TK-21

REVOIR, un autre regard

Francoise Le Corre et Ursula Kraft — 2024-07-29T13:17:11Z

Ursula Kraft revisite le musée des Arts Naïfs et Populaires de Noyers, dans l'Yonne, en mettant en relation des œuvres d'art contemporaines avec la collection permanente : une façon de donner à REVOIR ce lieu avec un autre regard.

Dans la relation aux autres et aux choses, s'il y a matière à penser, il y a aussi matière à symboliser. Bernard Chouvier
Percevoir nécessite de s'engager. Antoni Muntadas

Le lieu, les traces et les affinités

La rencontre avec un endroit, peut relever de ce que l'on appelle depuis l'Antiquité, le « genius loci », soit : l'esprit du lieu. De la mythologie à l'expression devenue commune, cette locution latine laisse entendre qu'un lieu est doté de ses propres forces vives. D'emblée, ses caractéristiques nous éclairent sur la quête et l'état d'esprit de ses concepteurs.

Le musée des Arts Naïfs et Populaires de Noyers (Yonne), créé en 1882, est né du don d'un collectionneur érudit, puis s'est enrichi par plusieurs autres donations durant le XX^e siècle. Cette collection regorge à présent de multiples objets et symboles, exposés dans cet ancien bâtiment du XVII^e siècle, devenu collège puis musée.
Entre cabinet de curiosité, collection d'ex-voto et d'artefacts provenant de plusieurs continents, on y découvre entre autres des albums illustrés de l'artiste Katsushika Hokusai (1760-1849), dont les thèmes évoquent le monde réel et le surnaturel. Dans l'ensemble, les collections relèvent d'une volonté de rendre hommage à la connaissance et au vivant, sans exclure les bouleversements inhérents à la condition humaine. Les multiples créations exposées renvoient certes à la conscience de la finitude des existences, mais révèlent aussi une humanité capable d'entrer en poésie même face au tragique. Soit une manière de s'extraire de la seule condition de mortel et de symboliser ce qui dépasse notre entendement.

Les croisements de regards proposés ici par Ursula Kraft, renforcent l'idée que donner lieu, c'est rendre visible ce qui nous anime. Yeux ouverts, paupières closes, l'accent est mis, dès l'introduction du catalogue, sur ce qui se distingue au-dehors et s'écoute du dedans : tel serait l'un des sens induit par “un autre regard”.
Le parcours proposé par l'artiste est orienté par des affinités thématiques et par une observation attentive, permettant de percevoir au-delà des apparences.

Emerentia Finnois au repos

La partie et le tout, le maillage de fils conducteurs

Ce musée qui évoque la transcription, pouvait par conséquent accueillir avec pertinence, les œuvres photo et vidéo-graphiques d'Ursula Kraft. En effet, les thèmes abordés de longue date par l'artiste, évoquent « la mémoire, la maladie, la mort, l'âme, le surnaturel ». Autant de concordances avec les contenus des créations populaires exposées à Noyers.

Les perceptions de l'artiste à la lecture de ces collections, ont engendré cette exposition. Les multiples rapprochements qu'elle a initiés nous incitent à voir par le détail et à entendre entre les lignes. « Revoir, un autre regard » évoque une reviviscence de la manière d'observer. C'est aussi une façon d'apporter un nouveau souffle à l'exploration des contenus de ce lieu et d'ouvrir un dialogue entre les époques et les cultures. Une autre façon de saisir les accointances existantes entre les intentions des créations d'art naïf, les élaborations de l'artiste et diverses manières d'être au monde.

Chacun de ces univers touche aux registres fondamentaux de l'existence, mais par des dispositifs différents. Les objets du musée sont souvent de constitution assez brute et les œuvres d'Ursula Kraft sont réalisées par des moyens précis, choisis pour leurs spécificités. Toutefois, des rapprochements opèrent d'une œuvre à l'autre. Marques et traces se révèlent par échos et mise en confrontation. S'ensuivent divers retentissements à travers l'observation des objets votifs et des créations de l'artiste. Un jeu d'esprit et de reflets se glisse entre intention et création, émission et réception, chambre claire et chambre noire !
La vie apparait comme cycle d'engendrement, fait de ruptures et de créations, de failles et d'éruptions, de suppliques et d'offrandes, d'attentes et de réalisations. On perçoit combien complexités et nuances font partie de la richesse du vivant. Créer se présente comme une façon de traverser ce qui fait ombrage, question et obstacle. Donner forme, serait en quelque sorte, emprunter des chemins de traverse, pour trouver « le lieu et la formule », comme l'écrivait le poète Arthur Rimbaud.

