TK-21

Traversée

Marcel Frémiot et Nicolas Fremiot — 2024-06-02T08:20:56Z

C'est une rencontre artistique et humaine, un lien dans TK-21 entre un artiste marcheur et un musicien acousmatique.
Nicolas Frémiot est photographe, Marcel Frémiot était musicien. Il a composé une œuvre acousmatique pour une des « Traversées » de l'espace périurbain par son fils. Il a aussi écrit ce texte pour lui.

Toute exposition est essentiellement visuelle.

À celle-ci, Nicolas Frémiot a voulu lui associer des éléments sonores ; des éléments dont le rôle ne devrait pas être de renforcer le réalisme, l'anecdotique de l'image ni même l'esthétisme de sa réalisation.

Ici, le sonore devrait permettre d'attirer l'attention vers ce sur quoi le visiteur n'irait peut-être pas s'attarder, vers ce sur quoi l'exposition, en tout cas, aimerait qu'il se laisse aller.

Aussi le sonore quitte-t-il rapidement le réalisme pour suggérer de possibles imaginaires, passés, présents, voire futurs.

Ces imaginaires sont, au premier abord, ceux que l'image peut suggérer à celui qui la regarde. Ce sont aussi ceux que l'on peut attribuer à l'objet-même ou à la situation que la photographie met en valeur.

Au désir de voir, de découvrir, proposé au visiteur par le photographe, s'ajoute l'appel à l'intention d'entendre. Il ne s'agit pas ici d'un spectacle dont il faudrait décoder les intentions des créateurs.

Face à une « monstration » unie à un « donné à entendre », le visiteur est libre d'appréhender cet ensemble comme un reportage, comme une juxtaposition d'éléments épars, voire comme une œuvre.

Encore faut-il préciser que cette œuvre ne peut être que celle de ce visiteur ; et selon le cheminement, le tempo, les arrêts qu'il aura choisis, les regards qu'il aura portés ici ou là.

Est-il vraiment libre, ce visiteur ?
Il serait exagéré de le prétendre ?

Mes photographies, dit le photographe, ne sont pas des tableaux esthétisants. Simplement, elles font apparaître ce que l'on a négligé, ce que le passant ne voit plus lors de toute traversée coutumière.

En une certaine similitude, je suggère que tout bruit familier ne soit pas ici l'indicateur de pratique courante. Je suggère qu'il soit reçu en tant que porteur de sensible imaginaire. Un bruit de moteur d'avion ne pourrait-il, au-delà de nous dire l'avion qui passe, évoquer telle ou telle heureuse rêverie de pays lointains ; rêverie manifestée — et c'est, par exemple, le cas ici — par l'allusion à une musique traditionnelle de ce pays.

Ainsi un tas de granulat stagnant au bord d'un chemin — autre exemple — ne pourrait-il pas suggérer le temps où il dansait sur le tapis roulant de la sablière de ses origines ?

Dernier point, strictement technique : le photographe, Nicolas, le photographe, se refuse l'image numérique : il crée « en argentique ».

Par cohérence, le sonore s'abstient, ici, de tout son « numérique », de synthèse et ne joue, donc, qu'avec des sons « concrets », d'origines « acoustiques ».

Traversée, création sonore, Marcel Frémiot

Hamish Fulton, Walking Artist

Martial Verdier — 2023-12-01T17:07:18Z

La marche est une expérience artistique et un processus créatif. Hamish Fulton ne modifie pas le paysage, il laisse sa perception être modifiée. Ce qui est modelé, ici, n'est pas la nature, mais la perception du marcheur.

Hamish Fulton 2019, 35 Walks 1971 2019

Depuis le début des années 1970, Hamish Fulton parcourt de nombreux pays à pied. Il a réalisé plusieurs centaines de marches sur des milliers de kilomètres, qui constituent à elles seules l'ensemble de son œuvre. Ces expériences artistiques solitaires intègrent une diversité de pratiques qui traduisent et transmettent l'expérience de ces marches : peintures murales, photos-textes, dessins, livres d'artiste, lectures publiques...

Hamish Fulton ne cherche pas à transformer la nature mais à montrer que c'est la nature qui vous transforme. Marcher est pour lui un acte militant, politique. Dans une démarche humaniste, sa pratique engagée qui s'est élargie à des pratiques de marches collectives, nous interpelle sur nos liens d'interdépendance avec la nature et sur notre modèle de société productiviste.

Il ne se revendique ni comme artiste du Land Art, ni comme performer ou poète :

« Souvent, on me considère comme un sculpteur ou comme un artiste du Land Art. Cette méprise est le fait des historiens de l'art et critiques. Ma philosophie et ma pratique occupent une position totalement opposée à toute forme de land art ou de sculpture en extérieur. Je suis un artiste qui a fait de la marche sa spécialité. Le land art contredit l'art de la marche. »

Hamish Fulton, exposition Frac

« Ne prendre que des photos, ne laisser que des empreintes. »

Fulton, comme les artistes conceptuels et les land artists, découvre la photo dans les années 70. Il commence lors d'une marche avec Richard Long dans les Rocheuses. Les photographies qui en découlent n'ont pas vocation à représenter un paysage mais plutôt à témoigner d'un processus de parcours non seulement géographique et temporel, mais aussi mental. Les photographies « documentaires » en noir et blanc des débuts sont aujourd'hui devenues des objets graphiques en couleurs, des photos-textes, en accord avec les phrases-slogans et graphiques peints directement sur les murs et les installations, panneaux, agencements d'éléments simples (bois, papier, clous, règles graduées)…

Hamish Fulton, exposition Frac

Les objets créés fonctionnent comme des balises, des documents mémoriels, jalonnant ses œuvres : les marches.

Hamish Fulton, exposition Frac

Une démarche politique et écologique.

Il prend partie pour les opprimés des régions explorées, comme au Tibet colonisé par la Chine, comme l'illustrent les grands textes peints sur les murs des expositions.
Ses marches le conduisent aussi à sentir la dégradation des milieux naturels et à militer pour la prise de conscience écologique.
Depuis 1994, il organise également des marches collectives. Comme en 2002, au Domaine de Chamarande, ou en 2010 à Boulogne-sur-Mer. En 2017, il réalise l'exposition « Walking without a Smartphone » à la galerie Häusler Contemporary (Munich).

Hamish Fulton lors d'une performance réunissant 1400 personnes dans le cadre de l'exposition Walking on and off the Path, Fundación Cerezales Antonino y Cinia Cerezales del Condado Castille et León, Espagne, 2017. Photo Jean Marc Manson

Voir en ligne : http://www.hamish-fulton.com/

ARCHIVES :
Exposition mars-octobre 2023 au Frac - plateau explorations, commissariat
Muriel Enjalran. https://fracsud.org/Hamish-Fulton

Bambou totémique parisien

Ridha Dhib — 2023-12-01T17:05:06Z

Depuis l'été 2023, j'arpente les rues de Paris, bâton de bambou en main. Ma quête ? Récolter chaque élastique à cheveux égaré sur mon chemin.

La performance trouve son origine sur l'île de Ré. Lors de mes premières déambulations, un objet attire mon attention sur le bord d'un chemin, semi-enfoui dans le sable : un bambou apparemment robuste et léger. Sans hésiter, je le récupère et le transforme aussitôt en compagnon de marche, un geste pavlovien d'un marcheur au long cours. Cependant, après un ou deux jours de marche intensive, le bâton montre des signes de faiblesse. Une fine fissure s'est dessinée, menaçant son intégrité. Cherchant à sauvegarder mon précieux allié, l'environnement m'offrit une solution.

