TK-21

Ce que tu vis seulement te trace

Caroline Henry et Yannick Vigouroux — 2025-07-29T09:04:41Z

Artiste plasticienne du mouvement, formée au cinéma documentaire, au laboratoire photographique et à la danse, ma pratique part de l'improvisation, passe par le corps, sa mémoire, l'écoute, le geste, pour devenir photographies, films, installations et sons. Une traduction audiovisuelle qui repose sur les facultés du corps à mettre en mouvement ce qui ne peut être dit, vu ou entendu, à formuler une matière brute qui nous façonne autant qu'elle nous échappe.

Traverser les prés sauvages, avec le geste du naturel et le
silence en résonance. Scène vivante, permanente.

Loin du monde, près de soi, les injonctions et les codes se
confondent.

Improvisant une poignée de minutes, à l'écoute du paysage,
son foisonnement, une liberté, une femme renoue avec l'espace.

Farouche, propice, hostile, parfois mutilé, l'environnement, le
corps.

D'où s'échappe le mouvement ? Quand il n'est pas envisagé.
Passé ou avenir ?

Cette femme est la photographe, sur les lieux elle est seule.
À intervalles réguliers une image est saisie par l'appareil. Valse
avec l'instant et sa vivacité.

Le naturel se dévoile. L'accessoire se dérobe. Une histoire
instinctive s'écrit.

Ce que l'on vit nous révèle, signe une silhouette. Le geste parle.
La nature raconte.

Tu ne traces rien.
Ce que tu vis seulement te trace dans la mesure où ce que tu vis
est inconnu de tous, même de toi

Francis Palanc, artiste brut (1928-2015)

Extrait d'un entretien avec Yannick Vigouroux (lacritique.org)

Yannick Vigouroux : Ce que j'ai perçu aussi, c'est peut-être, dans les « autoportraits dansés », l'influence du Romantisme ? J'ai lu l'autre jour ces vers :
« Tu me parles du fond d'un rêve / Comme une âme parle aux vivants. / Comme l'écume de la grève, / Ta robe flotte dans les vents. »
(Victor Hugo, « A celle qui est voilée », in Les contemplations, 1856)

Je trouve que dans tes autoportraits, l'attitude figée, les cheveux longs, la robe blanche, la tentative de fusion avec la nature, il y a une dimension.

Caroline Henry : J'ai eu au départ une formation en cinéma et j'ai été très vite plus attirée par le cinéma muet des débuts, un cinéma où l'on expérimentait tout. Et donc les idées foisonnaient. Comme il n'y avait pas de son, c'était vraiment l'image qui était le langage. J'ai vu beaucoup de ces films et je continue d'en voir à la Fondation Pathé. C'est souvent la musique romantique qui accompagne tout cela, et le début du muet, c'est juste à la fin du Romantisme, la fin du XIXᵉ siècle. Je pense que toute cette industrialisation qui fait peur, contraint et suscite une envie d'aller encore un peu plus vers le rêve, l'imaginaire. Aujourd'hui ce n'est plus la société industrielle qui nous contraint et nous fait peur, mais la numérisation qui nous incite à revenir vers le corps, et l'espace sauvage.

Yannick Vigouroux, photographe, critique et historien d'art,
Photographier au Holga ou la chorégraphie du hasard, lacritique.org, 2023

Soul's vibes

Suzie Skeuden — 2025-07-29T08:58:28Z

Dans Soul's Vibes, Suzie Skeuden explore le langage du corps comme territoire sensible. Entre duplications de soi et fusions délicates avec la matière ou le paysage, elle compose des images intimes, où l'identité devient mouvement. Une série où l'on ne se regarde pas pour se figer, mais pour se traverser.

Dans cette série, je me glisse à l'intérieur de moi-même. Soul's Vibes est née d'un besoin de me rencontrer autrement — au-delà du miroir, au-delà du simple autoportrait. Je voulais explorer ce que mon corps retient, ce qu'il répète, ce qu'il traverse sans toujours me prévenir. Alors j'ai travaillé avec des fragments de moi. Des images doublées, superposées, déplacées. Des gestes capturés puis revisités.