Hokusai Kitsune

Ainsi, on constate que les tourments de la condition humaine peuvent engendrer des ouvrages très variés, également capables de réenchanter le monde. Le propos serait de composer avec ce qui aurait pu nous détruire et en faire œuvre de vie. Dans ce cheminement, nous discernons aussi de quelle manière un événement peut faire récit. Raconter, dire, prendre la parole : chacun à sa façon. Ce qui nous rappelle qu'il existe des relations entre la partie et le tout. Le philosophe Christian Godin précise que « la relation logique entre le tout et la partie ne serait par conséquent pas seulement d'opposition ».
Revient également en mémoire, l'étude des mathématiques modernes qui nous enseignait qu'éléments et ensembles pouvaient être reliés de manière réflexive, symétrique et/ou transitive.

Des processus identiques sont à l'œuvre dans les créations, si bien qu'entre voir et savoir, il existe des faisceaux de corrélations. Matière à penser et à panser, tant pour celui qui élabore que pour les regardeurs.

Ex voto SoulScape

Les créations comme lieux de passages

Les créations d'Ursula Kraft et les réalisations populaires, permettent de « revoir » à quel point la nécessité de symboliser est ancestrale et universelle. Une préoccupation qui remonte au néolithique et qui reste reliée à l'élan vital, jusque dans l'invention des rites funéraires. Nous savons que sublimation et symbolisation sont associées à la transformation des pulsions, à des rites de passage, de réparation, d'identification, de mutation...

De nombreux artistes et chercheurs ont apporté leurs contributions à l'explicitation de ces phénomènes.
De l'anthropologie à la psychanalyse, de la sociologie à l'histoire de l'art, les sciences humaines étudient les articulations et préoccupations propres à l'humanité. On pense également aux différents dispositifs inventés dès les origines par les humains, pour composer avec la colossale nature. Cet environnement qu'il aura fallu initialement appréhender, hors explications scientifiques, pour éclairer les effets et les causes d'un arc-en-ciel, d'un cycle lunaire, de la vie féconde, de la mort... Cela aura généré diverses cultures et de variables déploiements entre inné et acquis. Soit de multiples tentatives selon les lieux et les époques, pour donner du sens à ce qui nous dépasse et ce qui nous anime. « Notre héritage n'est précédé d'aucun testament » écrivait René Char...

Revoyons alors les corpus de travail Soulscape et Tamashï. Des réalisations élaborées autour de la notion d'âme et d'esprit, ou la sensation de l'immatériel accolé à nos vies. Chacune de ces œuvres nous transporte dans ce que mythes et légendes accomplissent pour notre humanité : à savoir des reliages. Ce qui nous renvoie aux nouages entre réel, symbolique et imaginaire, concepts introduits par Jacques Lacan dans le champ analytique dès 1953.

Nous constatons à travers ce parcours au sein du musée, combien les rapprochements conçus par Ursula Kraft, font interface. Nous avons évoqué les thématiques communes (la maladie, la mort, les offrandes...), mais nous pouvons attirer l'attention sur certaines similitudes dans les aspects matériels.

Revoyons la photographie du visage de la fillette aux yeux fermés, extraite de l'ensemble Traum-a, mise à proximité des ex-voto en cire, rassemblés dans une vitrine : les textures se renvoient l'une l'autre, affinant la perception de ce qui est raconté là. Force est de constater que la matérialité d'une création peut aussi générer du sens. On le perçoit d'autant, en se souvenant que poésie, vient du grec poiein qui veut dire : faire. Pas seulement au sens de faire quelque chose, mais « au sens de faire : apparaître », précise Claude Roëls, traducteur de Gœthe. Il rajoute enfin : « tel serait l'acte véritable du poiein ».

Aussi, voir à travers cette exposition combien l'œuvre peut être perçue comme un lieu de passage entre ce que l'on apprend en vivant, ce que l'on découvre en étudiant et vice versa.
Allons voir de plus près ce que l'on y entend.