Ile de Ré

Bambou, élastiques à cheveux, cyclistes et marais salants, 19 juillet 2023.
Photo : Ridha Dhib.

Parmi les vestiges insulaires, un élastique à cheveux a émergé sur le bord d'une piste. J'ai récupéré cet artefact pour l'enrouler avec soin autour de la fêlure du bambou, consolidant ainsi son ossature. En parcourant l'île, j'ai constaté une profusion d'élastiques jonchant les pistes cyclables. J'en ai pris un second pour renforcer davantage mon bâton, puis un autre, et encore un autre. Un rituel.

De retour à Paris, le rituel continue. Chaque élastique est soigneusement collecté. Ainsi, au gré de mes pas dans les rues parisiennes, je glane des fragments de vie, des éléments d'une histoire en cours d'écriture, des pièces d'une mosaïque en constante évolution. Ces artefacts, tels des brins d'ADN — réceptacles biologiques, vestiges de traces humaines — sont documentés, répertoriés et géolocalisés sur une carte en ligne, constituant une archive en devenir. Ce rituel, fruit du hasard et de la nécessité, s'est mué en une forme de méditation mouvante, alternant pas et gestes.

Cartes Elastiques Detail

Documentation de tous les élastiques à cheveux collectés dans les rues parisiennes sur une carte en ligne.

Dans cette expérience sensorielle où chaque élastique incarne une syllabe d'un langage silencieux et polysémique, l'enroulement de l'artefact autour du bambou trouve une résonance avec le geste initial qui l'a animé. Ainsi, je réactive la vocation première de l'élastique — celle de serrer et d'attacher — mais dans un nouveau contexte et avec une intention différente, créant une dualité de gestes et de sens.

Le processus illustre également le passage graduel du quantitatif au qualitatif : il y a répétition dans la collecte des élastiques, accumulation lors de leur enroulement autour du bambou et compression à mesure qu'ils sont agencés. Les élastiques deviennent ainsi une peau, un condensé de matière prélevé dans l'espace et dans le temps, participant à la lente transmutation du bâton en totem.

« Bambou Totémique Parisien I »

au cours de la première phase de 28 jours de marche entre le 26 juillet et le 29 août 2023, couvrant une distance globale de 340 kilomètres, j'ai collecté 278 élastiques à cheveux. Ce processus a permis la transmutation de mon premier bâton de marche en totem.
Images : Ridha Dhib.

Ce totem est un agencement hétérogène d'objets manufacturés, de matières organiques, de rituels, d'histoires et de traces humaines. Il émerge non seulement comme une œuvre en constante évolution, mais également comme une cartographie sensorielle et une archive vivante. Il est un carrefour où, l'intime et le public, l'individuel et le collectif, le fonctionnel et le symbolique se rencontrent et se transforment.

Au cours de mes collectes, je me suis rappelé les déambulations d'André Cadere, cet artiste conceptuel des années 70 qui arpentait Paris avec ses « Barres de Bois Rond », des bâtons cylindriques composés de segments colorés. La démarche de Cadere consiste, entre autres, à sortir l'art des espaces qui lui sont d'habitude dédiés : il expose et s'expose dehors, exhibe une œuvre en marchant. Son travail reposait sur un protocole précis, où il organisait les teintes selon un système mathématique, mais introduisait volontairement une « erreur » dans chaque barre, brisant l'ordre et introduisant l'idée d'imperfection.
De la même manière, avec ma performance Bambou totémique parisien, je marche et exhibe une œuvre. Mais contrairement aux choix prémédités de couleurs de Cadere, ma quête permet au hasard de déterminer les caractéristiques des élastiques, telles que les couleurs, textures, et tailles, rendant ainsi chaque totem unique. C'est une œuvre qui ne peut se faire qu'en marchant.

En somme, Bambou totémique parisien est une façon de tracer des lignes de fuites dans le tissu du réel. C'est une action qui agence des traces et fait émerger des interconnexions d'existences humaines. Cette œuvre rhizomatique est à l'intersection de l'art, de la géographie et de l'anthropologie. En oscillant entre le rituel et l'exploration, entre la sobriété du geste et la simplicité des objets trouvés, cette performance dessine une cartographie de l'intime dans l'espace public. C'est dans cette convergence d'éléments que le totem prend tout son sens.

Le totem devient l'incarnation même de ces marches.

Au Jardin des Tuileries

Ridha Dhib au Jardin des Tuileries, avec le « Bambou totémique parisien 1 »,
24 août 2023.

Voir en ligne : www.ridhadhib.com

Les sept commandements de la performance « Bambou totémique parisien » :
1- En marchant, des élastiques à cheveux, tu trouveras.
2- Leurs coordonnées géographiques, tu relèveras.
3- Leur existence sur ton chemin, tu immortaliseras.
4- Dans ta main, l'élastique, tu prendras.
5- Autour de ton bambou, tu l'enrouleras.
6- À ta carte en ligne, chaque élastique, tu ajouteras.
7- Ton bâton, en un totem, tu transmuteras.

Ridha Dhib de dos marchant avec son totem devant le Palais de Tokyo,

Paris, le 28 août 2023.
Image Virginie Mascolo et Ridha Dhib.

Marcher c'est résister

Nicolas Fremiot — 2023-12-01T17:03:45Z

Depuis plus de trente ans, le photographe Nicolas Frémiot traverse à pied les paysages, pour mieux aller à leur rencontre, s'en imprégner, les saisir et les restituer avec son regard. Une démarche qui s'inscrit dans la lignée d'artistes tels que Hamish Fulton, Richard Long ou le groupe Stalker qui créent des œuvres grâce et à partir de leurs déplacements dans la nature ou en milieu urbain.

Nicolas Frémiot, Pierres levées

© Nicolas Frémiot

« Je veux aller à pied à travers les paysages. En tant que tels, ils n'existent pas. Ils sont d'abord des perceptions et le fruit de l'intervention de l'homme. Et trop souvent, nous nous contentons de les faire défiler à toute vitesse, ils sont immédiatement consommés. Combien de territoires, de « pays » sommes-nous conduits, en effet, à traverser en bus, en R.E.R, en tram, en train, en voiture ? Y sommes-nous vraiment et que voyons-nous ?

Nicolas Frémiot, Traversée, E4, Chailly-en-Brie, 2012

Au lieu d'habiter le monde, nous finissons par habiter des lieux fonctionnels : voitures, immeubles, bureaux, centres commerciaux… A tel point que « le corps n'est plus qu'un paquet en transit, un pion bougé de case en case ; il ne se meut pas, il est mu » pour citer Rebecca Solnit (L'art de marcher, Collection Babel, éd. Actes Sud, 2004).

Photographe depuis le milieu des années 1980, je me suis, dans une première période, attaché au portrait, pour questionner les rapports sociaux.
C'est en 1991 que je débute mes déambulations insulaires en Bretagne. Depuis, mes pas ont traversé l'Islande, l'île de la Réunion, les Shetland, les Hébrides, la Corse, l'Irlande...

Nicolas Frémiot, La Réunion 1992 (à gauche), Islande 1994 (à droite)

À partir de 2004, conjointement aux marches iliennes, j'ai entrepris de construire des parcours continentaux, pour traverser la diversité du territoire français, en poursuivant une recherche artistique sur la perception du paysage quotidien.

