TK-21

Jardin des Ignorances

Byurak — 2026-04-04T08:59:25Z

Le duo Byurak, composé de Cheyon WOO et Jaeyoung KIM, développe depuis 2021 une pratique mêlant nouveaux médias, installation et son, explorant les relations entre perception, technologie et structures sociales.

Le travail du duo interroge la notion de structure comme système de rationalité et de hiérarchisation, capable d'objectiver et d'invisibiliser les individus. À travers des dispositifs immersifs et participatifs (3D, VR, IA), les artistes transforment ces structures en expériences sensibles, engageant le corps et la responsabilité du spectateur.

En mobilisant des métaphores issues de l'écosystème, de la disparition des données ou de la dissolution des récits, BYURAK propose des œuvres où se croisent rupture, isolement et possibilités de réparation, ouvrant un espace de réflexion poétique sur la place de l'individu dans la société.

Jardin des Ignorances, 2021, Installation, Matériaux Mixtes (Installation, Son, VR)

Initiée pendant la période du Covid, dans le cadre d'un programme de soutien gouvernemental contre les violences et discriminations envers les Asiatiques, cette installation se déploie à travers plusieurs niveaux de perception technologique, en écho à la relation complexe entre la société et l'individu.
L'installation invite le public à une expérience physique de rupture et de fusion. Certaines scènes et certains sons ne sont accessibles qu'à l'aide d'un casque de réalité virtuelle, évoquant la manière dont l'histoire d'un individu demeure souvent invisible aux autres sans un réel désir de comprendre et d'agir. Des voix générées par une intelligence artificielle révèlent la banalisation de l'objectification des individus dans notre société.
Un jardin est un écosystème, mais la vie ne s'y épanouit pas par la simple juxtaposition de conditions. Une vie objectifiée peut exister dans le sol sans jamais parvenir à s'enraciner. En établissant une analogie entre l'isolement social et l'écosystème botanique, l'installation propose une expérience d'exposition à la fois multicouche et poétique.

Sol Mur Temps/Intrication 2025 est un projet curatorial de Chong Jae Kyoo.

Stepstones

Joowon JO — 2026-04-04T08:58:33Z

Depuis plus d'une décennie, Jo Joowon explore la zone de contact entre le visible et l'invisible, en faisant dialoguer matériaux traditionnels et technologies numériques. Cette recherche a récemment trouvé une forme particulièrement aboutie dans la série Stepstones.

L'impulsion première naît d'une randonnée solitaire. En chemin, l'artiste aperçoit un cairn, modeste empilement de pierres élevé par un inconnu. Ce signe discret, dressé dans la verticalité, devient aussitôt un message de solidarité silencieuse. De retour à l'atelier, ce souvenir se transforme : les pierres ne sont plus redistribuées vers le haut, mais à l'horizontale, afin de former une suite de dalles invitant à avancer. Le cairn, colonne où se concentre l'espoir, se métamorphose ainsi en sentier où celui-ci circule, pas après pas.

Le processus de création associe gestes ancestraux et outils contemporains. Des pierres prélevées en montagne sont captées par photogrammétrie haute définition, puis affinées en volumes virtuels afin d'en préserver le moindre relief. Sur du papier Hanji, Jo Joowon trace à l'encre de Muk des motifs répétitifs évoquant la présence et l'absence ; ces dessins sont ensuite projetés par mappage UV sur les surfaces lithiques numérisées. Les blocs texturés sont plongés dans un moteur graphique en temps réel, où ils flottent sur une nappe liquide virtuelle et s'ordonnent en un chemin praticable. Caméra et éclairage sont conçus de manière à engager physiquement le visiteur dans une progression de pierre en pierre. L'installation se déploie sous forme de vidéo en ultra-haute définition, de tirages pigmentaires grand format et d'un environnement en réalité virtuelle, si bien qu'une même œuvre traverse à la fois l'espace physique et l'espace simulé.

