le clair-obscur, puis reprend ailleurs. Peut-être s'agit-il du cheminement de la mémoire, du désir de remonter le temps, de s'interroger sur le cours de sa vie et la voie à suivre.</p> <p>La photographie occupe elle aussi une place importante dans la pratique de Bernadette Delrieu. Dans les années 1980, elle combine ses tirages photographiques avec de la peinture pour explorer autrement des liens entre ce que l'on peut nommer l'aspect « réel » de l'image photographique et la réalité même du tableau.</p> <div class='spip_document_22121 spip_document spip_documents spip_document_image spip_documents_center spip_document_center spip_document_avec_legende' data-legende-len="108" data-legende-lenx="xx" > <figure class="spip_doc_inner"> <a href='https://www.tk-21.com/IMG/jpg/5-delrieu_eaux_12.jpg' class="spip_doc_lien mediabox" type="image/jpeg"> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L500xH333/5-delrieu_eaux_12-c36d9.jpg?1772189223' width='500' height='333' alt='' /></a> <figcaption class='spip_doc_legende'> <div class='spip_doc_titre '><strong>Eaux 12 </strong></div> <div class='spip_doc_descriptif '>photographie, pigment et liant vinylique sur papier, 37,5 x 55 cm, 1985-1986. </div> <div class='spip_doc_credits '>© Bernadette Delrieu </div> </figcaption></figure> </div> <p>Dans les tableaux de la série Eaux, de 1985-86, elle laisse en évidence la matérialité des deux techniques, celle de la peinture et de la photographie, dans l'intention d'instaurer un jeu de contrastes entre la prise de vue de la réalité saisie par l'appareil photo et sa propre subjectivité de peintre. Des photographies en noir et blanc représentant l'eau (des fontaines, des lacs, la surface de l'océan) sont découpées et intégrées dans la peinture, dont les coups de pinceau et les touches de couleur suggèrent des vagues ou des éclaboussures. L'artiste ne cherche pas à représenter littéralement l'eau, mais à offrir au regard une investigation gestuelle des forces qui composent l'image de l'eau dans la photographie. Son travail nous interroge sur les différentes notions de la réalité : la réalité telle qu'elle est présentée dans la photographie, l'interprétation de cette réalité dans la peinture et la réalité matérielle du tableau.</p> <p>La pratique de Bernadette Delrieu est nourrie par cette confrontation et ce mélange de plusieurs techniques, l'obligeant régulièrement à repenser son approche de la représentation. L'artiste appartient à cette génération de peintres, je pense notamment à Gerhard Richter, pour qui la photographie a joué un rôle absolument déterminant dans la réflexion sur la représentation du réel et dans le renouvellement des pratiques picturales depuis les années 1960. Dans le parcours de Bernadette Delrieu, ses photographies des choses les plus inattendues – bribes de paysages vues à travers une fenêtre embuée, ombres indéchiffrables sur la surface d'un lac – constituent à la fois des œuvres énigmatiques, interrogeant le regard du spectateur, et des sources d'inspiration pour des dessins et des peintures qui explorent une vision subjective et intérieure du monde extérieur.</p> <div class='spip_document_22122 spip_document spip_documents spip_document_image spip_documents_center spip_document_center spip_document_avec_legende' data-legende-len="107" data-legende-lenx="xx" > <figure class="spip_doc_inner"> <a href='https://www.tk-21.com/IMG/jpg/6-delrieu_cercle_carre_.jpg' class="spip_doc_lien mediabox" type="image/jpeg"> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L500xH372/6-delrieu_cercle_carre_-d3079.jpg?1737817402' width='500' height='372' alt='' /></a> <figcaption class='spip_doc_legende'> <div class='spip_doc_titre '><strong>Cercle, carré, triangle, acrylique sur toile </strong></div> <div class='spip_doc_descriptif '>acrylique sur toile, 97 x 130 cm, 2013. </div> <div class='spip_doc_credits '>© Bernadette Delrieu </div> </figcaption></figure> </div> <p>Plus récemment, dans les années 2000, et depuis qu'elle séjourne régulièrement en Bourgogne, dans une maison de campagne nichée dans le paysage vallonné de Vézelay, l'artiste se consacre davantage à la peinture. Vivant au plus près de la nature, comme dans son enfance, elle se tourne vers quelque chose de plus essentiel dans son art. Lors des promenades dans les champs et les forêts, elle prend toujours son appareil photo, mais les photographies prises ne sont pas destinées à devenir des œuvres. De retour à l'atelier, elles servent en tant qu'aide-mémoire, lui permettant de reconstituer en peinture les sensations visuelles produites par la lumière, la couleur et l'espace du paysage.</p> <p>Comme la série de peintures <i>Chemins</i>, ses tableaux plus récents révèlent eux-aussi ce va-et-vient continu entre figuration et abstraction. Cercle, carré, triangle et Paysage dans la brume II présentent une vision traditionnelle du paysage, avec une mise en perspective des champs et des arbres. L'expérience subjective et sensorielle de l'artiste se manifeste dans le choix et l'intensité de couleurs, dans l'atmosphère qui enveloppe toute la surface picturale. D'autres tableaux, tels que <i>Arbres penchés</i> ou <i>Eaux Bleues</i>, plongent le regard dans la matière colorée. En transcrivant son expérience vécue du paysage, Bernadette Delrieu incarne dans ses peintures un questionnement sur la place de l'être humain dans la nature et dans le monde. Pour reprendre les mots de Christian Limousin, « ce n'est pas le paysage stricto sensu qui intéresse Bernadette Delrieu mais ce qu'elle appelle l'au-delà du paysage, une interrogation quasi philosophique sur notre être-au-monde.<span class="spip_note_ref"> [<a href="#nb4-1" class="spip_note" rel="appendix" title="Christian Limousin, « Du paysage senti au paysage pensé : Bernadette Delrieu (…)" id="nh4-1">1</a>]</span> »</p> <div class='spip_document_22123 spip_document spip_documents spip_document_image spip_documents_center spip_document_center spip_document_avec_legende' data-legende-len="84" data-legende-lenx="xx" > <figure class="spip_doc_inner"> <a href='https://www.tk-21.com/IMG/jpg/7-delrieu_arbres.jpg' class="spip_doc_lien mediabox" type="image/jpeg"> <img src='https://www.tk-21.com/local/cache-vignettes/L500xH634/7-delrieu_arbres-9a44d.jpg?1737817402' width='500' height='634' alt='' /></a> <figcaption class='spip_doc_legende'> <div class='spip_doc_titre '><strong>Arbres penchés N°2 </strong></div> <div class='spip_doc_descriptif '>acrylique sur bois, 30 x 24 cm, 2012. </div> <div class='spip_doc_credits '>© Bernadette Delrieu </div> </figcaption></figure> </div> <p>Image d'ouverture : <i>Chemin N°5</i>, peinture acrylique sur toile, 100 x 100 cm, 1998-2000, © Bernadette Delrieux.</p></div> <hr /> <div class='rss_notes'><div id="nb4-1"> <p><span class="spip_note_ref">[<a href="#nh4-1" class="spip_note" title="Notes 4-1" rev="appendix">1</a>] </span>Christian Limousin, « Du paysage senti au paysage pensé : Bernadette Delrieu et l'ambition d'un impressionnisme contemporain », Bernadette Delrieu, Au-delà du paysage, catalogue de l'exposition au Musée d'Art et d'Histoire Romain Rolland, Clamecy, 2009.</p> </div></div> <div class='rss_ps'><p>Site internet de Bernadette Delrieu : <a href="https://www.bernadettedelrieu.com/fr/home/" class="spip_url spip_out auto" rel="nofollow external">https://www.bernadettedelrieu.com/fr/home/</a></p></div>