Nicolas Frémiot, Mille-Vaches, Eymoutiers, 2009

En 2019, à l'arrivée du Covid et avec le confinement, Il m'a fallu absolument trouver une solution pour ne pas sombrer. J'ai pris mes pieds et mon appareil photo, et fidèle à ma De(s)Marche(s) je suis parti arpenter l'espace parisien. J'ai décortiqué mon périmètre de survie, inspiré par mes lectures de Georges Perec (notamment Espèces d'espaces) et Penser/Classer) et de Marie-José Mondzain avec Confiscation - Des mots, des images et du temps (en particulier sur la notion de « saxifrage »), mais aussi par le film Smoke de Wayne Wang, dans lequel le personnage de Auggie a réuni plus de 4000 clichés de sa boutique pris chaque jour au même endroit et à la même heure.

Chaque jour, j'ai ainsi photographié :

– la vue depuis la fenêtre de mon atelier pendant quinze minutes,
– trois végétaux de ma terrasse afin de suivre leurs éclosions,
– toutes les rues de mon périmètre de survie pendant une heure,
– mes voisins proches et lointains,
– la frontière des 1 kilomètre, représentant ainsi vingt-neuf « check-points » virtuels, en photographiant les quatre points cardinaux, le ciel, le sol avec mes pieds et la rue de mon atelier.

Nicolas Frémiot, Confinement, j103, frontières, 1 km, 2021

Je construis des parcours photographiques, prosaïques, sonores et cinématographiques en partant à la rencontre des paysages et de ses habitants.
Ma DÉ(s)MARCHE(S) continentale s'articule sur une dimension centrale, celle de l'autre. J'implique activement, à divers niveaux et sous diverses formes, les personnes habitant les régions que je traverse. Comment prétendre accéder à la découverte-perception d'un paysage-territoire sans la rencontre avec ceux qui le façonnent et l'habitent ? À chaque étape, je suis hébergé chez l'habitant·e, d'autres viennent marcher avec moi.

Par ailleurs, et puisque marcher c'est être en prise avec l'imprévu, des rencontres, des surprises, des évènements, des contacts fugitifs, des conversations, des regards se sont noués lors de mon passage, à l'improviste. La présence parfois d'un collègue cameraman et d'un preneur de son permet de porter un regard singulier sur ces événements. Au moment de la « monstration », un échange se fait de regard neuf à regard renouvelé… peut-être ?

« Marcher-Créer-Résister », c'est aussi pour moi un regard sur les lieux où vivent et travaillent les gens, une manière de questionner la construction des territoires, l'effacement des frontières historiques qui séparaient jadis les métropoles de ses banlieues. C'est un propos anti-carte postale et anti-mythologique qui va à l'encontre de la communication dont nous abreuvent continuellement les institutions diverses et variées à propos des métropolisations et de la densification urbaine. »

Nicolas Frémiot, Traversee-face-nord-Bobigny, par Claude Rambaud

Traversée face nord, création sonore Fred Marty

PROCHAINEMENT, en 2024 :
Exposition « Traversée, face nord » à Coulommiers, Gonesse, Paris, Gennevilliers, Nanterre.

DERNIÈRES ACTUALITÉS, 2023 :
Marche Arthur Batut réalisée en octobre 2023. Trente jours de marche à travers le Tarn, l'Aude et les Pyrénées-Orientales sur les traces du photographe Arthur Batut. Un projet en collaboration avec l'association Lumière d'Encre à Céret et le musée Batut à Labruguière.

EDITIONS, sélection :
« Traversée », Ed. galerie Jean Collet de Vitry-sur-Seine, 2013. « Résidences », Ed. Poursuite, 2012. « Artoismarche », Ed. Poursuite, 2011. « La ligne acadienne, traces d'un photographe marcheur », Ed. Centre d'art de Châtellerault. « Vagabondages », Ed. Trans Photographic Press, 2007. « G.R.P N°2 », La collection Choisy, Ed. Ville de Choisy-le-Roi, 2006. « Paysages zone de l'esprit », Ed. Galerie d'essai d'Arles / dotation photo service, 1994.

© Nicolas Frémiot, La marche du Mantois, E2, Grès blanc, Gargenville, 2015

La marche partagée

Christophe Galatry — 2023-12-01T16:40:52Z

« Je me pose depuis longtemps la question de qu'est-ce qu'un artiste marcheur. »

Aujourd'hui les artistes sont soumis, ainsi que leur œuvre, aux lois du marché et des cotes. L'artiste marcheur, lui, échappe à cette emprise et représente le monde en toute liberté.

Tout d'abord, je pratique la marche en groupe, avec d'autres artistes ou/et avec des spécialistes des lieux traversés et des sujets traités, urbanistes, historien-nes, ingénieur-es, chercheur-euses… et souvent un public qui profite des récits, descriptions et analyses.
Les pratiques artistiques peuvent prendre plusieurs aspects. S'inscrivant, pour certains, dans l'action et dans une pratique de partage, dans l'instant, pendant la marche, dans l'espace traversé et par la compréhension de ce paysage sans qu'aucune trace ne soit produite par lui-même, autre que ses empreintes.
Pour d'autres au contraire, l'intention est de témoigner de sa façon de voir et d'interpréter cet espace à travers des dispositifs plastiques.

En tant que photographe depuis la fin des années 1980, je me situe plutôt dans la deuxième posture. Au cours d'itinéraires urbains ou péri-urbain et dans des lieux post-industriels, des friches ou en voie d'industrialisation, je cherche à révéler les paysages par des images fixes, des vidéos ou des cartes.
La cartographie peut être préparée ou reconstruite, souvent à l'aide des traces GPS. Ces parcours sont préparés, mais laissent aussi une part à l'improvisation, soit pour suivre une envie, une impulsion, soit pour s'adapter aux modifications du terrain par la nature ou par l'industrie.

Je pratique cette notion de marche partagée en collaborant avec deux artistes marcheurs urbains que je présenterais dans un second volet, Hendrik Sturm, récemment disparu, et Denis Moreau.

La marche a donc plusieurs sens pour moi selon qu'elle est un partage de connaissances et de données paysagères avec d'autres, ou qu'elle sert plutôt un processus de déroulement photographique.

Les territoires qui m'attachent se situent dans un périmètre proche de mon lieu de résidence, entre Marseille et le Rhône, lieux riches en histoire et toujours en évolution.
Mais je profite aussi de voyages et de rencontres pour élargir aussi mon cercle d'exploration.

Comme je le sous-entendais plus haut, les marches sont des moments intense activité intellectuelle et pas seulement physique.
Dans une « promenade », partagé ou photographique, le regard et l'esprit restent en éveil. Il faut croiser à la fois l'aspect plastique et iconique avec des considérations historiques, politique, environnementales, mémorielles…

La marche partagée

Balade exploration « Les mas de Crau et l'effleurement de la nappe phréatique »

Octobre 2014. Nous marchons environ 6 à 7 kilomètres à travers une forêt peu dense puis une steppe appelée Coussouls de Crau. Voir image d'en tête de l'article.

Dessin schéma de la balade d'octobre 2014

Une façon pour moi de rendre très lisible et facilement compréhensible un parcours dans un territoire. Une traversée du Coussouls de Crau dans sa longueur croisant zones industrielles et steppe.