Comme des résonances.

Il ne s'agit pas d'une mise en scène, mais d'une écoute. Je n'ai pas cherché à montrer un corps, mais à dialoguer avec lui. Chaque photographie est un point d'ancrage entre plusieurs temporalités de moi-même : ce que j'étais, ce que je ressens, ce qui m'échappe encore. En me superposant à moi-même, je trace des lignes invisibles, des espaces poreux où l'identité devient fluide, mouvante, stratifiée.

Le corps devient une matière d'écriture, une archive vivante, un territoire où l'intime s'inscrit sans explication. Je ne cherche pas à être vue, je cherche à me percevoir, à m'habiter autrement.

Avec douceur. Avec doute parfois.

Avec l'intuition que le multiple n'est pas une dispersion, mais une forme d'unité.

Soul's Vibes, pour moi, c'est une vibration intérieure. Un murmure entre différentes versions de soi. Un espace où je me donne la permission de disparaître un peu, pour mieux apparaître ailleurs.

Making a Picture for Women

Gloria Karayel — 2025-03-02T10:04:55Z

Qu'est-ce qu'une image pour les femmes ? Est-ce une image faite pour les femmes ? Est-elle conçue pour les représenter ? Pour les montrer sous une certaine lumière ? Ou à travers un certain regard ? Y a-t-il des images pour les hommes aussi ?

J'avoue, la première fois que j'ai découvert Picture for Women de Jeff Wall, j'ai été frappée plus par son titre que par la photo elle-même. Pourtant, chacun le sait, sa mise en scène est un véritable chef-d'œuvre sur l'artiste en train de créer et sur sa relation avec le public en train de regarder l'œuvre. Une deuxième relation est aussi représentée : celle entre l'homme-artiste et la femme-modèle, archétypes incontournables dans l'art comme dans la vie, indissolublement unis par le lien physique du déclencheur et par celui — métaphorique — du double regard dans l'objectif et dans le miroir.

Mais ce titre ? J'avoue m'être interrogée sur le sens de ces mots presque plus que sur la complexité des trajectoires des regards croisés entre le photographe, le modèle et le regardeur. En effet, comment ce jeu de reflet capte mon regard à moi-spectatrice, doublé tant par l'objectif de la chambre au centre de l'image que par l'écho du titre qui résonne dans ma tête ? Y a-t-il là une prise de position ? Une critique ? Un exemple ? Une provocation ?

Comme tout art, la photographie est misogyne. Les femmes y sont sous-représentées, mais leur corps est systématiquement surexposé. Je dis bien « leur corps », pas elles-mêmes. Mais l'art est aussi le lieu d'expression le plus parfait des liens sociaux et des rapports de pouvoir et c'est là, justement, où l'on peut s'essayer à les comprendre et — peut-être — à s'en émanciper.

Jeff Wall montre l'espace et le temps de la création de son œuvre : c'est le moment où l'artiste (un homme, donc) déclenche l'obturateur de sa chambre dirigée sur son modèle, une femme. Dans quel sens cette image qui en sort et que je regarde, ici et maintenant, est-elle « pour les femmes » ? Comme cette photographie s'adresse à moi, femme ? Pas de doutes, c'est dans la cuisine de la création qu'il faut aller pour le savoir. Et c'est en mettant à l'œuvre mon propre regard des deux côtés de l'objectif que je peux saisir le processus créatif qui fabrique le regard porté sur le (corps) féminin.

