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C'est du jazz latino 46

Pedro Alzuru — 2026-04-04T08:00:00Z

Au Canada, le jazz latino a prospéré grâce au multiculturalisme, à l'immigration caribéenne et latino-américaine et, surtout, à une collaboration profonde et soutenue avec Cuba. Le jazz latino canadien se définit par son authenticité rythmique et par la présence d'artistes qui ont consacré des décennies à l'immersion culturelle, créant ainsi un pont musical direct avec Cuba. Les grandes villes — Toronto et Montréal — servent de centres de production et de distribution, dynamisées par des communautés diversifiées et le prestige international d'événements comme le Festival international de jazz de Montréal.

Alors que le cubop a émergé aux États-Unis dans les années 1940, fruit d'une rencontre de talents à New York, au Canada, le genre s'est formalisé beaucoup plus tard (principalement à partir des années 1980) par un processus d'immersion et de collaboration. La présence d'importantes communautés d'origine caribéenne (Cuba, Jamaïque, Trinité-et-Tobago) et sud-américaine (Colombie, Chili, Venezuela, etc.) dans des villes comme Toronto a fait du groove et de la syncope des éléments naturels de la scène musicale locale. Le Festival de Jazz de Montréal attire non seulement les plus grands noms internationaux du jazz latino, mais sert également de vitrine aux musiciens canadiens et aux immigrants latino-américains pour présenter leurs projets de fusion à un large public.

La figure incontournable de l'histoire du jazz latino canadien est sans conteste la saxophoniste et flûtiste canadienne Jane Bunnett. Dès les années 1980, elle a commencé à se rendre fréquemment à Cuba, tissant des liens de collaboration indéfectibles avec les musiciens de l'île. Son engagement dépassait la simple adoption des rythmes ; elle est devenue une fervente défenseure et mécène de la musique cubaine. Son travail de fond a non seulement popularisé le cubop et le son au Canada, mais a aussi contribué au lancement de la carrière internationale de nombreux musiciens cubains. Son approche met l'accent sur l'authenticité des percussions et l'intégration mélodique du jazz moderne. Le jazz latin au Canada est riche et se caractérise par une grande diversité, allant du cubop pur à la fusion du jazz avec des genres sud-américains (andins, vénézuéliens).

Jane Bunnett a été nommée à plusieurs reprises aux Grammy Awards et aux prix Juno. Ses projets Spirits of Havana ont été déterminants, offrant une fusion profonde de rumba, de musique yoruba et de jazz. Son projet le plus récent, Maqueque, est un groupe cubain entièrement féminin qui allie la tradition afro-cubaine au jazz d'avant-garde, témoignant de l'engagement constant de Bunnett envers la nouvelle génération cubaine. Hilario Durán, pianiste d'origine cubaine, est une figure incontournable de la scène canadienne. Depuis son arrivée dans les années 1990, sa virtuosité a rehaussé le niveau du Cubop à Toronto, où il dirige des big bands et des orchestres. Il apporte la touche technique cubaine qui complète l'immersion culturelle de Bunnett. Eliana Cuevas, chanteuse vénézuélienne installé à Toronto, illustre la diversité de la fusion. Sa musique mêle le jazz au folklore vénézuélien et aux rythmes sud-américains, créant un son qui transcende la tradition caribéenne. Le pianiste de renom Oscar Peterson est une figure emblématique du jazz canadien traditionnel, mais il a exploré le jazz brésilien à différentes étapes de sa carrière, témoignant de la perméabilité du genre depuis les premières générations de musiciens canadiens.

L'album Spirits of Havana (1991), de Jane Bunnett & Spirits of Havana, est une œuvre fondatrice. Il a établi le modèle de la collaboration culturelle entre musiciens canadiens et cubains et représente un jalon du cubop au Canada. Plus tard, son album Alegre (2003), a consolidé cette relation. Cet album, nominé aux Grammy Awards, illustre la maturité de cette fusion, avec une orchestration grandiose et des rythmes complexes.

L'œuvre d'Hilario Duran, New Danzon (2005), met en lumière la sophistication technique du piano cubain au sein du big band canadien. Quant à Vientos y Mareas (2014) d'Eliana Cuevas, il s'agit d'un jazz latin sud-américain. Il illustre la fusion qui incorpore les rythmes andins et vénézuéliens à l'improvisation jazz moderne. La scène canadienne du jazz latino est dynamique et se caractérise par son modèle de collaboration culturelle directe. Le Canada s'est appuyé sur des figures comme Jane Bunnett pour établir un lien organique et durable avec les racines rythmiques les plus authentiques de la musique cubaine, créant ainsi un héritage de grande qualité et de renommée internationale.

Outre des figures centrales comme Jane Bunnett et le pianiste Hilario Durán, la scène canadienne du latin jazz est riche et diversifiée, notamment à Toronto et à Montréal. Luis Mario Ochoa, guitariste, chanteur et compositeur cubano-canadien, est un musicien très influent à Toronto. Son travail vise à perpétuer la tradition du son et du cubop avec une sensibilité moderne, à la tête du groupe Cimarrón. Amanda Martinez, chanteuse et compositrice canadienne d'origine mexicaine et sud-américaine, fusionne les rythmes latino-américains (comme le boléro et le son) avec une sensibilité pop et jazz moderne. Paco Luviano, bassiste acoustique et électrique, Mexicain-Canadien, est un bassiste très respecté et recherché, pilier des sections rythmiques de nombreux groupes de jazz latino et de jazz mainstream importants au Canada. Oscar Hernández (et le Spanish Harlem Orchestra), pianiste et chef d'orchestre, bien que basé aux États-Unis, exerce une influence considérable, notamment grâce à ses prestations dans les festivals canadiens. Plusieurs musiciens canadiens ont collaboré avec lui, apportant les sonorités de la salsa dura et du salsa-jazz à la scène musicale.

Ces musiciens reflètent la diversité du genre au Canada, allant du cubop traditionnel au jazz influencé par la musique populaire latino-américaine.

Oscar Emmanuel Peterson [1] (Montréal, 15 août 1925 – Mississauga, 23 décembre 2007) était un pianiste de jazz canadien. Virtuose du piano de grand talent, il était surnommé par Duke Ellington le « maharajah du clavier » et figure parmi les pianistes les plus prolifiques de l'histoire de la musique afro-américaine. Peterson a également écrit de nombreux recueils d'exercices de jazz pour jeunes pianistes et était un compositeur de talent. Sa technique pianistique unique et étonnante, alliée à un swing puissant, le rendait immédiatement reconnaissable dans tous les contextes.
En 1949, Peterson se rendit aux États-Unis où il se produisit lors d'un concert organisé par l'impresario de jazz Norman Granz au Carnegie Hall de New York. Il resta associé à Granz pendant la majeure partie de sa carrière, parcourant le monde avec la troupe All-Stars Jazz at the Philharmonic de Granz et enregistrant de nombreux disques pour le label Pablo Records de Granz. Sa discographie, très riche, débute à la fin des années 1940 et le présente dans les années 1950 et 1960 aux côtés de figures emblématiques du jazz telles qu'Ella Fitzgerald, Lester Young, Anita O'Day, Stan Getz, Coleman Hawkins et Louis Armstrong.
Après ses célèbres enregistrements de 1956 avec Louis Armstrong et Ella Fitzgerald, il forme en 1958 le Oscar Peterson Trio avec Ray Brown à la basse et Ed Thigpen à la batterie . À partir de 1973, il est rejoint par le bassiste danois Niels-Henning Ørsted Pedersen, puis, à partir de 1974, par les batteurs Martin Drew et Bobby Durham, à diverses reprises des années 1960 aux années 1990. Après avoir été un sideman très demandé sur de nombreux enregistrements dans les années 1950, il s'est taillé une place de choix dans l'histoire du jazz. En 1997, il a reçu un Grammy pour l'ensemble de sa carrière et a été intronisé au International Jazz Hall of Fame, confirmant ainsi qu'il est toujours considéré comme l'un des plus grands musiciens de jazz de tous les temps. Oscar Peterson est décédé à Mississauga le 23 décembre 2007 des suites d'une insuffisance rénale.
1 Manha De Carnaval, Oscar Peterson, album Soul Español, 1966.

Hilario Durán (né en 1953 à La Havane), pianiste de jazz cubano-canadien. Durán a étudié au Conservatoire Amadeo Roldán de La Havane, où il a suivi des cours de tumbao avec Evaristo Aparicio, de composition et de direction d'orchestre avec Germán Pifferrer, et d'orchestration avec Guillermo Barreto. Dans les années 1970, il a formé le groupe Los D'Siempre, qui fusionnait des éléments traditionnels cubains avec ceux du jazz moderne. Il a été membre du groupe d'Arturo Sandoval de 1981 à 1990. Il a également collaboré avec l'Orchestre des Nations Unies de Dizzy Gillespie et avec Michel Legrand. En 1990, il a formé un nouveau groupe, Perspectiva, et a effectué des tournées en Amérique centrale et en Europe. À partir de 1995, il a travaillé comme artiste solo à Toronto, au Canada, et tout au long de sa carrière, il a collaboré avec des artistes de renom tels que Tata Güines, Changuito, Horacio « El Negro » Hernández, Jorge Reyes, Roberto Occhipinti, Larry Cramer, John Patitucci, Michael Brecker, Regina Carter, Dave Valentín, Juan Pablo Torres, John Benítez, Dafnis Prieto, Hugh Pantano, Carlos « Patato » Valdés, Lenny Andrade, Quartetto Gelato, Jane Bunnett et le Gryphon Trio.
Durán a été nominé aux prix Juno en 2002, 2005, 2006 et 2007, remportant le prix en 2005 pour Nuevo Danzón et en 2007 pour From The Heart, un album également nominé aux Grammy Awards.
2 Pacá por Juanito, Hilario Duran and his Latin Jazz Big Band, album Cry Me a River, 2023.

Jane Bunnett (née le 22 octobre 1955 à Toronto, en Ontario), musicienne de jazz canadienne (flûte traversière, saxophone soprano). Elle a d'abord étudié le piano classique, puis s'est tournée vers la flûte traversière Boehm suite à une tendinite. Durant ses études de jazz à l'Université York de Toronto, elle s'est également mise au saxophone soprano (qu'elle a perfectionné auprès de Steve Lacy).
Elle a vécu à Paris avec son mari, le trompettiste Larry Cramer, de 1992 à 1995, où elle a également joué avec Claudine François. En 1989, elle a enregistré un album en duo à succès avec Don Pullen. Cramer, Pullen, Jeanne Lee et Sheila Jordan ont contribué à son album, The Water is Wide.
Elle s'est de plus en plus intéressée à la musique cubaine, initialement grâce à ses vacances sur l'île. Déjà sur l'album Spirits of Havana (1991), elle explore avec intensité et crédibilité diverses traditions afro-américaines et leurs représentants contemporains. Depuis 2014, elle a enregistré plusieurs albums avec l'ensemble féminin cubain Maqueque, qu'elle a fondé avec la chanteuse Daymé Arocena. Maqueque signifie « esprit d'une jeune fille » dans un ancien dialecte afro-cubain.
Depuis 2001, les productions de Bunnett ont été nominées pour plusieurs Grammy et Juno Awards. Son album Jane Bunnett and Maqueque a remporté le Juno Award/Album jazz de l'année Groupe en 2015. En 2004, elle a remporté le prix « Étoile montante » du Down Beat Critics' Poll pour la flûte. Bunnett a été décorée de l'Ordre du Canada en 2004. En 2006, elle a reçu un doctorat honorifique de l'Université Queen's (Kingston). Elle a déjà une discographie de plus de vingt titres.
3 Human Race, Jane Bunnett and Maqueque, album Playing With Fire, 2023.

Audrey Ochoa, 1956, tromboniste et compositrice de jazz basée à Edmonton, en Alberta. Le père d'Ochoa, Romeo, est un trompettiste philippin qui a joué avec Tommy Banks et l'Orchestre symphonique d'Edmonton ; sa mère, Phyllis, joue de l'accordéon. Ochoa a étudié la musique et l'éducation à l'Université de l'Alberta et enseigne actuellement la musique en sixième année.
Le deuxième album d'Ochoa, Afterthought, sorti en 2017, a remporté le Prix de musique d'Edmonton en 2018. En 2020, elle a sorti son troisième album, Frankenhorn. Son album The Head of a Mouse, sorti en 2023, a été nominé pour le prix Juno 2025 de l'album solo de jazz de l'année. Ochoa est également l'une des chefs du Canadian Ska Orchestra.
Elle s'ait produit avec le North Texas State One O'Clock Big Band aux côtés de maîtres du jazz comme Chris Potter et Marcus Miller. Cela lui a valu des invitations à jouer en Caroline du Nord, dans l'Utah et dans l'État de Washington avec d'autres ensembles universitaires, et Ochoa a arrangé des œuvres originales pour big band afin de saisir ces opportunités. Deux concerts à l'un des festivals les plus populaires de Rochester, dans l'État de New York, sur la scène extérieure principale du festival de Montréal, le trio d'Ochoa (avec Mike Lent et Sandro Dominelli) a joué devant des milliers de fans réceptifs, invité au festival Jazz Ahead de Brême, en Allemagne.
L'esprit créatif d'Ochoa s'épanouit dans des grooves et des styles variés. Le titre de son troisième album, Frankenhorn, reflète l'évolution de son concept au cours des trois dernières années, passant d'un projet modeste à un projet plus ambitieux. La tromboniste se lance dans des solos exceptionnels, capturant au passage une série d'ambiances évocatrices. [2]
4 The Head Of A Mouse, Audrey Ochoa, album The Head Of A Mouse, 2023.

Luis « El Pana » Tovar (1960 ?), est un percussionniste vénézuélien nominé aux prix JUNO. Depuis son arrivée en Alberta il y a 19 ans, il a marqué de son empreinte la scène musicale de l'Ouest canadien, fort de 29 ans d'expérience professionnelle dans la percussion d'instruments de musiques du monde.
Quel que soit le genre musical ou les collaborations, Luis apporte une énergie unique et une dynamique positive sur scène ou en studio, puisant dans ses racines vénézuéliennes et afro-caribéennes pour s'investir pleinement dans chaque projet. Il a joué un rôle de premier plan au sein de divers groupes musicaux locaux, tels que le Esteban Herrera Quintet, Montuno West, Perpie Nwa Olisa, Notas de 4, The Grandstand Show et Decidedly Jazz Danceworks. De plus, il a participé au spectacle « Sistema Nervioso » de DJD l'an dernier.
Fin 2023, Luis a marqué une étape importante de sa carrière en produisant l'album Luz du chanteur vénézuélien Arturo Marc. Cette expérience lui a permis de collaborer avec deux joueurs de cuatro de renom, lauréats d'un Grammy Award : Héctor Molina et Jorge Glem. Cette collaboration a enrichi son parcours et consolidé sa position de producteur de musique reconnu sur la scène internationale. Luis a également collaboré avec d'autres artistes de renommée internationale tels qu'Oscar D. León, Willie Colón, Johnny Reid et Gil Coldstein.
Sa mission dépasse le simple cadre musical ; Luis aspire à partager son talent avec la communauté et à promouvoir l'unité au Canada grâce à ses performances et ses collaborations. Il aime transmettre son expérience et ses connaissances à la nouvelle génération de musiciens, témoignant ainsi de sa polyvalence et de son engagement à explorer divers styles et projets musicaux. [3]
5 Moliendo Café, Luis Tovar , album Back To My Roots, 2024.

Miguel De Armas, (1970 ?), est un pianiste et compositeur de jazz polyvalent. Il tisse des influences jazz, cubaines et américaines avec un éclectisme fascinant. Né à La Havane, Miguel a étudié au Conservatoire Amadeo Roldan et a obtenu une licence en percussions cubaines à l'Instituto Superior de Arte.
En 1988, il a cofondé le célèbre groupe NG La Banda Orchestra avec José Luis Cortés et d'autres musiciens cubains prestigieux. Pendant plus de dix ans, il a tourné avec ce groupe à travers le monde et s'est produit dans des festivals de jazz de renommée internationale tels que North Sea, Montreux, Nice, Nantes, Normandia, Couleur Café, Barranquijazz et le Festival du film de Rio de Janeiro, entre autres. Il a collaboré avec Ivan Lins, Clark Terry, Tania Maria, Chico Freeman, Dave Valentin, Sammy Figueroa, Robbie Ammen, Gilberto Gil et Ermeto Pascual.
Miguel a aujourd'hui étendu ses talents musicaux à Ottawa, au Canada, qu'il considère comme sa ville d'adoption.
6 Rumba on Kent St. Miguel de Armas & The Ottawa Latin Jazz Orchestra, album From Me To You, 2023.

Bassiste et compositeur primé, Rubim de Toledo (1972), allie les influences de son héritage brésilien à son attachement à la tradition jazz pour créer une approche musicale rafraîchissante et exaltante. Avec une palette musicale internationale, s'inspirant d'influences latines, caribéennes, africaines, jazz et contemporaines, Rubim allie improvisation et traditionalisme avant-gardiste.
En 2021, Rubim a remporté le Western Canadian Music Award (WCMA) dans la catégorie Artiste instrumental de l'année, s'ajoutant à ses distinctions, dont celle d'Artiste jazz de l'année aux WCMA en 2018. La même année, il a été nominé pour le prix d'Artiste mondial de l'année, témoignant de l'universalité de sa voix musicale.
À dix-sept ans, Rubim a débuté sa carrière professionnelle à Edmonton, se produisant avec les légendes du jazz albertain Tommy Banks, PJ Perry et Clarence Big Miller. Depuis, il est devenu un sideman très recherché et un leader d'orchestre prolifique, publiant sept albums de compositions originales et s'imposant comme un artiste musical reconnu de l'Ouest canadien.
En tant que bassiste, Rubim a eu la chance d'accompagner de nombreux artistes internationaux. Sa polyvalence musicale est soulignée par ses collaborations avec des genres et des artistes variés, témoignant d'une expérience approfondie qui enrichit son expression artistique. Il est également membre fondateur des groupes latins albertains Montuno West, Bomba et Maracujah et est fréquemment directeur musical de Decidedly Jazz Danceworks de Calgary depuis 2006. De plus, il est chef des départements de performance et de basse à l'Université MacEwan d'Edmonton, où il encourage la prochaine génération de talents musicaux.
7 Danza para los difuntos, Rubim de Toledo, album The Drip, 2023.

Montuno West. Avec des membres basés à Edmonton, Calgary et Vancouver, le groupe illustre l'esprit collaboratif et multiculturel de la pratique artistique canadienne.
L'ensemble réunit des artistes de renommée internationale issus de divers horizons culturels. Israel Toto Berriel (Cuba) est un maître du folklore afro-cubain et ancien membre de Los Muñequitos de Matanzas, lauréat d'un Grammy. Chris Andrew (Canada) est l'un des pianistes de jazz les plus acclamés de l'Ouest canadien, reconnu pour sa maîtrise du jazz latino et moderne. Raul Tabera (Cuba) et Luis Tovar (Venezuela) sont des percussionnistes latinos de premier plan au Canada, dont le travail allie traditions folkloriques et performances contemporaines. Rubim de Toledo (Brésil/Canada), bassiste et compositeur primé, explore les intersections du jazz, des styles latinos et d'autres styles internationaux. Cette fusion des perspectives canadiennes, cubaines, vénézuéliennes et brésiliennes définit l'identité unique du groupe, enrichissant leur musique d'une connaissance culturelle approfondie et d'une expérience vécue.
Le premier enregistrement de Montuno West a remporté le Calgary Music Award 2019 de l'enregistrement mondial de l'année et une nomination pour le prix de l'artiste mondial de l'année aux Western Canadian Music Awards, sans doute l'un des projets musicaux internationaux les plus captivants du Canada.
En novembre 2024, Montuno West a sorti son deuxième album, Raíces. L'engagement du groupe envers l'excellence artistique, le dialogue culturel et la collaboration régionale en a fait un acteur incontournable du jazz et des musiques du monde au Canada. Leur travail célèbre les traditions diasporiques tout en proposant une vision moderne et inclusive des musiques latines, folkloriques, jazz et internationales, qui trouve un écho auprès de tous les publics.
8 Luna Nueva, Montuno West, album Raíces, 2024.

Eliana Cuevas, 1980, chanteuse de jazz vénézuélienne-canadienne dont la musique mêle jazz et musique latine. Elle est surtout connue pour son album Golpes y Flores, pour lequel elle a remporté le Canadian Folk Music Award de l'artiste solo de l'année lors de sa 14ᵉ édition en 2018. Née et élevée à Caracas, au Venezuela, elle a déménagé au Canada en 1996 et vit actuellement à Toronto, en Ontario. Sa discographie : Cohesion (2002), Ventura (2004), Vidas (2007), Luna Llena (2009), Espejo (2013), Golpes y Flores (2017), et, plus récemment, El Curruchá (2021).
Grâce à ses années de tournées à travers le monde et le Canada, et à ses collaborations avec des artistes lauréats de prix Juno et Grammy, Eliana Cuevas est devenue une auteure-compositrice-interprète et chef d'orchestre accomplie, dont la palette de compositions et de paroles est infinie. Parmi ses distinctions, on compte le Canadian National Jazz Award de l'artiste de jazz latin de l'année, deux Toronto Independent Music Awards pour la meilleure artiste de musique du monde, un Independent Music Award du meilleur album latin et le prix de l'artiste solo mondial de l'année aux Canadian Folk Music Awards.
Sur son dernier album, El Curruchá, avec la participation du légendaire et regretté Aquiles Báez, Eliana Cuevas renoue avec ses racines latino-américaines, offrant un hommage nostalgique à la musique qui l'a bercée en grandissant au Venezuela, son pays natal. Le résultat est une performance magnifiquement intimiste, tour à tour enjouée et profondément émouvante, agrémentée d'une virtuosité à la guitare et au chant. [4]
9 A Tear On The Ground, Eliana Cuevas, album Golpes y Flores, 2018.

Ceci conclut notre épisode consacré au jazz latino au Canada, un pays où la présence de femmes et de migrants latino-américains confère à ce genre musical son caractère distinctif, tout en honorant son histoire. Ce fut un plaisir de partager ce moment avec vous, et nous espérons vous retrouver dans un prochain épisode.

[1] Sauf mention contraire, les informations biographiques présentées ici sont un résumé des biographies disponibles sur https://en.wikipedia.org/wiki/Main_Page

[2] https://edmontonjournal.com/entertainment/music/audrey-ochoa-little-miss-higgins-stretch-evolve-to-take-their-musical-roots-beyond-borders

[3] https://chronographrecords.com/2024/05/24/luis-tovar-releases-dance-inspire-ep-storm-with-sabrina-naz/

[4] https://elianacuevas.com/site/about-sle/

C'est du jazz latino 46 (Canada)
Un espace pour l'écoute, la danse et le plaisir…
1 Manha De Carnaval, Oscar Peterson, album Soul Español, 1966.
2 Pacá por Juanito, Hilario Duran and his Latin Jazz Big Band, album Cry Me a River, 2023.
3 Human Race, Jane Bunnett and Maqueque, album Playing With Fire, 2023.
4 The Head Of A Mouse, Audrey Ochoa, album The Head Of A Mouse, 2023.
5 Moliendo Café, Luis Tovar Back To My Roots, 2024.
6 Rumba on Kent St. Miguel de Armas & The Ottawa Latin Jazz Orchestra, album From Me To You, 2023.
7 Danza para los difuntos, Rubim de Toledo, album The Drip, 2023.
8 Luna Nueva, Montuno West, album Raíces, 2024.
9 A Tear On The Ground, Eliana Cuevas, album Golpes y Flores, 2018.

C'est du jazz latino 45

Pedro Alzuru — 2026-03-01T11:54:40Z

Nous avons exploré le jazz latino à travers ses origines, par pays, par instrument. Aujourd'hui, nous revenons au thème des pays, en nous concentrant sur le jazz latino italien. L'histoire du jazz latino en Italie est un sujet particulièrement intéressant, car son développement ne s'est pas fait par le biais d'une immigration caribéenne massive comme aux États-Unis, mais plutôt grâce à une fascination culturelle, aux bandes originales de films et au travail de producteurs et de DJ.

Le latin jazz italien possède une identité unique, souvent marquée par l'élégance mélodique de la bossa nova et la complexité rythmique du cubop, le tout imprégné d'une sensibilité harmonique proche du jazz européen moderne et de la musique de film.

La musique afro-cubaine et la samba/bossa nova sont arrivées en Italie par deux voies principales : Au début des années 1960, l'essor de la bossa nova (suite au succès de Stan Getz et João Gilberto) a immédiatement captivé l'imagination des compositeurs italiens. La première manifestation majeure de fusion latine n'est pas venue des grands orchestres de jazz, mais des bandes originales de films. Des compositeurs légendaires comme Piero Piccioni, Armando Trovajoli et, dans une moindre mesure, Ennio Morricone, ont introduit des rythmes de samba et des éléments jazz-latinos dans leurs partitions pour des comédies, des thrillers et des films d'espionnage. Cette musique, sophistiquée et mélodique, était fortement influencée par la côte ouest américaine.