La balade comme exploration de soi-même et de l'activation de ses sens.

Moments où l'on prend le temps de s'arrêter et échanger pour croiser le sensible. La marche la nuit est particulièrement propice à cet exercice.
Ici autour de l'Étang de Berre à Martigues sur le GR2013 en 2016.

La marche photographique

Le Jarret

Un de mes derniers projets photographique incluant le déroulement d'une marche le long d'un cours d'eau traversant la ville de Marseille, Le Jarret. Ici, j'inclus dans la restitution les points photographiés et leurs directions cartographiées.

Marche partagée, avec Denis Moreau,

sur un tronçon du parcours d'un sentier préfiguré, appelé SMGP (Sentier métropolitain du Grand Paris) en 2019.

Les marches marseillaises

Christophe Galatry — 2023-12-01T16:39:46Z

Nicolas Mémain, Denis Moreau et Hendrik Sturm, trois artistes marcheurs, trois parcours, trois cheminements depuis les bords de la Méditerranée et au-delà, jusqu'à la banlieue parisienne et retour.

Nicolas Mémain

Photo ©Christophe Galatry 2022

Nicolas Mémain

 
Un artiste marcheur métropolitain

Il y a d'abord la déclamation lorsque vous partez avec Nicolas Mémain* dans une de ses balades. Cette impression d'une poésie lorsqu'il déroule les matériaux constitutifs d'une architecture comme essence même des cheminements à travers la ville, surtout celle de Marseille, dont il n'est pas originaire, mais qu'il a adoptée après ses études d'architecture à Bordeaux à la fin des années 1990.

Nicolas Mémain, Photo ©Christophe Galatry 2013

Depuis le début des années 2000, il explore inlassablement cette cité métropolitaine avec cette idée qu'il faut partager, faire découvrir sa connaissance urbaine et des formes architecturales, mais surtout une façon de comprendre la ville et son passé. Porté par sa voix haute et lumineuse, il aime clamer, non sans humour, à travers les quartiers et les cités, l'histoire des barres et courées [1], faisant mentir les règles non écrites d'un impossible passage.
Compréhension des formes urbaines, de celle de Marseille et de sa complexité métropolitaine, de l'est d'Aubagne et son Garlaban [2] jusqu'aux confins ouest vers Port-St-Louis-du-Rhône.
Il cartographie le premier sentier métropolitain nommé GR2013 long de 360 km en un ruban représentant l'infini dont le centre se croise à la gare TGV d'Aix-en-Provence.
Il aime à s'appeler « Street jockey » ou encore à se qualifier de « montreur d'ours en béton », peut-être aussi pour mieux accentuer son rapport poétique aux différents espaces qu'il articule dans sa passion pour les architectures d'ensembles collectifs des années 1970, lorsque quantité de programmes étatiques sont lancés à Marseille dans les quartiers nord comme à travers la France des grandes villes.

Nicolas Mémain, Photo ©Christophe Galatry 2013

*Nicolas Mémain vit à Marseille. Il a reçu, avec Baptiste Lanaspèze, le prix d'urbanisme 2013 de l'Académie d'architecture pour la création d'un sentier métropolitain, et en tant que spécialiste en urbanisme et architecture du XXe siècle, a participé à un inventaire architectural pour les services du patrimoine des Bouches-du-Rhône.

Denis Moreau

Marcheur invétéré et banlieusard

Denis Moreau en 2013 lors d'explorations de la future métropole marseillaise. ©Christophe Galatry 2013

Denis Moreau est un explorateur, un explorateur des banlieues.
Parce qu'on appelle encore ainsi cette zone intermédiaire, définie à l'époque lointaine où les villes étaient fortifiées, et au-delà de laquelle tous ceux mis au bans, exclus de la société se retrouvaient [3]. Et ainsi Denis Moreau, après avoir suivi un cursus et passé le diplôme d'architecture à l'École d'architecture de La Villette à Paris à la fin des années 1990, décide de tout lâcher pour se plonger dans l'exploration de l'immense périurbain parisien au-delà des fortifs (disparues sous le périphérique dans les années 1960).
Dès le début des années 2000, il part en marchant, écrire, photographier et faire un inventaire critique des territoires de la banlieue parisienne jusqu'aux confins de l'Île-de-France qu'il raconte à travers un blog intitulé [banlieuedeparis.org].

C'est entre 2009 et 2013 que nous explorons ensemble ce qui va devenir la Métropole marseillaise, liée aux industries, et le grand port autonome de Fos-sur-Mer. Amoureux des contradictions que peuvent révéler des territoires et leurs politiques d'emménagement, sa posture est assez frontale en général afin de souligner les impasses, mais aussi de qualifier les projets et transformations urbaines dans toutes leurs complexités.

Il crée des étincelles avec des convictions très engagées sur toutes les questions liées aux libertés de passages, de circulations et de la façon dont les politiques peuvent instrumentaliser les questions environnementales proches.
Au fil du temps, il a acquis une grande connaissance de la complexité de tout le tissu urbain et périurbain autour de Paris, au point de devenir un acteur précieux dans la préparation du premier sentier métropolitain du grand Paris (SMGP), aux côtés d'autres artistes marcheurs comme Paul-Hervé Lavessière ou Jens Denissen.

De Conflans-Ste-Honorine à Sannois, avril 2018,

lors d'explorations du sentier métropolitain du Grand Paris. ©photo Christophe Galatry 2018

Chez cet artiste, la carte au vingt-cinq millièmes comme outil de transmission de connaissances visuelles et orales est l'alpha et l'oméga de toute promenade publique, exploration solitaire ou partagée, et un élément essentiel, une façon de mettre à plat sa vision des espaces traversés.

Hendrik Sturm* (1960 - 2023) 

sur les traces de…

Hendrik Sturm, Photo ©Christophe Galatry 2013

J'ai rencontré Hendrik Sturm pour la première fois en 2008 lors d'une promenade artistique au Mont Dauphin, ville fortifié par Vauban au contrefort du Queras.
Première rencontre avec un artiste marcheur. Monde que je découvrais, moi venant de la photographie et ayant arpenté jeune pendant des années les rues de Paris. Cette rencontre m'a marqué, tant l'impression a été forte devant cette personne au visage sévère et doux à la fois dans sa voix et sa manière d'expliquer sa démarche. Une démarche qui m'a semblé en même temps tout de suite radicale et complexe. 

Si je n'ai jamais participé avec lui à l'élaboration de ses promenades, j'ai eu l'occasion de suivre plusieurs d'entre elles autour de Marseille. Hendrik n'avait pas de limites territoriales et opérait là où on l'invitait à travers les paysages aussi bien urbains que périurbain. Sa radicalité, il la concevait et l'exprimait déjà à travers la notion de lignes, de passages, « sur les traces de… » et d'observations. Cette question de transect [4] qu'il aimait poser entre deux points géographiques pour en comprendre les juxtapositions horizontales. Ses balades étaient conçues en amont par un travail minutieux d'analyse géographique, urbaine et sociale à travers l'histoire de chaque parcelle de territoire traversé.