Dans Stepstones, chaque pierre devient un réceptacle d'intentions. Transplantée du monde tangible vers un paysage numérique, la roche calligraphiée incarne les liens invisibles qui unissent les êtres. L'encre et le Hanji répondent à la photogrammétrie et au rendu en temps réel, formant une membrane vibrante entre vie et mort, matière et immatérialité, présence et absence. À mesure que le public emprunte le sentier, les pierres semblent se réagencer sous ses pas ; souvenirs et souhaits individuels s'entrelacent alors à une trajectoire collective, révélant que l'on peut être à la fois seul et déjà relié aux autres.

À l'époque de l'hyperconnexion, où la solitude persiste, Stepstones rappelle qu'exister consiste autant à laisser une trace qu'à reconnaître celle d'autrui. Chaque dalle déposée vers l'avant figure une espérance partagée. En traversant ce chemin, le spectateur complète l'œuvre par son propre récit, tandis que celle-ci se recompose sans cesse : un pont de pas communs qui, dans un monde en mutation continue, ouvre de nouvelles directions à explorer.

4 vidéos (Ocean, Ocean War, Stepstones n118, Stepstones n120 Origin), 2022-2023, vidéo UHD, couleur, son, 4 min 15 s © Joowon JO
– Montage vidéo réalisé à partir de 4 œuvres individuelles créées entre 2022 et 2023

Sol Mur Temps/Intrication 2025 est un projet curatorial de Chong Jae Kyoo

De l'extérieur vers l'intérieur

Ka-Ae CHA — 2026-03-01T12:21:58Z

Les œuvres qui traitent parfois de la question de l'existence peuvent sembler très subjectives ou pédantes. Pour ma part, je préfère travailler avec une narration qui permet une lecture plus lisible et plus accessible de ce thème.
À travers la relation entre le monde extérieur et moi-même, les deux vidéos présentées cherchent à poser la question de ce que signifie exister.

Ka-Ae CHA, Footballeur PARK, 2010, video, 3'16''

Footballeur PARK, 2010

Un footballeur inconnu, Park, s'entraîne au tir en frappant un vieux ballon couvert de peinture blanche contre le mur d'un bâtiment abandonné, saturé de graffitis. Cet entraînement commence comme une promesse qu'il se fait à lui-même : s'il ne peut pas jouer comme professionnel avant que le mur ne devienne entièrement blanc, il abandonnera le football. Pourtant, jusqu'à la fin, aucun contact ne vient de l'extérieur. Au moment où, face au mur achevé, il s'apprête à repartir, un nouveau ballon surgit du mur.

Le football européen est souvent perçu comme un espace où les habitants du tiers-monde peuvent réaliser une ascension sociale. À l'image des graffitis librement tracés que l'on efface un à un par des tirs répétés, c'est l'histoire de personnes qui tentent d'effacer leur propre arrière-plan pour rêver d'un nouvel environnement.

BING, 2014

Ka-Ae CHA, BING, 2014, animation, 2'19''

Cette œuvre prend pour référence la nouvelle « Têtes mortes » de Samuel Beckett. Dans ce texte, le mot « BING », employé par l'auteur comme équivalent onomatopéique d'un choc soudain, possède aussi, au sens du dictionnaire, la signification de cellule individuelle. Mon interprétation de cette expression double — à la fois « boum » et « cellule » — se combine avec d'autres concepts centraux du récit, tels que le « cube », le « murmure » ou la « lumière », pour former une courte animation.

Dans une cellule, quelqu'un se ronge les ongles, puis finit par dévorer sa propre main. Peu à peu, il mange l'ensemble de son corps, jusqu'à ce qu'il ne reste plus que la structure de la bouche. Ensuite, cette masse de chair se retourne et retrouve à nouveau la forme d'un corps intact, mais l'individu recommence à se manger sans fin. Autrement dit, l'être — le « moi » — polit sa propre forme par un mouvement répété de mort et de naissance.