REVOIR - un autre regard
Exposition du 16 juin au 22 septembre 2024.
Musée des Arts Naïfs et Populaires de Noyers
25, rue de l'Église 89310 Noyers-sur-Serein
03 86 82 89 09

ouvert tous les jours sauf le mardi
juin et sept : 11h-12h30 / 14h-18h
juillet et août : 10h-12h30 / 13h-18h30

Portrait de Gérard

Corinne Dardé , Gérard Gartner et Nathalie Rouckout — 2024-01-30T20:11:47Z

Gérard Gartner, l'artiste tsigane aux mille vies, nous reçoit dans sa maison de Collonges-la-Rouge. Entouré de livres, de tableaux et de photos, il nous raconte son histoire, avec une verve et une passion qui ne trahissent pas son âge.

Tour à tour boxeur, garde du corps d'André Malraux, embaumeur, peintre, sculpteur, écrivain et militant tsigane, Gérard Gartner est un « anartiste » intranquille, qui n'a cessé de se réinventer, de se remettre en question. Il évoque son enfance à Pantin, son parcours de boxeur, qui lui a valu plusieurs titres et des rencontres avec des personnalités comme Théo Médina ou Marcel Cerdan. Il raconte sa découverte de la peinture, grâce au vieil anarchiste Charles d'Avray, ami de son grand-père. Il évoque ses amis artistes, écrivains, musiciens, gitans ou gadjés, qui ont jalonné son existence. Il fut le grand ami d'Alberto Giacometti et de Matéo Maximoff, dont il a été le biographe. Il a exposé ses œuvres, faites de déchets recyclés, dans le monde entier, avant de les détruire en 2016, lors de l'événement Ultima Verba.

Gérard Gartner dans TK-21 : Aller voir les autres articles
	À la rencontre l'Alberto Giacometti
	Dernier coup de poing
	C'est fait, c'est fini, c'est sans fin !
	Le geste majeur de la destruction

L'artiste Agilé Gbindoun déjoue nos certitudes

Pascal Hausherr — 2023-10-01T14:13:49Z

L'art d'Agilé Gbindoun qu'elle nomme ici « Qui suis-je ? » est d'une telle évidence paradoxale qu'il semble nécessaire, pour en saisir l'acuité et la violence, de laisser l'œuvre circuler dans le corps, et d'admettre qu'on ne peut répondre à une question qu'en faisant acte de dépossession et d'arrachement. Essai d'interprétation des œuvres présentées jusqu'au 21 octobre à la galerie Arnaud Lefebvre à Paris.

Mais quel est donc cet art qui actionne de puissants et violents antagonismes sans que s'annihilent pour autant ses différents éléments ? L'œuvre d'Agilé Gbindoun est ainsi parcourue de pôles positifs et négatifs qui peuvent à tout moment court-circuiter, et ce dans un simulacre alternativement protecteur et oppresseur. Contentons-nous pour le moment d'indiquer qu'au regard des œuvres il nous faudra prendre les titres au pied de la lettre — il s'agit pour l'essentiel d'autoportraits et de mises en boîte — et de dire qu'Agilé Gbindoun, originaire du Benin, vit et travaille en Suisse. Nous ne douterons pas que sa petite enfance passée en terre africaine et son exil occidental lui auront inévitablement occasionné quelques secousses.

Autoportrait I

Huile et crayon gras sur taie d'oreiller en lin, 70 x 70 cm. 2023

Que nous propose donc l'artiste ? D'abord la représentation d'une symbolique de l'enfance à travers l'exposition de jouets enchâssés et mis en boîte — on y reconnaîtra parmi d'autres l'iconique Pinocchio — et de poupées, objets de prédilection des petites filles. Et que soumet-elle à nos sens : des figurines anonymes en Celluloïd qu'elle larde à profusion de signes graphiques, tels des cicatrices à même la peau, et qu'elle lie avec du fil de fer barbelé ; on reconnaît là, c'est selon, le penchant à la cruauté des tout jeunes enfants, l'outrage des adultes à leur égard, ou la douleur de l'enfantement comme lorsqu'elle suggère l'image du cordon ombilical.

« Qui suis-je ? » c'est le titre qu'elle donne à son exposition qui se tient à la Galerie Arnaud Lefebvre, rue des Beaux-arts à Paris, du 5 septembre au 21 octobre 2023. Entendons bien la question. Ainsi, accrochés aux murs de la galerie, quoi penser de ces écritures brouillées et de ces empreintes picturales abstraites posées sur des taies d'oreillers brodées à l'ancienne ? Pourquoi ce qui enveloppe et protège habituellement — un drap, une housse de duvet — prend-il cette autre radicale direction ? Il suffira peut-être de se souvenir qu'une taie se pose symboliquement sur l'œil pour repousser quelque chose qu'on sait ne pas vouloir voir.