Accumulant une grande quantité de données qu'il savait restituer dans une logique d'articulation à celles et ceux qui voulaient bien l'écouter, puisqu'il fallait bien tendre l'oreille et se concentrer pour apprécier l'itinéraire qu'il proposait. On en ressortait plus riche d'une connaissance outre la sensation de la marche à travers des paysages comme celui du plateau de l'Arbois à partir de la gare TGV d'Aix-en-Provence. Vaste zone incertaine et en apparence vide de toute histoire, mis à part une garrigue échevelée et aride et l'installation d'habitats de Roms. En réalité pleine de traces historiques liées à la deuxième guerre mondiale. Le marcheur Hendrik révèle ainsi cet « empilement » des histoires spatio-temporelles dans chacune de ses explorations.

Ses déambulations restent et vont rester dans les mémoires pour beaucoup qui ont vécu l'expérience des promenades partagées avec cet homme très calme et plein d'attention avec chacun marchant avec lui. 
L'image qui me guide est celle du mille-feuille des couches cartographiques thématiques d'un système d'information géographique. Il correspond, du moins en partie, à ce que les géographes nomment co-spatialité, c'est-à-dire à « la superposition des territoires et des réseaux ». L'analyse de la co-spatialité des territoires me fournit la matière et les arguments pour construire un itinéraire précis : existe-t-il des interactions entre ces couches co-présentes et où se situent alors les « micro-fentes » qui les relient ? Hendrik Sturm

Une promenade avec Hendrik Sturm, sur le plateau de l'Arbois,

mai 2013 ©Christophe Galatry 2013

*D'origine allemande, Hendrik Sturm était installé à Marseille depuis 1994. Après une thèse en neurobiologie et une formation de sculpteur à l'école des Beaux-Arts de Düsseldorf. Il a enseigné à l'école des Beaux-Arts de Toulon. Il est brutalement décédé en septembre 2023.

Balade Plateau de l'Arbois avec Hendrik Sturm, Photo ©Christophe Galatry

[1] La courée est le nom que l'on donne à l'urbanisation en cœur d'îlot dans les quartiers industriels, comportant généralement une ou deux rangées de petites maisons basses dans une ruelle privée à laquelle on accède par un passage étroit. Beaucoup de courées sont très étroites donc assez sombres.

[2] sommet qui surplombe la ville et la plaine d'Aubagne et qui culmine à 714 mètres d'altitude.

[3] La banlieue est l'espace, d'une lieue, autour de la ville où l'on publiait les bans de la cité (proclamation de lois) et donc où s'exerce l'autorité du seigneur - maire - intendant…
Les bannis étaient rejetés au-delà de cette lieue. C'est donc la zone intermédiaire où l'on vit en n'étant ni citadin (de la cité) ni banni.

[4] Le transect désigne la traversée, selon une ligne imaginaire, d'un espace géographique afin d'en analyser les composantes paysagères

Walking to England and Running inside the Spiral *

Denis Schmite — 2023-12-01T16:30:00Z

Richard Long, marcheur infatigable, arpente le monde, Jeff Wall sillonne les banlieues de Vancouver et Robert Smithson, coureur effréné, parcourt l'espace-temps. La marche qu'entreprennent les trois, c'est la marche vers la Mort. Tout est appelé à disparaître, Vanité des choses humaines ou Entropie, et seuls la photographie et le film tentent d'en conserver la mémoire et de dresser le constat de la Catastrophe. On ne contrôle pas l'espace sans dommage et on ne peut jamais vaincre le temps.

Finalement, tous [les personnages], ceux des rues et des allégories, ne sont presque rien d'autre que des ruines traversant, souvent péniblement, parfois douloureusement, des champs de ruines, les banlieues pavillonnaires et les zones d'entrepôt du nord de l'Amérique, ou pire encore, d'absolus non-lieux. Néanmoins, le choix du lieu est primordial en tant que décor du théâtre de la vie, ou du film de l'existence, c'est comme on veut. Il peut avoir été découvert lors de flâneries dans Vancouver ou dans ses alentours, ou bien s'être gravé dans la mémoire depuis très longtemps. Il est composé d'éléments prégnants, « un certain type de rue, certaines typologies architecturales… ». Les banlieues pavillonnaires et les zones d'entrepôt sont des fragments majeurs de la dévastation capitaliste.

Richard Long, ce promeneur solitaire qui rêve énormément mais qui n'herborise jamais, est aussi un marcheur méticuleux qui établit de multiples relevés des lieux qu'il traverse, en Angleterre, dans l'Himalaya, dans le Hoggar et partout ailleurs, dans la nature sauvage d'un monde pur des premiers temps, ainsi que des choses qui l'ont impressionnées, la forme d'une pierre, celle d'un nuage, la couleur d'une rivière, d'un fruit ou d'une fleur, celle des yeux d'un enfant, qui note très précisément les distances parcourues en miles, mais qui dresse ici et là des petits cairns pour marquer son passage, ou bien dessine des cercles ou des lignes de cailloux, ou des figures bien plus étranges, géoglyphes mystérieux renvoyant à la cosmogonie de religions très anciennes.

Richard Long n'est pas un homme de catastrophes, même tranquilles, comme ont pu l'être Robert Smithson ou Walter de Maria. Des yeux et de la main il caresse les paysages, les vieux bois et les pierres polies, et de la pointe de son soulier ou du bout de son bâton il peigne les hautes herbes et les gazons et signe les sables des déserts du monde et les tourbières d'Angleterre. Un jour, à la lisière d'un bois il a marché tout droit, puis il est revenu sur ses pas, toujours tout droit, puis il est reparti encore tout droit, et il a laissé dans l'herbe fraîche une belle ligne droite, A line made by walking, trace légère et éphémère de son passage ici-bas.

« La ligne du pas de Long dans l'herbe, dit Jeff Wall, c'est simultanément de l'agriculture, de la religion, de l'urbanisme et du théâtre ». C'est aussi du photo-documentarisme. Un autre jour, dans un champ couvert de pâquerettes, il a marché tout droit, puis il est revenu sur ses pas toujours tout droit, et ainsi il a tracé une ligne verte sur le tapis blanc des fleurs, et puis, en procédant de la même façon, il en a tracé une autre qui est venue couper la première en son milieu, et les deux lignes ont, bien sûr, formé une croix, England 1968.

Richard Long, A Line Made by Walking, 1967

Photograph, gelatin silver print on paper and graphite on board, image 314 × 476 mm, collection Tate Gallery.

Bien des années plus tard, ailleurs, dans les « suburbs » de Vancouver, là où les bois ont été rasés afin de faire place à des zones d'entrepôts et à des lotissements pour quasi-nécessiteux, un tout petit coin de végétation végétative, un peu plus qu'un tiers-paysage tout de même, ou alors un gros, pas tout à fait un terrain vague, comme un morceau de champ mis en repos définitif, une ruine de la nature coincée derrière un centre commercial à carapace de tôle et enseignes racoleuses, et des parkings recouverts d'une pellicule de véhicules informes. Un paysage sale et un ciel blanc et froid. Hiver de Vancouver et de ses suburbs. Des poteaux électriques et des lampadaires, des arbres maigrichons et sans feuilles, deux ou trois ruches abandonnées dans un coin presque masquées par un bouquet de buissons rabougris, quelques taupinières peut-être sous un tapis d'herbes desséchées et aplaties, et puis comme une croix incrustée dans ce tapis, deux sentiers improvisés formés au fil du temps par le passage de plein de gens, on ne sait pas trop qui ni pour aller vers quoi, et qui se recoupent à un moment en un point précis. Une croix dans le cimetière de la nature, The Crooked Path.