Dans chacune de ces deux vidéos, les récits parlent du processus de la recherche de soi. Le footballeur, au début, attend un appel venant de l'extérieur, mais il demeure seul jusqu'à la fin du film. L'apparition d'un nouveau ballon depuis le mur vise à montrer que le but de ses actes ne se situe pas à l'extérieur, mais en lui-même. Dans BING, cette idée se concrétise davantage à travers la transformation du corps : cette prise de conscience n'est pas un moi achevé, mais la compréhension d'une motricité répétée — le fait de s'attribuer continuellement sa propre existence.

Sol Mur Temps/Intrication 2025 est un projet curatorial de Chong Jae Kyoo

L'Âge atomique

Alain Wagner — 2026-03-01T12:17:00Z

Au moment où les tensions internationales sont à leur comble, TK-21 revient sur l'exposition « L'Âge atomique » au Musée d'Art Moderne de Paris l'année dernière. « Les artistes à l'épreuve de l'histoire » y exploraient l'influence de la découverte de l'atome et du nucléaire sur l'art du XXᵉ siècle à aujourd'hui. Près de 250 œuvres et des archives inédites montraient comment les artistes ont réagi aux bouleversements scientifiques, politiques et moraux liés à l'ère atomique.

Vidéo Alain Wagner : projection de « Crossroads »*, film de Bruce Conner (1976), exposition L'Âge atomique, MAM Paris.

Trois axes étaient explorés dans l'exposition majeure « L'Âge atomique, les artistes à l'épreuve de l'histoire », présentée l'année dernière (11 octobre 2024 – 9 février 2025) au Musée d'Art Moderne de Paris (MAM) :

Les découvertes scientifiques du début du XXᵉ siècle transforment la vision de la matière et ouvrent la voie à l'abstraction et à de nouvelles formes artistiques.

L'invention et l'usage de la bombe atomique en 1945 marquent un tournant majeur : les artistes oscillent entre fascination, neutralité esthétique et critique politique, tandis que l'image du champignon nucléaire devient un symbole mondial.

À partir des années 1970, les préoccupations écologiques et les mouvements antinucléaires renouvellent l'engagement artistique, notamment après Tchernobyl, en élargissant la réflexion à l'ensemble du vivant.

L'exposition mettait en évidence le lien étroit entre art, science et politique, et soulignait que l'« Âge atomique » est toujours notre présent.

* le film 35 mm CROSSROADS de Bruce Conner (coll. Pinault) est réalisé à partir de films faits par l'armée américaine lors d'essais atomiques dans l'atoll de Bikini en 1946.

image d'ouverture : photogramme de la vidéo d' Alain Wagner : projection du film « Crossroads »*, de Bruce Conner (1976), exposition L'Âge atomique, MAM Paris.

https://www.mam.paris.fr/fr/expositions/exposition-lage-atomique

Catalogue « l'Âge atomique, les artistes à l'épreuve de l'histoire », 352 pages / 200 illustrations, Éditions Paris Musées, 42 €

Cela a eu lieu

Alain Wagner et Martial Verdier — 2026-02-02T11:06:02Z

Nogent-sur-Seine, une centrale en apparition/disparition

©Al Wagner 26

Centrale nucléaire de Nogent

Photographie ©Martial Verdier

I'll never be like you

Minseo SHIN — 2026-02-02T11:02:39Z

Un travail centré sur l'acte même de création et de destruction, ainsi que sur l'intensité du moment où ces gestes s'enchaînent.

La structure de la vidéo est simple : je trace à plusieurs reprises des lignes droites sur une feuille, puis, à la fin, je passe cette feuille dans un destructeur de papier pour la détruire.

Minseo SHIN, I'll never be like you, 2021, HD vidéo couleur, son, 02:53

영상의 구조는 간단합니다. 종이 위에 반복해서 직선을 그리고, 말미에는 그 종이를 파쇄기에 넣어 분쇄해버립니다. 무엇인가를 생성하고 그것을 파괴하는 행동과 그 순간 자체에 집중한 작업입니다.