Je construis donc ma propre mise en scène en prenant tour à tour la place de l'artiste et du modèle, du sujet qui fait l'action et du sujet regardé dans la photo. Je deviens œil, main, matériau, outil. Et je découvre que montrer les coulisses, c'est dévoiler l'envers du décor comme une tentative un peu insolente de revirement politique. Ce corps photographié fait la photo autant que la main qui pousse le déclencheur. Ce corps féminin qu'on traite d'objet n'est pas passif, mais bel et bien dans la fabrication de l'image. Cette femme-là qu'on regarde à satiété est le sujet de la photo.

Les coulisses de la création sont un terrain d'exploration, de travail et de liberté. En ce sens, fabriquer ma photographie pour moi-femme, c'est un acte politique. C'est faire de la résistance au regard conventionnel, exister au-delà de l'image attendue. C'est aussi se re-approprier un corps assigné à résidence du point de vue dominant.

Si en tant que modèle je n'ai pas de droits, c'est en tant qu'artiste que je vais les prendre.

MAKING OF Making a Picture for Women, Gloria Karayel

Voir en ligne : https://www.gloriakarayel.com/

À voir pour le numéro 03

Le jardin comme lieu de rêverie

Olga Caldas et Pauline Lisowski — 2022-02-27T11:17:47Z

Dans son jardin, espace intime, atelier en plein air, Olga Caldas retrouve le plaisir de se fondre parmi la végétation gardée à l'état presque sauvage ainsi que celui de se souvenir de moments passés dans d'autres lieux où ressentir l'énergie des plantes.

Ce lieu, œuvre de la nature et de l'artiste constitue un espace de jeu pour ses créations artistiques.

« Entre passé et avenir, le jardin reste suspendu : ce présent doux et lent, presque éternel, ce temps autre. » [1]

Les photographies d'Olga Caldas racontent le passage des saisons, le renouveau, l'attente vers la contemplation de nouvelles floraisons.

La mise en scène est la première étape de son travail photographique. Au fil des transformations du jardin, des objets, un lit en fer forgé et des végétaux deviennent les éléments d'un décor. L'artiste dialogue avec les plantes, dont elle prend soin et qu'elle laisse se développer librement.

Ces espèces à la fois cultivées et sauvages enveloppent le corps d'Olga Caldas dans sa série de photographies intitulée L'éphémère.

Comme dans un conte ou dans un rêve, notre perception est troublée. Pris dans un cocon, ce corps féminin semble se protéger et trouver dans la nature des fragments auxquels se raccrocher.

Songeur, endormi, reposé, il est à la fois entouré de ce voile blanc et habillé de presque rien pour accueillir diverses sensations au contact de la nature. Parfois, les végétaux le recouvrent. Ce vêtement la relie à son jardin, telle une seconde peau qui la rend légère.

Une métamorphose s'opère.

« Le cocon est la preuve que la métamorphose est avant tout la relation que nous avons avec nous-même » [2], cette phrase d'Emanuele Coccia fait écho aux mouvements du corps dissimulé par ce voile. Fée ou princesse, cette apparition féminine cherche son chemin à travers les plantes.

L'atmosphère nocturne de cette série photographique procure des sensations ambiguës, un basculement de l'enchantement vers la crainte d'être seule sans lumière.

Avec une part d'insouciance retrouvée dans ce lieu de contemplation, Olga Caldas joue avec les feuillages qui bougent légèrement au gré du vent. Ce qui suggère une tentative de s'ancrer au sol et une volonté de se laisser porter par les mouvements de ce phénomène naturel.

Les contrastes noir et blanc renforcent la dramaturgie des scènes. De même, l'obscurité trouble notre perception du jardin.

Les fleurs inspirent également l'artiste à composer des natures mortes où le végétal exprime la fugacité de la vie, qu'on tente malgré tout de figer et de préserver.

À partir de quatrains dédiés à la rose, écrits par Sarah Jalabert [3], elle réunit un ensemble
d'images poétiques dans lesquelles cette fleur incarne le symbole de l'amour, de la pureté et de la fragilité.