Jeff Wall, "Peintre de la vie moderne", ou plutôt photo-cinématographe de la décrépitude postmoderne, prélude du désastre « amoderne », a ravagé le paysage idéal de Richard Long, comme Manet avait rejeté le corps idéal classique, et proposé un non-objet "naturellement" dénué de perspective. Jeff Wall considère le paysage d'un point de vue humaniste, ici jusque dans sa violence. « …la photo d'un cimetière est, théoriquement en tout cas, le type parfait de paysage », dit-il, « Le phénomène de la mort qui approche inexorablement tout en étant inapprochable, la nécessité de laisser derrière soi ceux qui ont disparu, est l'analogie la plus frappante et la plus dramatique de la position d'observation distante — mais pas trop distante — considérée comme typique du paysage ».

L'artiste vit dans un monde en crise et dans un environnement fracturé, décoloré, attiédi. L'esprit humain et la terre subissent une érosion continue. Tout est sujet à modification, dégradation, décomposition. Tout est sujet à évolution entropique et c'est donc l'entropie qui constitue le fondement de l'art, tout du moins de l'art tel que le conçoit Robert Smithson [...]

L'entropie ! Ce terme désigne et résume le second principe, la seconde loi d'une discipline de la physique apparue vers le milieu du dix-neuvième siècle en accompagnement du développement de la machine à vapeur, la thermodynamique, qui visait, à l'origine, à définir et à mesurer les effets de la chaleur, de l'énergie, sur un système donné. En gros, la thermodynamique se résume à deux principes, le principe de conservation selon lequel depuis que l'univers existe il n'y a jamais eu de création ni de disparition d'énergie, c'est le fameux « Rien ne se crée, rien ne se perd, tout se transforme » de Lavoisier, et l'entropie. Selon ce dernier principe, dès qu'elle est émise la chaleur se disperse et du fait de cette dispersion elle ne sert plus à rien. Elle devient indisponible car elle a perdu sa concentration. La dispersion de la chaleur signifie qu'elle se déplace partiellement du corps le plus chaud vers le corps le plus froid, de la région la plus chaude vers la région la plus froide, pour conduire l'ensemble à un terme moyen, un équilibre tiède. La perte de concentration doit être envisagée comme un désordre puisque ce qui était efficace, la vapeur qui permettait à une machine de tourner, perd toute son efficacité en se dispersant.

Paradoxalement, l'équilibre, et on peut même parler d'équilibre parfait car hyper-stable, car irréversible, la chaleur ne pouvant jamais revenir en arrière, revenir du corps froid devenu tiède vers le corps initialement chaud, la chaleur ne pouvant pas se concentrer à nouveau, est aussi un désordre. Tout système, y compris le plus global, l'univers, est soumis à l'entropie, c'est-à-dire qu'il tend toujours vers l'équilibre, qu'il change d'état, qu'il passe de l'ordre au désordre. La vie crée de l'entropie. La vie tend encore et toujours vers l'équilibre, tend vers la mort qui peut se définir comme une perte d'ordre, une perte de concentration, une transformation d'énergie irréversible. C'est ainsi que la thermodynamique est devenue la science des grands systèmes en équilibre [...]

Robert Smithson, Spiral Jetty, 1970

Et puis enfin il y a la spirale, sa spirale, la jetée en forme de spirale, la Spiral Jetty, qu'il a jeté sur le Grand lac salé de l'Utah. Un beau jour Robert Smithson a loué un bout de terrain en bordure du lac pour une durée de vingt ans et il a acheté à un entrepreneur de travaux publics vingt tonnes de gravats, gravats qui constitueront la matière première et primaire de son grand œuvre et qu'il façonnera à coups de bulldozers et de pelleteuses. Cinq cents mètres de long, cinq mètres de large, une spirale qui s'enroule sur la gauche et sur elle-même, et c'est ce développement non-expansif, cette rétractation, qui fait de la spirale de Smithson une œuvre de mort.

Ce n'est pas une spirale ascensionnelle, comme celle de Rembrandt et de Wright, comme celle de Tatlin et de Mucha, ce n'est pas une tour de Babel grimpant à l'assaut du ciel, mais c'est plutôt l'un des maelströms d'Edgar Alan Poe, car cette spirale se referme, se recroqueville, se replie en son centre, paraît être en mesure d'aspirer tout ce qui passe à sa portée et de l'entraîner vers le fond du lac après l'avoir brisé. C'est une spirale entropique posée dans un espace entropique, le Grand lac salé de l'Utah, portion d'un territoire entropique, celui des Etats-Unis du nord de l'Amérique.

C'est l'entropie qui règne en maîtresse ici. Le lac est presque totalement cristallisé. Ses rares eaux sont teintées de rouge en raison de la décomposition des micro-organismes qui les habitent. Ses abords sont irrémédiablement souillés par l'activité des prospecteurs de pétrole, activité certes passée mais outrancière, mais dégradante, mais outrageante. La jetée, édifiée en un lieu aussi incongru, aussi abîmé, participe à la désorganisation de l'ensemble, la parachève peut-être, participe au désordre du lieu, au processus entropique. Smithson dit aussi qu'il a capturé une galaxie ... une galaxie spirale dans les bras de laquelle naissent et se développent, comme dans une pouponnière, des milliards d'étoiles, les cristaux de sel qui se déposent ou se forment dans un processus lui-même spiralé. Spirale faites de milliards de spirales, le tout à l'image de ses innombrables composants. Sculpture fractale ! Ainsi Robert Smithson a réalisé une sculpture d'étoiles [...]

La galaxie de Smithson se referme et quand on la parcourt, quand on pénètre son espace, quand en partant de la berge du lac on marche sur la jetée, on est irrémédiablement entraîné vers son centre, c'est-à-dire vers une extrémité qui en aucune façon ne pourra être prolongée, en un mot vers la fin. C'est à un repli de la matière sur elle-même auquel on assiste et auquel on participe, à une contraction, à un effondrement, à la formation d'un trou noir, incommensurable aspirateur quantique du tout, dissolvant absolu de l'espace et du temps. Robert Smithson s'est livré à une représentation plastique et visuelle de l'espace-temps.

Viewing Robert Smithson's Spiral Jetty on June 18th, 2018, Matthiew Kowal CC BY-SA 4.0

Matthiew Kowal CC BY-SA 4.0

Dans son film sur la Spiral Jetty, on le voit courir sur la jetée, c'est-à-dire non seulement parcourir l'espace de la spirale mais aussi le temps, espace et temps fossilisés. Smithson a toujours affectionné le cinéma car quand on regarde au travers d'une caméra ou quand on assiste à la projection d'un film on est éloigné de la réalité. Le cinéma, comme le non-site, est un éloignement émotionnel de la réalité et donc une plongée dans la fiction.

Le film est pris d'un hélicoptère, avec dans un coin de l'écran le temps qui s'écoule, et Smithson qui court en contre-bas est vu de dos et il ne se retourne jamais vers la caméra. Il y a donc un éloignement de Smithson qui est entré lui-même dans la fiction. On l'entend constamment, sur un ton métronomique, donner son orientation, sud-sud-ouest, sud-ouest-ouest, ouest-nord-ouest, nord-ouest-nord, tout en énumérant les matériaux qu'il voit, roche-boue-cristaux-eau, toujours les mêmes évidemment, roche-boue-cristaux-eau.