Cette première phase se caractérisait par un son plus proche de la musique d'ambiance ou lounge que du Cubop pur et dur. Des compilations comme Metti Una Bossa A Cena (produites plus tard par des labels italiens) témoignent de la richesse de ce courant de jazz latino cinématographique. La redécouverte et la formalisation du genre doivent beaucoup à des maisons de disques comme Schema Records (et ses filiales comme Rearward), qui se sont consacrées à la sauvegarde de la musique de film et à la production d'une nouvelle musique inspirée par l'acid jazz et le latin funk.

Figure clé de ce processus, Gerardo Frisina a non seulement sauvé des enregistrements oubliés, mais est également devenu lui-même interprète. Son œuvre fusionne le jazz, le funk et les rythmes cubains avec une approche moderne.

À partir des années 1990 et 2000, les musiciens italiens se sont davantage investis dans l'étude des rythmes afro-cubains authentiques, se rendant à Cuba et développant des projets spécifiques de cubop et de salsa-jazz.

Le jazz latino italien contemporain se caractérise par sa technicité, la qualité de ses arrangements et la diversité des sous-genres latins qu'il explore (du tango au cubop pur). Parmi ses plus importants interprètes : Fabrizio Bosso (trompette), considéré comme l'un des meilleurs trompettistes de jazz italiens, a consacré d'importants projets à la fusion. Son projet Latin Mood illustre la manière dont le jazz italien moderne intègre des arrangements sophistiqués aux rythmes du tumbao et de la salsa. Fabio Furia (bandonéon), bien que sa spécialité soit le tango-jazz, illustre dans son œuvre (comme sur son album A los maestros) la passion italienne pour la musique du Río de la Plata, fusionnée à l'improvisation jazz, et y apporte une sensibilité mélancolique. Adriano Clemente (compositeur/multi-instrumentiste) a consacré des albums entiers, tels que Havana Blue (2017) et Cuban Fires (2018), enregistrés avec des musiciens cubains de renom, à l'exploration du jazz latino et du cubop, témoignant d'une profonde connaissance des racines rythmiques. Danilo Rea, pianiste d'une immense polyvalence, bien que son répertoire embrasse de nombreux styles, ses incursions dans le jazz brésilien et sa maîtrise de la syncope attestent de l'influence durable du genre.

Quelques albums et œuvres représentatifs du jazz latino en Italie : Metti Una Bossa A Cena, compilation d'artistes variés (Piero Piccioni, Morricone, etc.) ; Bossa Nova Cinematografica, un album essentiel pour comprendre les racines easy listening et bossa nova du jazz latino italien des débuts ; Ad Lib (2001), Gerardo Frisina, cet album illustre comment le producteur devient artiste, fusionnant les rythmes afro-cubains avec l'esthétique moderne du club jazz ; Brezza di mare, de Fabrizio Bosso, représente la phase contemporaine du genre, avec des arrangements complexes et une virtuosité à la trompette sur des rythmes puissants ; Havana Blue (2017) et (Cuban Firres (2018), d'Adriano Clemente, sont des projets enregistrés à Cuba qui soulignent la recherche d'authenticité rythmique par les musiciens italiens modernes.
En Italie, le latin jazz se distingue par son caractère à la fois issu de l'appropriation et la sophistication. Né dans les studios de cinéma et revitalisé par la culture club et l'acid jazz, il est aujourd'hui cultivé par des musiciens qui abordent la fusion avec une rigueur technique et un grand respect des motifs rythmiques, tout en conservant un lien vibrant avec ses racines latines.

Pino Presti, pseudonyme de Giuseppe Prestipino Giarritta, né à Milan, en Italie, le 23 août 1943, est un chef d'orchestre, arrangeur, bassiste, compositeur, producteur de musique. Également artiste martial, il a obtenu le 5ᵉ dan de karaté Shotokan en 1987.

Il a été l'un des premiers musiciens italiens, à l'âge de 17 ans, à s'intéresser à la basse électrique, devenant en peu de temps l'un des interprètes les plus représentatifs et des plus demandés. Sa manière novatrice de jouer, l'élaboration harmonique qui lui venait de l'étude du piano, la capacité d'aborder - sans frontières stylistiques - la pop, le jazz, le funk et la musique latine, lui ont permis de collaborer avec des artistes de la musique italienne et internationale : Mina, Gerry Mulligan, Astor Piazzolla, Quincy Jones, Shirley Bassey, Wilson Pickett, Maynard Ferguson, Stéphane Grappelli, Shirley Bunnie Foy, Aldemaro Romero, Tullio De Piscopo, etc.
Tout aussi significative, sa carrière en tant qu'arrangeur et chef d'orchestre, commencé en 1971 aux côtés de Mina, pour laquelle il a contribué à la réalisation de chapitres importants de sa discographie. Il est internationalement reconnu comme l'un des grands noms de la musique italienne [1].
1 Sunny, Pino Presti, album 1^st Round, 1976.

Adriano Clemente, (né à Lecce en 1958 et élevé à Naples) est un compositeur, auteur-compositeur-interprète et multi-instrumentiste, connu pour sa carrière éclectique mêlant jazz, musique minimaliste et traditions musicales du monde. Autodidacte dans son enfance à la guitare et au piano, sa curiosité l'a conduit à étudier diverses cultures musicales tout au long de sa vie.
En 1974, il commence à mettre en musique des poèmes de William Blake, donne son premier concert à Naples en 1978 et forme un groupe à Rome en 1979. Au début des années 1980, il passe plusieurs mois en Inde et au Népal à étudier la musique hindoustani (styles vocaux sarod et khyal). Plus tard, en 1991, il retourne en Inde pour étudier le style vocal dhrupad.
Sa carrière discographique débute en 1996 avec la sortie de Akashmani : Across the Sky, un album minimaliste influencé par Terry Riley et Steve Reich. À la fin des années 1990, il fonde le Trio Vajra, explorant le sarod et le santur.
Le XXIᵉ siècle marque son immersion dans le jazz : il commence à étudier le piano jazz en 2000 et le saxophone soprano en 2010. En 2011, il fonde l'Akashmani Jazz Ensemble pour interpréter ses compositions originales et se produire dans divers lieux de la région de l'Amiata, en Toscane.
Clemente développe ensuite une fascination pour le jazz latino, étudiant les rythmes vénézuéliens et cubains. Cette passion se matérialise par une trilogie d'albums : Havana Blue (2017), Cuban Fires (2018), tous deux enregistrés avec des musiciens cubains de renom comme Alejandro Falcón, et (The Coltrane Suite and Other Impressions (2023).
En 2015, il a enregistré sa Suite Mingus avec un groupe italien de renom, et pour sa Suite Coltrane (2023), il a collaboré avec des légendes internationales du jazz comme le saxophoniste David Murray et le batteur Hamid Drake. Clemente réside dans la région d'Amiata, en Toscane, et travaille également comme traducteur de textes tibétains.
2 Havana Blue, Adriano Clemente, album Havana Blue, 2017.

Paolo Fresu (né à Berchidda, le 10 février 1961) est un trompettiste, compositeur, flugelhorniste et écrivain. Commence ses études musicales à l'âge de onze ans avec l'orchestre Bernardo De Muro à Berchidda, où il reçoit sa première formation théorique et technique, préparatoire à ses études au conservatoire. Après s'être installé à Sassari, il fréquente le Conservatoire Luigi Canepa et découvre ce qui deviendra sa passion principale : le jazz. En 1982, il débute sa carrière professionnelle en enregistrant pour la RAI sous la direction de Bruno Tommaso et en participant aux séminaires Siena Jazz. Il termine ensuite ses études au Conservatoire Giovanni da Palestrina de Cagliari, où il obtient son diplôme de trompette en 1984 auprès du Maestro Enzo Morandini. Il poursuit sa carrière musicale en se consacrant à des projets mixtes de jazz, de musiques ethniques, de musiques du monde, contemporaine, pop, ancienne. Au fil des ans, il a collaboré avec, entre autres, Alice, Farafina, Trilok Gurtu, Michael Nyman, Negramaro, Evan Parker, Gunther Schuller, Stadio, Ornella Vanoni et Peter Gabriel.
Depuis 1988, dans sa ville natale de Berchidda, il organise et dirige Time in Jazz, un festival annuel de jazz qui a acquis une renommée internationale au fil du temps. Paolo Fresu a également été directeur artistique des (Nuoro Jazz Seminars de 1989 à 2013 et du Festival de jazz de Bergame de 2009 à 2011. En 2010, il a fondé le label Tŭk Music. Il a été l'invité de grands ensembles tels que le Grande Orchestra Italiana, l'Orchestre National de Jazz de France (ONJ), l'Orchestre de la Radio Allemande de Hambourg (NDR), l'Orchestre Instabile Italien, l'Orchestre de l'Auditorium Parco della Musica (PJMO), l'Orchestre Symphonique de la Rai, l'Orchestre des Arènes de Vérone et I Virtuosi Italiani.
Dans cette version de El dia que me quieras nous avons : voix Tosca ; trompette Paolo Fresu ; bugle, effets, bandonéon, Daniele Di Bonaventura.
3 El dia que me quieras, Paolo Fresu, album Tango Macondo, 2021.

Massimo Faraò (né le 16 mars 1965 à Gênes) pianiste de jazz. A étudié avec Flavio Crivelli et travaillé avec des formations locales. En 1983, il se rend pour la première fois aux États-Unis, où il joue avec Red Holloway et Albert 'Tootie' Heath.
Dans les années 1990, il travaille entre autres avec Tony Scott, Adrian Mears, Johannes Enders, Jesse Davis et Franco Ambrosetti, dont il a contribué aux albums Enja Grazie Italia et Light Breeze.
Il a également joué dans le Nat Adderley Quintet lors d'une tournée européenne. En 1993, il enregistre son premier album For Me pour Splasc(h) ; ses coéquipiers inclus le trompettiste Flavio Boltro et le bassiste Dado Moroni. L'album Ciao Baby (sur Monad) a suivi en 1995.
En 2001, il est membre du quartet d'Archie Shepp (avec Wayne Dockery et Bobby Durham) ; de 2001 à 2005, Faraò a été directeur artistique du département jazz du label Azzurra Music. En 2003, il se produit au Jazz Piano Festival de Lucerne. En 2006, il enregistre un album de compositions d'Ennio Morricone. En 2007, il part en tournée en Europe et aux États-Unis en trio avec Joey DeFrancesco.
4 South Seas, Massimo Farao, album Blue Bossa, 2017.

Latin Jazz Experience est un trio de latin jazz né de la vision musicale évolutive du pianiste et compositeur colombien Hamlet Fiorilli. Après une période de changement personnel, Fiorilli a ressenti le besoin de réorienter sa musique, ce qui a abouti à la création de ce projet en Europe.
Né à Bogotá, Hamlet Fiorilli s'est installé en Italie où il a étudié la composition, la direction de chœur et le cor français au conservatoire, ainsi que l'arrangement jazz. Bien qu'il n'ait suivi des cours de piano que pendant un an, il a poursuivi son développement musical par autodidacte et par instinct. Avant de former le trio, il a beaucoup travaillé sur les scènes pop-rock et salsa en Italie et réside désormais en Autriche, où il est un musicien indépendant actif sur la scène latin jazz.
Le trio initial s'est consolidé avec le batteur brésilien Luis André Carneiro de Oliveira et le bassiste autrichien Max Ranzinger. Plus tard, le bassiste autrichien Wolfram Derschmidt a rejoint la formation, donnant naissance au trio actuel. Wolfram Derschmidt, originaire de Wels, en Autriche, est un bassiste très recherché, formé à l'Université de Graz. Musicien de jazz reconnu, il compte d'importantes collaborations internationales, ayant joué avec des personnalités telles qu'Art Farmer, Toots Thielemans, David Murray et Gregory Porter.
Le percussionniste Luis André Carneiro de Oliveira, né à Rio Claro, au Brésil, a étudié à la célèbre université UNICAMP avant de s'installer en Autriche pour obtenir son master de jazz au KUG (Graz). Il est l'un des batteurs les plus prisés de la scène autrichienne, se produisant dans des festivals à travers l'Europe.
Le trio a sorti son dernier album, Susurros (Murmures) en 2022, leur troisième album studio et leur premier en trio. La musique, entièrement composée par Fiorilli, est intime, réfléchie et énergique, fusionnant les rythmes folkloriques et traditionnels d'Amérique du Sud (principalement la Colombie, Cuba et le Brésil) avec une perspective personnelle de mélodies inspirées, marquant une nouvelle direction pour le groupe. [2]
5 Siguiendo pa'lante, Latin Jazz Experience, Hamlet Fiorilli, album Pa'lante, 2021.

Maurizio Brunod, c'est un guitariste et compositeur bien connu d'Italie. Musicien polyvalent et éclectique, il collabore avec de nombreux solistes et ensembles d'horizons divers. Ses projets s'étendent du jazz à la musique latine, de l'électronique à l'avant-garde, et il accorde une attention particulière à un projet de guitare solo de longue date. Ses influences incluent la musique classique et le jazz, ainsi que le rock ethnique et progressif. Sa discographie compte 33 albums, dont 6 pour guitare. Il a été élu meilleur guitariste italien lors de nombreux sondages, tels que les Jazz It Awards et Musica Jazz. Il a également participé à de nombreuses collaborations saluées par la critique avec des musiciens de jazz et des artistes du monde latin, tels qu'Enrico Rava et Miroslav Vitous. Il a traduit des séminaires de Scott Henderson et Ferenc Stnetberger. De nombreuses émissions de radio et de télévision l'ont présenté ou ont diffusé sa musique, notamment Fahrenheit, Rai 3, Otto e mezzo La 7, Battiti, Radio Montecarlo et Rai Stereonotte. Il a également accordé des interviews à des magazines musicaux internationaux et italiens. Il a participé à de nombreux festivals importants en Europe, en Russie et en Amérique : Artisan Guitar Show, Universi Jazz Valladolid, Jvc en Russie, Beograd jazz Festival en Serbie, (Smeltedighelen, Alliance Française, Chur Festival en Suisse, Palais des congrès de Lomé, Novara Jazz, Palais des congrès de Lomé au Togo. Et en Italie : Madame Guitar, Musica sulle bocche, Galliate Guitar Master, EuroJazz Festival Ivrea, Padova jazz Festival, Atelier della Musica, Latino Americando, Un Paese a 6 corde, Casa del jazz, Udine Jazz, Sud Tirol jazz Fest, Clusone jazz festival, Extra festival, Jazz Groove, Acoustic Francia Corta, La fabbrica del jazz, CHAMOISic 2017, Torino Jazz Festival, Iseo Jazz Festival, Sile Jazz, Fano Jazz Festival, GLB Sound Jazz Festival, Teate Winter Festival, Novara Jazz. Il a publié une méthode de guitare incluant fingerpicking.net (éd. Curci) et collabore au magazine Chitarra Acustica. [3]
6 Giocolieri, Maurizio Brunod Quintet, album Gingembre Band, 2015.

Fabio Gianni, né à Milan en 1970. Diplômé en sciences naturelles. Diplômé en piano jazz au CPM après un cours avec le célèbre pianiste Franco d'Andrea. Études classiques dans sa jeunesse. Collaborations avec : Dirotta su Cuba, Raf, PFM, Ivan Cattaneo, Demo Morselli. Spécialisé dans la musique latine au niveau de la salsa en général, avec des tournois conséquents avec des artistes sud-américains de renom tels que Ray Sepúlveda, Ruben Blades, El Cano Estremera, Ray Ruiz, et bien d'autres.
Sa vaste discographie dans le genre comprend Swing O – Morselli Big Band ; Trio Acústico de Iguazu – Alex Acuña Rubio ; All the Best of Fabio Gianni and the Latin Sound Machine ; Bandolera – Adrian Cisneros & Fabio Gianni ; Grupo Ja Funk Ezio Zingrini ; Guaguamambo – el Timba et Fabio Gianni ; Cuba – Fabio Gianni ; Trio Acústico Iguazu – Funclave. Directeur musical de la comédie musicale à succès I Re Del Mambo. Compositeur de la bande originale du film Absolute Moment avec Dario Fo, Franca Rame et Paolo Rossi. Collaborations et concerts avec de nombreux musiciens de la scène jazz italienne. Cofondateur du Trio Acoustique Iguazu et producteur du CD Rubio avec Alex Acuña (Weather Report). Créateur du projet salsa-soul Latin Sound Machine, dont les chansons sont appréciées dans le monde entier. Compositeur de nombreuses pièces musicales pour des publicités télévisées (dont Dolce & Gabbana). [4]
Dans cette pièce, nous avons le pianiste et arrangeur Fabio Gianni en duo avec le DJ, producteur et musicien Andrea Piombin, plus connu sous le nom d'El Timba.
7 A gozar, El Timba y Fabio Gianni, album Guaguamambo, 2014.

Fabio Furia (Milan, 1971) compositeur, arrangeur et musicien, reconnu pour avoir été le premier professeur de bandonéon dans un conservatoire national de musique en Italie, poste qu'il occupe au Conservatoire G.P. da Palestrina de Cagliari.
Il a commencé ses études musicales en autodidacte à l'âge de sept ans à l'accordéon, puis s'est formé à l'instrument, au solfège et à l'harmonie auprès du professeur Corrado Rojac. À seize ans, il entre au Conservatoire de Cagliari pour étudier la clarinette, où il obtient son diplôme et se perfectionne auprès de personnalités de renommée internationale comme Antony Pay et Alessandro Carbonare.
Parallèlement, Furia se consacre à l'étude du bandonéon auprès de maîtres tels que Juan José Mosalini et Daniel Binelli, et obtient son diplôme du Conservatoire de Gennevilliers à Paris sous la direction de Mosalini.
Sa carrière de concertiste l'a conduit à se produire en soliste dans des salles prestigieuses à travers le monde, notamment la Salle Dvorak de Prague et le Théâtre Bozar de Bruxelles. Il a collaboré avec des musiciens tels qu'Antony Pay, Anna Tifu et Jean Ferrandis.
Dès l'année universitaire 2013/2014, Furia a promu la création du premier et unique cours expérimental de bandonéon et de pratique du tango en Italie, au Conservatoire de Cagliari. Grâce à son initiative, le conservatoire a obtenu en 2018 l'agrément pour le premier diplôme universitaire de musique traditionnelle avec spécialisation en bandonéon, qu'il dirige depuis 2018-2019.
Par ailleurs, Furia a fondé l'Accademia Italiana del Bandoneon en 2017, où il organise des master classes et des concerts. Il collabore au développement de l'enseignement du bandonéon avec les conservatoires d'Avignon (France) et CODARTS de Rotterdam (Pays-Bas) dans le cadre du projet Le giornate europee del bandoneon. En tant qu'interprète, il est soliste au sein du Novafonic Quartet et fait partie de duos remarquables, comme celui avec le guitariste Alessandro Deiana, avec qui il a enregistré l'album A los maestros (2021). Il a également été bandonéoniste soliste et fondateur du Anna Tifu Tango Quartet. Il est directeur artistique de plusieurs associations et a créé des festivals tels que ARTango & Jazz Festival.
8 Milonga del Angel, Fabio Furia, album Fabio Furia in concerto, 2013.

Gerardo Frisina est une figure incontournable de la scène jazz italienne, connu comme mélomane, collectionneur de disques, DJ et producteur. Aux côtés des fondateurs du label Ishtar (Luciano Cantone et Davide Rosa), Frisina a contribué à l'évolution artistique du label.
Il a d'abord contribué à Ishtar en tant que producteur. Son projet inaugural, Neos, en 1997, visait à réinterpréter des œuvres d'artistes aux influences latines, brésiliennes et jazz, en révélant leurs aspects méconnus. La même année, il a également lancé les séries cultes Up et Metti Una Bossa A Cena. Ce dernier rendait hommage à la bossa nova de grands compositeurs de films italiens, tels qu'Ennio Morricone et Piero Piccioni.
En 1998, Frisina a coordonné la réédition des albums du groupe The Cabildo's Three, explorant ainsi l'univers de la library music et des bandes originales jusqu'alors difficiles à trouver. Sa contribution la plus significative en tant que producteur fut la diffusion du son international du Clarke-Boland Big Band. Cette dynamique le conduisit à fonder le label Rearward, dédié à la réédition de chefs-d'œuvre du jazz ancien et contemporain.
Parallèlement à sa collaboration avec Ishtar/Schema, Frisina poursuivit son activité de DJ. En 2001, il se lança dans la musique solo avec son premier album, Ad Lib. Cet album fusionnait le jazz latino et la musique légère avec des influences bossa nova, avec la participation de musiciens de renom comme Andrea Dulbecco et Barbara Casini. L'album transcenda les frontières et des singles comme Descarga captèrent l'attention de DJs légendaires comme Danny Krivit et Jeff Mills, faisant de Frisina une référence internationale. [5]
9 Calle de candela, Gerardo Frisina, album Calle de Candela, 2011.

Avec Calle de Candela (rue du feu) de Gerardo Frisina, nous concluons ce premier épisode consacré au jazz latino en Italie. Nous espérons qu'il vous a plu et vous invitons très cordialement à écouter le prochain épisode.

[1] Sauf mention contraire, les informations biographiques présentées ici sont un résumé des biographies disponibles sur https://en.wikipedia.org/wiki/Main_Page

[2] https://latinjazzexperience.com/meet-the-band/

[3] www.brunod.com

[4] https://lasalsaesmivida.com/fabio-gianni-otra-vez/

[5] https://www.allaboutjazz.com/musicians/gerardo-frisina/#bio-top

C'est du jazz latino, épisode 45 (Italy)

1 Sunny, Pino Presti, album 1^st Round, 1976.
2 Havana blue, Adriano Clemente, album Havana Blue, 2017.
3 El dia que me quieras, Paolo Fresu, album Tango Macondo, 2021.
4 South Seas, Massimo Farao, album Blue Bossa, 2017.
5 Siguiendo pa'lante, Latin Jazz Experience, Hamlet Fiorilli, album Pa'lante, 2021.
6 Giocolieri, Maurizio Brunod Quintet, album Gingembre Band, 2015.
7 A gozar, El Timba y Fabio Gianni, album Guaguamambo, 2014.
8 Milonga del Angel, Fabio Furia, album Fabio Furia in concerto, 2013.
9 Calle de candela, Gerardo Frisina, album Calle de Candela, 2011.

C'est du jazz latino 44

Pedro Alzuru — 2026-02-02T09:50:07Z

Le rôle du piano dans le jazz latino est fascinant car cet instrument fait office de pont unique, répondant aux exigences rythmiques de la musique latine tout en explorant les profondeurs harmoniques du jazz.
Dans la composition de jazz latino, le piano repose immédiatement sur la structure rythmique définie par les percussionnistes — la clave, la basse et les congas). La clave — le motif rythmique qui donne son nom au genre — est l'axe, et le piano remplit les espaces autour de ce point d'ancrage.

Le piano [1], dans le jazz latino, n'est pas seulement un instrument d'harmonie, mais aussi un élément fondamental de la section rythmique. Son rôle est celui d'une dualité constante : il doit être suffisamment percussif pour ancrer le rythme, et simultanément, suffisamment libre et harmoniquement riche pour permettre l'improvisation. La beauté du genre réside dans la manière dont le pianiste gère cette tension.

La contribution latino-américaine à la composition pour piano se caractérise par la création de structures répétitives et fortement syncopées : le montuno cubain en est peut-être l'exemple le plus emblématique. Il s'agit d'une courte phrase mélodique et rythmique répétitive (un ostinato) jouée principalement par la main droite, souvent dans le registre aigu. Sa fonction n'est pas celle d'un vamp de jazz, mais plutôt celle d'une percussion harmonique. Le montuno génère l'énergie et l'atmosphère hypnotique nécessaires à des genres comme le mambo ou le son. Son motif est conçu pour interagir rythmiquement avec la ligne de basse (tumbao).

Le pianiste latino-américain est invité à ne pas jouer « sur » le temps, comme dans le jazz traditionnel. Il doit plutôt jouer dans les espaces ou en marge de la clave. Ceci crée un jeu de tension rythmique essentiel à la fluidité et à la spontanéité de la musique.

Dans le jazz brésilien, la composition requiert du piano des motifs rythmiques plus doux et moins percussifs que le montuno afro-cubain. Le pianiste utilise souvent des harmonies plus complexes pour créer le rythme (choro ou bossa nova), tout en conservant une assise rythmique solide à la main gauche, en interaction avec la batterie et la basse.

