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Prune Nourry, de la douleur à la beauté

Jean-Paul Gavard-Perret — 2025-11-02T11:33:00Z

L'artiste présente pour la première fois son projet Vénus, né de sa rencontre avec Ghada Hatem, gynécologue obstétricienne, fondatrice de la Maison des femmes de Saint-Denis, centre d'aide et d'accompagnement pour les femmes victimes de violences.

Après quatre expositions personnelles à Bruxelles (2017 et 2022) et à Paris (2019 et en 2021), Prune Nourry réinvestit la galerie Templon dans la lignée de ses projets liés à la place de la femme dans la société à travers la symbolique de la matière terre, « Terracotta Daughters », « Mater Earth » et « Statues Also Breathe ».

L'artiste a rencontré huit femmes qui ont accepté de poser nues, en dépassant avec courage leurs tabous et traumas. Prune Nourry renoue avec la tradition du portrait et a sculpté ici dans un contexte encore plus intime. À partir de leur histoire unique — chaque femme partage son parcours durant les séances de pose. Et de leur forme de corps variées, l'artiste a modelé en terre leur buste à la manière des vénus préhistoriques. Leurs mots, autant que les détails de leur corps, inspirant chaque œuvre. Réalisé à taille humaine ou en petit format, le portrait a ensuite été moulé, puis tiré en bronze recouvert d'une peau de terre, ou tiré en terre cuite.

Surgit un lien fort entre le passé et le présent, entre le personnel et l'universel. Les mythes de création et la matière terre sont également au cœur du travail de Prune Nourry et ils sont antérieurs aux religions monothéistes écrites.

De telles femmes nues, appesanties au sein des lumières des stratégies scénographiques de l'exposition, ne sont pas qu'un simple objet du désir. D'une certaine manière, il reste dans l'ombre. Il n'est pas question que la coque du scarabée éclate. L'œuvre trouve un sens précis là où le corps n'est en rien englouti mais est donné à être contemplé, pour réfléchir à tous les sens du terme et bien au-delà d'un simple plaisir d'autosuffisance.

Les Vénus deviennent le sujet pour une quête générale, existentielle. Elles vont du défini à l'infini : ceux du corps, ceux du sens de la vie, là où tout semble enveloppé des parois du silence, au-delà du choc, la sensation n'est pas purement érotique.

Prune Nourry cherche à pénétrer les cercles d'un centre jamais atteint par différents moments qu'elle met en scène afin de se montrer/cacher. Il existe dans cette exhibition paradoxale la violence d'exister avec tout ce que cela comporte de doute et de beauté, d'absence et de présence, d'ouverture et de fermeture, de sensibilité et de douleur infligée.

Mais l'harmonie demeure toujours présente. Elle circonscrit l'inexprimable, lui donne toute sa puissance. Entre la technique et l'instinct, l'artiste propose ce qui la dépasse, qui dépasse le langage. Ses images précèdent sa pensée, l'anticipent, pénètrent l'intimité tout en refusant la monstration pétrifiante par ce qui proposerait un excès de fantasmes. La ligne de fracture est mince mais l'artiste tient en équilibre dessus.

Prune Nourry dans son atelier à Saint-Denis.

Photo © Eléa-Jeanne Schmitter, 2024

Prune Nourry, « Vénus », Galerie Templon, rue du Grenier-Saint-Lazare, Paris 11 janvier – 1^er mars 2025

Cette exposition inaugurée en juin 2024, a été pensée en lien avec la commande Les Vénus dionysiennes pour le Grand Paris Express dans la gare Saint-Denis – Pleyel en tandem avec l'architecte Kengo Kuma. Cette commande, portée par la Société des grands projets, sous la direction artistique et culturelle de José-Manuel Gonçalvès avec le CENTQUATRE-PARIS et l'agence Eva Albarran & Co., sera installée en 2026.

Nazanin Pouyandeh et les femmes

Jean-Paul Gavard-Perret — 2025-11-02T11:30:40Z

Nazanin Pouyandeh fut reçue à l'École des beaux-arts de Paris en 2000, où elle intégra l'atelier du peintre Pat Andrea. Depuis, sa virtuosité technique pousse au paroxysme la dimension vériste de sa peinture.

Elle puise dans toutes les sources d'images disponibles, puisque les frontières entre les arts, les époques et les cultures sont aujourd'hui devenues perméables. De tels rapprochements, comme des jeux de disproportion entre les figures, résulte un sentiment d'étrangeté formelle qui a beaucoup à voir avec le rêve.

Principalement, la créatrice interroge les représentations collectives de la femme, mais aussi les thèmes de l'érotisme et de la violence. Surgissent de la sorte des fragments de discours amoureux mouvementés, parfois à la frontière de l'horrible.

Les variations de tessitures par orientation progressives étaient en germe dans l'énorme fichier de sources iconographiques datées et conservées dans des boîtes, chemises, etc…, par l'artiste qui trouve ainsi les sucs de sa pensée en marche et de sa peinture. À ce titre, il se peut que pour les générations futures, ce soit là l'essentiel de cette œuvre en liberté qui fait face peu à peu avec lucidité à son parcours « intime ».

Il y a là divers types de désir de séduction qui pour chaque toile procède d'un choix culturel initial. Mais tout se situe toujours à la frontière, tout est une histoire de peau et d'os, de nudité et de vêtement — légers les vêtements. Entre des zones neigeuses ou épaisses et sombres émerge une sorte de fracture : douceur et douleur, apaisement et écrasement, l'épars et l'homogène, le flux persistant, la dispersion insistante. Ainsi l'image fait fondre les ressemblances. Reste en chacune d'elle un seuil d'égarement, une errance.

Dans chaque tableau, quelqu'une ou quelque chose nous regarde, nous tend un miroir. On ne s'y terre pas, on voudrait en resurgir. Et l'on comprend que l'ambition de l'artiste est de grande envergure sans qu'elle soit à l'image par exemple d'une femme albatros dont les ailes de géant l'empêchent de marcher.

Nazanin Pouyandeh ne se laisse pas avoir ni empaler ou réduire aux discours de séduction ou de punition que lui proposent les cultures ambulantes où les sentiments des femmes ne sont le plus souvent que du matériel de récupération et de contention.

Mais il en faut plus pour entraver la liberté de création d'une artiste dont les connaissances et l'intelligence forment la garde rapprochée de son imaginaire. Elle crée des espaces hybrides, absolument optiques, pour la confection d'images « pieuses » mais dont le code symbolique ne renvoie plus à la vulgate apprise.

À nous de forger notre religion, notre foi. Les codes des œuvres de l'artiste ne sont plus chargés de rassurer bien au contraire. À ce titre, les inserts de certaines d'entre elles ne laissent aucun doutes mais elles permettent de réorganiser nos propres images mentales, de comprendre de quoi elles sont faites (douleur et joie, perte et espoir).

C'est pourquoi, dans leur simplicité, dans leur silence, de telles images nous assourdissent de l'intérieur. Non seulement on passe entre les choses mais entre les lignes et les surfaces. On voit dedans. Bref, l'artiste invente un univers dans lequel intérieur et extérieur, dehors et dedans de la représentation perdent leur sens. Une possible conversion (d'où le terme images « pieuses ») est donc possible à qui veut faire l'effort de plonger dans de tels miroirs au sein desquels même lorsque des objets sont visibles, c'est la présence d'une matière-corps qui parle.

Nazanin Pouyandeh, Exposition du 27 avril à juin 2025, Bruxelles