L'art d'Agilé Gbindoun est un art d'une telle évidence paradoxale qu'il semble nécessaire, pour en saisir l'acuité et la violence, d'éloigner de soi tout à priori, c'est-à-dire de laisser l'œuvre circuler dans le corps — comme dans la cure analytique où la langue travaille de l'intérieur. Tel un discours, le courant passe à certains endroits dénudés où les phases se repoussent et court-circuitent. Faudra-t-il admettre, toute taie ôtée, que nous ne sommes plus reliés à la terre par aucun fil. Admettre enfin qu'on ne peut répondre à une question qu'en faisant acte de dépossession puisque c'est bien d'un arrachement dont il s'agit.

Aussi, partant des poupées lardées et fagotées, des taies d'oreillers jusqu'à ce grand drap de lit (l'impressionnant « Autoportrait décompensation »), quelque chose disjoncte en nous ; nous sommes empreints et médusés. Ces œuvres sur taies de lin qu'Agilé nomme indistinctement « Autoportrait » ne sont pas sans évoquer un certain suaire, une certaine passe psychanalytique, et jouons davantage encore, un certain déploiement de Véronique à la face de la bête — jeu de dupe dangereux visant à séduire et à mettre à mort. La question erre sans fin et nous travaille sans relâche.

En écho lointain, je citerai Michel Leiris — l'auteur de L'Afrique fantôme — qui écrivait dans Miroir de la tauromachie : Pour atteindre la proie, viser l'ombre.

Autoportrait II

Huile et crayon gras sur taie d'oreiller en lin, 70 x 70 cm. 2023

Autoportrait décompensation

détail

Autoportrait décompensation

Huile et crayon gras sur drap en lin, 200 x 280 cm. 2023

Mise en boîte I

Carton à chapeau avec écritures, poupée en Celluloïd, fil de fer barbelé,
Ø : 27 cm. / h : 15 cm. 2023

Mise en boîte II

Carton à chapeau avec écritures, poupée en Celluloïd, chiffons, fil de fer barbelé,
Ø : 35 cm. / h : 20 cm. 2023 - détail.

Mise en boîte III

Boîte en fer blanc avec écritures et poupée rose en plastique
40 x 24 x 7 cm. 2023

Qui suis-je ?

Poupées en Celluloïd, écritures, chiffons, fil de fer barbelé, 75 x 50 x 48 cm. 2023

Frontispice :
Élévation du corps
Boîte en bois avec écritures, petits objets, 30 x 25 x 23 cm. 2023

« Qui suis-je ? »
Exposition du 5 septembre au 21 octobre
Galerie Arnaud Lefebvre
10, rue des Beaux-Arts – 75006 Paris
Mardi-samedi 10h30-12h30 / 14h30-18h30
www.galeriearnaudlefebvre.com

Luboš Plný, marqueur du temps

Catherine Belkhodja — 2023-10-01T14:02:45Z

Artiste majeur de l'art brut contemporain, Luboš Plný présente pour la première fois toutes les facettes de son œuvre (dessins, photographies, objets érotiques) à la galerie Christian Berst jusqu'au 22 octobre 2023.

Luboš Piný, discobole, tirage argentique

prise de vue par Vladimir Pansky 2003 courtesy de l'artiste et de christian berst art brut

Luboš Plný, modèle académique

l'artiste tchèque Luboš Plný, né en 1961, a depuis sa plus tendre enfance une véritable fascination pour l'anatomie qui lui inspire ses premiers dessins. À l'occasion de son service militaire, il est diagnostiqué schizophrène et cherche à approfondir ses connaissances dans la littérature médicale et psychiatrique. Il gagne sa vie en devenant fossoyeur et pose parfois comme modèle à l'Académie des beaux-arts de Prague en Tchécoslovaquie, ce qui lui permet de signer, non sans humour, « Luboš Plný, modèle académique ».

L'anatomie comme un champ expérimental

Il cherche à pousser davantage sa connaissance sur l'anatomie humaine en offrant son corps à des expériences multiples : une approche empirique autant que théorique le pousse à la mortification, une façon personnelle de sublimer la douleur en acte de purification. Ses propres organes deviennent les sujets de ses œuvres, photographies, dessins ou techniques mixtes.
Luboš Plný aime aussi scruter son visage et le photographier en le déformant.