Le jazz offre un écrin de sophistication harmonique et formelle sur lequel se déploie le rythme latin : une harmonie enrichie et altérée. Le jazz dote le piano d'une palette harmonique étendue. Le pianiste utilise des accords avec des extensions (neuvièmes, onzièmes, treizièmes) et des altérations (quintes augmentées ou diminuées) peu fréquentes dans la musique latine traditionnelle. Ces harmonies servent à colorer les montunos et à créer une tension avant la résolution d'une phrase. Les compositions de latin jazz adoptent souvent la structure du morceau de jazz (par exemple, la forme AABA à 32 mesures) pour le thème mélodique et son développement, suivis d'un long passage d'improvisation libre sur le montuno ou le groove rythmique.

Jouer du piano dans le latin jazz est un exercice de schizophrénie musicale maîtrisée, où le pianiste doit passer instantanément d'un rôle à l'autre. Dans la section rythmique, la main gauche du pianiste abandonne sa fonction traditionnelle de gratter la basse ou de jouer de larges accords pour endosser le rôle du tumbao de la ligne de basse (parfois en le doublant ou en le complétant), en privilégiant la syncope rythmique au swing mélodique. Les notes ne sont pas tenues ; elles sont attaquées. Le son doit être précis, articulé et rythmique, imitant l'impact d'une batterie ou d'une cloche, ce qui renforce le groove. Le pianiste est constamment à l'écoute du percussionniste pour moduler son montuno. L'objectif est que le piano et le percussionniste sonnent comme une seule entité rythmique.

Lors du solo, le pianiste se transforme en improvisateur de jazz, tout en conservant un ancrage rythmique sous-jacent : le solo est construit à partir des gammes, arpèges et phrases complexes typiques du bebop ou du hard bop (qu'il emprunte au jazz). Le soliste fait preuve de virtuosité, mais souvent avec une articulation rythmique plus marquée et un swing moins prononcé que dans le jazz pur. Le soliste de latin jazz a tendance à intégrer les cellules du montuno ou du mambo à son improvisation, alternant flux mélodique et motifs rythmiques insistants. C'est un dialogue constant entre mélodie et rythme. Même lorsqu'il se contente d'accompagner, le pianiste de jazz latino utilise des harmonies modernes et denses, insufflant la complexité harmonique du jazz à la trame rythmique du groove latino. En conclusion, le pianiste de jazz latino est un jongleur qui doit tenir la clave d'une main tout en lançant des harmonies jazz de l'autre. Son art réside dans une conscience rythmique absolue et dans sa capacité à faire le lien qui empêche le rythme latino et l'harmonie jazz de se séparer.

Norosbaldo Morales[[Les informations biographiques présentées ici sont un résumé des biographies disponibles sur https://en.wikipedia.org/wiki/Main_Page] (4 janvier 1912 – 15 janvier 1964), pianiste et chef d'orchestre, né dans le quartier de Puerta de Tierra à San Juan, à Porto Rico, Morales apprit à jouer de plusieurs instruments dès son enfance. Il joua au Venezuela de 1924 à 1930, avec un conjunto familial dirigé par son père, puis retourna à Porto Rico pour jouer avec Rafaél Muñoz. Il émigra à New York en 1935 et y joua avec Alberto Socarras et Augusto Cohen. En 1939, il fonda avec ses frères Humberto et Eys l'orchestre des frères Morales. Il sortit le morceau Serenata Rίtmica chez Decca Records en 1942, ce qui le propulsa au sommet du monde du mambo et de la rumba ; son groupe rivalisa en popularité avec celui de Machito à New York dans les années 1940. C'est à cette époque que son orchestre jouait pour la discothèque Havana Madrid. Son somptueux album Mambo with Noro, de 1952 est une référence dans la musique latine. Ce classique de la mambo s'inscrit dans la tendance des années 1950 et témoigne de l'influence de Porto Rico sur ce nouveau style.
En 1960, Morales retourne à Porto Rico et joue localement. Il travaille également avec Tito Rodríguez, José Luis Moneró, Chano Pozo, Willie Rosario et Tito Puente.
L'apogée de sa renommée et de sa production discographique est la production de disques de rumba avec son sextuor, après avoir abandonné le big band. Son utilisation du piano, à la fois comme mélodie et comme rythme, est très novatrice à l'époque. « Linda Mujer », « Campanitas de Cristal », « Perfume de Gardenias », « Me Pica La Lengua » et « Silencio », toutes composées par d'autres, comptent parmi ses grands succès.
Il est décédé le 15 décembre 1964 à l'hôpital San Jorge, à San Juan, à l'âge de 53 ans, et a été enterré au Mémorial de Porto Rico (également connu sous le nom de Cementerio Fournier) en Caroline, Porto Rico.
1 Serenata Ritmica, Noro Morales & His Quintet, 1942.

Bebo Valdés, est un pianiste de jazz et compositeur né à Quivicán dans la province de Mayabeque, Cuba, le 9 octobre 1918 et mort à Stockholm le 22 mars 2013. Son œuvre est associée au jazz latino et au jazz afro-cubain, dont il fut l'un des créateurs. Son fils Chucho Valdés est également un pianiste de jazz de renommée internationale.
Petit-fils d'esclave, n'oubliant pas ses racines africaines (et espagnoles par sa mère). « Mon grand-père, esclave, s'était enfui avec un ami en emportant seulement une machette pour se défendre des chiens lancés aux trousses des "nègres marrons". Je sais tout cela par ma grand-mère, morte à 109 ans », confie-t-il à un journaliste en 2005.
Bebo connaît un certain succès dans les années 1940 et les années 1950 en tant que pionnier du jazz afro-cubain. « Je suis de la génération du mambo », explique-t-il, « une musique qu'a créée mon ami le contrebassiste Cachao en 1937, en désarticulant la dernière partie du danzón. Pendant dix ans, cette musique n'a été dansée que par les Noirs. Et puis le chorégraphe cubain Rodney a créé une danse pour Las Mulatas de Fuego, un groupe de six danseuses. Quand elles sont parties au Mexique, la mambo a connu son apothéose. » Il est alors directeur d'un cabaret chic de La Havane, le Tropicana, avant que la révolution castriste n'éclate. C'est un compositeur et chef d'orchestre reconnu. Il accompagne notamment le grand chanteur cubain Benny Moré. Il grave le premier album de jazz cubain en 1952, Con Poco Coco. Il est également le premier à introduire le batá dans ses orchestres. Et il multiplie les rencontres, Sarah Vaughan, Nat King Cole, Woody Herman, Milt Jackson, Dizzy Gillespie, Charlie Parker, Chano Pozo, etc.
Parti vivre au Mexique puis en Suède après la révolution, il se marie dans ce pays nordique au début des années 1970. Pendant quarante ans, il gagne sa vie dans l'anonymat, avec des cours de danse le jour et en œuvrant au piano-bar d'un hôtel chic le soir. Il réapparaît sur la scène internationale à 76 ans, lorsqu'il enregistre en Allemagne avec le saxophoniste Paquito d'Rivera.
Après un long séjour à Stockholm, il vient vivre en Andalousie. Il participe au film de Fernando Trueba, Calle 54 où on le voit notamment jouer en duo avec son fils Chucho. Il enregistre ensuite El arte del sabor (2001) avec Cachao et Patato Valdés, album qui reçoit un Grammy. En 2002, il accompagne le chanteur flamenco Diego el Cigala pour le disque Lágrimas negras, succès international également récompensé par un Grammy. En 2010, il compose la bande originale du film de Fernando Trueba et Javier Mariscal, Chico et Rita. Un autre fils de Bebo Valdés, Rickard, joue dans le groupe de timba suédois, Calle Real.
En février 2013, devant l'aggravation de son état de santé, ses enfants le rapatrient en Suède. Il y meurt quelques mois après Rose-Marie, son épouse.
2 Con poco coco, Bebo Valdés, album Con poco coco, 1952.

Rubén González Fontanills, né à Santa Clara le 26 mai 1919 et mort à La Havane le 8 décembre 2003, est un pianiste cubain, diplômé du conservatoire de Cienfuegos (1934). Entre les années 1940 et sa retraite dans les années 1980, il joue avec les artistes les plus célèbres de Cuba, dont Paulina Álvarez, Arsenio Rodríguez, Orquesta América del 55, Orquesta Riverside et Enrique Jorrín.
À l'âge de six ans, il a déménagé avec sa famille à Encrucijada. Dès son plus jeune âge, il avait un penchant pour l'étude du piano. Il a étudié à Cienfuegos avec le professeur de piano Amparo Rizo. De retour à Santa Clara, il obtient son diplôme d'enseignant primaire, puis il étudie quatre ans de médecine à l'Université de La Havane mais est vite attiré par la musique. Il enregistre avec Arsenio Rodriguez, puis rejoint l'Orquestra de los Hermanos, un groupe au sein duquel figure le percussionniste cubain Mongo Santamaría.
Dans les années 1940 et 1950, il fait partie d'un trio de pianistes virtuoses (avec Luis 'Lili' Martínez et Peruchín) qui aide à créer la base de la mambo en mariant des rythmes africains avec la liberté d'improvisation du jazz. Après une période prolongée au Panama et en Argentine, pendant laquelle il joue avec des musiciens de tango, il revient à La Havane et joue avec de nombreux groupes de cabaret. Entre 1957 et 1961, il a travaillé au Venezuela. Il a voyagé à travers les pays d'Amérique latine. Il a enregistré un LP avec des instrumentaux de piano. Au début des années 1960, Rubén González rejoint l'orchestre d'Enrique Jorrín, l'inventeur du cha-cha-cha, et y reste jusqu'à la mort de Jorrín. Il reprend ensuite la direction de l'orchestre mais, officiellement pour cause d'arthrite, il doit prendre sa retraite.
Après avoir effectivement déjà mis un terme à sa carrière dans les années 1980, il fait un retour en force en 1997 avec l'album Buena Vista Social Club produit par Ry Cooder et le documentaire de 1999 de Wim Wenders du même nom, qu'il réalise également en Europe et aux États-Unis. Avec Ry Cooder, Compay Segundo, Ibrahim Ferrer, Eliades Ochoa et Omara Portuondo. Il sort ensuite (Introducing, Ruben González, puis Indestructible, (Egrem, 1998), Estrellas De Areito, (Eden, 1999), et Chanchullo (2000).
Il donne ses derniers concerts au Mexique et à Cuba en 2002. Il meurt le 8 décembre 2003 dans sa maison de La Havane, à 84 ans.
3 Cumbanchero, Ruben Gonzalez, album Chanchullo, 2008.

Clare Fischer (22 octobre 1928 – 26 janvier 2012) était un claviériste, compositeur, arrangeur et chef d'orchestre américain. Diplômé de l'Université d'État du Michigan (dont il recevrait un doctorat honorifique cinq décennies plus tard), il devint pianiste et arrangeur du groupe vocal Hi-Lo's à la fin des années 1950. Fischer travailla ensuite avec Donald Byrd et Dizzy Gillespie, et se fit connaître pour ses enregistrements de musique latine et de bossa nova dans les années 1960. Il composa le standard de jazz latin « Morning » et le standard de jazz « Pensativa ». Régulièrement cité par le pianiste et compositeur de jazz Herbie Hancock comme une influence majeure (« Je ne serais pas moi sans Clare Fischer »), il a été nommé pour onze Grammy Awards au cours de sa vie, remportant un Grammy pour son album phare, 2+2 (1981), le premier des disques de Fischer à intégrer l'écriture vocale d'ensemble développée pendant ses années Hi-Lo's à sa déjà importante discographie de jazz latin ; c'était également le premier opus enregistré d'une collaboration de trois décennies entre Fischer et son fils Brent. Fischer a également remporté un Grammy à titre posthume pour ¡Ritmo ! (2012) et pour Music for Strings, Percussion and the Rest (2013. À partir du début des années 1970, Fischer s'est lancé dans une carrière parallèle (et beaucoup plus lucrative), devenant finalement un arrangeur très recherché, fournissant des « édulcorants » orchestraux pour des artistes pop et R&B tels que Rufus (avec Chaka Khan), Prince (un client régulier à partir de 1984, et de loin le plus fréquent de Fischer dans la musique pop), Robert Palmer, Paul McCartney, Michael Jackson et bien d'autres.
4 Pensativa, Clare Fischer, album So Danço Samba, 1964.

Gerry Weil (Vienne, 11 août 1939 - Caracas, 16 novembre 2024), est un musicien, avec une carrière importante en tant que pianiste, compositeur, interprète et éducateur. Son œuvre musicale est considérée comme l'une des plus vaillantes au sein du génie jazzistique du Venezuela, il sera catalogué comme « Le maestro du jazz vénézuélien ».
Son premier contact avec la musique (en particulier avec le jazz) a débuté au 6 ou 7 ans, après la victoire des Alliés en Europe, au cours des derniers jours de la Seconde Guerre Mondiale. Le jazz ramené par les troupes nord-américaines a été quelque chose qui a capturé son attention, il a été fasciné par la musique de Glenn Miller et le Swing.
L'éducation musicale du maestro a débuté après son immigration au Venezuela en 1957. À l'âge de 17 ans, il a commencé à recevoir des cours de musique avec Tito Fuentes, Eduardo Cabrera et Rubén Jacpo. Une grande partie de sa formation musicale pour ces moments est autodidacte. Il a ensuite suivi des cours par correspondance avec la prestigieuse université Berklee College of Music. En 1970, il fonde la Bande de Gerry Weil, avec qui édite l'album The Message. En 1972, forme (La Banda Municipal, laquelle mixe musique traditionnelle vénézuélienne avec des rythmes contemporains.
Entre 1974 et 1981, il déménage avec sa famille dans une finca à Mérida. À la fin de cette période, il s'est rendu à Caracas pour finir sa carrière musicale, travaillant également comme professeur de musique. En 1982, accompagné de son groupe, il participe au festival de Jazz de Berlin. Depuis 1983, il se consacre à l'élaboration de sa musique avec des instruments électroniques numériques, en utilisant la technologie MIDI. Il a également été chargé de produire des disques pour María Rivas, Desorden Público et Tulio Chuecos, etc. Il a donné des cours a musiciens tels que Ilan Chester, Otmaro Ruiz, Lorenzo Barriendos, Huáscar Barradas, Pedro Eustache, Prisca Dávila, Luis Perdomo, Silvano Monasterios, Joseph Costi, entre autres.
En 2008, lui a été attribué le Premio Nacional de Música et en 2009 l'Ordre du Mérite de la République d'Autriche. En 2020, il a publié son album Sabana Grande coproduit par Alfredo Guerrero, avec lequel il a remporté le prix Pepsi pour sa chanson « Ananda ». Weil considérait le Venezuela comme sa seconde patrie, et il est là une icône de l'identité nationale contemporaine. Il mort dans la nuit du 16 novembre 2024.
5 Trompo, Metra y Papagayo, Gerry Weil, Pablo Gil, Nene Quintero, album Empatía 2024.

Monty Alexander, né le 6 juin 1944 à Kingston, Jamaïque, est un pianiste de jazz. Son style est marqué par l'influence des rythmes caribéens, ou peut s'inspirer d'Art Tatum, Oscar Peterson, Wynton Kelly, ou Ahmad Jamal. Né de parents mélomanes mais non musiciens, il découvre seul le piano à quatre ans, reçoit ses premières leçons de piano classique à six ans, mais n'en supporte pas la sévérité (coups de règles sur les doigts), se forme donc seul dès l'enfance et opte pour le jazz à quatorze ans.
Deux ans plus tard, il dirige l'orchestre de danse Monty and The Cyclones, avec lequel il se produit dans des clubs de Kingston. Il reçoit les conseils de Wynton Kelly. Il part s'installer avec ses parents à Miami en 1961 puis à New York en 1962 où il se produit au Jilly Rizzo's Jazz Club. Il y accompagne Frank Sinatra, et se lie d'amitié avec le bassiste Ray Brown et le vibraphoniste Milt Jackson. Il enregistre son premier disque Alexander The Great en 1964 en Californie, pour le label Pacific Jazz Records.
II enregistre avec Milt Jackson en 1969, puis, en 1974 avec Ernest Ranglin, puis en Europe la même année, avec Ed Thigpen entre autres. Ses tournées et ses enregistrements européens deviennent habituels ; son choix orchestral aussi : le classique trio, avec quelques échappées récentes vers des combos plus importants et quelques duos. Il accompagne également quelques chanteuses (Ernestine Anderson, Mary Stallings) et d'importants leaders (Dizzy Gillespie, Benny Golson, Jimmy Griffin, Frank Morgan, entre autres).
Son jeu robuste est tout imprégné d'influences tropicales, mais laisse transparaître d'autres influences, toutes plutôt expressionnistes : celles de son premier mentor Wynton Kelly, mais aussi d'Art Tatum, de Gene Harris, d'Ahmad Jamal. Son jazz est facile d'accès, d'un swing joyeux, expansif, sans drame. Il tourne également avec Ernest Ranglin et Sly and Robbie, trois musiciens jamaïcains avec lesquels il donne des concerts alliant jazz et reggae.
6 Well You Needn't (Live at the Paris Philarmonie), album Monty Alexander Wareika Hill Rastamonk Vibrations, 2019.

Papo Lucca (né le 10 avril 1946) est un multi-instrumentiste portoricain reconnu pour ses talents de pianiste. Ses principaux genres musicaux sont la salsa et le latin jazz. Il compte, avec le regretté Charlie Palmieri, parmi les meilleurs pianistes de latin jazz et de salsa. Il est le cofondateur, avec son père Don Enrique « Quique » Lucca Caraballo, du groupe portoricain La Sonora Ponceña. Il a également joué et enregistré avec les Fania All-Stars, Hector Lavoe, Willie Colón, Celia Cruz, Johnny Pacheco, Bobby Valentín, Ismael Quintana, Gloria Estefan, Adalberto Santiago, Andy Montañez, Pablo Milanés et Rubén Blades. C'est également un arrangeur musical reconnu. Grâce à son jeu de piano dynamique et à son approche unique de la salsa, Papo Lucca a propulsé son groupe, La Sonora Ponceña, au premier plan de la musique latine. Héritier du groupe de son père, Lucca a continué d'inspirer La Sonora Ponceña par son jeu innovant. Originaire de Ponce, ville de la côte sud de Porto Rico, il a commencé à étudier à l'École libre de musique de la ville à l'âge de six ans. Outre sa formation en solfège, il a étudié le piano, la clarinette, le saxophone. Un mois après son inscription à l'école, il a interprété un morceau classique sur une radio locale. Parallèlement, Lucca a suivi des cours particuliers avec le pianiste Ramón Fernández. Jouant avec La Sonora Ponceña à huit ans, il a fait ses débuts sur disque trois ans plus tard, lorsque le groupe a accompagné les chanteurs de boléro Felipe Rodriguez et Davilita sur leur album Al Compas De Las Sonoras. À l'âge de quatorze ans, Lucca devient membre officiel de l'orchestre.
Malgré son emploi du temps chargé, il trouve le temps de poursuivre ses études. Diplômé de l'Université de Porto Rico, il poursuit ses études au Conservatoire de musique de Porto Rico. Sa première occasion de révéler son talent se présente en 1976, lorsqu'il coproduit l'album de La Sonora Ponceña, Musical Conquest/Conquista Musical, avec Louie Ramirez. Deux ans plus tard, il produit seul l'album du groupe, Explorando. La même année, il remplace le pianiste Larry Harlow au sein des Fania All-Stars. Il continue de jouer avec le groupe jusqu'au milieu des années 1990.
Lucca atteint son apogée professionnelle en 1979. Avec La Sonora Ponceña, il collabore avec l'influente chanteuse latine Celia Cruz sur l'album La Ceiba, et apparaît avec Cruz dans un documentaire télévisé, Salsa. La même année, il participe à l'album Habana Jam, enregistré avec les Fania All-Stars lors d'un concert à Cuba. Lucca enregistre également un album solo au piano, Latin Jazz, en 1993.
En 2014, Lucca et La Sonora Ponceña se produisent au Lehman Center for the Performing Arts de New York pour célébrer leur 60ᵉ anniversaire.
7 Bombeando, Papo Lucca, album (Latin Jazz, 1993.

Tania Maria (née le 9 mai 1948) est une artiste, chanteuse, compositrice, cheffe d'orchestre et pianiste brésilienne, chantant principalement en portugais ou en anglais. Sa musique est principalement vocale, parfois pop, souvent jazzy, et comprend de la samba, de la bossa, de l'afro-latino, de la pop et du jazz fusion.
Née à São Luís, dans l'État du Maranhão, au Brésil, Tania Maria a commencé le piano à l'âge de sept ans et est devenue cheffe d'orchestre à 13 ans, lorsque son groupe de musiciens professionnels, organisé par son père, a remporté le premier prix d'un concours de musique local.
Elle a ensuite joué dans des bals, des clubs et à la radio. Son père, métallurgiste, guitariste et chanteur talentueux, l'avait encouragée à étudier le piano afin qu'elle puisse participer à ses jam sessions du week-end. C'est là qu'elle s'est imprégnée des rythmes et des mélodies de la samba, du jazz, de la pop et du chorinho brésilien. Depuis, elle n'a jamais travaillé dans un autre groupe. Diplômée en droit, elle s'est mariée jeune et a eu des enfants.
Le premier album de Maria, Apresentamos (Nous Présentons), est sorti au Brésil en 1966, suivi d'Olha Quem Chega (Regardez Qui est là !) en 1971, mais c'est son installation à Paris, en France, en 1974, qui l'a propulsée sur la scène internationale. Lors d'un concert en Australie, sa formidable précision musicale et son esprit libre ont attiré l'attention du regretté guitariste américain Charlie Byrd, qui l'a recommandée à Carl Jefferson, fondateur de Concord Records. L'album Come with Me, sorti en 1983, a marqué le début de sa percée internationale, la chanson-titre devenant un classique des dancefloors des années 1980, fréquemment reprise depuis. Un an plus tard, en 1984, son album Love Explosion contenait le titre Deep Cove View, promu par Robbie Vincent lors de ses émissions soul du dimanche soir sur Radio 1. L'album Made in New York, sorti en 1985, a encore accru sa popularité internationale. Maria a joué dans pratiquement tous les grands festivals de jazz du monde et a participé à d'innombrables émissions de télévision et de radio. Elle a enregistré plus de 25 albums et a été nommée aux Grammy Awards en 1985 dans la catégorie « Meilleure performance vocale jazz féminine ». Elle a joué avec des artistes tels que Steve Gadd, Anthony Jackson, Sammy Figueroa et Eddie Gómez.
8 Come with Me, Tania Maria, album Come with Me, 1983.

Hilton Ruiz (New York, 29 mai 1952 – Teaneck, New Jersey, 6 juin 2006) était un pianiste et compositeur de jazz américain. Il débute comme pianiste à l'âge de 8 ans, avec un concerto pour piano de Mozart. Plus tard, jusqu'à l'âge de 14 ans, il se spécialise dans l'orgue d'église, tout en se formant à la musique latine et au jazz, suivant des cours avec Cedar Walton. Dans les années 1960, il joue avec les orchestres d'Ismael Rivera, Ralph Robles et d'autres. Habitué des clubs de jazz et d'un atelier dirigé par Joe Newman, il rencontre Mary Lou Williams, Roy Haynes, Barry Harris, Roland Hanna et d'autres au début des années 1970, formant un duo stable avec Frank Foster et travaillant avec Clark Terry et Jackie McLean. Plus tard, il accompagne également Freddie Hubbard, Joe Henderson, Sonny Stitt, Art Blakey et Marion Brown, entre autres.
Il a enregistré plusieurs albums avec le groupe de Roland Kirk, dont il est devenu le leader après la mort du saxophoniste. Il a effectué des tournées en Europe et au Japon, avec son propre groupe et ceux de Paquito D'Rivera et Pharoah Sanders. Son premier album en tant que leader a été enregistré en 1975 pour le label SteepleChase. Dans les années 1980, il a joué avec son propre trio et un octuor comprenant, entre autres, Lew Soloff, Steve Turre et Ignacio Berroa, avec lesquels il a connu un succès commercial considérable.
Le style de Ruiz synthétise les influences du free jazz et des pianistes latino-américains, ainsi que celles de McCoy Tyner, sa principale influence.
Il a coécrit un manuel de musique, Jazz and How to Play It. Il a participé à la bande originale de Crimes and Misdemeanors de Woody Allen. Le 19 mai 2006, Ruiz a été retrouvé inconscient sur Bourbon Street à La Nouvelle-Orléans, où il s'était rendu pour tourner un clip vidéo destiné à promouvoir un projet récemment enregistré avec M27 Records au profit des victimes de l'ouragan Katrina, intitulé « Goin' Back to New Orleans ». La police a déposé un rapport indiquant qu'il s'était blessé lors d'une chute accidentelle. Hospitalisé dans le coma, Ruiz est décédé sans avoir repris connaissance une semaine après son 54e anniversaire. Ruiz résidait à Teaneck, dans le New Jersey. Il a été enterré au cimetière Saint-Raymond de New York.
9 Sweet Cherry Pie, Hilton Ruiz, album Songbook, 2003.