Tout un chacun entretient avec le bouquet de fleurs une histoire particulière, un lien affectif avec une personne qui l'aurait offert... La fleur, comme « la Madeleine de Proust », fait surgir des souvenirs et des émotions.

Dans certaines images, la rose caresse le corps, telle une délicate attention. Dans d'autres, le cœur de la fleur est révélé avec tous ses détails, comme si elle était dans l'attente d'être butinée. Elle traverse les photographies de l'artiste comme un repère de son attachement à la nature, lieu de ressourcement, d'émerveillement et source inépuisable d'inspiration.

Les quatrains résonnent en nous comme des pensées, des sensations, des expériences de contact avec cette fleur charnelle, que l'on considère comme éternelle.

Qui n'a pas songé à maintenir la rose dans un état éclatant de vie ?
Regardons ces fleurs d'une grande fraicheur, leur splendeur nous remplit de joie.

Des paysages et des corps songeurs rythment également les mots de l'écrivaine : une invitation à cheminer d'une photographie à une strophe du poème. Ce qui rappelle l'expérience d'une promenade dans un jardin durant laquelle notre regard est incité à circuler pour cueillir des fleurs et y humer leur doux parfum.

Entre ces beautés naturelles photographiées et les quelques lignes qui les rythment, deux regards sensibles se rencontrent.

Olga Caldas poursuit ses créations croisées avec Marie Morel. Une complicité s'instaure entre les deux artistes si bien que l'univers onirique d'Olga se retrouve dans la série Le Climat des Rêves de Marie et Olga, titre donné par le critique d'art Gilbert Lascault [4].

Dans ses ateliers, et alentours, Marie se livre aisément à toutes sortes d'expériences tactiles au contact d'éléments naturels, avec lesquels elle fait corps. L'artiste peintre, devenue modèle, en parfaite confiance avec la photographe, se laisse guider avec grâce et ses poses semblent être prises sur le vif.

Les photomontages d'Olga Caldas créent des va-et-vient entre intérieur et extérieur, entre le monde de l'artiste et le sien, entre le lieu du travail artistique et celui où vivre une expérience de joie au contact d'une nature familière et protectrice.

Telles des images d'un scénario, ces prises de vue ouvrent de multiples pistes pour s'imaginer toutes sortes d'histoires. Les mots, les personnes, les végétaux font surgir une infinité de dialogues, de relations et de correspondances.

Par leurs textures et la puissance des noir et blanc qu'elles donnent à voir, ses photographies sont semblables, à s'y méprendre, à des dessins, des gravures, des peintures.

Ainsi, les séries photographiques d'Olga Caldas nous transportent dans un monde intemporel, à la fois éphémère et éternel, paradis perdu et paradis retrouvé.

Puis, à l'occasion d'expositions, elle crée un environnement où les visiteurs sont conviés à se connecter avec une nature jardinée, tel un prolongement de son propre jardin.

Se promener parmi la végétation, y éprouver un retour à la l'oisiveté de l'enfance, au loisir et laisser venir des visions troublées de la réalité ou des sensations parfois oubliées, ces expériences à apprécier pleinement se révèlent poétiquement dans les images d'Olga Caldas : une invitation à la rêverie.

Pauline Lisowski, Paris février 2022

[1] Marco Martella, revue Jardins, Editions du Sandre. p. 5 écrit Marco Martella.

[2] Emanuele Coccia, Métamorphoses, Bibliothèques Rivages

[3] « Quatrains de la Rose » - Sarah Jalabert & Olga Caldas, livre à paraitre en avril 2022 aux éditions Unicité

[4] Préface de Gilbert Lascault du livre Miroir du temps - Olga Caldas, éditions Regard - nov. 2021

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LIVRES
• « Quatrains de la Rose »
Sarah Jalabert - quatrains & Olga Caldas - photographies Editions Unicité, à paraître en avril 2022
• « Miroir du temps » - Olga Caldas Les mondes de Marie Morel Editions Regard, nov. 2021
• « Noces d'or »
Nouvelle de Dominique Maisons - photographies Olga Caldas d'après la série L'Ephémère. à paraître

L'œil qui rêve

Alain Brendel et Pascale Denis — 2022-01-30T18:26:15Z

Cherchant à échapper aux carcans du processus photographique, à prolonger l'acte au-delà du protocole de la prise de vue, transgressant les règles tant du point de vue du sujet que de la pratique, Alain Brendel utilise la photographie pour générer des univers qui paraissent s'éloigner du réel.