Autoportraits de Luboš Piný

Topographie précise de ses œuvres

Ces expériences — parfois douloureuses — sur son propre corps constituent une manière très personnelle de méditer, en utilisant un protocole créatif immuable dans l'espoir de ponctuer ou scander le temps : il mesure en temps réel le temps utilisé pour les parcelles qui constituent ces œuvres ainsi que l'instant de ses créations. Ainsi, comme des données topographiques, apparaissent des chiffres, comme autant de codes référençant avec précision l'instant de création et la durée nécessaire à la réalisation des zones de l'œuvre, délimitées par des lignes qui ne représentent ni les coordonnées, ni l'altitude d'un lieu, mais sa place exacte dans le temps. C'est un journal qu'il poursuit au quotidien explique Luboš Plný. L'artiste inscrit soigneusement le nombre de jours qu'il a à la date du début de l'œuvre et son âge — toujours en jours — à la fin de l'œuvre, comme le rappel d'une inexorable approche de la Mort.

Luboš Piný, sans titre, objet érotique

Entre 2012 et 2015 techniques mixtes 118 x 31 5 x 75 cm courtesy de l'artiste et de Christian Berst art brut.

Éros et Thanatos  

Paradoxalement, ses sculptures — qui portent, elles aussi, des références temporelles propres à l'artiste —, évoquent plutôt des attributs sexuels, symbolisés sous forme de tuyaux divers : métal, bois sculpté ou PVC, d'inspiration surréaliste, exaltant une sexualité assez étrange, plutôt baroque et hétéroclite. 

Plný a été le premier artiste d'art brut acheté par le Centre Pompidou pour commencer sa collection d'Art brut, alors que l'artiste exposait déjà depuis 2008 dans des galeries, salons ou lieux institutionnels.

Luboš Piný, vagina dentata piège a renard

125 x 46 x 32 cm, 2013, courtesy de l'artiste et de Christian Berst art brut

Luboš Plný — galerie Christian Berst
jusqu'au 22 octobre 2023. du mercredi au dimanche 14h- 19h
3-5 passage des gravilliers 75003 Paris
https://christianberst.com

Jacques Flèchemuller, le « peintre-fakir »

Catherine Belkhodja — 2023-10-01T14:02:01Z

A l'occasion d'une exposition de Jacques Flèchemuller à la galerie Harkawik à New-York, l'autrice nous donne une vision personnelle du parcours et de l'œuvre du peintre et sculpteur.

Alors que j'étais étudiante aux Beaux-Arts à Paris, j'avais rencontré le peintre Jacques Flèchemuller. Nous avions découvert que nous étions voisins à Belleville et il m'avait invitée à visiter son atelier. J'aimais particulièrement les tableaux vifs et spontanés de l'artiste, qui s'était affranchi de ses années de cours à l'École des arts appliqués de Duperré et aux Beaux-arts pour oser envoyer valdinguer tout ce savoir et s'amuser selon sa fantaisie.

Il aimait se souvenir de cette citation de son ami Bram Van Velde : « Une peinture est bonne lorsque vous perdez pied en la voyant ». Il faut dire que Jacques avait toujours suivi ses coups de cœur et n'avait pas hésité à rejoindre Saint-Paul-de-Vence pour assister à un concert de free jazz du saxophoniste Albert Ayler, organisé par la fondation Maeght. Le saxophoniste devenu son ami l'avait embarqué dans la folle aventure d'un cirque ambulant dont Jacques était devenu le clown, le fakir et le musicien sous le pseudonyme de « Flèche ». Il accolera plus tard ce pseudo à son vrai nom Muller, pour signer ses toiles Flèchemuller.

Le grand pêcheur

Ce peintre, mi-clown, mi-gagman, mais aussi fakir, nous a offert dès lors des œuvres pleines de légèreté et de dérision. Le peintre Jean Dubuffet et le créateur du lieu d'art brut La Fabuloserie, Alain Bourbonnais, l'ont soutenu en l'exposant à l'atelier Jacob à Paris. D'autres expositions ont suivi en Belgique, en Suisse, en Suède, en Allemagne et aux Pays-Bas.