Oscar Hernandez (Manhattan, New York, 22 mars 1954) est un musicien, arrangeur et producteur portoricain, principalement spécialisé dans la salsa. Sa famille avait émigré de Porto Rico aux États-Unis dans les années 1940, dans le ghetto du sud du Bronx, à forte densité latino-américaine, à New York. Il fréquentait les clubs où jouaient Ray Barretto, Eddie Palmieri et Richie Ray. Après la mort tragique de son frère d'une overdose, il quitta le ghetto. En 1966, il commença à jouer de la trompette. Deux ans plus tard, quelqu'un offrit un piano à son frère, et il apprit à en jouer.
Oscar Hernandez commença à jouer dans quelques groupes locaux. En 1972, il joua avec Ismael Miranda, puis avec Ray Barretto et les jazzmen Charlie Parker et Dizzy Gillespie. Après six ans avec Barretto, il rejoignit le groupe de Rubén Blades. Hernandez a étudié à la City University de New York, où il a obtenu une licence de musique. Il a joué avec Tito Puente, Celia Cruz, Julio Iglesias, Juan Luis Guerra, Willie Colón et Oscar D'Leon. Il a également produit des albums pour Rubén Blades, Willie Colón, Daniel Ponce, Rafael Dejesus, Eddie Torres et Phil Hernández. Hernandez a fondé et dirigé le Spanish Harlem Orchestra après avoir rencontré Erin Levinson, productrice de disques sous contrat avec Warner Bros. Le groupe a reçu un Grammy Award du « Meilleur album de salsa » en 2002, un Billboard Award de l'« Album de salsa de l'année » en 2003 et un (Grammy du « Meilleur album de salsa » en 2005.
10 The Art of Latin Jazz, Oscar Hernandez et Alma Libre, album The Art of Latin Jazz, 2017.

[1] Le piano est un instrument de musique polyphonique, à clavier, de la famille des cordes frappées. Le son est produit lorsque l'on appuie sur des touches noires ou blanches, grâce à l'action d'un marteau tapant la corde correspondant au placement de la touche et au son désiré. Il comporte 52 touches blanches et 36 touches noires, soit un total de 88 touches. Il y a deux sortes de pianos :
les pianos droits, avec les cordes verticales, intégrant les pianos girafes ;
les pianos à queue, avec les cordes horizontales.
Il existe également des pianos numériques, qui ne possèdent pas de cordes.
Le nom de l'instrument provient d'une abréviation de piano-forte, son ancêtre du XVIIIᵉ siècle, décrit par Scipione Maffei comme un « gravecembalo col piano e forte », c'est-à-dire un clavicorde ayant la possibilité de nuancer en intensité le son directement par la frappe des touches. Jouer progressivement de la nuance piano (doucement) à la nuance forte (fort) n'est pas possible avec des instruments comme le clavecin, l'épinette ou l'orgue. https://fr.wikipedia.org/wiki/Piano

C'est du jazz latino 44 (pianistes)
Un espace pour l'écoute, la danse et le plaisir...

1 Serenata Ritmica, Noro Morales & His Quintet, 1942.
2 Con poco coco, Bebo Valdés, album Con poco coco, 1952.
3 Cumbanchero, Ruben Gonzalez, album Chanchullo, 2008.
4 Pensativa, Clare Fischer, album So Danço Samba, 1964.
5 Trompo, Metra y Papagayo, Gerry Weil, Pablo Gil, Nene Quintero, album Empatía, 2024.
6 Well You Needn't (Live at the Paris Philarmonie), Monty Alexander Wareika Hill Rastamonk, Vibrations, 2019.
7 Bombeando, Papo Lucca, album Latin Jazz, 1993.
8 Come with Me, Tania Maria, album Come with Me, 1983.
9 Sweet Cherry Pie, Hilton Ruiz, album Songbook, 2003.
10 The Art of Latin Jazz, Oscar Hernandez et Alma Libre, album The Art of Latin Jazz, 2017.

C'est du jazz latino 43

Pedro Alzuru — 2025-12-28T12:33:13Z

Le violon, comme la flûte, trouve ses racines dans les charangas cubaines traditionnelles, mais son adoption dans le jazz latino lui a permis d'élargir sa palette sonore. Parmi les caractéristiques de son jeu soulignons : sa sonorité lyrique et expressive, le violon est capable d'une expression mélancolique et lyrique incomparable. Ses solos peuvent être très chantants, avec un vibrato évoquant une émotion profonde, ou d'une incroyable virtuosité. Ses harmonies de section, dans le contexte de grands orchestres ou dans la tradition de la charanga, une section de violons crée des harmonies denses qui confèrent à la musique une richesse orchestrale. Cela ajoute une sophistication rare dans d'autres formats de jazz.

Le violon [1] s'adapte au rythme, aux rythmes afro-cubains, brésiliens et latins en général. Les violonistes de jazz latino ne se contentent pas de jouer des mélodies, mais peuvent aussi jouer des tumbaos, motifs rythmiques qui s'entremêlent aux percussions et à la basse, conférant au violon un swing unique. Un autre aspect remarquable est sa polyvalence texturale. Il peut sonner doux et aérien dans des ballades ou des chansons lentes, puis se transformer en un instrument vibrant et énergique dans un mambo ou une descarga, utilisant des techniques d'archet pizzicato ou plus agressives.

Pour compléter ces caractéristiques essentielles, le violon constitue un pont entre le classique, la musique populaire et le jazz. Le violon apporte un héritage classique qui fusionne avec l'énergie de la musique populaire latine et la liberté harmonique du jazz, créant un son unique, ni complètement classique, ni complètement traditionnel, ni simplement jazz.
Cet héritage musical diversifié s'inscrit dans la tradition des violonistes latins ou de ceux qui, bien que non latins, ont un style clairement enrichi avec cette tradition. Parmi eux, citons : Alfredo De La Fé, virtuose qui a propulsé le violon au premier plan de la salsa et du latin jazz avec une énergie et une fougue inégalée ; Federico Britos, maestro uruguayen à la sonorité chaleureuse et à l'incroyable polyvalence en jazz et musique latine ; et Omar Puente, violoniste cubain talentueux qui explore la fusion du jazz avec la musique afro-cubaine. Nous ajoutons à notre liste le violoniste vénézuélien Ali Bello, qui navigue entre le classique, le populaire et le jazz avec un style novateur qui embrasse explicitement la charanga.
En bref, la flûte et le violon, ancrés dans la musique traditionnelle cubaine, offrent un contraste sonore et une agilité mélodique qui enrichissent considérablement le tissu du jazz latino. Ce sont des instruments qui non seulement apportent la mélodie, mais interagissent aussi de manière complexe avec le rythme, créant des textures et des émotions qui les rendent véritablement uniques. C'est un plaisir de les voir revivre et explorer par les nouvelles générations de musiciens.

À Porto Rico, l'influence de la charanga cubaine était forte, mais elle était souvent fusionnée avec les sons de la bomba, de la plena et de la salsa locale. On peut citer comme exemples les groupes suivants : Manuel Rivera y Son del Monte et Los Macheteros, Manuel Rivera est un percussionniste portoricain qui a dirigé ce groupe, axé sur le son et la charanga brava. Son travail illustre parfaitement la façon dont la tradition de la charanga a été préservée et réinterprétée à Porto Rico et dans la diaspora.
La charanga dans la salsa portoricaine, bien plus que de simples charangas et bien que les traditions soient anciennes, comme celles de New York, à Porto Rico, l'influence de la flûte et des violons est plus fréquente dans les orchestres de salsa qui ne sont pas strictement des charangas. Par exemple, dans les enregistrements de salseros comme Bobby Valentín ou dans des projets spéciaux recherchant un « son charanga » pour certaines chansons.

Dans la brève histoire présentée ici de ces deux instruments, la flûte et le violon, inextricablement liés à la charanga et que l'on retrouve aujourd'hui dans le latin jazz, quelques considérations s'imposent. La migration des musiciens, nombre de ces groupes ont été formés par des musiciens cubains émigrés à New York ou par des musiciens portoricains et autres, formés sous l'influence directe des sonorités cubaines et des musiciens arrivés de l'île. Par adaptation et fusion, les charangas hors de Cuba ont souvent incorporé des éléments de salsa et de jazz, ce qui les a amenées à évoluer du format purement cubain du danzón et du cha-cha-cha vers un son plus « new-yorkais » ou adapté aux goûts locaux. Le format charanga a voyagé et s'est implanté dans d'autres pays, enrichissant encore davantage le vaste univers de la musique latine.
Parmi les charangas fondées à New York, il faut ajouter l'orchestre Tito Rodríguez. Bien qu'il ne s'agisse pas seulement d'une charanga, jouant d'autres rythmes, la charanga a été pendant un temps la force de son orchestre. Tito Rodríguez est reconnu comme l'un des trois grands du mambo (avec Tito Puente et Machito) et a eu une carrière très diversifiée. Son orchestre s'est aventuré dans le format charanga et a eu un impact significatif lors de la « Pachanga Craze » du début des années 1960. L'époque de la charanga de Tito Rodríguez illustre parfaitement la façon dont les grands chefs d'orchestre new-yorkais, déjà maîtres d'autres formats comme la mambo et le cha-cha-chá, se sont adaptés et ont excellé dans cette nouvelle tendance musicale cubaine qui déferlait sur la ville. Tito Rodríguez, visionnaire et toujours attentif aux tendances musicales, ne pouvait rester à l'écart de l'engouement pour la charanga. À la fin des années 1950 et au début des années 1960, le son des flûtes et des violons de la charanga conquit les salles de danse. Son album de 1961, Charanga Pachanga, est la preuve la plus convaincante de son incursion et de son succès dans ce format. Cet album regorge de cha-cha-cha et de pachangas de style charanga, démontrant sa polyvalence et celle de son orchestre à s'adapter aux instruments à vent et aux percussions typiques des charangas. Des chansons comme « Componte Cundunga » et « El Látigo » de cet album en sont très représentatives.
L'orchestre de Tito Rodríguez ne s'est pas exclusivement consacré à la charanga. Il a continué à interpréter et enregistrer des boléros, des mambos et des guarachas dans son style caractéristique. Cependant, son incursion dans la charanga fut remarquable et fructueuse, contribuant à populariser davantage ce son auprès du public latin de New York et d'ailleurs. Ce fut une période importante de sa prolifique discographie. La capacité de Tito Rodríguez à passer d'un format orchestral et d'un style musical à l'autre, tout en conservant sa qualité et sa touche personnelle, fait partie de ce qui fait de lui une légende. Son expérience de la charanga témoigne de cette polyvalence et de l'évolution constante de la musique latine à New York. Parmi les charangas (ou orchestres ayant fortement adopté le format charanga) fondés et couronnés de succès à New York, elle a joué un rôle important dans l'histoire musicale de cette ville et dans celle de la charanga dans la Grosse Pomme.

Xavier Cugat, [2] (Gérone, 1^er janvier 1900 – Barcelone, 27 octobre 1990), était un musicien et chef d'orchestre espagnol de naissance, cubain d'adoption et américain de formation. Il est considéré comme l'un des artistes ayant le plus influencé la musique populaire nord-américaine avec des sonorités latino-américaines. En tant que chef d'orchestre, il a dirigé plusieurs formations orchestrales, notamment : Xavier Cugat et Charo, Cugat et ses Gigolos, Xavier Cugat et son Orchestre, The Xavier Cugat Orchestra, et son nom figure parmi les célébrités inscrites sur le Hollywood Walk of Fame.
Il émigre très jeune à Cuba avec sa famille. Instinctivement attiré par la musique, il commence à étudier le violon et rejoint l'Orchestre du Théâtre national de La Havane, alors qu'il n'est pas encore adolescent, sous le nom de Francis Cugat.
Le 6 juillet 1915, la famille Cugat s'installe à New York. C'est là que Cugat fait ses débuts dans le monde du spectacle, jouant avec un groupe musical appelé The Gigolos, spécialisé dans le répertoire musical du tango, une danse très populaire à l'époque. Il travaille ensuite comme dessinateur au Los Angeles Times, se spécialisant dans la caricature.
À la fin des années 1920, avec l'avènement du cinéma sonore, il fonde un nouvel orchestre, apparaissant d'abord dans des courts métrages, puis dans des longs métrages. Parallèlement, son orchestre inaugura, en 1931, la saison de l'hôtel Waldorf-Astoria, où il fut une attraction régulière. Il resta directeur de l'orchestre jusqu'en 1949.
Il connut un grand succès en 1940 avec l'enregistrement de la chanson Perfidia, interprétée par Miguelito Valdés, qui devint un standard de la musique lente. Depuis, de nombreux enregistrements de chansons latino-américaines au rythme de la conga et basés sur le tempo de la mambo et du cha-cha-cha suivirent, jusqu'à atteindre le twist de la fin des années cinquante.
1 Misirlou, Xavier Cugat and his orchestra, album Vinilo, 7", 45 rpm, single, 1953.

Federico Britos (1939), né à Montevideo, en Uruguay, Federico a commencé le violon à l'âge de cinq ans. George Boulanger, violoniste roumain, lors d'une tournée en Uruguay, a créé l'une de ses pièces, « Capricho Uruguayo » ; Federico avait alors onze ans. Il a eu l'occasion de rencontrer David Oistracht et Jasha Heifetz et de se produire devant eux chez son professeur, Adolph Bornstein. Tous deux ont convenu qu'il était un musicien doué, capable de jouer aussi bien du classique que du jazz.
Ayant occupé les fonctions de premier violon, de soliste et, plus tard, de premier violon auprès de grands orchestres symphoniques d'Uruguay, du Venezuela, du Pérou, de Cuba et des États-Unis (Miami), Federico a effectué de nombreuses tournées en Amérique et en Europe. Il a ensuite joué avec certains des plus grands musiciens d'Amérique latine, tels qu'Astor Piazzolla, Horacio Salgan, Bola de Nieve, Cachao, João Gilberto, Dorival Caimi, Vinicio de Moraes, Armando Manzanero et Tania Libertad. Il a également eu l'occasion de partager son talent exceptionnel avec Dizzy Gillespie, Dexter Gordon, Duke Ellington, Nat King Cole, Woody Herman, Benny Goodman, Bucky Pizzarelli, Charlie Haden, Ken Peplowski, Eddie Higgins et Charlie Byrd.
Il a également effectué des tournées en Europe avec le Hot Club USA et Franck Vignola.
Compositeur, Federico a écrit et enregistré de nombreuses œuvres pour orchestre, ensemble de chambre, ballet et danse. Il a également composé de la musique pour le cinéma, la télévision et le théâtre. Son inspiration inépuisable n'a d'égale que son talent inépuisable pour l'improvisation. [3]
2 Isla de Flores Federico Britos, album Candombe y jazz, 2002.

Alfredo De La Fé (1954) est un violoniste d'origine cubaine basé à New York. Il a adapté le violon à la musique de danse traditionnelle colombienne, créant ainsi une salsa innovante et des musiques latino-américaines. Premier violoniste soliste à se produire avec un orchestre de salsa, il a effectué plus de trente tournées mondiales, se produisant en concert et participant à plus de 100 albums d'artistes latinos de renom, dont Eddie Palmieri, Tito Puente, Celia Cruz, José Alberto « El Canario », Cheo Feliciano, The Fania All-Stars, Santana et Larry Harlow.
De La Fé commença à étudier le violon au Conservatoire Amadeo Roldán de La Havane en 1962. En 1964, il reçut une bourse pour intégrer le Conservatoire de Varsovie, en Pologne. En 1965, il interpréta des compositions de Mendelssohn et de Tchaïkovski avec l'Orchestre du Metropolitan Opera au Carnegie Hall. Une bourse de Juilliard Arts lui permit de poursuivre ses études. Il lança sa carrière professionnelle à l'âge de 12 ans, passant de la musique classique à la salsa et acceptant une invitation à rejoindre l'orchestre du musicien de charanga José Fajardo en 1966.
En 1972, il rejoint l'orchestre d'Eddie Palmieri. Il y reste cinq ans, avant de s'installer temporairement à San Francisco où il rejoint Santana en 1976. De retour à New York, il rejoint Típica 73 en 1977. Deux ans plus tard, il sort son premier album solo, Alfredo, et est nommé pour trois Grammy Awards. En 1980, De La Fé signe avec Sars All Stars et produit trente-deux albums pour le label latin. Son deuxième album solo, Charanga '80, sort la même année. En 1981, il devient directeur musical du Latin Percussion Jazz Ensemble de Tito Puente. Il reprend sa carrière solo avec l'album Triunfo. Après s'être installé en Colombie en 1983, et sort trois albums – Made in Colombia, Dancing in the Tropics et Alfredo De La Fé Vallenato – à la fin des années 1980.
3 Guajira pa ti, Alfredo De La Fe, album Dancing jazz, 2018.

La musique de David Rimelis, (1960) a touché des vies dans le monde entier. Interprète, compositeur et éducateur, il a influencé jeunes et moins jeunes. Sa voix claire et harmonisée embrasse mélodie, rythme et joie pure ! David a parcouru quatre continents, se produisant au sein de nombreux groupes et en solo. Sa musique a connu un succès bien plus grand. Il est également apparu à la télévision dans diverses situations. Plus récemment, il a commencé à animer une émission pour enfants le samedi matin, « Uncle Dave's Music Party », sur YouTube et Facebook Live. David croit profondément à l'importance de révéler les aspects les plus positifs de l'humanité, et sa musique reflète parfaitement cette perspective. Des orchestres du monde entier ont interprété sa musique, notamment le Boston Pops, le National Symphony, le Baltimore Symphony, le Jazz at Lincoln Center Orchestra, le Detroit Symphony, le San Francisco Symphony, le Louisiana Philharmonic, le Royal Liverpool Philharmonic, le St. Louis Symphony, le Western Australia Symphony, le Minnesota Symphony, l'Atlanta Symphony, le New Jersey Symphony, le New York Pops, le New Jersey Pops Jazz et le Mel Lewis Jazz Orchestra. [4]
4 Feel the fear and do it anyway, David Rimelis, 2023.

Omar Puente (1961) est un violoniste et musicien de jazz d'origine cubaine, vivant actuellement en Angleterre. On le décrit comme « un violoniste classique au cœur battant au rythme cubain, à l'âme africaine et originaire du West Yorkshire ».
Puente est né à Santiago de Cuba en 1961, pendant la révolution cubaine, d'une mère infirmière et d'un père médecin. Il commence le violon à l'âge de cinq ans et étudie à l'école de musique Esteban Salas de Santiago. À 12 ans, il obtient une bourse pour étudier la musique classique à l'Escuela Nacional de Arte de La Havane pendant six ans. Il poursuit ensuite une carrière de musicien classique, termine ses études supérieures à l'Instituto Superior de Arte, puis rejoint l'Orchestre symphonique national de Cuba (NSOC), dont il devient premier violon. Pendant cette période, il s'initie à la musique populaire cubaine et au jazz, auprès de musiciens tels que Chucho Valdes et Arturo Sandoval, et joue dans des clubs. Après avoir quitté le NSOC, il effectue des tournées mondiales avec des formations telles que l'orchestre de José María Vitier et l'Orquesta Enrique Jorrín (avec Ruben Gonzalez du Buena Vista Social Club).
Depuis son installation en Angleterre, Puente enseigne la musique cubaine et le violon jazz au Leeds College of Music, au Trinity College of Music et à la World Heart Beat Music Academy, tout en maintenant des liens avec des musiciens cubains. Il s'est produit avec l'Orchestre des jeunes Simón Bolívar du Venezuela, a composé la musique d'un ballet de Carlos Acosta, s'est produit à Londres avec Nigel Kennedy, Eddie Palmieri et le regretté Tito Puente (aucun lien de parenté), et a collaboré à un projet jazz avec le Royal Philharmonic Orchestra. Parmi les musiciens célèbres avec lesquels il a joué figurent le guitariste John Williams, le pianiste Robert Mitchell, Jools Holland, Kirsty MacColl, Ibrahim Ferrer et Omara Portuondo. Puente est un membre régulier du groupe du saxophoniste Courtney Pine, qui a produit son premier album solo From There to Here (2009).
5 My Mrs, Omar Puente, album From there to here, 2009.

James Sanders (1964), de retour à Chicago en 1989 après avoir obtenu une maîtrise en interprétation à l'université Yale, il se considérait comme un musicien classique. S'il a rapidement décroché une place au Chicago Sinfonietta (place qu'il occupe toujours), une rencontre fortuite avec la légende du violon jazz Johnny Frigo a transformé son approche de la musique à jamais.
Au cours des 30 années suivantes, Sanders a perfectionné ses talents de leader et de collaborateur dans divers contextes : jazz latino, improvisation libre, swing manouche, straight-ahead, blues, third stream et bien d'autres, tout en conservant sa place d'orchestre. Il s'est produit dans le monde entier, notamment lors de grands festivals de jazz en Italie, au Brésil, en Pologne et, bien sûr, à Chicago. Il a fondé l'ensemble de jazz latino James Sanders' Conjunto en 2001. En 2022 et 2023, Conjunto a collaboré avec le Centre culturel Segundo Ruiz Belvis pour créer Stories From the West Side, deux projets alliant musique, danse et récits afin d'explorer les expériences de vie des communautés latinos historiques de Chicago.
En plus de Conjunto, il dirige le Blue Violin Quartet, un ensemble dédié au jazz pur et dur. Il collabore régulièrement avec les membres du collectif AACM de Chicago. Sanders est également membre de l'ensemble musical Cerqua Rivera Dance Theatre, où il a composé des œuvres originales pour la danse. En 2013, il a fondé Proyecto Libre, un ensemble qui puise autant dans l'improvisation libre que dans les traditions afro-latines.
James est toujours violoniste classique et membre du Chicago Sinfonietta depuis 1993. Il a développé un programme d'enseignement des fondamentaux de l'improvisation pour les instrumentistes à cordes de formation classique. Il enseigne et coordonne également le programme d'instruments à cordes du district scolaire d'Arlington Heights, dans l'Illinois et est membre du corps enseignant du Music Institute of Chicago. [5]
5 Latin flow, James Sanders & Conjunto, album Evidencia, 2022.

Gregor Huebner (1967, Stuttgart) est un compositeur, violoniste et pianiste allemand, particulièrement connu pour ses projets jazz. Huebner, qui a grandi au bord du lac de Constance, a étudié le violon à la Hochschule für Musik de Vienne et à la Hochschule für Musik de Stuttgart auprès de Florian Zweiauer et Gerhard Voss après avoir obtenu son diplôme du Spohngymnasium de Ravensburg, ainsi que le piano jazz et la composition. Il a obtenu un master avec mention à la Manhattan School of Music de New York en 1996.
Depuis 1985, Il collabore avec le groupe Tango Five, qui s'est produit aux Expositions universelles de 1992 (Séville) et de 2000 (Hanovre), ainsi qu'aux Jeux olympiques d'Athènes de 2004, et aux festivals de tango de Montevideo et de Buenos Aires en 1998.
Huebner a interprété des pièces de Cecil Taylor avec le Quatuor à cordes Dominic Duval. Entre 1995 et 1999, il a été membre de l'orchestre de chambre Philharmonia Virtuosi. C'est pour cet orchestre qu'il a composé son œuvre orchestrale In Memoriam Bela. Son œuvre New York Stories a été interprétée par l'Orchestre symphonique de Pittsburgh en avril 2004.Depuis 1996, il collabore avec le pianiste de jazz Richie Beirach. Leur album commun Round about Federico Mompou (avec George Mraz) a été nominé aux Grammy Awards dans la catégorie « Meilleur album de jazz latin ». Avec Charlie Mariano et Beirach, il a enregistré l'album lyrique Beauty, et avec la chanteuse Jutta Czurda, il a enregistré des chansons de Kurt Weill. Depuis 2002, Hübner dirige le Gregor Huebner New York NRG Quartet avec Luis Perdomo, Hans Glawischnig et Billy Hart. Il a également été membre des groupes latins new-yorkais Jovenes del Barrio, Son Radical et Eye Contact. Il a également travaillé avec Dianne Reeves et Uri Caine. Avec l'ensemble à cordes Sirius Quartet, qui évolue entre classique et jazz.
6 Gitano Yambu, Gregor Huebner, album El violίn latino vol 2, 2016.