Smithson se situe dans l'espace fictionnel et dans l'univers et il se livre aussi à un jeu sur les échelles, échelle humaine et échelle astronomique. Ce qu'il parcourt en fait en courant sur sa jetée c'est la flèche du temps, c'est-à-dire un temps qui en s'écoulant accompagne une entropie grandissante. Quand il arrive au bout de la jetée, tout au centre de la spirale, Smithson ne peut évidemment aller plus loin. Le centre de la spirale correspond à l'entropie maximale et c'est le point où la flèche du temps s'arrête et où Smithson s'arrête aussi. L'hélicoptère s'éloigne de lui et on voit toujours dans un coin de l'image le temps qui continue à s'écouler. La flèche du temps pour l'œuvre de Smithson s'est arrêtée mais le temps global continue à courir.

Il y a quantité de temps dans le film, temps de la conception et de la réalisation de la sculpture, temps du parcours par Smithson de celle-ci, temps du survol par l'hélicoptère, temps des Amériques ou plutôt leur préhistoire car artiste rattaché au courant postmoderne de l'art, Robert Smithson ne s'est pas pour autant coupé du passé. Tels les grands pétroglyphes du Pérou et du nord chilien, possibles traits d'union entre la terre et les étoiles, sa Spiral Jetty ne peut vraiment être lue que du ciel et il s'agit bien ici d'une lecture car la vision aérienne annule le volume pour ne conserver que le signe, le glyphe, mystérieux point d'interrogation qui s'évapore de la terre américaine comme il s'échappait déjà de la bouche des princes et des dieux aztèques sur les rouleaux des infiniment précieux et trop rares codex conservés dans les très grandes bibliothèques du monde.

(Extraits de Autour de Ciné-photographie de Jeff Wall et de Spirales)

* L'usage de l'Anglais dans le titre c'est ici pour rigoler parce que c'est nul !

Aller plus loin

Françoise Lambert — 2023-12-01T16:25:00Z

Trois livres pour compléter ce dossier sur les artistes marcheurs

Walkscapes, Francesco Careri, 2002, pour la traduction française 2013, 2ᵉ édition 2020, Coll. Babel, Actes Sud

« Ouvrage culte pour les urbanistes et les architectes, « Walkscapes » fait de la marche beaucoup plus qu'une simple promenade. Pour Francesco Careri, en effet, l'origine de l'architecture n'est pas à chercher dans les sociétés sédentaires mais dans le monde nomade.

La marche est esthétique, elle révèle des recoins oubliés, des beautés cachées, la poésie des lieux délaissés. Mais elle est aussi politique : en découvrant ces territoires qui sont à la marge et cependant peuplés, elle montre que les frontières spatiales sont aussi des frontières sociales.

Ainsi s'ouvrent les derniers espaces de liberté de nos sociétés quadrillées et s'esquisse une tentative de réponse aux préoccupations de demain : comment réinventer la ville pour en faire une terre d'accueil de l'altérité ? »

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Marcher, une philosophie, Frédéric Gros, 2009, Éd. Flammarion. 2019 en Poche, Coll. Champs Essais

« "La marche, on n'a rien trouvé de mieux pour aller plus lentement. Pour marcher, il faut d'abord deux jambes. Le reste est vain. Aller plus vite ? Alors ne marchez pas, faites autre chose : roulez, glissez, volez. Ne marchez pas. Car marchant, il n'y a qu'une performance qui compte : l'intensité du ciel, l'éclat des paysages. Marcher n'est pas un sport." Frédéric Gros explore ici, en une série de méditations philosophiques et en compagnie d'illustres penseurs en semelles (Nietzsche et Rimbaud, Rousseau et Thoreau, Nerval et Hölderlin...) mille et une façons de marcher — flânerie, errance ou pèlerinage — comme autant d'exercices spirituels. »

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L'Art de marcher, Rebecca Solnit, 2000, 2020 pour la traduction française, Éd. de l'Olivier

« Dans cet essai devenu un classique de la pensée contemporaine, Rebecca Solnit retrace à sa manière l'histoire de la marche. Avec intelligence, une dose d'humour et sa célèbre irrévérence, elle évoque l'art — de marcher comme acte poétique et politique. Pèlerinages, manifestations, flâneries, promenades, nomadismes artistiques, il s'agit d'un geste fort. Mettre en mouvement son corps, c'est aussi chercher sa place dans le monde, tenter de le découvrir ou de le faire changer. »

Plastigo II/II

Christophe Galatry — 2023-10-01T14:32:48Z

Associée au chercheur Matthieu Duperrex , l'association « Par ce passage, infranchi » a construit le projet PLASTIGO de recherche artistique sur l'impact du capitalocène sur le paysage, la nature et l'homme. Suite de l'article du n°144.

Conçus par Patrycja Plich et Christophe Galatry, le projet comporte trois parties, des installations, une partie expérience performative (2021 et 2022) et des vidéos qui en résultent — vidéos réalisées par les artistes Philippe Autric et Souad Mani, assistée de Romain Papion.

Les installations

Conception — 2021 - 2022

Les installations éphémères PLASTIGO se répartissent sur les trois lieux définis dans la phase initiale durant l'été 2019. Trois endroits précis représentatifs des transformations des terres dans la zone géographique de l'aire métropolitaine de Marseille, qui furent considérés jusqu'à récemment comme des territoires remarquables par leurs diversités de formes paysagères et leur « beauté » de nature. 

Spot 01, Rassuen (Istres), Tumulus et ancienne usine chimique.
Spot 02, Fos-sur-Mer, zone de l'ancienne route côtière de Fos à Port-Saint-Louis jouxtant ArcelorMittal.
Spot 03, Martigues, bordures du chenal de Caronte.

Le processus doit aboutir à une interaction avec les paysages, eux-mêmes acteurs de ces installations, afin d'attirer le regard sur ces lieux hautement impactés, avec une terre à ce point transformée par nos différents apports humains (plastiques essentiellement, mais aussi déchets de toutes natures et produits chimiques) qu'elle ne peut plus « absorber », et change ainsi de nature. Cette terre peut être nommée partir d'un mot relativement récent de « plastiglomérats », d'où le titre « Plastigo ».

Planche Type, conception : Patrycja Plich - Christophe Galatry

Spot 01 Rassuen Élaboration des installations Drapeaux tendus

Planches Spot 01 Rassuen et Spot 03 Martigues Élaboration des installations Drapeaux suspendus

L'installation dans les trois spots n'a pu encore voir le jour faute de financement. Elle est pour l'instant à l'état de projet, dessins, et cartographie. 

La Réalisation : Les drapeaux

Dans la partie installations, les artistes Patrycja Plich et Christophe Galatry, avaient fait dès 2019 le choix de drapeaux. Destinés à être suspendus sur des portiques installés sur chacun des trois spots, ces drapeaux, à la taille comprise entre 1,50 m et 2 m de haut, représentent une construction graphique à partir de dessins, croquis relevés, photographies et mix, issus des différentes explorations effectuées entre 2019 et 2020.

Six d'entre eux ont été imprimés en 2022. Ils sont restitués ici dans leur ensemble.

Vidéos et expériences de captures

Les expériences de captures pensées par Souad Mani démarrent en 2021 sur le spot 2 à Fos-sur-Mer et s'appuient sur l'usage d'un capteur de données — ici précisément capteur qui enregistre différents éléments volatils, sous la forme de lignes de chiffres. Ces éléments seront par la suite réinterprétées par l'artiste, le temps de captage donnant lieu à un protocole. Le fruit de ces captures de données « non performantes » se mélangent à des images vidéo de l'usine d'ArcelorMittal.
Le travail sur place de collecte sonore et de données a été effectué par l'artiste Romain Papion.