Sol Mur Temps/Intrication 2025 est un projet curatorial de Chong Jae Kyoo

Joul-Tagui / Funambule

Moon Min Soon — 2025-12-28T15:56:25Z

En coréen, « joul » signifie corde ou fil. « Tagui » a un double sens : brûler une corde ou un fil, mais aussi prendre cette corde, ce fil.

La vidéo joue sur la double signification, montrant la fragilité et la tension d'un funambule sur un fil en feu, entre danger et maîtrise.

Moon MinSoon, Joul-Tagui/Funambule, vidéo, 3'20", 2013-2024

« La vie commence par une naissance, une œuvre peut commencer sous l'empire de la destruction. »
George Didi-Huberman

C'est comme marcher sur un fil incertain et effrayant.
Il faut garder l'équilibre, même quand le fil est haut.
C'est parfois le seul chemin, et on est seul.
Dans cette vidéo, le pas est lent, presque hésitant.
Parfois, on voudrait presser le pas.
Quand le feu faiblit, on a envie d'encourager.
Mais il y a toujours de l'espoir.

Sol Mur Temps/Intrication 2025 est un projet curatorial de Chong Jae Kyoo

Narcisse en fuite·e…

Ulice Deborne — 2025-12-28T15:52:39Z

Certaines facultés humaines diminuées mais avec un corps prothétique augmenté, produiraient peut-être de nouvelles générations de poètes primitifs, souvent incultes, parfois savant, éructant des « monoanalyses ».

Un monologue est le discours qu'un personnage se tient à lui-même. Le soliloque par contre, est adressé à un interlocuteur qui reste muet. Adopter cette attitude devrait enrichir dans le futur, les « monoanalyses ».

Pourrait-on concevoir aujourd'hui des images à faible visibilité, polysémiques, qui privilégieraient un sens plus profond que superficiel, et dont « l'aura » persisterait. Cette « aura » caractérisée par l'unicité, l'inaccessibilité, l'authenticité, dont parlait le philosophe Walter Benjamin ?
Se cacher peut-être pour les produire, alors que le contraire est la règle sur tous les réseaux sociaux. Sous le nombre infini des images qui défilent sur notre smartphone ou ailleurs, où toutes leurs qualités deviennent équivalentes, sauverons-nous l'imagination ?

Défendre peut-être son identité en la rendant multiple, camouflant ainsi une situation trop personnelle et imagée. S'opposer à sa localisation précise dans ce monde virtuel mondialisé, contrôlé par des algorithmes, des langages machines…
Ne devrions-nous pas prendre des noms d'emprunt, nombreux, pseudonymes plus ou moins loufoques, créer des mini films de nous-même, soliloques aux images déformées par les effets spéciaux ? Jouer à cache-cache avec nos identités ? C'est probablement ce qui est en train de se faire…

Ulice Deborne - Narcisse en fuite… Videomaton V

L'écrivain Fernando Pessoa avec ses hétéronymes, ces écrivains fictifs à l'identité autonome qu'il a inventés, nous donne aujourd'hui la mesure d'une possible résistance sur les autoroutes d'internet. Ainsi consommateurs et fabricants d'images, nous serions tous des poètes en action, plus ou moins selon nos capacités et nos désirs.
Arthur Cravan ne reste-t-il pas visionnaire lorsqu'il proclama en 1912 : « Dans la rue on ne verra bientôt plus que des artistes ». Rues, ruelles, impasses, du monde physique et du réseau…
J'ai rencontré des poètes inconnus et qui le sont restés. Les bienheureux !
Privilégiant une imagination poétique corrosive sur une rationalité technologique implacable…

« La poésie telle un virus ou une gélule sous cutanée semi-conductrice, deviendrait l'expression d'une idiosyncrasie langagière, dotée d'une hypersensibilité à fleur de peau ». Elle resterait le seul refuge à l'être de l'homme biologique, assiégé par les technologies de plus en plus invasives du contrôle des corps et des esprits…
Comme l'a écrit la poétesse et essayiste Annie Le Brun : « La poésie se doit d'être incompréhensible ».
Rendre aux mots leur nuit, ce moment ou signifier est compromis par la promiscuité d'un autre mot. Et offrir ainsi la liberté d'évoquer le reste à vivre, à jouir… car « Il n'y a pas de mots plus poétiques que d'autres » a écrit Pierre Reverdy surréaliste et poète.