Alί Bello, né au Venezuela, (1975) est devenu l'un des violonistes les plus reconnus et les plus recherchés de la scène new-yorkaise. Il s'est distingué par sa polyvalence dans différents styles de musique latine et de jazz, ainsi que par sa solide formation classique et ses talents d'improvisateur. Alí a débuté sa formation musicale au sein du Système national des orchestres de jeunes du Venezuela, son pays natal. Son éducation musicale a été guidée par de grandes figures de la scène musicale, dont José Antonio Abreu, créateur et fondateur d'El Sistema. M. Abreu est internationalement reconnu comme l'instigateur du programme vénézuélien d'éducation musicale, diffusé à travers le monde, et de l'Orchestre symphonique Simón Bolívar du Venezuela. Il a également été le mentor de plusieurs artistes internationaux, notamment le directeur musical de l'Orchestre philharmonique de Los Angeles, Gustavo Dudamel.
Pour poursuivre sa carrière, Alí a quitté Caracas pour New York. Il s'est immédiatement impliqué activement dans la scène jazz et latine locale, développant ses talents dans les multiples univers musicaux de la ville. Son talent s'étend à de nombreux genres, dont le jazz, la musique classique, la pop, le R&B, la musique du Moyen-Orient, le flamenco et, plus particulièrement, les nombreux styles de musique sud-américaine. [6]
7 Caracas, Alí Bello & The Sweet Wire Band, album Inheritance 2020.

On a beaucoup parlé de la maîtrise du violon de Maureen Choi, 1983, ces dernières années : « C'est la nouvelle grande voix du violon jazz », « Elle chante avec son violon », « C'est un jeune talent incroyable ». Choi est une violoniste unique qui allie avec brio la virtuosité de la musique classique à l'improvisation et aux sonorités et rythmes de la diaspora espagnole.
Maureen est une violoniste de formation classique passionnée de composition et d'improvisation. Depuis 1993, ses performances et collaborations primées ont parcouru plusieurs continents et ont intégré des influences musicales diverses, contribuant toutes à créer son son unique, résolument ancré dans le latin jazz.
Elle a suivi une formation classique à l'université d'État du Michigan, où elle a été initiée au jazz. En 2010, elle a obtenu une bourse pour étudier au Berklee College of Music de Boston, consolidant ainsi sa passion naissante pour le langage et la technique de l'improvisation au violon. Outre ses concerts dans le monde entier, Maureen est actuellement basée à Madrid et enseigne au Berklee College of Music de Valence ainsi qu'à l'Escuela de la Música Creativa de Madrid. Elle est compositrice et leader de son quatuor diversifié, composé de musiciens flamenco-jazz de formation classique.
Son premier album de jazz, Maureen Choi Quartet, 2011, a été salué par la critique sur les radios américaines et dans des publications telles que Jazziz Magazine et Jazz Corner, et est resté dans le Top 50 d'All About Jazz pendant plusieurs mois. Son deuxième album, Ida y Vuelta, a été salué comme « L'un des groupes les plus originaux, intéressants et surprenants de la scène actuelle » (Oscar Gómez), le Maureen Choi Quartet offre une performance live captivante, composée de compositions et d'arrangements originaux de morceaux traditionnels espagnols et latino-américains. [7]
9 Tacones lejanos, Maureen Choi, album Arturo Cardelús : Con Aire de Tango, 2015.

Le violon constitue un pont entre le classique, la musique populaire et le jazz. Le violon apporte un héritage classique qui fusionne avec l'énergie de la musique populaire latine et la liberté harmonique du jazz, créant un son unique. Cet héritage musical diversifié s'inscrit dans la tradition des violonistes latins ou de ceux qui, bien que non latins, ont un style clairement enrichi avec cette tradition. Vous êtes déjà invités pour le prochain épisode.

[1] Le violon est un instrument de musique à cordes frottées. Constitué de 71 pièces de bois (érable, buis, ébène, etc.) collées ou assemblées les unes aux autres. Le violon possède quatre cordes accordées généralement à la quinte, que l'instrumentiste, appelé violoniste, frotte avec un archet ou pince avec l'index ou le pouce (en pizzicato).
Dans les formations de musique classique comme le quatuor à cordes ou l'orchestre symphonique, le violon est l'instrument le plus petit et de tessiture la plus aiguë parmi sa famille ; celle-ci inclut l'alto, le violoncelle et la contrebasse.
Sa création remonte au XVIᵉ siècle. Très vite popularisé, il occupe une place prépondérante dans la musique classique occidentale : de grands compositeurs ont écrit pour cet instrument (concertos, musique de chambre, pièces symphoniques, etc.) voire en jouaient eux-mêmes (Vivaldi, Bach, Mozart, etc.). Des violonistes, compositeurs du XVIIIᵉ siècle tels Niccolo Paganini, Eugène Ysaÿe ou Jean Sibelius au XXᵉ siècle, ont acquis une grande renommée. https://fr.wikipedia.org/wiki/Violon

[2] Sauf mention contraire, les informations biographiques présentées ici sont un résumé des biographies disponibles sur https://en.wikipedia.org/wiki/Main_Page

[3] https://www.allaboutjazz.com/musicians/federico-britos/

[4] https://www.empowerma.com/presskit/dave-rimelis/

[5] https://www.jamessandersviolin.com/about

[6] www.zohomusic.com

[7] https://blujazzakron.com/show/maureen-choi-quartet-latin-jazz-made-in-spain-06-24-2017/

C'est du jazz latino 43 (les violonistes)
Un espace pour l'écoute, la danse et le plaisir...

1 Misirlou, Xavier Cugat and his orchestra, album Vinilo, 7", 45 RPM, Single, 1953.
2 Isla de flores, Federico Britos, album Candombe y jazz, 2002.
3 Guajira pa ti, Alfredo De La Fe, album Dancing jazz, 2018.
4 Feel the fear and do it anyway, David Rimelis, 2023.
5 My Mrs, Omar Puente, album From there to here, 2009.
6 Latin flow, James Sanders & Conjunto, album Evidencia, 2022.
7 Gitano Yambu, Gregor Huebner, album El violίn latino vol 2, 2016.
8 Caracas, Alí Bello & The Sweet Wire Band, album Inheritance 2020.
9 Tacones lejanos, Maureen Choi, album Arturo Cardelús : Con Aire de Tango, 2015.

C'est du jazz latino 42

Pedro Alzuru — 2025-11-30T16:42:02Z

Bien que la flûte et le violon ne soient pas aussi omniprésents dans le jazz latino que les trompettes, les trombones ou la section rythmique, leur présence est historique et, de fait, ils connaissent un regain d'intérêt notable. Ce sont des instruments qui ajoutent une texture très distinctive, tantôt aérienne et agile, tantôt lyrique et nostalgique, ce qui les rend particulièrement attrayants dans ce genre.

La flûte [1] possède un héritage très fort dans la musique cubaine, antillaise et dans le jazz latino. Parmi les caractéristiques de son jeu, on peut souligner l'influence notable de la charanga, son rôle le plus important vient des charangas cubaines et de celles qui, basées sur ce format, se sont répandues à travers les Amériques, dont beaucoup étaient basées à New York dans les années 1950, 1960 et 1970. Dans ce format orchestral, la flûte (généralement la flûte en bois à cinq clés, bien que la flûte traversière moderne soit plus couramment utilisée aujourd'hui) partage le rôle mélodique principal avec le violon. Cela confère à la section des vents un son très doux et élégant. Il convient également de noter son agilité et sa virtuosité, la flûte est un instrument incroyablement agile, qui se traduit par des solos rapides et mélodiques, pleins d'arpèges et de gammes vertigineuses qui peuvent être très impressionnants. Les flûtistes de jazz latino possèdent généralement une technique raffinée pour naviguer dans les rythmes et les harmonies complexes du jazz. Outre la charanga, il convient de noter l'influence de la guaracha et d'autres rythmes et mélodies entraînants : la flûte excelle à jouer des mélodies entraînantes et à improviser dessus avec un phrasé très rythmé et dansant. Ses lignes mélodiques sont souvent chantantes et apportent de la légèreté à l'ensemble. Une autre vertu de la flûte est sa capacité à créer du dialogue et du contraste. Elle peut alterner entre un brillant instrument soliste et un instrument à vent, contrastant avec le son plus « métallique » des trompettes ou des trombones ; son timbre clair ressort facilement.

Un groupe de flûtistes remarquables doit être mentionné, et ce, dans les styles les plus divers : Richard Egües, de l'Orchestre d'Aragon, pionnier absolu de la flûte dans la charanga et influence incontournable ; José Fajardo, figure clé de l'explosion de la charanga à New York et également influence majeure ; Dave Valentín, l'un des flûtistes de latin jazz les plus célèbres de l'histoire, connu pour sa polyvalence et sa sonorité distinctive ; Nestor Torres, autre géant contemporain, fusionne jazz, pop et rythmes latins avec sa flûte ; le vénézuélien Huascar Barradas, qui intègre les genres nationaux de son pays aux traditions caribéenne, latino-américaine et jazz.

Impossible d'aborder l'histoire et le statut actuel de ces deux instruments dans la musique latine et le jazz sans évoquer la forme orchestrale et le rythme de la charanga. La charanga, en tant que forme orchestrale et sonorité distinctive, s'est répandue depuis Cuba, notamment à l'âge d'or du danzón, du cha-cha-cha et du mambo, influençant une grande partie du continent et la diaspora latine aux États-Unis.

Si la forme charanga « pure » (flûte, violons, piano, basse, percussions) est plus fidèle à ses racines cubaines, de nombreux groupes étrangers ont adopté l'essence de la charanga, fusionnant sa sonorité distinctive (notamment la flûte et les violons avec des rythmes latins) avec leurs propres traditions ou avec le jazz, créant ainsi ce que nous connaissons aujourd'hui sous le nom de jazz latino et des sous-genres de la salsa. Certaines charangas et certains groupes fortement influencés par la charanga sont nés et ont survécu dans d'autres pays, principalement aux États-Unis (surtout à New York, qui était un creuset culturel) et à Porto Rico, où l'influence cubaine était massive. Aux États-Unis (principalement à New York) : l'Orquesta Broadway est probablement la charanga la plus célèbre et la plus durable en dehors de Cuba. Fondée à New York en 1962 par les frères Eddy Zervigón (flûte) et Rudy Zervigón (violon et leader) ; l'Orquesta Broadway est devenue un pilier de la scène salsa et jazz latino de la Big Apple. Conservant le format classique de la charanga cubaine, elle a connu une immense popularité, faisant découvrir le cha-cha-cha et le danzón aux nouvelles générations et les fusionnant avec la salsa. Elle a enregistré de nombreux albums et est devenue un incontournable.

Charanga America, fondée à New York, a également connu son apogée dans les années 1970 et 1980, avec l'enregistrement de plusieurs albums. Elle a conservé le format traditionnel de la charanga, en y intégrant le swing new-yorkais. Son tube « Ayúdame San Antonio » est un bon exemple de son style. Charanga 76, bien que de courte durée, était un autre orchestre new-yorkais important des années 1970, combinant le format charanga aux tendances salsa de l'époque. Charanga Sensación, autre groupe new-yorkais de premier plan, a suivi le format charanga et a contribué à la scène salsa. Joe Quijano y Su Conjunto Cachana, bien que n'étant pas un pur charanga, ont été fortement influencés par le format charanga, incluant souvent des flûtes et des violons, et leur musique mambo et pachanga avait cette saveur particulière. Quijano (portoricain) a joué un rôle essentiel dans la popularisation de ces rythmes à New York. (Pacheco y su Charanga, avant les Fania All-Stars, Johnny Pacheco (dominicain) a eu une charanga très réussie dans les années 1960, qui a contribué à l'explosion de la pachanga. Son approche était plus rythmique et dansante, et bien qu'elle ait ensuite évolué vers un format d'ensemble avec trompettes, ses débuts avec la charanga ont été très influents. Eddie Palmieri (à ses débuts et dans certains projets), bien que Palmieri (nuyorican) soit connu pour ses « orchestres de trombone », on le retrouve dès ses débuts avec son groupe La Perfecta et dans certains projets tout au long de sa carrière, où l'on retrouve des influences et des éléments de la charanga, incluant parfois la flûte. Sa capacité à fusionner les genres a toujours été remarquable.

Alberto Socarrás, né à Manzanillo, Cuba, le 19 septembre 1908-(1987), est un flûtiste qui joue du jazz, du merengue, du mambo et du cha-cha-cha. Le jeune Alberto Socarrás, âgé de 7 ans, commence par apprendre la flûte en 1915 avec sa mère Dolores Estacio, et s'initie tout seul au jeu du saxophone en écoutant des disques de Rudy Wiedoeft. Il rejoint ensuite le Conservatoire Provincial de Musique à Santiago de Cuba, puis complètera ses études au Timothy Music Conservatory à New York, obtenant un diplôme équivalant à un doctorat en musique.
The Cuban Jazz Band est fondé en 1922 par Jaime Prats à La Havane. La formation inclut son fils Rodrigo Prats au violon, Alberto Socarrás à la flûte et au saxophone, et Pucho Jiménez au trombone à coulisse. Des travaux récents citent cet ensemble comme étant le tout premier jazz band à Cuba, mais ils furent plusieurs groupes à pouvoir prétendre à ce titre. En 1926, âgé de 18 ans, il décide d'immigrer aux États-Unis où il effectuera toute sa carrière avec une reconnaissance et un succès public, à partir de 1927, il fait la connaissance de Clarence Williams qui l'invite à rejoindre son Clarence Williams Orchestra et le Clarence Williams' Jazz Kings. Durant les quatre années qui suivront, Socarrás enregistre huit pièces musicales où la flûte est prédominante. Son enregistrement du vrai premier solo de flûte jazz dans le titre Have You Ever Felt That Way lui vaudra de rentrer à tout jamais dans l'histoire de la musique jazz noire américaine. Le 5 septembre 1930, Alberto Socarras enregistre pour l'orchestre Walter Bennett's Swamplanders, plusieurs titres dont You Can't Be Mine et Somebody Else's Too. En 1931, de nouvelles sessions d'enregistrement le conduisent à jouer avec le Russell Wooding's Grand Central Red Caps. Socarrás formera par suite en 1937 le Magic Flute Orchestra.
Durant les années cinquante, Socarras fera un retour à ses sources musicales, pour devenir un musicien hors pair de charanga cubaine, de mambo et de cha-cha-cha. Il est décédé à New York le 26 août 1987.
1 Capricho brujo, album Latin Impressions by Alberto Socarrás, 1957.

Richard Egües (né le 26 janvier 1924 à Cruces et mort le 1^er septembre 2006 à La Havane) est un flûtiste cubain. Après avoir appris à jouer du saxophone, de la clarinette et du piano, il décide de se spécialiser dans la flûte dans les années 1940, jugeant que les joueurs de flûtes disposent de plus de temps de récupération durant les représentations. Egües devient le principal représentant du style charanga parmi les flûtistes cubains.
Les groupes de charanga sont composés de voix, de percussions, de cordes ainsi que d'un flûtiste qui se retrouve au centre de cette architecture. Egües exerça de nombreuses années en tant que flûtiste au sein de l'un des plus fameux groupes de musique charanga de Cuba : l'Orquesta Aragon (fondé en 1939). Durant plusieurs années, il ne fit pas partie intégrante du groupe et ne participait que de façon temporaire aux projets musicaux. Mais après le départ en 1954 de Rolando Lozano, alors leader de l'Orquesta Aragon, Egües fut finalement sollicité pour intégrer à part entière le groupe et prendre la place de leader de la composition. Egües reste avec le groupe plus de 30 ans et devient un participant actif du groupe (comme flûtiste, compositeur et interprète). Il meurt des suites d'un accident vasculaire cérébral.
2 Angoa, Richard Egües, album Cuban sessions, 1999.

Herbie Mann, de son vrai nom Herbert Solomon, né le 16 avril 1930 et mort le 1^er juillet 2003, est un flûtiste de jazz américain. Dès la fin des années 1950, Herbie Mann a contribué à faire de la flûte un instrument de jazz. Mann a souvent incorporé dans ses compositions des éléments tirés de la musique africaine, afro-cubaine, d'Europe de l'Est, moyenne-orientale, indienne et brésilienne. Il débute avec l'accordéoniste Mat Mattews et la chanteuse Carmen McRae. Dans les années 1950-60, il joue avec de nombreux jazzmen (Sarah Vaughan, Clifford Brown, Clark Terry, Chet Baker, Bill Evans, Bobby Jaspar.
Précurseur de la world music, il enregistre des albums intégrant des éléments puisés dans les "musiques du monde". On peut l'entendre avec des musiciens brésiliens (Baden Powell, Antônio Carlos Jobim, João Gilberto, Sergio Mendes...), cubains (Carlos "Patato" Valdes, Willie Bobo...), indiens (Vasant Rai...) ou nigérians (Babatunde Olatunji...).
À la fin des années 1960, s'éloignant du jazz et de la bossa nova, il s'oriente vers un jazz fusion mâtiné de rhythm and blues et de musique soul (cf. l'album Memphis Underground avec Larry Coryell, Sonny Sharrock et Roy Ayers). Durant l'été 1969, il se produit au Harlem Cultural Festival. Dans les années 1970, il enregistre même quelques albums dans un style disco et des albums avec la chanteuse Cissy Houston. En 1974, il enregistre un album de style reggae. Dans les années 1980-90, on peut encore l'entendre aussi bien dans des contextes totalement jazz (avec Ron Carter, Phil Woods, Miroslav Vitouš...) que dans des contextes rock ou pop (avec Average White Band, Tonto's Expanding Head Band, Stereolab...). Il meurt à 73 ans, des suites d'un cancer de la prostate.
3 Todos locos, Herbie Mann, album Flautista, 1960.

Johnny Pacheco est un musicien, compositeur, arrangeur, producteur et directeur musical né le 25 mars 1935 à Santiago de los Caballeros, en République dominicaine, et mort le 15 février 2021 à Teaneck, dans l'état américain du New Jersey. Il est considéré comme l'une des figures les plus influentes de la musique latine et caribéenne pour avoir été le cofondateur avec Jerry Masucci du label Fania. Cela a été décisif dans la consolidation de la salsa.
Johnny Pacheco doit sa passion pour la musique à son père, Rafael Azarías Pacheco, clarinettiste et chef de l'orchestre de Santa Cecilia. À onze ans, il émigre à New York avec sa famille. Il apprend à jouer de l'accordéon, du violon, du saxophone et de la clarinette, puis à la Juilliard School des percussions. Il devient un des principaux percussionnistes de son temps. Il joue et enregistre avec les plus importants artistes américains. Après l'apprentissage de la flûte, il est reconnu comme étant l'un des meilleurs flûtistes de son époque.
En 1958, il fait partie de la Charanga Duboney de Charlie Palmieri, avec le chanteur Vitín Avilés. En 1960, il organise son premier et légendaire orchestre, Pacheco y Su Charanga. Son premier album Johnny Pacheco y su Charanga vol. 1, chez Alegre Records, s'est vendu à plus de 100 000 exemplaires la première année, devenant la meilleure vente d'albums du moment. L'album est un classique. En 1964, il sort chez Fania son nouvel album, Cañonazo, qui abandonne la charanga au profit du conjunto.
Découvreur de talents, c'est lui qui donne leur chance à des gens comme Willie Colón, Hector Lavoe, ou encore qui remet sur les rails la carrière de Celia Cruz. C'est également lui qui dirige l'orchestre mythique réunissant tous les talents du label Fania, le Fania All Stars, avec lequel il part en tournée dans le monde entier. Il est nommé neuf fois aux Grammy et obtient dix disques d'or.
Il a démontré sa solidarité avec les victimes de l'ouragan Georges. Il a également participé à un concert pour la lutte contre le SIDA, en novembre 1988 à New York. En juin 1996, Johnny Pacheco est le premier producteur de musique latine à recevoir le NARAS (National Academy of Recording Arts & Sciences) Award à New York. Il meurt le 15 février 2021 à Teaneck, dans le New Jersey.
4 Desafinado, Johnny Pacheco, album Spotlight on Pacheco, vol. 5, 1963.

Hermeto Pascoal (né le 22 juin 1936 à Arapiraca, État d'Alagoas, et mort le 13 septembre 2025 à Rio de Janeiro) est l'un des multi-instrumentistes et musiciens d'avant-garde les plus renommés du Brésil. Il est considéré comme une sommité du jazz brésilien. Pascoal a contribué plus résolument au développement de la musique rythmique contemporaine avec des éléments d'improvisation que de nombreux compositeurs et arrangeurs du milieu jazz.
Hermeto Pascoal est albinos et, tant par son apparence que par son expressivité musicale, est une figure extraordinaire. Il joue de nombreux instruments, dont l'accordéon, le saxophone, la flûte traversière, la guitare, ainsi que divers instruments de percussion et claviers. Au Brésil, on le surnomme « O Bruxo » (le magicien, le sorcier) « car il peut faire de la musique avec tout ce qui l'entoure » De plus, sa modernisation du choro à la fin des années 1960 a donné à la musique brésilienne un élan important et inspiré d'autres artistes.
Hermeto Pascoal a fait ses premières expériences musicales à l'âge de 10 ans avec l'accordéon et la flûte. Il a ensuite fait ses premières apparitions sur scène avec son frère aîné, José Neto Pascoal. En 1950, la famille s'est installée à Recife. Peu après, il a commencé ses premières expériences musicales, à la recherche de nouvelles sonorités, apprenant tous les instruments qui lui tombaient sous la main. Autodidacte, Pascoal mélange différents styles, tels que la musique brésilienne, le jazz et la musique contemporaine
Son album A Música Livre de Hermeto Pascoal (1973), sorti pendant la dictature militaire, devient un album de la contre-culture brésilienne. Sur l'album Slave Mass, il utilise des cochons vivants, tirés par la queue, comme instruments de percussion. Il a enregistré l'album Eu E Eles (1999) en solo avec des dizaines d'instruments différents.
5 Bebê, Hermeto Pascoal, album A mύsica livre de Hermeto Pascoal, 1973.

Justo Pastor Almario Gómez (18 février 1949) est un musicien de jazz latino colombien, flûtiste, saxophoniste et chef d'orchestre basé à Los Angeles. Il fait partie des musiciens recrutés par Mongo Santamaría pour son groupe dans les années 1970, notamment sur l'album Afro–Indio (1975). Né à Sincelejo et résidant à Medellín, Almario est issu d'une tradition musicale familiale et se consacre aux instruments à vent depuis son enfance.
Il a étudié au prestigieux Berklee College of Music de Boston, dans le Massachusetts, avant de rejoindre Mongo Santamaría. Il s'est produit en concert et sur des enregistrements avec son propre groupe. Il travaille avec le batteur Richie García, le bassiste Guillermo Guzmán, le guitariste George Krischke et le pianiste Billy Cantos.
Almario a aussi accompagné Jon Lucien, Frank Foster, Freddie Hubbard et Willie Bobo. Il a également joué dans le groupe funk-jazz Koinonia d'Abraham Laboriel (basse électrique), aux côtés d'Álex Acuña (batterie), Harlan Rogers (claviers) et Bill Maxwell (batterie), et a été invité dans les groupes de Machito, Tito Puente, Cal Tjader et Poncho Sánchez.
Dans les années 90, Almario, de confession chrétienne, a participé à des enregistrements de gospel en direct avec Hosanna Music aux côtés de ses collègues de Koinonia, Abraham Laboriel et Álex Acuña, avec les artistes Don Moen (Worship), Ron Kenoly (Lift Him Up, God is Able et Sing Out) et Lionel Pettersen (Rejoice Africa), où sa virtuosité en soliste, tant à la flûte qu'au saxophone, est particulièrement remarquable. Il a également participé à des enregistrements avec des artistes chrétiens hispanophones tels que Marcos Vidal (Live Praise and Worship), le Res Q Band d'Álvaro López (Por Amor), Alejandro Alonso (Alguien) et bien d'autres. Dans les années 90, il a également enregistré un projet solo de gospel instrumental avec Abraham Laboriel, intitulé Justo y Abraham.
6 Abrazos y besos, Justo Almario, album Family time, 1989.

David Peter Valentin (29 avril 1952 – 8 mars 2017) était un flûtiste de jazz latino d'origine portoricaine. Valentin est né dans le Bronx, à New York. Il a fréquenté la High School of Music & Art. Il a appris les percussions dès son plus jeune âge et, à 10 ans, jouait déjà de la conga et des timbales de manière professionnelle.
Il a suivi les cours d'Hubert Laws, qui est devenu son mentor. Dans les années 1970, Valentin a combiné les styles afro-cubain, brésilien et funk avec le jazz au sein de son ensemble, qui comprenait à plusieurs reprises Bill O'Connell (piano), Lincoln Goines et Ruben Rodriguez (basse), Richie Morales et Robby Ameen batterie), Sammy Figueroa et Giovanni Hidalgo (congas).
Il a été le premier musicien à signer chez GRP Records, un label fondé par Dave Grusin et Larry Rosen spécialisé dans le smooth jazz, le jazz fusion et le jazz-pop-latino. Il a enregistré son premier album avec Ricardo Marrero en 1977. Au fil du temps, il a enregistré avec Noel Pointer, Patti Austin, Lee Ritenour, Chris Connor, David Benoit, Eliane Elias et Nnenna Freelon. Jusqu'en 1979, il était aussi instituteur.
Pendant plusieurs années, Valentin a été directeur musical des Golden Latin Jazz All-Stars de Tito Puente et a également fait des tournées avec le Conjunto Libre de Manny Oquendo. En 2000, il est apparu dans le documentaire Calle 54 avec l'orchestre de Tito Puente.
Pendant sept années consécutives, il a été élu meilleur flûtiste de jazz par les lecteurs du magazine Jazziz. En 1985, il a été nominé aux Grammy Awards du meilleur instrumentiste R&B. En 2003, il a remporté un Grammy pour le projet Caribbean Jazz, un album qu'il a enregistré avec Dave Samuels. Le 8 mars 2017, Valentin est décédé des suites d'un accident vasculaire cérébral et de la maladie de Parkinson dans le Bronx, à l'âge de 64 ans.
7 Smile, Dave Valentin, album Pure Imagination, 2011.