Créant un espace où le corps photographié comme le matériau qui le construit, acquièrent une forte valeur émotionnelle, il souhaite avant tout participer activement à la réflexion sur l'humain et relever le défi de la pertinence en faisant de son œuvre un point de départ, une tentative énergique d'offrir un moyen direct d'échapper au réel tel qu'il semble s'imposer.

Alain Brendel ouvre grâce à ses photographies un théâtre où rien ne semble interdit, où tout semble susceptible de survenir. À partir d'un même canevas, d'une même palette de personnes et de formes, sont organisés des univers sans cesse recomposés sans que jamais ne s'épuisent les propositions, comme dans un kaléidoscope où apparaîtraient et disparaîtraient les êtres, les accessoires et les éléments d'un décor baroque, dans un vaste mouvement créateur tant de joie que de stupeur, de plaisir et d'ironie.

Témoin de sa perpétuelle recherche, fragments d'une vision sans cesse enrichie, les photographies de Alain Brendel sont à tout moment étoffées ; refusant d'évoquer une série close ou à clore, le photographe préfère l'idée d'une série à la taille d'une vie, où chaque image fait œuvre et où chaque œuvre est susceptible de survenir, au sein d'un infini où il est toujours envisageable de se replonger, sans jamais épuiser ni la matière, ni l'énergie nécessaire pour la faire palpiter.

Les images théâtrales qui résultent de ce travail, parfois bruyantes, d'autres fois plus silencieuses, toujours grandiloquentes, alternent entre frénésie et suspension du temps, oscillent entre cauchemar et volupté, donnant l'impression d'un instant où tout pourrait basculer dans un sens comme dans tous les autres – les corps, la vie, les sentiments. Elles restituent la vie et dans leur stratigraphie se retrouvent toutes les idées, toutes les pensées, tous les gestes qui la traversent. Les images les plus frénétiques, où le temps semble s'accélérer, évoquent le tourbillon incessant de l'existence, la liberté de l'être et des pensées auxquelles il s'abandonne ou qui le surprennent. Visions de l'enchevêtrement des corps et des choses, où le corps photographié se fait l'allégorie du corps vivant, mêlant les souvenirs, les phantasmes et les possibles, les photographies de Alain Brendel tendent à faire oublier le présent pour pénétrer un monde où le passé, le futur, le cauchemar et le rêve se réunissent dans un même élan.

Les postures constitutives de la pensée, la culture et les motifs qui la composent s'y retrouvent mêlés, appelant des souvenirs tant religieux que littéraires, picturaux, mythologiques et pornographiques et proposent une danse qui, agitant les éléments du réel, pouvant se faire carnavalesque ou obscène, séduit l'œil et l'esprit en les conduisant hors des habitudes quotidiennes.

La photographie de Alain Brendel est ainsi faite de constructions mentales qui libèrent l'imaginaire. L'énergie qui s'y déploie est symbolisée par des « formes âmes », des visages et des yeux qui naissent de la surimpression de taches photographiées le plus souvent dans les rues et qui constituent autant d'entités survolant l'ensemble, observant le théâtre excentrique qu'elles ont créé.
Pascale Denis

Dans le tissu du monde

Maria Clark — 2021-10-31T12:32:07Z

(Re)tisser le corps au monde environnant, qu'il soit naturel, organique, parfois façonné par notre main, c'est retrouver l'unité et renouer avec le vivant. C'est ainsi que s'insère ma création, en un ensemble aux nombreuses confluences.