La galerie Jeanne Bucher a organisé sa première exposition personnelle en 1981 et Jacques partira ensuite pour New-York avec Puanani, son épouse hawaïenne. Ils partagent maintenant leur vie entre son atelier de Brooklyn et un refuge en Ardèche.

Jacques Flèchemuller multiplie les moyens d'expression (peintures, dessins, photos, bandes dessinées, sculptures) avec un esprit de dérision et un mauvais goût qu'il assume et revendique. Le rire de Puanani est le critère majeur de l'artiste pour mesurer que l'œuvre tient, avoue l'artiste.

L'atelier de Jacques Flèchemuller à Brooklyn

Pour la première fois, l'artiste expose une quarantaine de dessins. Ses sujets de prédilection sont souvent des êtres nus et désirants, des animaux collés l'un à l'autre, des situations absurdes que l'artiste se plait à évoquer avec beaucoup d'humour et de dérision. Le burlesque ne lui fait pas peur et la sexualité est omniprésente.

Il revendique de se tenir loin de la politique, mais que dire de ce clown triste et borgne qui se fait guider par un cochon ? J'aime bien les cochons, explique-t-il. Ils sont comme le général de Gaulle, assez faciles à dessiner. Fastoche !

Jacques Flèchemuller, Le clown borgne

Dans un autre dessin, des baleines escortent en foule un cargo, en fumant un gros cigare. Comme j'y vois une référence aux désastres écologiques produits par les cargos et la disparition des baleines, je préfère l'appeler à New-York pour vérifier mon interprétation.

Jacques Flèchemuller, Les fumeuses

Dans la foulée, je demande aussi si les jeunes filles égrillardes devant leur interlocuteur au sexe dressé, ne seraient pas des jeunes filles un peu gourmandes. Avec la campagne Me Too, autant de pas faire d'erreur.
Jacques répond simplement :
— Attends ! je vais leur demander !
Je ne saurai jamais s'il parle des jeunes filles ou des baleines.

Jacques Flèchemuller, Les jeunes gourmandes

Je reviens à la charge pour demander si le chasseur qui pose fièrement dans le cadre est un lion ou un singe.
La réponse est oui !

Jacques Flèchemuller, Le poseur

Une dernière question avant de raccrocher ?
— Est-ce que le jeune homme posant sur l'herbe est ta vision du déjeuner sur l'herbe ? Il répond « Oui, D'ailleurs, il est midi : je cours acheter des rouleaux de printemps chez le Chinois de Metropolitan avenue. »
Trop tard pour lui demander pourquoi ce couple est largué dans le ciel par un avion rouge, si c'est lui l'homme pataugeant sous la pluie, ou s'il a fait bonne pêche en pêchant dans son aquarium.
Jacques est un homme pressé : les rouleaux de printemps n'attendent pas.
De plus nous sommes déjà en été et l'automne arrive.
— Too bad, too late, toutou ! conclut-t-il.

Jacques Flèchemuller, Couple largué

Invitation manuscrite de Jacques FlècheMüller à son exposition. Harkawik gallery New-York, , jusqu'au 8 octobre 2023.

Jacques FlècheMuller

Jacques Flèchemuller
Exposition à la galerie Harkawak
30 Orchard Street
New-York USA
Jusqu'au 8 octobre 2023

LA FABULOSERIE

Catherine Belkhodja — 2023-08-04T09:18:57Z

Jusqu'au 25 août, La Halle Saint-Pierre, au pied de Montmartre, fête les quarante ans de la Fabuloserie. L'occasion de revenir sur la fabuleuse histoire de cette collection incroyable née dans les années 70, rue Jacob à Paris, à l'initiative d'Alain Bourbonnais, et dont les pièces ont rejoint au début des années 80 la « maison-musée » de Dicy en Bourgogne.

La Fabuloserie souffle ses quarante bougies à la Halle Saint-Pierre à Paris, avec, jusqu'au 25 août, une exposition incontournable pour ceux qui s'intéressent à l'art brut, ou à l'art hors-les-normes, au croisement de l'art populaire ou des arts singuliers. L'occasion de revenir sur l'histoire de cette collection incroyable née dans les années 70, rue Jacob à Paris, à l'initiative d'Alain Bourbonnais, disparu en 1988. L'homme, architecte de métier, a rassemblé pendant quarante ans, avec sa femme Caroline, de splendides pièces qui ont rejoint au début des années 80 la « maison-musée » La Fabuloserie située à Dicy, au cœur de la Bourgogne.