Andrea Brachfeld (née le 3 mai 1954 à Utica, New York) est une musicienne de jazz américaine (flûte traversière, composition). Brachfeld commence le piano à six ans et la flûte à dix ans. Entre 1969 et 1972, elle est diplômée de la High School of Music & Art de Manhattan, où elle joue avec Noel Pointer et Nat Adderley. Elle suit également les ateliers Jazz mobile, où Jimmy Heath est l'un de ses professeurs de flûte. À 16 ans, elle donne ses premiers concerts de jazz. Elle étudie ensuite la flûte à la Manhattan School of Music avec Harold Bennett et Andrew Loyla. Elle prend pareillement des cours particuliers avec Hubert Laws, Eddie Daniels, George Coleman, ainsi qu'avec Lloyd McNeill, élève de Dolphy.
En 1974, elle commence à travailler avec Tipica New York, un groupe de charanga, et d'autres groupes latinos tels que le Benito Sextet, Tipica Ideal et Joe Quijano. Elle a par ailleurs joué avec Tito Puente, Ray Barretto et Machito. En 1976, Brachfeld a participé à l'album éponyme Charanga '76 avec le groupe, suivi de l'album Encore, et est devenue la première femme à jouer de la flûte dans un groupe de charanga aux États-Unis.
Brachfeld a enregistré son premier album, Andrea, en 1978. Un an plus tard, à l'invitation de Renato Capriles, elle s'est rendue au Venezuela, où elle a formé un groupe avec lequel elle a assuré les premières parties de Gary Burton, Chick Corea et Paco de Lucia.
Son album Remembered Dreams est sorti en 2001. D'autres albums ont suivi, dont Beyond Standards, 2006, et Into the World : A Musical Offering, 2008. Sous le nom de Kala Devi, elle a enregistré l'album Songs from the Divine : Spiritual Flute Music for Yoga and Meditation, 2009. En 2014, l'album bop Lady of the Island, 2014 et l'album Lotus Blossom, 2015.
Brachfeld a reçu le prix Louis Armstrong de Jazz Interactions en 1974 pour son excellence. En 2015, elle a été saluée comme la meilleure flûtiste de jazz par le magazine Hot House. Elle a également reçu le prix Prix Chico O'Farrill pour l'ensemble de sa carrière en jazz latino aux États-Unis.
8 Mambo Yo, Andrea Brachfeld, album Into the World : A Musical Offering, 2008.

Néstor Torres (né le 21 avril 1957 à Mayagüez) est un flûtiste de jazz portoricain. Torres, qui a grandi à Porto Rico, a été encouragé musicalement par son père, vibraphoniste, qui l'a présenté très jeune à Cal Tjader, Dave Brubeck et Tito Puente. Après s'être d'abord consacré à la batterie à l'âge de cinq ans, il a changé d'avis à douze ans. Il a commencé à prendre des cours de flûte à l'Escuela Libre de Música, puis a intégré l'Universidad Interamericana de Puerto Rico.
À 18 ans, il a déménagé avec sa famille à New York. Il a d'abord étudié au (Mannes College of Music de New York, puis à Boston au New England Conservatory of Music et au Berklee College of Music jusqu'en 1977. De retour à New York, il a joué avec Puente et Eddie Palmieri, qui l'ont soutenu, mais a également travaillé dans des groupes de charanga comme l'Orchestra Rytmo Africa-Cubana.
Depuis 1981, il enregistre des albums sous son propre nom. La même année, il s'installe à Miami, où il joue dans des groupes de salsa et enseigne dans des universités du sud de la Floride. Son album Morning Ride, sorti en 1990 sur Verve Records, s'est classé parmi les dix meilleures ventes de jazz. Un accident de bateau a d'abord freiné la carrière de Torres ; cependant, d'autres albums ont suivi régulièrement. This Side of Paradise a remporté un Latin Grammy du « Meilleur album instrumental pop » en 2001. L'album live Jazz Flute Traditions contient des reprises de chansons connues pour flûte de jazz.
9 Once Upon A Time In Santo Domingo, Nestor Torres, album Dominican Suite, 2022.

Huáscar Barradas (Maracaibo, État de Zulia, 12 juin 1964) est un musicien, compositeur et producteur vénézuélien spécialisé dans la flûte. À l'âge de neuf ans, il est fasciné par Casse-Noisette de Tchaïkovski. Il commence ses études musicales au Conservatoire José Luis Paz. Il devient ensuite membre fondateur du premier Orchestre national d'enfants du Système d'orchestres d'enfants et de jeunes du Venezuela, mondialement reconnu.
Petit à petit, il développe son talent pour la flûte et commence à interpréter de la musique traditionnelle vénézuélienne à l'Estudiantine de la jeunesse de l'État de Zulia. Ce parcours le mènera à la découverte de la musique populaire et de ses différents courants, explorant des genres aux rythmes caribéens, ainsi que le jazz, la pop et d'autres courants musicaux. À 12 ans, il donne ses premiers concerts en soliste et, à 16 ans, il rejoint un groupe de musique caribéenne. Puis, à 17 ans, le gouvernement régional de Zulia lui offre une bourse et part aux États-Unis.
Lors de son voyage à San Jacinto, au Texas, il remporte le concours du Texas Junior College et, peu après, se rend à New York pour étudier au Brooklyn College avec Bernard Golberg. Il étudie également le jazz au City College de New York avec le bassiste légendaire Ron Carter, et la direction d'orchestre à la Julliard School of Music avec le maestro Vincent la Selva. Il est également invité à des concerts, des pièces de théâtre, des comédies musicales et des opéras.
Après avoir obtenu une licence d'interprétation musicale avec mention, il retourne dans son pays natal, où il travaille comme flûtiste solo à l'Orchestre symphonique de Maracaibo. Peu après, une bourse lui permet d'étudier à l'École de musique de Francfort, en Allemagne.
En 1992, il enregistre son premier album, intitulé Huáscar Barradas Folklore From Venezuela. Après douze ans de travail à l'étranger, il rentre au Venezuela et remporte un concours pour le poste de flûtiste solo à l'Orchestre philharmonique national du Venezuela. Plus tard, il est sélectionné pour rejoindre l'Orchestre symphonique municipal de Caracas. Au cours de sa carrière, il a enregistré 18 albums.
10 Capullito de alhelί, Huascar Barradas, album Latineando, 2006.

Ainsi s'achève notre programme consacré à la flûte dans le jazz latino. Dans l'histoire de la musique latine, qu'il s'agisse de certains genres nationaux ou de leurs diverses fusions, il convient de mentionner un groupe de flûtistes remarquables, aux styles très variés. C'est ce que nous avons tenté de vous présenter aujourd'hui. Nous vous invitons à revenir pour le prochain épisode.

[1] Flûte (ou flute) est un terme générique désignant un instrument de musique à vent dont le son est créé par l'oscillation d'un jet d'air autour d'un biseau droit, en encoche ou en anneau.

Ce souffle peut être dirigé librement par l'instrumentiste dans le cas des flûtes traversières, des instruments de type quena ou encore des flûtes de Pan, ou canalisé par un conduit en étant émis par le musicien lui-même dans le cas des différents types flûtes à bec ou en étant créé par une soufflerie mécanique dans le cas du jeu d'orgue.

Les flûtes sont le plus souvent de forme tubulaire mais parfois globulaire, en graminée, en bois, en os ou en corne, mais aussi en pierre, en terre cuite, en plastique, en métal (or, argent…), en ivoire et même en cristal, la flûte peut être formée d'un ou de plusieurs tuyaux, avec ou sans trous, ou posséder une coulisse.

C'est du jazz latino 42 (les flûtistes)
Un espace pour l'écoute, la danse et le plaisir...

1 Capricho brujo, album Latin Impressions by Alberto Socarrás, 1957.
2 Angoa, Richard Egues, album Cuban sessions, 1999.
3 Todos locos, Herbie Mann, album Flautista, 1960.
4 Desafinado, Johnny Pacheco, album Spotlight on Pacheco, vol. 5, 1963.
5 Bebê, Hermeto Pascoal, album A mύsica livre de Hermeto Pascoal, 1973.
6 Abrazos y besos, Justo Almario, album Family time, 1989.
7 Smile, Dave Valentin, album Pure Imagination, 2011.
8 Mambo Yo, Andrea Brachfeld, album Into the World : A Musical Offering, 2008.
9 Once Upon A Time In Santo Domingo, Nestor Torres, album Dominican Suite, 2022.
10 Capullito de alhelί, Huascar Barradas, album Latineando, 2006.

C'est du jazz latino 41

Pedro Alzuru — 2025-11-02T11:28:55Z

Le jeu du trombone en latin jazz présente des caractéristiques distinctives, fruit à la fois des traditions qui y sont préservées et des innovations que chaque nouvelle génération de musiciens, fidèle à son époque, acquiert naturellement. Du point de vue du mélomane, sans entrer dans les détails techniques de la composition, le trombone en latin jazz est un instrument à la personnalité bien distincte. Ses principales caractéristiques lui confèrent sa saveur unique et le rendent si reconnaissable.

Dans le jazz latino, le trombone [1] joue un rôle primordial, sa sonorité callejera (du faubourg, street) est peut-être sa caractéristique la plus distinctive. Le trombone lui confère un son puissant, épais et parfois légèrement « rauque » (dans le bon sens du terme). Celui-ci contraste avec la brillance des trompettes ou la douceur des violons, conférant à la musique une énergie plus terreuse et locale. Souvent, les sections de trombones (deux, trois, voire quatre) créent une sorte de mur sonore rythmique et mélodique. Ils ne se contentent pas de jouer des mélodies, ils créent aussi des « moñas » (phrases répétitives et entraînantes) qui s'entremêlent au rythme, renforçant l'énergie de la chanson. C'est un son compact et très percutant. On retrouve cette caractéristique dans le célèbre groupe de Machito dans les années 1940, dans celui de Tito Rodriguez quelques années plus tard, et dans les groupes d'Eddie Palmieri jusqu'à aujourd'hui.

Le trombone, grâce à sa coulisse, permet des glissements fluides (glissandos) entre les notes et des chutes dramatiques qui imitent la parole humaine ou une complainte. Cela confère à la salsa une touche très expressive, parfois même enjouée. Dans les sections de mambo, où l'orchestre explose rythmiquement, le trombone déploie une puissance immense. Ses phrases sont généralement puissantes, courtes et rythmiquement précises, contribuant à cette énergie irrésistible pour la danse.

On ne peut pas parler du trombone en salsa sans évoquer Willie Colón. Il l'a propulsée au premier plan, lui donnant une importance qu'elle n'avait pas auparavant, et a largement défini le son bravo et street que nous associons à la salsa dura. Cependant, comme de nombreuses innovations dans ce genre musical, qui s'inscrit dans la continuité des rythmes caribéens popularisés dans les Amériques du début du XXᵉ siècle jusqu'à l'avant-garde du latin jazz actuel, elles s'inscrivent dans une tradition.

En latin jazz, le trombone conserve certaines des caractéristiques de la salsa, mais avec une plus grande flexibilité et une plus grande importance accordée à l'improvisation et à la sophistication harmonique. En termes de polyvalence tonale, le trombone peut sonner puissant et brillant pour percer les cuivres, ou doux et velouté pour les mélodies lyriques et les solos introspectifs. C'est un instrument très expressif. Dans ses solos mélodiques et rythmiques, en latin jazz, le trombone laisse une large place à l'improvisation. Leurs solos peuvent être très mélodiques et chantants, mais aussi rythmiquement complexes, jouant avec la clave et des motifs afro-cubains ou brésiliens.

L'utilisation du slide comme « couleur » est également un facteur important : comme en salsa, les glissandos et les inflexions slide sont des outils expressifs importants qui permettent au tromboniste d'étaler les notes, d'ajouter une touche blues ou plaintive, ou simplement de donner une couleur particulière au phrasé, très jazzy.

Dans la section des cuivres : bien qu'il puisse avoir des moments de prédominance, le trombone y est crucial (avec les trompettes et les saxophones). Il contribue à la richesse des arrangements et des harmonies, apportant souvent « l'embonpoint » ou le « corps » du son global des cuivres.

Dans son dialogue avec les percussions : sa sonorité profonde et sa capacité rythmique lui permettent d'établir un dialogue très étroit avec les percussions (congas, bongos, timbales), créant un « pousser et tirer » essentiel au groove. En bref, tant en salsa qu'en latin jazz, le trombone est un instrument qui apporte puissance, expressivité, une couleur unique et une connexion profonde avec le rythme. C'est la partie la plus difficile de la section des vents, mais avec une capacité surprenante à la mélodie et au lyrisme.

Generoso Jiménez García (1917–2007), était un tromboniste, chef d'orchestre et arrangeur cubain. Il était membre de la Banda Gigante de Beny Moré et collaborait fréquemment avec des musiciens de la scène descarga comme Cachao. Le producteur Nat Chediak a décrit Tojo comme « le père du trombone créole ».
En 1939, il fonda l'Orquesta Rítmica avec le flûtiste Efraín Loyola et le violoniste Gilberto La Rosa. Il resta à Cuba après l'arrivée au pouvoir de Fidel Castro en 1959 et enregistra en 1965 El trombón majadero, considéré comme un classique de la musique cubaine. Il tomba ensuite en disgrâce auprès du gouvernement cubain, arrêta de jouer du trombone et devint vendeur ambulant.
En 2001, il compose, arrange et réalise un nouvel album, Generoso qué bueno toca usted, avec 27 musiciens, dont Paquito D'Rivera et Arturo Sandoval. En 2003, il est autorisé à assister à la cérémonie des Grammy Awards à New York suite à la nomination de l'album dans la catégorie « Meilleur album latin tropical traditionnel ». Quelques mois plus tard, il retourne aux États-Unis et s'installe en Floride. Il reprend le trombone et sa carrière renaît. Son dernier enregistrement est pour l'album 90 Millas de Gloria Estefan, sorti en 2007.
Discographie : Ritmo (1957), El danzón con Generoso y su danzonera (1960), El trombón majadero 1965, Generoso qué bueno toca usted (2001). [2]
1 Trombόn criollo, Generoso Jiménez avec Cachao, album Cuban Jam Sessions, 1957.

« Barry » Rogers (1935–1991), tromboniste américain de jazz et de salsa. Né dans le Bronx, il descendait de familles juives polonaises et a grandi à Spanish Harlem. Sa famille (nom d'origine : Rogenstein) possédait un sens aigu de la musique. Son père et plusieurs de ses oncles chantaient dans la chorale de Joseph Rosenblatt, et sa mère enseignait en Afrique et au Mexique, suscitant son intérêt pour la musique d'autres pays. La mambo et le jazz étaient populaires dans son quartier.
Élève des trombonistes de jazz Jack Teagarden, Lawrence Brown et J. C. Higginbotham, Rogers a commencé à jouer de la musique latine au milieu des années 1950 et y restera étroitement associé dès lors. Il a développé son style en travaillant avec Eddie Palmieri. Willie Colón considérait Rogers comme sa plus grande influence musicale et l'utilisait dans plusieurs de ses productions. Bobby Valentín l'utilisait dans sa chanson El Jíbaro y la Naturaleza, ce qui a valu à Marvin Santiago de le surnommer « El Terror de los Trombones ». Rogers a travaillé avec Israel « Cachao » López, Machito, Manny Oquendo, Celia Cruz, Tito Puente, Cheo Feliciano, Johnny Pacheco, Chino Rodríguez et les Fania All-Stars. Bien que connu comme tromboniste de salsa et musicien de studio, il a collaboré avec des musiciens de jazz, de soul et de pop. Il a été membre fondateur du groupe Dreams avec Michael Brecker, Randy Brecker et Billy Cobham. Il a également travaillé avec George Benson, David Byrne, Ron Carter, Aretha Franklin, Don Grolnick, Bob James, Elton John, Chaka Khan, Bob Moses, Todd Rundgren, Carly Simon, Spyro Gyra, James Taylor et Grover Washington Jr. Le 18 avril 1991, il est retrouvé mort dans son appartement de New York, victime d'une apparente crise cardiaque.
2 Manhá de carnaval, Barry Rogers avec Eddie Palmieri y La Perfecta, album Mozambique, 1964.

José « Joe » Gallardo (né en 1939 à Corpus Christi) est un musicien et compositeur de jazz américain. Il est né à Corpus Christi, au Texas. Son père était professeur de piano et il a suivi des cours auprès de lui dès l'âge de six ans. À quinze ans, il a commencé à étudier la trompette. Entre 1961 et 1963, il a joué dans l'orchestre Stan Kenton et l'orchestre Luis Arcaraz au Mexique, tout en poursuivant ses études de composition. La même année, il s'est installé à Stuttgart, en Allemagne de l'Ouest, où il a travaillé avec Wolfgang Dauner et Fred Braceful. Après avoir effectué son service militaire aux États-Unis, il a commencé à étudier la pédagogie musicale dans sa ville natale jusqu'en 1968. Au cours des années suivantes, il a travaillé avec divers musiciens et chefs d'orchestre, tels que Nelson Riddle, Peggy Lee, Sammy Davis, Peter Ponzol et Abbey Rader.
En 1978, il reçoit un Grammy Award pour sa composition « Amanecer », présenté par Mongo Santamaría. L'année suivante, il s'installe définitivement en Allemagne, se consacrant particulièrement aux styles de jazz latino et moderne, qui lui sont caractéristiques.
En 1990, il rejoint le NDR Big Band comme tromboniste, dont il restera membre permanent jusqu'en 2008, tout en étant professeur à la Hochschule für Musik und Theater de Hambourg. Depuis 1993, il est directeur de l'Orchestre de jazz des jeunes du Schleswig-Holstein.
Discographie : Latino Blue (1979), A Latin Shade of Blue (2001), Latin Jazz Latino (2005).
3 Danzon azul, SWR Big Band and Joe Gallardo, album It is what it is, 2024.

Ed Byrne (né en 1946 à Philadelphie) est un tromboniste, compositeur, arrangeur, auteur et professeur, connu pour ses improvisations jazz, ses compositions originales et ses ouvrages de méthodologie d'improvisation jazz linéaire. Sa discographie comprend plus de 60 enregistrements, dont le Carnegie Hall Concert (album Gerry Mulligan et Chet Baker) et l'album de jazz latin Unfinished Masterpiece d'Eddie Palmieri, récompensé par un Grammy Award en 1974.
Depuis les années 1970, Byrne a joué du trombone comme sideman aux côtés de nombreux artistes de jazz new-yorkais parmi les plus connus (Chet Baker, Joe Henderson, Herbie Hancock, Charlie Mingus, Eddie Palmieri, Willie Colon, Manu Dibango, et bien d'autres). Il apparaît comme sideman et/ou soliste sur plus de 60 enregistrements studio new-yorkais. Il a été nommé meilleur soliste au trombone par le Latin New York Magazine en 1976. Sa composition originale, Fenway Funk, enregistrée par Bobby Paunetto en 1976, a été nominée aux Grammy Awards. Byrne dirige régulièrement ses propres groupes de jazz depuis des décennies. Installé dans le Massachusetts, son quatuor actuel continue de présenter sa musique originale. Two Shades of Blue, son premier album en tant que leader (2000), est un enregistrement studio réunissant le guitariste John Abercrombie, le pianiste Jim McNeely, le bassiste Ron McClure, le batteur Victor Lewis, le percussionniste Milton Cardona et Ed au trombone. (Conquistador) (2012) mettait en vedette son groupe Latin Jazz Evolution.
Byrne a enseigné le jazz à temps plein au Berklee College of Music pendant de nombreuses années et est l'auteur de la série de 17 ouvrages Linear Jazz Improvisation. Il est titulaire d'un doctorat en études de jazz du New England Conservatory of Music.
4 One for Carlos, Ed Byrne, album Conquistador, 2012.

Steve Turre, tromboniste et compositeur de jazz américain. Fils de parents mexicano-américains, il a grandi dans la baie de San Francisco, s'imprégnant de toutes sortes de musiques, du mariachi au blues et au jazz. Après un bref passage au violon, il s'est tourné vers le trombone à l'âge de 10 ans et a commencé à travailler avec des musiciens locaux trois ans plus tard. Étudiant à l'Université d'État de Sacramento, il a rejoint le groupe de salsa de Pete et Coke Escovedo, marquant le début d'une longue carrière où la musique latine allait jouer un rôle important.
En 1972, le légendaire Ray Charles a engagé Turre pour sa tournée, et un an plus tard, Woody Shaw l'a intégré aux Jazz Messengers d'Art Blakey. Il travaille avec Thad Jones et Mel Lewis la même année, avec Woody Shaw en 1974 et avec Chico Hamilton en 1975, ce qui propulse définitivement la carrière de Turre, qui commence à travailler pour certaines des figures les plus importantes du jazz du moment : Dizzy Gillespie, McCoy Tyner, J.J. Johnson, Herbie Hancock et Tito Puente, entre autres. Mais c'est sa rencontre avec Rahsaan Roland Kirk qui marque un tournant radical dans sa vie artistique : ce dernier l'initie à l'étude des coquillages, un instrument qui, dès lors, devient indissociable de la vision musicale du tromboniste.
Dans les années 1980, il participe à l'Orchestre des Nations Unies de Dizzy Gillespie, à la Brass Fantasy de Lester Bowie et à The Timeless All-Starts. En 1984, il rejoint le légendaire Saturday Night Live Band, et lance divers projets sous son propre nom, dont Sanctified Shells, où il transforme la section de vents traditionnelle en un chœur de coquillages. Il sort en 2001 ce que beaucoup considèrent comme son meilleur album à ce jour, TNT (Trombone and Tenor).
5 Smoke gets in your eyes, Steve Turre, album Generations, 2022.

"Willie" Colón, né en 1950 dans le Bronx, d'origine portoricaine, est, depuis le début des années 1960, un pionnier de la salsa, à la fois directeur musical, compositeur, activiste et producteur, chanteur et tromboniste. Il est considéré comme un peintre des visages de son peuple, un artiste qui a reflété dans ses chansons la conscience d'une génération qui exigeait le respect social et qui se battait pour la revendication de ses conditions de vie.
Il commence par étudier la trompette à l'âge de 12 ans puis opte pour le trombone. Willie Colón commence à prendre des leçons de musique et dirige parallèlement un orchestre de 14 musiciens, le Latin Jazz All-Stars. Sa passion musicale, lui vient de sa grand-mère, qui l'a élevé en le berçant aux mélodies du recueil de chansons populaires portoricaines, l'introduisant à la fascination des rythmes typiques du pays. Son premier groupe professionnel comprend une section de deux trombones, en hommage à Mon Rivera et Barry Rogers ses idoles.
En 1967, alors qu'il n'a que 17 ans, il signe avec Fania et enregistre son premier album El Malo. Ses compositions « Jazzy » et « I wish I Had a Watermelon » deviennent vite des tubes. Le décollage de son projet musical est en grande partie dû à sa rencontre avec le chanteur Héctor Lavoe, avec qui il a créé le binôme le plus important en salsa.
Willie Colon introduit dans ses compositions des influences extra-cubaines dans la musique latine et dans le Latin jazz. Il obtient une reconnaissance internationale avec La Murga de Panamá, écrite avec Héctor Lavoe. Ses albums sont appréciés pour leurs influences pluriculturelles. À travers ses compositions qui abordent tous les thèmes, il développe le concept de salsa engagée.
6 The Hustler, Willie Colon, album The Hustler, 1968.

Nommé cinq fois aux Grammy Awards, Wayne Wallace est l'un des représentants les plus respectés de la musique afro-américaine et latino-américaine au monde. Connu pour son utilisation de formes et de styles traditionnels alliés à la musique contemporaine, il a récemment été reconnu par son classement dans les catégories « trombone » et « producteur » du Downbeat Critics Poll.