Et si la poésie, restée sauvage dans le futur de nos sociétés, tentait d'échapper à la totale maitrise de l'intelligence artificielle, au-delà du sens et des sons d'une langue commune, enrobés par les effets spéciaux des tempêtes d'images numériques ?

Foucault 2025

Cori Shim — 2025-11-30T18:17:21Z

La vidéo « Foucault 2025 » est élaborée à partir d'une vidéo d'archives INA de l'interview menée par Pierre Dumayet avec Michel Foucault, à l'occasion de la publication de « Les Mots et les Choses » en 1966. Un entretien filmé où le philosophe développe sa pensée par l'extraordinaire vivacité de l'expression physique et gestuelle. Je dirais même que c'est un langage augmenté qui accompagne ces moments précis de sa pensée.

Penser est un procédé invisible, voire mystérieux, qui devient une manifestation s'extrayant de l'intérieur du corps (cerveau) à l'extérieur par l'énonciation. Ce processus est la source de mon questionnement :
comment, en tant que public, peut-on le percevoir dans le langage global ? Qu'est-ce qui est perçu et comment peut-on l'interpréter ?

La forme corporelle de l'énonciation, à savoir le volume, le timbre et le poids générés grâce à l'énergie, crée une synergie avec son contenu, qui permet de capter ces moments in situ.

Ce « va et vient » entre l'intérieur et l'extérieur du corps est une ritournelle d'un mouvement entre le visible et l'invisible. En schématique, on pourrait aussi les appeler la forme et le contenu. Le spectateur de la vidéo est témoin d'expériences visuelles parallèlement à l'écoute.

Mon travail consiste alors à exacerber le visible afin d'évoquer justement l'invisible. Cela passe par manipulation de la vidéo, tout en gardant le contenu de l'audio intact, qui est le discours du philosophe. Ce sont des transformations de manière plastique telles que le chevauchement, le changement de couleur, le changement de cadre et le changement de rythmes, y compris des arrêts volontaires sur l'image.

Je souhaite ainsi susciter un rôle actif du public d'aujourd'hui. Ce dernier peut observer le corps du philosophe qui réfléchit, segmente et souligne le contenu des pensées qui véhiculent. Il choisit des vocabulaires adéquats, tout en s'efforçant d'optimiser la communication avec son interlocuteur. Les signes physiques du philosophe participent au renforcement de l'effet de ses propos par intrication avec le langage contenant de ses pensées. Cette création vidéo se veut témoin de la corrélation entre eux.

« Foucault 2025 », Vidéo, HD, 5 min environ.

Sol Mur Temps/Intrication 2025 est un projet curatorial de Chong Jae Kyoo

Cris souffles

Eun Young Leepark — 2025-11-02T11:38:36Z

Cris souffles III s'inscrit dans la continuité d'une recherche performative où la voix, le corps et la mémoire se tissent en un espace d'expérience partagé. Présentée lors de l'ouverture de l'exposition L'intrication Sol Mur Temps à l'Espace ICARE à Issy-les-Moulineaux, en septembre 2025, l'œuvre se déploie au sein des dispositifs vidéo et des dessins intitulés Appeau (Le tableau est la peau), créant un dialogue entre image, geste et souffle.