Strates de l'incertitude, duo WUJUD 2022 14'20 Vidéo de Souad Mani et Romain Papion

Cérémonie 2'35, Vidéo de Philippe Autric

Sur le spot 3, à Martigues, Philippe Autric créé une courte vidéo, une sorte d'alerte visuelle, par le biais d'un personnage devenu seul au monde face au paysage de friche industrielle.

Exposition de PLASTIGO

juillet 2022, La Vitrine, Marseille

L'exposition a consisté en un assemblage des différents éléments constitutifs du « work in progress » de ces deux années d'enregistrement, de réalisations photographiques, et de vidéographies. Les différentes phases visuelles du projet PLASTIGO étaient présentées sur trois écrans de tablettes. Un accrochage de plusieurs des drapeaux et d'une dizaine de photographies ont été réalisés, les images étant extraites du corpus d'images venant du choix des quatre artistes du projet.

Écrans pads, tirages contrecollés, drapeaux, tissus imprimés.

PLASTIGO Project

2019 - 2022

Une réalisation portée par les associations « Par ce passage, infranchi » et « Sauf…(territoires) », avec le soutien de la Ville de Martigues.
Résidences à Martigues et au Tétrodon 2020 et 2022

Avec :
Patrycja Plich, Christophe Galatry , Souad Mani & Romain Papion , Philippe Autric , Matthieu Duperrex

L'ensemble des œuvres présentées ici, ainsi que leurs titres, sont des créations originales réalisées dans le cadre de PLASTIGO et sont la propriété de chacun des artistes.

Image d'ouverture > Souad Mani

Plastigo I/II

Christophe Galatry — 2023-07-02T14:58:24Z

Programme de recherche artistique sur deux années développé par quatre artistes, dont deux artistes étrangères invitées par l'association « par ce passage, infranchi » en résidence dans le Tétrodon. Ce projet résulte d'une convergence de réflexions et d'expérimentations partagées autour de la matière des sols « plastiglomerat » qui nous entourent. Ce terme désigne une terre artificialisée par des matériaux tels que des plastiques, déchets plastiques, et d'autres intrants de type chimique et issus des pétroles.

Souad Mani

PLASTIGO - Work in progress 01-2020

Introduction de Matthieu Duperrex

[1]

Comme les Modernes sont prodigues en matières inédites et en nouveaux sols ! La moindre promenade de plage nous fera dénicher des roches inattendues : un polystyrène d'ébène, une canette Saint-Jacques rouillée, des galets pneumatiques, un cristal de pétrole brut pétrifié, des tessons de terre cuite, des ciments méridionaux... Et parmi ces rebuts détritiques de l'activité humaine figurent en bonne place ces concrétions hybrides que l'on appelle « plastiglomérats ». Technofossiles, alliages et matériaux polymères se disputent la préséance pour devenir les nouvelles pierres de rosette des stratigraphes qui cherchent à établir dans les couches sédimentaires cette nouvelle époque géologique « humaine, trop humaine » que l'on nomme Anthropocène, bien que nombre d'appellations alternatives se disputent ce sacre : Capitalocène, Plantationocène, Chthulucène, Écocène, Plasticocène... On a d'ores et déjà produit assez de plastique pour envelopper quatre fois la Terre de film d'emballage – l'émergence de cette Plastic Blue Marble a inspiré de nombreux artistes à l'interface de l'écologie et de la technologie. L'originalité du projet « Plastigo » est d'interroger cette matérialité de l'époque au travers des technologies de capteurs : quelle science de la mesure pour des phénomènes écologiques qui configurent plastiquement l'air, le sol et l'eau ? Avec le golfe de Fos et l'étang de Berre pour « zone critique » d'élection, Patrycja Plich, Souad Mani, Philippe Autric et Christophe Galatry se positionnent en artistes-enquêteurs entreprenant de révéler des plasticités paradoxalement invisibles, fantômes et monstres de l'Anthropocène auxquels nous familiariser, parfois malgré nous, pour continuer de vivre dans des milieux altérés. Ce faisant, ces artistes se rattachent au courant du « Sensory Art » qui explore savamment et poétiquement l'environnement au moyen de nouveaux épidermes : Rasa Smite & Raitis Smits (Fluctuations of Microworlds, 2017), Aline Veillat (Pas de deux en vert et contre, 2009-2012), Theunis Karelse (Assisted migration, 2013), Pinar Yoldas (An Ecosystem of Excess, 2014), Ivan Henriques (Symbiotic Machine, 2014), etc. Par le dispositif qu'il propose, les activités de transcodage et de marquage qu'il met en scène, le projet « Plastigo » réinvente le territoire tel que le définissent Deleuze et Guattari, à savoir comme relevant de l'acte : « le territoire est en fait un acte, qui affecte les milieux et les rythmes, qui les “territorialise”. Le territoire est le produit d'une territorialisation des milieux et des rythmes. [2] »

Patrycja PLICH

PLASTIGO - Repérages et prélèvements
Work in progress 01-2020

Patrycja PLICH

PLASTIGO - Repérages et prélèvements
Work in progress 01-2020

Christophe Galatry

PLASTIGO - Repérages et prélèvements
Work in progress 01-2020

Christophe Galatry

PLASTIGO - Repérages et prélèvements
Work in progress 01-2020

WUJUD Souad MANI & Romain PAPION

PLASTIGO - Activation de Motty et prises de sons
Work in progress 01-2021

WUJUD Souad MANI & Romain PAPION

PLASTIGO - Activation de Motty et prises de sons Protocole visio en direct avec Souad MANI (Sousse)
Work in progress 01-2021

WUJUD Souad MANI & Romain PAPION

PLASTIGO - Activation de Motty Work in progress 01-2021
Photo Christophe Galatry

PLASTIGO-Restitution Work in progress 01-2021

Voir en ligne : https://www.passage-infranchi.org

[1] *Docteur en arts plastiques, Matthieu Duperrex est chercheur associé au LLA-Créatis (EA 4152), Université de Toulouse-Jean Jaurès. Artiste-auteur, co-fondateur et directeur artistique du collectif « Urbain, trop urbain » (www.urbain-trop-urbain.fr), ses travaux procèdent d'enquêtes de terrain sur des milieux anthropisés et croisent littérature, sciences humaines et arts visuels ou numériques. Publications : Shanghai Nø City Guide (Toulouse, Urbain, trop urbain, 2012), Micromegapolis, lorsqu'une ville rencontre Gaïa (Toulouse, Urbain, trop urbain, 2013), Périphérique intérieur (Marseille, Wildproject, 2014), Voyages en sol incertain, enquête dans les deltas du Rhône et du Mississippi (Marseille, Wildproject, 2019).

[2] Gilles Deleuze et Félix Guattari, Mille plateaux. Capitalisme et Schizophrénie 2, Éditions de Minuit, coll. « Critique », Paris : 1980, p. 386.

Souad Mani

De dérive en dérive :
https://dederiveenderive.tumblr.com/?utm_source=pocket_saves
States de l'incertitude, réalisation WUJUD (Souad MANI + Romain PAPION)
https://wujudduo.tumblr.com/?utm_source=pocket_saves

Frontispice : Christophe GALATRY, PLASTIGO-Work in progress 01-2020