Arrangeur, pédagogue et compositeur accompli, M. Wallace a composé pour le cinéma et la télévision. Il a également reçu des subventions du Creative Work Fund, du National Endowments for the Arts, de la Fondation Lila Wallace et de la San Francisco Arts Commission. M. Wallace a joué, enregistré et étudié avec des maîtres reconnus des styles afro-latins et du jazz. Cette expérience a fourni à M. Wallace une base solide pour explorer actuellement les croisements de divers styles culturels et concepts rythmiques.

Né en 1952 et élevé à San Francisco, en Californie, Wayne a été très tôt exposé au blues, à la country, au western et au jazz. L'environnement musical fertile de la baie de San Francisco a façonné sa carrière de manière unique. Ses études de musique afro-latine et de jazz l'ont amené à voyager à plusieurs reprises à Cuba, à New York et à Porto Rico. M. Wallace est un enseignant et historien très respecté. Il enseigne actuellement à l'Université d'État de San José, à l'Université Stanford et à la Jazz Scholl de Berkeley. Il anime des conférences, des ateliers et des stages en Amérique et en Europe depuis 1983. Il est actuellement membre du comité consultatif de la San Jose Jazz Society. À la tête de son propre label, Patois Records, Wayne a créé une entreprise unique dont la mission est de développer et de documenter les styles multilingues de la scène musicale de la baie de San Francisco. Patois Records gagne en notoriété dans l'industrie musicale et à l'international. Sous sa direction, le label a publié neuf enregistrements salués par la critique [3].
7 Playa negra, Wayne Wallace Latin jazz quintet, album ! Bien, Bien ! 2009.

Angel R. « Papo » Vázquez (né en 1958 à Philadelphie) est un musicien américain de latin jazz (trombone, arrangement, composition). Soliste au style unique, arrangeur et compositeur, il est considéré comme l'une des figures majeures de la musique latine selon Martin Kunzler.
Vázquez, qui a grandi dans un environnement d'influence portoricaine à Philadelphie et à Vega Baja (Porto Rico), a acquis ses premières expériences musicales au sein d'orchestres scolaires. Il est devenu musicien professionnel à l'âge de treize ans. Encore adolescent, il s'est installé à New York où, au début des années 1970, il a travaillé dans des groupes tels que Conjunto Libre, dans le groupe d'Héctor Lavoe, et avec des stars de la salsa comme Ray Barretto, Celia Cruz, Eddie Palmieri et Willie Colón (Siembra). Il est ensuite devenu membre des Fania All Stars. Il a effectué des tournées en Europe avec l'orchestre de Ray Charles. Dans le domaine du jazz, il a travaillé avec Dizzy Gillespie et son Orchestre des Nations Unies, ainsi qu'avec Frank Foster, Woody Shaw, Mel Lewis, Hilton Ruiz, Dave Valentin et Jerry Gonzalez. Il a été membre des groupes de Tito Puente pendant de nombreuses années. De 1981 à 1985, Vázquez a de nouveau vécu à Porto Rico, où il a cofondé et dirigé le groupe à succès Batacumbele. Durant cette période, il a également travaillé en studio aux États-Unis et participé aux enregistrements primés de Rubén Blades. Il a également contribué aux bandes originales de films tels que The Mambo Kings et Mo' Better Blues (Spike Lee).
En 1991, il a présenté son premier album en tant que leader, (Breakout, suivi de At the Point, Vol. I et Vol. II en 1999/2000. Il a poursuivi son succès avec son groupe Pirates Troubadours & the Mighty Pirate Orchestra ; son album Marooned / Aislad a été nominé aux Grammy Awards en 2009. En 2021, il a sorti l'album The Mighty Pirates Troubadours, Chapter 10 : Breaking Cover (Picaro).
8 NY latin jazz mambo, Papo Vazquez, album Chapter 10 : Breaking cover, 2000.

Gary Valente (né en 1953) est un tromboniste de jazz. Valente est né à Worcester, dans le Massachusetts. Il a commencé à jouer du trombone dès son plus jeune âge, encouragé par son père, qui jouait du même instrument. Dans les années 1970, il a étudié au Conservatoire de musique de Nouvelle-Angleterre avec Jaki Byard et a enregistré avec le Jazz Repertory Orchestra du conservatoire.
Valente est devenu une figure marquante du jazz big band contemporain, au sein de formations dirigées par Carla Bley, Lester Bowie, Chico O'Farrill et George Russell. Il a également joué dans diverses formations plus petites, notamment celles dirigées par Don Byron, Cab Calloway, Charlie Haden, Joe Lovano et Andy Sheppard.
En tant que leader, il avait un petit groupe avec le saxophoniste ténor Bob Hanlon à la fin des années 1980 et a cofondé Slideride avec d'autres trombonistes en 1994. À la fin des années 1990, il a dirigé un quintette avec Lew Soloff.
9 Habana blues, Gary Valente avec Chico O'Farril, album Carambola, 2000.

Concluons ainsi cette émission consacrée au trombone, instrument d'une sonorité profonde dont la capacité rythmique lui permet d'établir un dialogue très étroit avec les percussions (congas, bongos, timbales), créant un jeu de va-et-vient essentiel au rythme. En résumé, tant en salsa qu'en latin jazz, le trombone est un instrument qui offre puissance, expressivité, couleur unique et connexion profonde avec le rythme, mais aussi une capacité mélodique et lyrique surprenante.
Soucieux de vous offrir le meilleur — pour danser, pour écouter, pour cultiver le plaisir de la musique — nous vous invitons à notre prochain épisode, dans lequel nous poursuivrons avec les instruments.

[1] Le trombone est un instrument de musique à vent et à embouchure de la famille des cuivres clairs. Le terme désigne implicitement le trombone à coulisse caractérisé par l'utilisation d'une coulisse télescopique, mais il existe également le trombone à pistons. Le trombone à coulisse est l'un des rares instruments à vent dont la maîtrise ne nécessite pas l'utilisation individuelle des doigts.
Que le trombone soit ténor ou basse, son registre est plus grave que celui d'une trompette. Sa forme allongée courbée comme un S et surtout sa section de tube cylindrique, qui lui donne un son plus brillant, le distingue des euphoniums ou des saxhorns au registre comparable, au son plus feutré dû à leur section de tube conique.
Il est utilisé dans de nombreux genres musicaux, de la musique classique au jazz, en passant par la salsa, le ska, le funk ou la musique militaire ; il est joué dans les orchestres symphoniques, les orchestres d'harmonie, les fanfares, les big bands, les brass bands, etc.
Un joueur de trombone est appelé tromboniste ou, par métonymie, trombone (« le premier trombone de l'orchestre »).
https://fr.wikipedia.org/wiki/Trombone_(instrument)

[2] Les données biographiques résumées ici sont, sauf indication contraire de notre part, tirées des biographies disponibles sur https://en.wikipedia.org/

[3] http://www.walacomusic.com/html/media_quintet.html

C'est du jazz latino 41
Un espace pour l'écoute, la danse et le plaisir...
1 Trombόn criollo, Generoso Jiménez García avec Cachao y su ritmo caliente, album Cuban Jam Sessions in Miniature, 1957.
2 Manhá de carnaval, Barry Rogers avec Eddie Palmieri y La Perfecta, album Mozambique, 1964.
3 Danzon azul, SWR Big Band and Joe Gallardo, album It is what it is, 2024
4 One for Carlos, Ed Byrne, album Conquistador, 2012.
5 Smoke gets in your eyes, Steve Turre, album Generations, 2022.
6 The Hustler, Willie Colon, album The Hustler, 1968.
7 Playa negra, Wayne Wallace Latin jazz quintet, album ! Bien, Bien ! 2009.
8 NY latin jazz mambo, Papo Vazquez, album Chapter 10 : Breaking cover, 2000.
9 Habana blues, Gary Valente avec Chico O'Farril, album Carambola, 2000.

C'est du jazz latino épisode 40

Pedro Alzuru — 2025-09-29T14:57:47Z

Les bassistes et contrebassistes, qu'ils utilisent des instruments acoustiques ou électriques en jazz et jazz latino, ont recours à un ensemble de techniques pour accompagner les autres musiciens ou jouer un solo sur un morceau. Leur fonction principale, quel que soit le style musical, est de maintenir le rythme. En collaboration avec les percussionnistes — la batterie en jazz et la conga, le bongo et les timbales en latin jazz — le bassiste établit une pulsation rythmique sur laquelle les autres musiciens improvisent.

La basse-contrebasse, [1] intégrées à la section rythmique, qui comprend également les percussions, la guitare et le piano, adoptent différentes stratégies pour se positionner par rapport au temps que la section rythmique établit dans son ensemble. Ils peuvent le faire avant, après ou au-dessus du temps.

Le bassiste trace également la structure harmonique du morceau ; une ligne de marche, référence essentielle pour les autres musiciens du groupe, établit la ligne de base qui structure le morceau d'un point de vue harmonique.

Israel López Valdés [2] (1918 – 2008), plus connu sous le nom de Cachao, était un contrebassiste et compositeur cubain. Il est connu comme le co-créateur de la mambo et un maître de la descarga (improvisation musicale). Tout au long de sa carrière, il a également joué et enregistré dans des styles musicaux variés, allant du classique à la salsa.
Exilé aux États-Unis depuis les années 1960, il n'a acquis une renommée internationale qu'après un renouveau dans les années 1990. Né dans une famille de musiciens à La Havane, Cachao et son frère aîné Orestes ont été les instigateurs de l'une des charangas les plus prolifiques de Cuba, Arcaño y sus Maravillas. En tant que membres des Maravillas, Cachao et Orestes ont été les pionniers d'une nouvelle forme de musique de salon dérivée du danzón, le danzón-mambo, qui a ensuite donné naissance à la mambo, un genre musical international. Dans les années 1950, Cachao est devenu célèbre en popularisant les jam sessions improvisées, appelées descargas. Il a émigré en Espagne en 1962, puis aux États-Unis en 1963, où il a débuté une carrière de musicien de studio et de concert pour divers groupes à New York, à l'époque de l'essor du boogaloo, puis de la salsa. Dans les années 1970, Cachao est tombé dans l'oubli après avoir déménagé à Las Vegas, puis à Miami, et a sorti des albums sporadiques en tant que leader. Dans les années 1990, il a été redécouvert par l'acteur Andy García, qui l'a ramené sur le devant de la scène musicale latine avec la sortie d'un documentaire et de plusieurs albums. Avant sa mort en 2008, Cachao avait obtenu une étoile sur le Hollywood Walk of Fame et plusieurs Grammy Awards. Il figure à la 24e place du classement des 100 plus grands bassistes de tous les temps du magazine Bass Player.
1 Caliente, Israel « Cachao » Lopez, album Latin jazz descarga, 1994.

Al McKibbon était contrebassiste de jazz de style bop, hard bop et Latin jazz. Il est né en 1919 et mort en 2005. Al était le diminutif d'Alfred Mac Kibbon.
En 1947, après avoir travaillé avec Lucky Millinder, Tab Smith, J. C. Heard et Coleman Hawkins, il remplaça Ray Brown dans l'orchestre de Dizzy Gillespie jusqu'en 1950. Dans les années 1950, il a enregistré avec le nonet de Miles Davis, Earl Hines, Count Basie, Johnny Hodges, Thelonious Monk, George Shearing, Cal Tjader, Herbie Nichols et Hawkins. C'est à McKibbon qu'on doit d'avoir intéressé Cal Tjader à la musique de style latino alors qu'il jouait dans son groupe.
McKibbon a toujours fait l'objet d'une grande attention (ainsi il a été le bassiste pour les Géants du jazz), et a continué à jouer jusqu'en 2004. En 1994, à 80 ans, il a enregistré son premier album sous son nom Tumbao Para Los Congueros Di Mi Vida (Blue Lady Records), qui a été nommé pour un Grammy Award de musique latine. Un second album a été édité en 2004 : Black Orchid (Nine Yards Music).
Il a aussi écrit la postface du livre de Raul Fernandez Latin Jazz, qui fait partie d'une série de la (Smithsonian Institution sur le jazz.
2 ((U.M.M.G,) Al McKibbon, album Black Orchid, 2004.

Charles Edward Haden (1937 – 2014) était un contrebassiste de jazz américain, chef d'orchestre, compositeur et professeur dont la carrière s'est étendue sur plus de cinquante ans. Haden a contribué à révolutionner le concept harmonique de la basse dans le jazz, en développant un style qui, tantôt complétait le soliste, tantôt évoluait de manière indépendante, libérant les bassistes de leur rôle d'accompagnateur.
À la fin des années 1950, il fut l'un des membres fondateurs du révolutionnaire (Ornette Coleman Quartet. En 1969, il forma son premier groupe, le Liberation Music Orchestra, avec des arrangements de la pianiste Carla Bley. À la fin des années 1960, il intégra le trio, le quatuor et le quintette du pianiste Keith Jarrett. Dans les années 1980, il forma son propre groupe, le Quartet West. Haden enregistra et se produisit également souvent en duo, avec des musiciens comme le guitariste Pat Metheny et les pianistes Hank Jones et Kenny Barron. Le musicologue allemand Joachim-Ernst Berendt a écrit que la « capacité de Haden à créer des harmonies fortuites en improvisant des réponses mélodiques aux solos de free jazz d'Ornette Coleman (plutôt que de s'en tenir à des harmonies prédéterminées) était à la fois radicale et fascinante. Sa virtuosité réside (...) dans son incroyable capacité à faire résonner la contrebasse. Haden a cultivé la gravité de l'instrument comme personne d'autre dans le jazz. Il est un maître de la simplicité, une des choses les plus difficiles à atteindre. »
Charlie Haden et le guitariste Pat Metheny invoquent leurs origines communes dans l'État du Missouri comme explication du profond accord esthétique qui règne entre eux. L'album Beyond the Missouri Sky de 1997, qui reflète l'esprit de la musique de l'Amérique rurale, est considéré comme un résultat particulièrement réussi de cette collaboration, qui rencontre un succès commercial inhabituel pour un album de jazz, et l'approbation quasi unanime de la critique. L'album obtient en 1997 un Grammy Award en tant que meilleure performance instrumentale de jazz.
3 Our spanish love song, Haden-Metheny, album Beyond the Missouru sky, 1996.

Roberto « Bobby » Valentín Fret (né en 1941) est un musicien et chef d'orchestre portoricain de salsa. Il est surnommé « El Rey del Bajo » (le Roi de la basse). Valentín est né à Orocovis, à Porto Rico. Son père lui apprend la guitare dès son plus jeune âge. À la mort de sa mère en 1947, il part vivre avec sa sœur aînée et grandit à Coamo, où il fait ses études primaires et étudie la musique. À 11 ans, il participe à un concours local de talents avec un trio qu'il a formé. Il joue de la guitare et chante pour le trio, qui remporte le premier prix. Un de ses professeurs lui suggère d'intégrer l'Académie de musique José I. Quinton, ce qu'il fait. C'est là qu'il apprend la trompette.
En 1956, Valentín s'installe avec sa famille à New York, aux États-Unis, où il fréquente le lycée George Washington et continue de prendre des cours de musique. En 1958, il joue pour Joe Quijano, mais peu après, il rejoint l'orchestre de Willie Rosario, originaire du même quartier.
En 1963, Valentín rejoint Tito Rodriguez et se rend à deux reprises au Venezuela avec son orchestre. Il réalise également des arrangements musicaux pour Rodriguez, et parfois pour Charlie Palmieri, Joe Quijano, Willie Rosario et Ray Barretto. En 1965, il forme son propre groupe et signe un contrat avec le label Fania. Il enregistre Young Man With a Horn en 1966. En 1975, Valentín quitta Fania Records et créa son propre label, Bronco Records, sur lequel il enregistra deux albums live depuis le pénitencier d'État de Porto Rico.
En 1982, le groupe connut un succès avec la chanson « El Caiman », suivie d'un autre succès avec « Brujeria ». En 1984, le groupe enregistra En Accion. En 1985, ils enregistrent « Algo Excepcional », qui donne naissance à un autre tube, « Me Diste de tu Agua ». En 1986, le groupe sort un album contenant le tube « Part Time Lover », une reprise de Stevie Wonder. En 1988, il sort l'album contenant « Yo No Te Dejo De Amar », une reprise de « I Just Can't Stop Loving You » de Michael Jackson.
En 2001, La Gran Reunion a accueilli sept artistes invités, dont Nestor Sanchez, Luigi Texidor et Frankie Hernandez. En 2004, En Vivo Desde Bellas Artes de Valentin est sorti en DVD, tout comme Vuelve a la Carcel, son 35ᵉ anniversaire. On peut entendre « El Caiman » de Valentin dans le jeu vidéo Scarface. Après sept ans d'absence, Valentín est revenu avec son album Evolution, où Ray De La Paz chantait aux côtés de Louie Ramirez. En 2016, Mi Ritmo Es Bueno est sorti, avant la sortie en 2018 de l'album instrumental de jazz latin Mind of a Master. En 2020, Valentín continue de se produire dans le monde entier.
4 Smooth Ride, Bobby Valentín, album Mind of master, 2018.

Eddie Gómez (Edgardo Gómez, Santurce, San Juan, Porto Rico, né en 1944) est un contrebassiste de jazz américain.
Élevé à New York, près de Harlem, il étudie la contrebasse à partir de 1955, participant pendant plusieurs années au Newport Festival Youth Band, un orchestre de jeunes sous la direction de Marshall Brown. En 1963, il rejoint la Julliard School of Music et, quelques années plus tard, il rejoint le trio de Marian McPartland et travaille plus tard avec Paul Bley, Gerry Mulligan et Jim Hall.
Bill Evans lui propose de travailler avec lui après sa rencontre au Village Vanguard (1966), collaboration qui durera jusqu'en 1977, ce qui ne l'empêchera pas de travailler simultanément avec d'autres grandes figures du jazz : Miles Davis, Steve Gadd, Lee Konitz, Jay McShann, le flûtiste Jeremy Steig (né en 1942), le tromboniste allemand Albert Magelsdorff (né en 1928), etc. Après avoir terminé sa période avec Evans, Eddie Gomez travaillera avec Charles Mingus et Chick Corea, en plus de divers projets en Europe.
Au cours des années 1980, Gómez a principalement travaillé comme musicien de studio et avec Steps Ahead, un groupe de jazz fusion qu'il a cofondé. Son premier album à son nom paraît en 1984, et deux ans plus tard, il quitte les Steps pour jouer avec Randy Brecker, Eliane Elias, Lew Soloff et Michel Petrucciani.
À partir des années 1990, Gómez est retourné à Porto Rico à plusieurs reprises et a fait des tournées dans le monde entier avec ses propres groupes. Il est actuellement artiste en résidence au Conservatoire de musique de Porto Rico.
Le jeu d'Eddie Gomez est fortement influencé par Scott LaFaro, perpétuant ainsi la tradition de la contrebasse mélodique, brillante et virtuose. Spécialiste du registre le plus aigu de l'instrument, il possède un léger vibrato dans son son et se caractérise par la solidité de sa main gauche.
5 Lost tango, Eddie Gomez, album Next future, 1993.

Alphonso Johnson (né en 1951) est un bassiste de jazz américain actif depuis le début des années 1970. Membre du groupe de jazz fusion Weather Report de 1973 à 1975, il a joué et enregistré avec de nombreux groupes de rock et de jazz de renom, dont Santana, Phil Collins, des membres du Grateful Dead, Steve Kimock et Chet Baker.
Né à Philadelphie, en Pennsylvanie, aux États-Unis, Johnson a débuté comme contrebassiste, avant de se tourner vers la basse électrique à la fin de son adolescence. Débutant sa carrière au début des années 1970, Johnson a fait preuve d'innovation et de fluidité à la basse électrique. Il a joué en studio avec quelques musiciens de jazz avant de décrocher un poste chez Weather Report, succédant ainsi à Miroslav Vitous, cofondateur du groupe. Johnson a fait ses débuts avec Weather Report sur l'album Mysterious Traveller. Il apparaît sur deux autres albums de Weather Report : Tale Spinnin' (1975) et Black Market (1976), avant de quitter le groupe pour travailler avec le batteur Billy Cobham. Entre 1976 et 1977, il enregistre trois albums en tant que leader, pour le label Epic, dans une veine fusion-funk. Johnson est l'un des premiers musiciens à faire découvrir le Chapman Stick [3] au public.
Il est l'un des deux bassistes du premier album solo de Phil Collins, Face Value, en 1981.
Plus tard en 1996, Johnson a effectué une tournée en Europe et au Japon avec le compositeur et saxophoniste Wayne Shorter, le pianiste James Beard, le batteur Rodney Holmes et le guitariste David Gilmore. Fort d'une vaste expérience en tant que professeur de basse, il a animé des séminaires et des stages de basse.
6 Black Market, Alphonso Johnson avec Weather Repport, album (Black Market, 1976.

Andy González (1951 – 2020) était un contrebassiste de jazz d'origine portoricaine reconnu comme l'un des pionniers du jazz latino. González était un musicien polyvalent, mais aussi arrangeur, compositeur, historien de la musique et producteur de disques. Il s'est inspiré des styles africains, cubains et portoricains, de diverses influences jazz et d'autres styles, les fusionnant souvent pour créer une musique originale.
Élevé dans le Bronx, à New York, Andy González a joué du violon au lycée, puis de la basse après avoir suivi des cours avec le bassiste de jazz Steve Swallow, du CM2 à la 4ᵉ, avant d'intégrer la High School of Music & Art.
Andy González s'est fait connaître du public en jouant dans le groupe de Ray Barretto, futur maître de jazz de la NEA, alors qu'il était encore étudiant au lycée de Musique et Art. Bien qu'il s'agisse d'un groupe de salsa dans la tradition cubaine du conjunto, Barretto a traité le groupe comme un combo de jazz, tous les musiciens étant solistes.
En 1974, González et son frère Jerry González fondent le groupe Conjunto Libre (un groupe mêlant salsa et jazz) et le Grupo Folklórico y Experímental Nuevayorquíno, avec lesquels il produit trois albums : Concepts in Unity (1975), Lo Dice Todo (1976) et Homenaje a Arsenio (2011). Le deuxième groupe qu'Andy codirige est Manny Oquendo et Libre. En 1980, le troisième groupe que González codirige est The Fort Apache Band (du nom d'un poste de police du Bronx), avec son frère Jerry González.
La capacité unique de González à jouer de manière créative dans les limites du tumbao — ces motifs répétitifs joués par la basse, le piano, la guitare, le tres et le cuatro dans la musique cubaine et portoricaine — lui a valu des centaines de séances d'enregistrement. Mais il ne se limitait pas aux concerts de salsa : des artistes comme David Byrne, Kip Hanrahan, Dizzy Gillespie et Astor Piazzolla lui ont fait confiance pour son expertise en basse acoustique et en baby bass. En 2016, à 65 ans, González a sorti son premier album sous son propre nom et sous sa direction, Entre Colegas, cet enregistrement rendait hommage au célèbre bassiste cubain Israel Lopez « Cachao » et a été nominé aux Grammy Awards du meilleur album de jazz latino. González est décédé d'une pneumonie et de complications liées au diabète dans le Bronx le 9 avril 2020.
7 Addams Family, Andy Gonzalez, album Entre Colegas, 2016.

Originaire du Pérou, ((Oscar Stagnaro a étudié au Conservatoire de musique de Lima tout en travaillant comme musicien de studio et interprète live pour de nombreux artistes internationaux et groupes locaux. Il s'est installé aux États-Unis en 1979, où il a poursuivi ses études auprès du pianiste et professeur Mike Marra et du grand jazzman Jerry Bergonzi. Depuis, Oscar est devenu l'un des artistes les plus demandés de la côte Est. Sa maîtrise de différents styles musicaux, du jazz à la fusion, en passant par les musiques latines, brésiliennes et sud-américaines, lui a permis de parcourir le monde et de se produire avec une véritable fine bouche des univers latino et jazz. Au cours de sa carrière, Oscar a remporté quatre Grammy Awards et a été nominé six fois.
Oscar est également professeur au Berklee College of Music de Boston depuis 1988. Il a largement contribué au développement de l'enseignement latin au sein de l'établissement, en instaurant plusieurs cours sur les styles latins et les basses du monde. Oscar a représenté (Berklee lors des conférences de l'Association internationale des professeurs de jazz et a animé des ateliers dans des communautés musicales du monde entier. Il enseigne également au Conservatoire de musique de Nouvelle-Angleterre. Durant son passage à Berklee,) Oscar a produit des concerts pour de nombreux artistes invités.
Il est le co-auteur du Latin Bass Book, publié par Sher Music, un ouvrage complet sur l'apprentissage des lignes de basse dans les styles musicaux afro-cubains, brésiliens, caribéens et sud-américains. Il a également écrit l'Afro Cuban Slap Book, publié par Berklee Press/Hal Leonard. Il travaille actuellement sur un nouvel ouvrage pour basse, batterie et piano, New Trends in Latin Jazz, une étude approfondie des rythmes latino-américains d'Argentine, de Colombie, du Pérou, du Venezuela et d'Uruguay, et de leurs applications au latin jazz. Oscar contribue à la revue Musico Pro, Latin Bass Masters et Bass Concepts.
https://www.oscarstagnarobass.com/about-oscar
8 Rabbi Vallenatowitz, Oscar Stagnaro, album (Mariella's dream, 2003.