Extrait de la performance Cris souffles III, Intrication II – Sol Mur Temps, présentée au théâtre Espace ICARE, Issy-les-Moulineaux, en 2025. © Eun Young Lee Park, 2025

La genèse du cycle remonte à Cris souffles I (2018) [1], une performance participative invitant le public à s'engager physiquement et vocalement — par le cri, le fredonnement ou la lecture de fragments textuels distribués. Cette activation, fondée sur l'impulsion et l'instantanéité, mobilisait la mémoire intime de chaque participant. Inspirée du Pansori, art narratif et chanté coréen, la performance explorait la voix comme vecteur d'une dramaturgie corporelle, où improvisation et pulsion s'agrègent en une composition musicale in situ.

Chaque présence y était envisagée comme une entité singulière, réceptrice et émettrice à la fois, filtrant l'expérience par sa propre sensibilité et la restituant dans un geste vocal unique. Ce processus engage une réflexion sur la performativité de la voix, non seulement comme médium sonore, mais comme prolongement du corps et de la mémoire.

Le socle conceptuel de Cris souffles croise ainsi des strates autobiographiques et des expérimentations sensorielles, oscillant entre murmure, chant et cri. Ces registres, parfois articulés autour de fragments de mémoire, parfois livrés à l'improvisation ou au non-sens, interrogent la manière dont la voix peut devenir un espace de résistance poétique, un lieu de résonance entre l'intime et le collectif.

Extrait de la performance Cris souffles III, Intrication II – Sol Mur Temps

Appeau

Dans cette troisième édition, Cris souffles III, présentée au théâtre Espace ICARE à Issy-les-Moulineaux, près de Paris, la performance s'ouvre sur un dispositif scénique où le dessin gestuel, exécuté avec de la terre et de l'eau, devient un acte fondateur. Ce geste initial, à la fois plastique et performatif, s'inscrit dans une temporalité lente, proche de la méditation, et prolonge une pratique quotidienne du dessin. Le frottement et la caresse du support instaurent un rapport tactile et sensoriel à la matière, où l'intention cède la place à l'expérience immédiate.

Ce « jeu » avec la terre, dénué de finalité prédéterminée, repose sur une triade sensorielle : le plaisir de toucher la texture, l'odeur organique de la matière, et la contemplation des reflets lumineux sur le sol humide. Entre garder et effacer, les gestes répétés produisent et détruisent simultanément leurs propres traces, laissant émerger des formes chaotiques façonnées par l'évaporation et le flux de l'eau. La terre devient alors matrice de béances, espaces de vide qui se révèlent comme des dentelles de terreau, mêlant pigments, eau et peinture. Les fissures qui apparaissent évoquent les rides humaines, inscrivant la matière dans une analogie organique et temporelle.

Cette dimension corporelle se double d'une résonance autobiographique. Dans l'expérience intime de la mort — lorsque mon grand-père agonisait — la peau m'est apparue comme tendue par une force tellurique, semblable à la sécheresse qui fend la terre. Ce moment a cristallisé l'idée d'une intégration de l'humain à la Nature absolue, où le corps et le sol partagent une même matérialité et un même destin.

La terre, dans sa diversité chromatique et texturale, interdit toute routine et ouvre un champ d'improvisation. Chaque sol, par ses nuances et ses motifs, devient un partenaire de création. Après l'activation initiale — gestes mêlant terre et eau — vient le temps de l'observation : au fil de l'assèchement, les formes se transforment, portées par l'écoulement de l'eau. Ce processus, étiré sur plusieurs heures, se mue en une méditation active, où se rejouent sans cesse les mêmes conditions sensorielles : toucher, odeur, lumière.

En ce sens, Cris souffles III interroge la performativité du geste et la matérialité comme mémoire vivante. La terre n'est pas seulement un médium plastique : elle est un corps, un espace de transformation et un miroir de la condition humaine. L'œuvre se situe ainsi à la croisée de l'art d'action, de la sculpture éphémère et de la méditation sensorielle, inscrivant la voix et le geste dans un continuum où l'intime rejoint l'universel.