Mon approche de l'art a toujours été multidirectionnelle, tentaculaire même, ceci afin d'embrasser le monde au mieux et de ne pas en perdre une miette. Je suis boulimique des idées et de leur justesse. Je ne sais pas faire autrement. La création permet une approche différente du temps et de l'espace. Du politique également. Et surtout du vivant - ma priorité. C'est ouvert, ample, souple. Et là, il est possible de respirer.

Ma création personnelle a débuté en 2001 - par l'écriture et les images d'un film super 8. Ayant transité par les arts de la scène (danse contemporaine et théâtre), en plus de mon cursus d'arts visuels, j'ai sauté rapidement dans l'univers de la performance.

J'étais au départ clairement engagée contre les entraves et les systèmes de séparation, notamment les frontières géographiques conçues par les humains. Par la suite, j'ai lâché le militantisme pour le sensible, créant des ensembles avec des médiums bien différents : la vidéo, l'installation, le dessin… La dimension poétique naît de ces combinaisons, des relations, entre soi et les autres, bien entendu, entre l'œuvre et le spectateur, mais également entre les différents travaux qui se répondent. Je ne me limite pas. J'affectionne ces ponts, ces jeux de miroir, ces mouvements qui demandent des changements de point de vue réguliers. Je suis résolument perspectiviste.

Cela fait vingt ans que je développe un travail d'auteur et de plasticienne.

Je suis également modèle vivant pour les ateliers beaux-arts. Cette pratique corporelle et spatiale (à la croisée de la danse, de la méditation et des arts martiaux) s'inscrit dans la globalité de mon univers artistique. Professionnelle pendant plus de dix ans, j'ai posé au quotidien, avec des semaines régulières de 35 heures. Poser, c'est proposer. Et c'est aussi s'imprégner d'un environnement. En tout cas, c'est de cette manière que j'aborde ce travail. On ne m'a jamais imposé quoi que ce soit, si ce n'est un temps imparti (des immobilités allant de quelques minutes à 3/4 d'heure, quelquefois du mouvement). Les enseignants ou artistes me donnent parfois des directions, auquel cas je m'amuse de ces contraintes. C'est aussi cela créer. Des architectures se construisent, en lien avec la lumière, mais il est également question ici d'empreinte, de présence, d'élan vital. Entre la pose et l'outil (crayon, pinceau… ou appareil photo, même si la temporalité est bien différente), un espace intermédiaire se crée. Soi et autrui intimement liés dans un processus commun. Cette collaboration est réjouissante.

Depuis toujours, j'utilise mon corps. Il me permet de partager une dynamique, une idée, un sentiment, une liberté - un état d'être au monde, en somme. Certaines de ses parties se calent parfois dans des installations ou des dessins - le moulage de ma tête est devenu un globe terrestre, par exemple, ou l'empreinte de ma main une petite carte de navigation. Mon corps est une île, il s'inscrit dans un archipel. Il trouve ainsi sa place dans le brouhaha ambiant d'un monde social quelque peu dénaturé et en désordre.

S'il n'est pas toujours clairement montré, on le devine, dissimulé sous une pensée ou une silhouette. C'est un corps-monde qui prend part à sa manière dans l'histoire collective. Microcosme et macrocosme y sont considérés conjointement, diluant ainsi la frontière intérieur-extérieur.