Aux beaux jours, d'avril à novembre, l'extraordinaire musée de Dicy ouvre également ses portes, l'occasion pour nous de découvrir, sur les lieux mêmes de leur création, les Turbulents d'Alain Bourbonnais ou les œuvres tout aussi fabuleuses choisies par le couple légendaire.
Dans le domaine aménagé, leurs filles Agnès et Sophie, qui ont repris le flambeau et, avec conjoints et enfants, organisent souvent des visites. La découverte de ce lieu magique commence par la visite autour du lac où des personnages et des animaux grandeur nature cohabitent en bonne intelligence et en toute quiétude dans un décor enchanteur.

Girouette du manège. La Fabuloserie à Dicy

La girouette du manège. gros plan. la Fabuloserie à Dicy

Catherine Belkhodja

L'histoire commence avec le modeste achat d'une simple maison de bois avec un carré de jardin attenant, le tout bordé par un marécage. De l'autre côté de la route, un garage. La propriété a été achetée en 1960, par un froid glacial, en quelques minutes, par leur père, Alain Bourbonnais.

Alain Bourbonnais, architecte et collectionneur

L'architecte et créateur de génie originaire de l'Allier s'installe à Paris en 1942 pour suivre des cours d'architecture aux Beaux-arts. Il choisit d'habiter à proximité de son école à Saint-Germain-des-Prés, quartier des galeries et des clubs de jazz qu'il fréquente assidûment, avec sa famille. Il conçoit pendant ses études des décors de théâtre, et reçoit des commandes pour le Grand Duché du Luxembourg et la première maison de la Culture de Caen. Il achètera ses premières œuvres d'art quelques années plus tard : Louis Pons, Armand Avril, Fred Deux au point Cardinal, ou des œuvres du mouvement Cobra comme Karel Apel et Corneille. Il s'intéresse aussi à l'art forain, au Trebulum de Jean-Paul Favant ou aux poupées péruviennes de Céres Franco.

La correspondance avec Jean Dubuffet.

D'après sa fille Sophie Bourbonnais, son père n'a découvert l'art brut qu'à l'occasion de la donation de Jean Dubuffet à la Ville de Lausanne, en 1971. Il lui écrit immédiatement pour lui présenter des photos de ses estampes : Les Gratte-cul. Jean Dubuffet est enthousiaste. La correspondance entre les deux hommes se prolongera jusqu'en 1984 et donnera lieu à une publication parue en octobre 2016 chez Albin Michel : Collectionner l'art brut et comporte 114 lettres [1].

Alain Bourbonnais ouvre une galerie au 45, rue Jacob qu'il pensait consacrer à l'Art brut, mais Jean Dubuffet s'y oppose vivement et exige que ce terme lui soit réservé. L'artiste propose en contrepartie trois autres appellations : « L'art hors les normes », « les Productions extra culturelles » et « l'invention spontanée ». Il recommande également, et vivement, quelques artistes. Alain Bourbonnais fait alors la tournée des trente-cinq artistes proposés par Dubuffet. Mais plus encore, il privilégie l'intuition et va au-devant d'autres artistes qu'il visite en famille et qui deviennent vite des amis. Il apprécie la cohérence entre leur créativité et leur façon de vivre.

Alain Bourbonnais, qui s'oppose à la mode des galeries de l'époque qui proposaient des cubes blancs, préfère au contraire reproduire l'environnement foisonnant des artistes sur un fond noir en toile de jute.

Inauguration de l'Atelier Jacob.

L'atelier est inauguré en septembre 1972 avec une superbe exposition de Aloise Corbaz , laquelle, grâce au succès, sera prolongée au-delà des dates prévues. Bien vite, Alain Bourbonnais n'aura plus besoin d'emprunter des œuvres au Musée de Lausanne et préfèrera prospecter lui-même, avec toute la considération de Dubuffet, épaté par ses trouvailles.

La presse est élogieuse, les vernissages festifs et très réussis, mais les visiteurs n'ont pas encore le réflexe d'acheter. Il faudra attendre au moins six ans, l'exposition « Les singuliers de l'art » pour que trente-cinq artistes de l'atelier Jacob soient sélectionnés. Malheureusement, cette exposition prestigieuse qui avait rassemblé plus de vingt mille visiteurs, n'incitait pas encore les collectionneurs à investir dans l'Art brut.