Appeau

Peinture devenant cri

Extrait de la performance Cris souffles III, Intrication II – Sol Mur Temps

Selon Hervé Hubert, le geste du peintre constitue une forme d'appel, à l'instar du cri. Dans le « faire » pictural circulent une émotion, une sensibilité, une dimension à la fois sensible et supra-sensible ; un toucher, une expérience tactile ; un rapport à la peau de la toile qui, par la manière-peinture, transforme cette peau en appeau pour l'œil.

À partir du souvenir de l'agonie de mon grand-père, alors que j'étais adolescente, s'est imposée une mémoire indicible. Celle-ci m'a permis de concevoir un poème, une vidéo, ainsi que les dessins Appeau (Le tableau est la peau). Ce récit agit comme un dispositif de convocation : il fait surgir non seulement des impressions fugitives et des souvenirs personnels, mais aussi des pensées saisies sur le vif, des digressions d'ordre social — politique, coutumier, désirant — en résonance avec ce temps vécu.

Face à ces impressions intenses, souvent accidentelles, issues de l'expérience, la création du néologisme Appeau vise à exprimer des dimensions émotionnelles impossibles à traduire pleinement par le langage. Elle ouvre ainsi une réflexion sur des zones linguistiques indéterminées, aux contours difficiles à définir.

Extrait de vidéo Appeau

Dans ce rapport au matériau, le contact de la terre et de la peau engendre une sensation ambivalente, oscillant entre « touché » et « touchant ». Cet acte explore l'écart entre le vécu autobiographique — où se manifeste la sensation de toucher-voir — et la production artistique, inscrite simultanément dans une situation fictionnelle et non fictionnelle.

Touchant, touché, indicible

Le projet Cris souffles III repose sur des processus de dessin expérimental, réalisés dans une dimension éphémère, gestuelle et à portée thérapeutique. L'acte de peindre s'entrelace ici avec celui de la méditation, oscillant entre le toucher — geste pictural — et le regard — posture méditative.

Georges Didi-Huberman, s'appuyant sur la pensée de Merleau-Ponty, évoque le corps voyant et le corps touchant, rappelant que ce dernier définissait la chair comme « l'enroulement du visible sur le corps voyant, du tangible sur le corps touchant ».

Dans le cadre du projet Appeau (Le tableau est la peau), une sensation « dehors-dedans » semble tracer une pensée topologique au fil de la performance et de la méditation de l'acte (regarder, toucher). Selon Didi-Huberman, Diderot en vient à considérer la peau comme une « toile qui s'agite ». Il illustre cette idée par l'exemple de la peau peinte, liée au fantasme dans le plan du tableau, en référence à l'hypothèse balzacienne [2] : lorsque la toile se livre à un « fantasme de la peau », elle manifeste une exigence constante de conversion topologique du plan, produisant un effet de peau. Dans l'incarnat, le regard opère alors une mise en réseau, en interstice, en passage. [3]

Cette réflexion rejoint la notion de chair chez Merleau-Ponty, qui traverse les domaines du nœud et de la trame. La question de la peau engage d'abord le regard et le toucher, liés à la chair comme « l'enroulement du visible sur le corps voyant, du tangible sur le corps touchant ». Dans cette perspective, une jonction s'esquisse : « lorsque nous croyons voir un tableau, nous sommes, en réalité, regardés ».

Extrait de la performance Cris souffles III, Intrication II – Sol Mur Temps

[1] Performance présentée au Non Lieu, à Roubaix

[2] Cf. La Peinture incarnée de Georges Didi-Huberman, une réflexion sur la peinture à travers la lecture du récit Le Chef-d'œuvre inconnu) d'Honoré de Balzac.

[3] Georges Didi-Huberman, La peinture incarnée, Le chef-d'œuvre inconnu par Honoré de Balzac, Paris, Les éditions de minuit, 1985, p. 36

Image d'ouverture :
Affiche de la performance Cris souffles III, Intrication II – Sol Mur Temps, commissariat : Jae Kyoo Chong, 2025. © Eun Young Lee Park, 2025.

Sol Mur Temps/Intrication 2025 est un projet curatorial de Chong Jae Kyoo