Interface entre le dedans et le dehors, à la fois protectrice et perméable, la peau retient particulièrement mon attention. Le toucher est celui de nos cinq sens de référence qui à mon avis est le plus complet - on touche par contact, direct ou indirect (le « toucher de distance »). Ce grand organe de la sensibilité, « épidermique », donne son empreinte, sa mue ; et ses pores sont telles des antennes. À ce propos nous pouvons lire sur TK21 la retranscription de la conférence-performance donnée au Non-Lieu (Roubaix) en 2018 À fleur de peau, de l'empreinte à la matrice > https://www.tk-21.com/A-fleur-de-peau

Je suis très à l'aise avec le nu, la peau nue. La censure des réseaux sociaux sans nuance est si ridicule. Au départ ça m'exaspérait, maintenant je préfère lâcher prise avec la bêtise. Trop d'énergie perdue pour rien. Dans les pays chrétiens plus protestants, tels que l'Allemagne ou les Pays-Bas, la relation au nu est bien différente de celle des pays imprégnés par le catholicisme ou la religion musulmane. C'est si relatif… Sur les lieux naturistes que je fréquente depuis peu, lorsque je croise des « textiles » (l'appellation de ceux qui sont habillés), je les trouve étranges, emprisonnés dans leurs vêtements ; dans des conventions en quelque sorte. Dans ces environnements bienveillants que sont les ateliers beaux-arts et les espaces dédiés, je peux dire que la nudité me donne de la puissance. « Tout nu, tout nous. », j'aime à dire. Après tout, nous sommes nés nus, non ?

L'érotisation du corps participe d'une autre intention. Il m'arrive d'aller sur ce terrain-là, parce que c'est aussi fondamentalement humain. La rencontre des principes masculin et féminin en chacun de nous et en l'autre, avec des curseurs souples, des forces attractives ou répulsives. L'animus, l'anima, selon la pensée jungienne ; le Yin et le Yang, dans la pensée chinoise. Ou bien, tout simplement, représenter le désir et le charnel par le prisme de l'art et de l'écriture. C'est obscène, velouté, électrique ; et très inspirant. La sexualisation du corps est aussi quelquefois générée par le regard de l'autre, dans des situations où il n'y a pas forcément d'intention au départ. Chacun ses fantasmes, ses sexualités, chacun ses interprétations. Ce n'est pas un problème tant qu'aucun abus n'est subi par quiconque.

J'ai vécu mes premières années en Angleterre, puis c'est la nature du sud de la France qui m'a façonnée - la garrigue, sa faune, sa flore, les rivières, la chaleur écrasante, les roches calcaires - accumulation de sédiments. La verticalité de l'arbre m'émerveille. Les racines ancrées dans le sol, la tête dans le ciel ; on y retrouve notre condition. Je navigue aussi du côté des chimères, des hybrides, êtres composites, à facettes ; notre animalité. La puissance du minéral me fascine tout autant…

Ces impulsions, ces échanges, ces fréquences dans lesquelles nous baignons (parfois négatives lorsqu'elles polluent) sont à l'origine de mes actions et des formes que je propose aujourd'hui. J'ai réalisé pas mal d'objets filmiques depuis vingt ans, du côté de l'art vidéo surtout, un peu du documentaire. Je suis particulièrement émue par le témoignage et le vécu de chacun d'entre nous. Ma relation intime à la photographie, par ailleurs, est assez récente. La recherche du cadre et de la composition me séduisent, bien sûr, mais également cette « impression » de la lumière et des ombres sur le papier. Quant au dessin et à l'écriture, ils me sont essentiels. Ils me permettent de vivre, plongée au cœur d'un espace (in)temporel infiniment large.

Création et vie c'est la même chose - des allers-retours entre plaisir et souffrance, entre un enthousiasme génial et un effondrement total. Une affaire sensible au monde et aux autres, à échelle humaine. Le corps est un prétexte, un instrument. C'est tout simplement notre boussole à chacun, notre centre du monde. La pensée s'y inclut bien évidemment. Les mots, le rythme, la composition d'une phrase, mais également l'émotion, l'intuition, les idées ça se travaille. Ça prend corps… comme le reste.

Voir en ligne : https://mariaclark.net/

Ce texte est une réflexion sur le corps dans mon travail. Il a été inspiré par une intervention donnée le 18 septembre 2021, à l'occasion de l'événement « Elephant in the Room, le Corps en désordre », organisé par Corridor Elephant et Vanda Spengler. Une table ronde animée par Martial Verdier et la revue TK-21.