 Les honoraires reçus pour le projet du RER NATION [2], fondaient comme un nuage au soleil, car l'Atelier devait supporter un loyer et des charges importantes, sans contrepartie. Ce fut l'occasion d'une prise de conscience entre Alain et son épouse Caroline qui décidèrent de transférer les œuvres à Dicy, dans la fameuse propriété achetée en 1960.

Le déménagement à Dicy et l'aménagement du musée.

Là, Alain oublie son savoir-faire en matière de plans et préfère concevoir une architecture vernaculaire, improvisée au jour le jour en fonction des œuvres déjà acquises. Avec un maçon, il crée des niches, des coins, des recoins où les œuvres seront mises en valeur. Il met la main à la pâte pour créer un lieu intimiste qui restera confidentiel durant quelques années. Dans le même temps, il poursuit la création de ses sculptures géantes, Les Turbulents qu'il met aussi en scène pour réaliser des courts métrages qui sont parfois projetés à Dicy. Ce sont de grands gaillards plutôt joyeux dans lesquels sont souvent intégrés des mécanismes qui leur permettent de bouger et d'évoluer dans le hangar où ils vivent, au rez-de-chaussée du Musée de Dicy.

L'ouverture de LA FABULOSERIE

L'ouverture au public a lieu en 1983. En 1987, Roland Danchan « sauve » le Manège de Petit Pierre qui était voué à la destruction en le faisant rapatrier à la Fabuloserie. Alain Bourbonnais décèdera malheureusement en 1988, avant que le Manège, livré en pièces détachées, soit de nouveau remonté.

Les deux filles d'Alain et Caroline Bourbonnais ont pris le relais [3]. Alors qu'Agnès se charge d'organiser conférences et visites à la Fabuloserie, Sophie reste la galeriste de la Fabuloserie de Paris (malheureusement vendue depuis le début de l'année 2023), rue Jacob où elle organise de très nombreuses expositions comme la dernière exposition de JABER [4], ou d'autres artistes comme Michèle Burles, Ignacio Carles-Tolra, Alain Lacoste, Marie-Rose Lortet, Francis Marshall, Jano Pesset, Loli et To bich Hai. D'autres créateurs les ont rejoints comme Michael Golz, Hervé Marsy, Pape Diop, Jill Gallieni, Jean Christophe Philippi, Danielle Chanut, Sylvia Katuszewski, Bruno Monpied, Ni Tanjung, Genowefa Magiera et Genowefa Jankovska.

Tous ces artistes rassemblés par Alain Bourbonnais et son épouse ont su créer des univers parallèles qui nous retiennent au monde. Longtemps après être rentrés chez nous, les créatures angéliques, grinçantes ou célestes si attachantes résonnent encore en nos mémoires. Elles hantent nos rêves et tissent avec nous des fils invisibles qui nous incitent à les revoir, car elles nous manquent comme nous manquent les morts que nous aimons toujours.

Marie l'amoureuse de Jaber tableau de JABER

Tableau exposé à la Galerie BELLEVILLE galaxie lors de l'exposition organisée par Catherine Belkhodja en hommage à JABER. Collection privée Bruno Livrelli

Catherine Belkhodja

Voir en ligne : www.lafabuloserie.com

[1] Collection Beaux-livres

[2] Alain Nahum et Olga Caldas : tk-21 n°144, Nation-Souterraine-2016-2022

[3] Plus de 16 000 visiteurs par an.

[4] JABER, Vagabondeur, libre et frondeur par Catherine Belkhodja Revue A numéro 14 (Littérature-action) page 68-73, www.revue-a.fr

LA FABULOSERIE, à la LA HALLE ST PIERRE, 2, rue Ronsard. Paris 18e, 01 42 58 72 89.
(25 janvier au 25 août 2023)
https://www.hallesaintpierre.org
Métro : Anvers/Abbesses

LA FABULOSERIE à DICY 
1, rue des Canes 89120 Dicy – Charny-orée-de-Puisaye - 03 86 63 64 21
fabuloserie89@gmail.com 
http://www.fabuloserie.com
Expositions temporaires
Juillet – aout 2023
Il y a Quelque Chose Là-dedans ?
Exposition collective présentant 3 artistes de la galerie Jennifer Lauren, Cara Macwilliam, Jesse James Nagel et Chris Neate.

couple dans le jardin de la Fabuloserie à Dicy

Catherine Belkhodja