Instagram : https://www.instagram.com/mariaclark.arts/
A bras-le-corps, la plâtrière éditions, 2012, en téléchargement libre :
https://lesartsmu.files.wordpress.com/2021/01/mariaclark_abraslecorps_pdf.pdf

Vue de dos

Alain Vagh-Weinmann et Véronique Grange-Spahis — 2021-10-03T15:23:55Z

Si la femme, au-delà de son reflet par un habile jeu de miroirs, ne peut regarder son côté postérieur de face, elle donne à le voir aux autres, de façon innocente et inconsciente.

Vue de dos propose deux regards d'artistes, différents et complémentaires pour une vision globale du corps de la femme, de cette zone invisible à ses yeux.
Dans ses peintures, Alain Vagh-Weimann effleure du regard le creux poplité des femmes, cette zone située derrière le genou. « Chez les femmes J'ai toujours trouvé cet endroit du corps très sexy, alors que celui des hommes ne me plaît pas. Le creux poplité de mon épouse Jacotte est magnifique. J'ai commencé par peindre le sien et, depuis, je peins un tableau quasiment tous les jours. Je travaille à partir de photos. Soit, je photographie des inconnues discrètement dans la rue. Soit, pour les personnes connues, je trouve les photos dans les magazines, les journaux, parfois sur internet. »

Alain Vagh-Weimann

Sophie Sainrapt a comme sujet principal le corps de la femme. Du modèle dévêtu devant elle, Sophie Sainrapt n'en transcrit le plus souvent qu'une partie. Des traits du fusain que rejoignent les coulures du pinceau, c'est avec son corps que Sophie peint, avec son cœur que ses nus féminins se transforment et exultent. Dans les dessins présentés aujourd'hui sa palette s'est enrichie de couleurs chaudes comme cet orange qui explose et transcende le nu. Ce nu dont le désir - les désirs - s'offre à nous, se dévoile et se cache sous le lavis et l'encre de Chine.

Sophie Sainrapt

Chacun d'eux caresse les corps avec les yeux puis le pinceau. En résultent des œuvres poétiques, sensuelles, jamais vulgaires. Des instants saisis qui révèlent la beauté de la femme vue de dos ...

Exposition du 23 septembre au 6 novembre 2021
Vernissages mercredi 22 septembre de 18 h à 21 h et samedi 25 septembre de 15 h à 20 h
Cette exposition duo sera accompagnée de nombreux événements à découvrir sur la page Facebook : https://www.facebook.com/galerieterrainvaghofficiel
Galerie Terrain Vagh, 24 rue des Fossés Saint Bernard, 75005 Paris
Du mardi au samedi de 14 h à 19 h

Femmes Sauvages VIII

Martial Verdier et Sylvain Paris — 2021-05-31T17:11:42Z

Femmes Sauvages au fil de l'eau, dans la Semoy. Ou les bains de Vénus

musique Hakim Molina

Femmes Sauvages, body painting et photographie dans les Ardennes, réalisé dans le cadre des résidences Rrose Semoy, sur une invitation et en partenariat artistique avec le personnage performer innuit siniswichi.
Images Martial Verdier, musique Hakim Molina.

Femmes Sauvages VII

Martial Verdier et Sylvain Paris — 2021-05-01T11:41:00Z

Au milieu des abeilles et sous le regard d'Eden

musique Hakim Molina

Femmes Sauvages :
La Panthère Pourpre
Tika Sula
Catherine
Anja Louisa
Guillaume
Nathalie
Eden
Philomène
Z Aya
innuit siniswichi

Femmes Sauvages VI

Martial Verdier et Sylvain Paris — 2021-03-27T17:15:00Z

Dans la forêt des Ardennes, les arbres aussi sont habités.
Voyage vertical des corps nus.

Femmes Sauvages 06 from Martial Verdier on Vimeo.