Le musicien et producteur argentin Pablo Aslan est reconnu internationalement comme l'une des figures de proue du tango contemporain. Il se produit en tant que leader de ses propres groupes, Pablo Aslan Trio, Avantango et Mash-ish, et avec une variété d'artistes et d'ensembles. Il travaille également comme producteur de disques et professeur de tango. Il vit aux États-Unis depuis 1980.
Son enregistrement le plus récent est Divina (2023) sur son propre label Avantango Records, enregistré à Buenos Aires avec son trio. Ses performances récentes incluent : artiste invité avec le Texas Tech Tango Orchestra, "Piazzollazo" au Ori-Gen Festival à New York et des performances à Buenos Aires avec son trio.
Sa discographie comprend Piazzolla in Brooklyn (2011) et Tango Grill (2009). Ce dernier lui a valu des nominations aux Latin Grammy et aux Grammy Awards. L'album Conbajo (2018) le présente en tant que basse solo accompagnée par le Cuarteto Petrus (Buenos Aires), dans un mélange éclectique de musique latino-américaine produit par Gabriel Senanes.
Le magazine Jazziz a proclamé : « Nous vivons un âge d'or de la fusion jazz-tango, et le bassiste Pablo Aslan y est pour beaucoup. Ses lignes vibrantes sont le cœur battant d'une nouvelle musique. »
Il a travaillé avec de nombreux artistes de renommée mondiale, notamment Yo-Yo Ma, Shakira, Lalo Schifrin, Denyce Graves, Arturo O'Farrill, Paquito D'Rivera, Osvaldo Golijov, Pablo Ziegler, Néstor Marconi, le New World Symphony et le Philadelphia Orchestra. Il a été directeur musical du Tango Jazz Ensemble de Paquito D'Rivera.
https://musicalesysonoras.una.edu.ar/docentes/aslan-pablo_1362588
9 Divina,) Pablo Aslan Trio, album Divina, 2023.

Oskar Cartaya, tout au long de sa carrière de bassiste, de compositeur, d'arrangeur et de directeur musical pour un large éventail d'artistes, s'est imprégné des influences de ses foyers portoricains, new-yorkais et californiens pour créer son style unique.
Une longue carrière prolifique, avec des collaborations avec des artistes comme Spyro Gyra, Herb Albert, Jennifer Lopez, Celia Cruz, Rubén Blades, Tito Puente, Robbie Robertson, Willie Colon, Dave Valentin et bien d'autres, lui a valu une solide réputation dans l'industrie musicale. Oskar a notamment produit Passion Dance d'Herb Alpert (Almo Records) et Plenarriqueña pour Jennifer Lopez, un concert live en DVD (Sony Music).
À cela s'ajoute un passage au sein du groupe maison de l'émission télévisée ShowTime at The Apollo, des ESPY'S, des Latin Grammy Awards et des Guys Choice Awards, où il a composé et arrangé des projets tels que Contact, le film de Jodie Foster. Il a également produit la bande originale du film Wedding Bell Blues et joué sur les albums primés aux Grammy d'Arturo Sandoval, Willie Colon et Spyro Gyra.
Lorsqu'il joue sa propre musique en live, il est entouré par l'Enclave qu'Oskar décrit comme : « un jeu de mots musical, la voix d'une culture américaine, et une expression musicale jouée en clave. Notre son est un mélange de jazz et de funk, de percussions afro-caribéennes et d'esprit soul urbain. » https://www.oskarcartaya.com/
10 El yunque, Oscar Cartaya, album My music, my friends, my time, 2004.

Nous concluons ainsi ce deuxième programme consacré aux instruments et instrumentistes caractéristiques du jazz latino, en l'occurrence la contrebasse et les contrebassistes. Un instrument discret qui maintient le rythme de l'ensemble, établit la dynamique rythmique sur laquelle les autres musiciens improvisent et trace la structure harmonique, la ligne de base du morceau. Non content de cela, dans sa discrétion paradoxale, il devient également mélodique et soliste, à l'image des invités d'aujourd'hui.
À bientôt pour le prochain épisode.

[1] La contrebasse est un instrument grave de la famille des instruments à cordes. Avant l'octobasse, la contrebasse est le plus grand (entre 1,60 m et 2,05 m) et l'un des plus graves instruments de cette famille. À la différence des autres instruments de la famille (violon, alto, violoncelle), qui s'accordent en quintes, elle s'accorde aujourd'hui en quartes (du grave vers l'aigu : mi -1, la-1, ré1 et sol en notation française ou E1, A1, D2, G2 en notation anglo-saxonne), essentiellement pour des raisons de facilité de doigté. Elle peut se jouer en frottant les cordes avec l'archet (arco) ou en les pinçant avec les doigts (pizzicato). La contrebasse est très utilisée en musique classique au sein des orchestres symphoniques, en musique contemporaine et dans la musique électronique en tant que contrebasse synthétique. En jazz, elle fait partie de la section rythmique. La contrebasse est également utilisée dans les autres styles comme le blues, le bluegrass, le rock'n'roll, le rockabilly, le psychobilly, le jazz rap et le tango. https://fr.wikipedia.org/wiki/Contrebasse

[2] Les données biographiques résumées ici sont, sauf indication contraire de notre part, tirées des biographies disponibles sur https://en.wikipedia.org/

[3] Le stick ou Chapman stick est un instrument de musique amplifié inventé par Emmett Chapman en 1969 et commercialisé à partir de 1974. Il est dérivé de la guitare, et comporte huit, dix ou douze cordes séparées en une partie mélodique et une partie basse. Sa singularité est que ses cordes sont frappées avec les doigts selon la technique du tapping à deux mains ou touch-style. Il permet un jeu nettement plus polyphonique qu'un instrument à corde plus classique, ce qui le rapproche des instruments à clavier. Les cordes de la partie basse et de la partie mélodique sont d'ailleurs amplifiables séparément. Il peut être utilisé dans n'importe quel style : rock, funk, classique, jazz, blues, salsa, celtique, punk… (https://fr.wikipedia.org/wiki/Chapman_Stick)

Pedro Alzuru s'écoute également sur Jazz latino, tous les vendredis, 22 h d'Espagne, 16-17 h de l'Amerique latine.
http://radioautentik.com

C'est du jazz latino, épisode 40 Les bassistes
Un espace pour l'écoute, la danse et le plaisir...

1 Caliente, Israel « Cachao » Lopez, album Latin jazz descarga, 1994.
2 U.M.M.G, Al McKibbon, album Black Orchid, 2004.
3 Our spanish love song, Haden-Metheny, album Beyond the Missouru sky, 1996.
4 Smooth Ride, Bobby Valentín, album Mind of master, 2018.
5 Lost tango, Eddie Gomez, album Next future, 1993.
6 Black Market, Alphonso Johnson avec Weather Report, album (Black Market, 1976.
7 Addams Family, Andy Gonzalez, album Entre Colegas, 2016.
8 Rabbi Vallenatowitz, Oscar Stagnaro, album Mariella's dream, 2003.
9 Divina, Pablo Aslan Trio, album Divina, 2023.
10 El yunque, Oscar Cartaya, album My music, my friends, my time, 2004.

C'est du jazz latino épisode 39

Pedro Alzuru — 2025-07-27T15:36:51Z

Jusqu'à présent, nous avons consacré des épisodes de notre programme aux pionniers du jazz latino, à ses compositeurs et interprètes par pays, régions, ainsi qu'aux musiciens, pièces et albums récompensés par les prix les plus importants. Aujourd'hui, nous souhaitons ouvrir une nouvelle voie pour explorer ce genre musical aux multiples facettes : ses instruments distinctifs. Et nous voulons commencer avec le vibraphone.

Le vibraphone [1] n'est pas un instrument exclusif au jazz latino ; il a été utilisé dans le jazz, la musique classique et la musique populaire et folklorique (si l'on considère le marimba et le xylophone comme ses antécédents). Mais dans le jazz latino, il a eu une réception et une expression très particulières, à tel point que nous pouvons le considérer comme l'un de ses instruments emblématiques, avec d'autres instruments à percussion et à vent, ainsi que le piano.

Quoi qu'il en soit, chacun de ces instruments a acquis une connotation particulière tout au long de l'histoire du genre, et chacun d'eux a une histoire particulière et des interprètes renommés. Dans le cas du vibraphone, on pourrait même parler d'une « latinisation » de l'instrument, reconnaissant son utilisation ou son style caractéristique dans le genre. Montrer cela est l'objectif de cet épisode.

Le vibraphone est un instrument fascinant qui, bien que n'étant pas toujours mis en avant comme les trompettes ou la batterie, offre une texture et une brillance très particulières. Son son est presque magique, pouvant être doux et enveloppant, ou pétillant et rythmique.
Le vibraphone, avec ses lames métalliques et ses résonateurs vibrants par un moteur électrique, possède une sonorité unique qui le distingue des autres instruments de musique latine. Sa caractéristique première est sa sonorité cristalline et résonnante. Joué avec des mailloches souples, il peut créer des mélodies très lyriques et éthérées, presque comme des cloches flottant dans l'air. Cela lui confère une qualité très éthérée et une richesse harmonique particulière, idéale pour les balades ou les passages mélodiques. Malgré son apparence, le vibraphone est étonnamment agile. Les vibraphonistes expérimentés peuvent exécuter des phrases rapides et complexes, ajoutant une touche de virtuosité. L'effet vibrato (d'où son nom) confère aux notes un (« wobble » (osciller) caractéristique, réglable pour être plus subtil ou plus prononcé, créant ainsi une ambiance très particulière. Dans le jargon du jazz, on l'appelle souvent simplement « vibes » (vibration, ambiance), capturant ainsi cette essence.

Le vibraphoniste joue fréquemment un double rôle : il peut jouer des mélodies principales et des solos, mais il peut aussi accompagner avec des accords et des harmonies riches, ajoutant de la profondeur à l'ensemble. Sa capacité à maintenir les notes lui permet de remplir l'espace sonore d'une manière unique, presque comme un piano résonnant. En jazz latino, le vibraphone s'intègre parfaitement aux percussions. Bien qu'il soit un instrument mélodique, sa nature percussive lui permet d'interagir rythmiquement avec les congas, les bongos et les timbales, créant des textures complexes et dynamiques. Il peut jouer des tumbaos harmoniques ou rythmiques qui complètent le « groove » (rainure, gorge, cannelure, strie, routine, onglet).

Historiquement, l'intégration du vibraphone dans la musique latine a souvent été associée à une fusion avec le jazz. Sa présence tend à signaler un son plus sophistiqué, davantage influencé par les harmonies du jazz, faisant du vibraphone un pont entre les deux mondes. Des vibraphonistes de renom du jazz latino, bien que moins nombreux que ceux jouant d'autres instruments, ont adopté le vibraphone avec brio :

Cal Tjader (États-Unis), sans doute le nom le plus emblématique, est le roi incontesté du vibraphone dans le jazz latino. Sa façon de fusionner le jazz cool de la côte ouest avec des rythmes afro-cubains (mambo, cha-cha-chá, boogaloo) a largement façonné le son du genre. Ses albums sont essentiels pour comprendre le vibraphone latin. Son style était mélodique, décontracté, mais toujours swinguant et plein de saveur. Tito Puente (États-Unis), bien que surnommé le « Roi des Timbales », était également un excellent vibraphoniste. Sur nombre de ses premiers albums et sur les enregistrements où il recherchait un son plus jazzy ou une texture différente, il a intégré le vibraphone. Ce n'était pas son instrument principal sur tous ses enregistrements, mais il le maîtrisait avec brio et l'utilisait pour enrichir ses arrangements.

Bobby Hutcherson (États-Unis), bien que sa carrière se soit davantage concentrée sur le jazz moderne et avant-gardiste, il a fréquemment exploré les rythmes latins et collaboré avec des musiciens latins. Son approche innovante et sa sonorité distinctive – tantôt percussive et dissonante, tantôt lyrique – ont apporté une dimension différente à l'instrument au sein du monde latin.

Dave Samuels (États-Unis), connu pour son travail avec le Caribbean Jazz Project, était un maître du vibraphone et du marimba, mêlant avec élégance le jazz aux rythmes caribéens et latino-américains. Sa précision et son sens de l'improvisation ont fait de lui une figure majeure. Mulatu Astatke (Éthiopie) n'est pas un pur « latin jazz ». Le « père de l'éthio-jazz », il, utilise le vibraphone comme instrument de prédilection. Sa musique, fascinante fusion de jazz, de funk et de rythmes traditionnels éthiopiens, possède souvent une qualité rythmique qui résonne avec certaines sensibilités du jazz latino, et le vibraphone est au cœur de son hypnotique et groovy. Il faut noter que, dans les années 1960, Mulatu s'installe aux États-Unis pour s'inscrire au Berklee College of Music de Boston. Il s'intéresse au latin jazz et enregistre ses deux premiers albums, Afro-Latin Soul, Volumes 1 et 2, à New York en 1966. Ces albums, entièrement instrumentaux, mettent en scène le vibraphone de Mulatu, accompagné de piano et de congas jouant des rythmes latins, à l'exception de la chanson « I Faram Gami I Faram », chantée en espagnol. Mike Mainieri (États-Unis), principalement associé au jazz fusion et à son groupe Steps Ahead, s'est également aventuré dans le jazz latin, apportant à cet instrument un son contemporain et une technique impeccable. Victor Mendoza (Mexique), vibraphoniste, pédagogue et compositeur contemporain très respecté, il intègre des éléments de son héritage mexicain au jazz latin, créant ainsi un son frais et vibrant.
En bref, le vibraphone est la touche de distinction, la résonance mélodique et l'agilité rythmique qui confèrent au jazz latin une dimension unique. Sa sonorité, à la fois douce et pénétrante, peut évoquer des atmosphères détendues ou propulser le rythme avec énergie.

Nous vous présentons une sélection de leurs interprètes les plus renommés, tout le monde n'est pas présent ; comme dans les sujets précédents, il y a toujours quelque chose ou quelqu'un qui est forcément laissé de côté, et c'est une chance. Cela permettra, si le temps et la providence sont avec nous, de revenir sur chacun de ces sujets liés au jazz latino. Parmi ces musiciens, certains sont latinos et d'autres avec une influence notable de la musique latine. C'est pourquoi nous pouvons dire que le vibraphone est l'un des instruments qui caractérisent le jazz latino. Nous espérons que vous l'apprécierez.

Pete Terrace, de son vrai nom Pedro Gutierrez, est né le 6 février 1927 à New York. Il partage sa passion entre l'écriture musicale et son interprétation : c'est un compositeur, arrangeur, vibraphoniste, batteur et percussionniste de jazz latino qui a connu ses heures de gloire avec le cha-cha-cha et le boogaloo. Il a également réalisé de nombreux arrangements de titres d'autres compositeurs et dirigé en tant que leader plusieurs formations de jazz.
Né de parents portoricains, baigne dans la musique dès son plus jeune âge : son père était disc-jockey à New York et Miami. Son frère Ray Terrace deviendra lui aussi musicien de Latin jazz, son père était disc-jockey à New York et Miami. Son frère Ray Terrace deviendra lui aussi musicien de Latin jazz, c'est un batteur percussionniste accompli et reconnu dans les années 1960.
L'itinéraire musical de Pete Terrace est particulièrement intéressant à reconsidérer, en effet, il traverse en diagonale l'univers des musiques latines depuis le jazz, pour ainsi suivre les courants qui le mèneront jusqu'à la salsa. Il est ainsi aisé en l'écoutant de percevoir les évolutions de sons, de musicalités et de rythmiques. Jazz, musique latine, Latin jazz, mambo, jazz afro-cubain, boléro, cha-cha-cha, pachanga, boogaloo, salsa. Il excelle au vibraphone, mais on peut le retrouver à la batterie, au bongo, ou encore aux percussions. Pete Terrace est l'un des plus vieux représentants du courant New York Latin jazz et est considéré comme l'un de ses meilleurs compositeurs arrangeurs.
1 Speak low, Pete Terrace, album A Night in Mambo-Jazzland, 1956.

Emil Richards (né Emilio Joseph Radocchia ; 2 septembre 1932 – 13 décembre 2019) était un vibraphoniste et percussionniste américain. Richards a commencé à jouer du xylophone à l'âge de six ans. Au lycée, il a joué avec l'Orchestre symphonique de Hartford. Il a étudié avec Al Lepak à la Hartt School of Music de Hartford, dont il a obtenu son diplôme en 1952. Après son service militaire, il a fait partie d'un orchestre militaire au Japon et a joué avec Toshiko Akiyoshi. Il a cité Lionel Hampton comme sa première et plus grande influence sur le vibraphone.
En 1954, Richards s'est installé à New York, où il a joué avec Charles Mingus, Ed Shaughnessy et Ed Thigpen, tout en réalisant des enregistrements en studio pour Perry Como, les Ray Charles Singers et Mitchell Ayres. Pendant environ trois ans, il a fait partie d'un groupe dirigé par George Shearing, puis s'est installé à Los Angeles et a travaillé avec Don Ellis et Paul Horn. Il a dirigé son propre groupe, le Microtonal Blues Band, et a passé du temps avec le compositeur et inventeur Harry Partch. En tant que musicien de scène, il a accompagné George Harrison en tournée et enregistré avec Frank Sinatra, Frank Zappa, Doris Day, Judy Garland, Nelson Riddle, Steely Dan et Sarah Vaughan.
Richards a souvent travaillé comme musicien de studio pour le cinéma et la télévision. Il a notamment joué des bongos sur le générique de la série télévisée Mission Impossible. Il a également joué des claquements de doigts pour le thème de la Famille Addams et du xylophone pour le générique d'ouverture des Simpson. Il a dirigé un groupe avec Joe Porcaro et a sorti plusieurs albums solos, dont The Wonderful World of Percussion. Richards est décédé le 13 décembre 2019.
2 Yazz per favore, Emil Richards, album Yazz per favore, 1961.

Lionel Hampton était un vibraphoniste, pianiste et batteur de jazz américain né le 20 avril 1908 à Louisville, et mort le 31 août 2002 à New York. Surnommé The lion, il a été le premier géant du jazz à donner ses lettres de noblesse au vibraphone en tant qu'instrument soliste. Ses interprétations se caractérisent par une grande virtuosité. Il était aussi un habile pianiste et pratiquait la batterie.
Bien que né et élevé par sa grand-mère à Louisville, Lionel Hampton passe une bonne partie de sa jeunesse à Kenosha (Wisconsin) avant que sa famille ne déménage à Chicago en 1916. Dans les années 1920, il apprend le xylophone et découvre aussi la batterie.
En 1928, il devient le batteur du Chicago Defender News boys Band. En 1929, il arrive en Californie, étudie la musique à l'Université de Californie du Sud puis devient batteur des Dixieland Blue-Blowers. C'est alors qu'il participe à son premier enregistrement avec The Quality Serenaders. Il quitte rapidement ce groupe pour aller à Culver City où il jouera dans l'orchestre de Les Hite. C'est durant cette période qu'il commence à jouer du vibraphone.
En 1930, il rencontre Louis Armstrong avec lequel il enregistre le premier solo de vibraphone de l'histoire du jazz sur Memories of you. Il monte une formation au Paradise Ballroom à Hollywood et se voit consacré par la revue DownBeat « révélation de l'année ».
En 1936, il est engagé dans le quartette du célèbre clarinettiste Benny Goodman, avec lequel il enregistre ses premiers disques. Entre 1937 et 1940, il enregistre en studio (RCA) de nombreuses faces en petites formations avec quelques-uns des meilleurs solistes. En 1939, il participe, au sein du Benny Goodman Sextet, au fameux concert From Spirituals to Swing organisé par John Hammond au Carnegie Hall.
En 1940, il fonde sa propre formation qui connaît un succès immédiat et devient un des plus célèbres big band de l'époque, où se produisent Quincy Jones, Clifford Brown, Art Farmer, Dexter Gordon, Joe Newman, Illinois Jacquet et Charles Mingus. Il fait des tournées dans le monde entier et se produit avec son orchestre dans les plus grands festivals.
3 Some day, Lionel Hampton, album Bossa nova Jazz, 1963.

David Samuel Pike (23 mars 1938 – 3 octobre 2015) était un vibraphoniste et marimbiste de jazz américain. Il a participé à de nombreux albums de Nick Brignola, Paul Bley et Kenny Clarke, Bill Evans et Herbie Mann. Il a également enregistré de nombreux disques en tant que leader, notamment sur MPS Records. Il a appris la batterie à l'âge de huit ans et s'est initié au vibraphone en autodidacte. Pike a enregistré ses débuts avec le Paul Bley Quartet en 1958. Il a commencé à amplifier son vibraphone lorsqu'il travaillait avec le flûtiste Herbie Mann au début des années 1960. À la fin des années 1960, la musique de Pike devient plus exploratoire, apportant une voix unique et de nouveaux contextes qui repoussent les limites à une époque marquée par son caractère exploratoire. The Doors of Perception, enregistré en 1966, explore les ballades, le territoire modal et la musique concrète, avec une improvisation libre et lyrique. Il inclut des musiciens comme le saxophoniste alto Lee Konitz, le bassiste Chuck Israels et le pianiste Don Friedman.
Pike s'installe en Europe et signe chez MPS Records. Avec la collaboration de Volker Kriegel (guitare), J. A. Rettenbacher (contrebasse et basse électrique) et Peter Baumeister (batterie), il forme le Dave Pike Set. Le groupe a enregistré six disques entre 1969 et 1972, bien que de courte durée, le groupe a créé une identité et une palette de textures uniques. Les contributions de Kriegel, tant sur le plan de la composition que de l'instrument (guitare acoustique, classique et électrique, ainsi que sitar), ont contribué à la singularité du son du Dave Pike Set, intégrant harmonieusement des influences du jazz, de la soul jazz, du psychédélisme, de la musique avant-gardiste et des musiques du monde. Dave Pike est décédé à Del Mar, en Californie, des suites d'un emphysème, à l'âge de 77 ans.
4 Vikki, Dave Pike, album Manhattan Latin, 1964.

Callen Radcliffe Tjader Jr. (St. Louis, Missouri, États-Unis, 16 juillet 1925 - Manille, Philippines, 5 mai 1982), connu sous le nom de Cal Tjader, était un vibraphoniste et compositeur américain qui est devenu le leader le plus célèbre d'un groupe de jazz afro-cubain qui n'était pas d'origine latine. D'abord interprète de bop et de cool, son évolution musicale l'a amené à se spécialiser dans la fusion du jazz avec la musique latine. Il jouait également de la batterie et des bongos.
D'origine suédoise, fils d'un directeur musical et producteur de vaudeville et d'une pianiste, Tjader grandit dans un environnement musical et théâtral, prenant même des cours de danse pendant une courte période. Il a étudié au San Francisco State College, où il a commencé à étudier la batterie sous la supervision de Walter Lawrence. À la fin des années 1940, il commence à jouer de la batterie dans de petits groupes musicaux en Californie. Il intègre immédiatement le trio de Dave Brubeck, avec lequel il enregistre plusieurs albums, en tant que batteur (1949-1951). En 1953, il rejoint le groupe de George Shearing en tant que vibraphoniste et percussionniste. Bien que son séjour avec le pianiste aveugle n'ait pas duré longtemps, c'est précisément pendant son séjour dans le groupe que Tjader est tombé amoureux de la musique latine. Lorsqu'il quitta ce groupe l'année suivante, il forma son propre groupe, qui mettait l'accent sur l'élément latin, bien qu'il jouât également du jazz traditionnel.
Tjader a enregistré une série d'albums, principalement du jazz afro-cubain, pour Fantasy du milieu des années 1950 au début des années 1960, date à laquelle il est passé chez Verve. Durant cette période, il a eu un succès dans les charts avec Soul Sauce, une reprise de la chanson Guachiguaro de Dizzy Gillespie et Chano Pozo, et a enregistré l'un de ses meilleurs albums, Cal Tjader Plays the Contemporary Music of Mexico and Brazil (1962). Tjader revient dans les années 70 chez Fantasy, une compagnie avec laquelle il enregistre un autre de ses meilleurs albums, Tambu (1973), en collaboration avec le guitariste acoustique Charlie Byrd.
Parmi les autres musiciens avec lesquels il a travaillé figurent Eddie Palmieri, Vince Guaraldi, Charlie Palmieri, Tito Puente, Hermeto Pascoal, Laurindo de Almeida, Attila Zoller, Ray Barretto, Mongo Santamaría, Clare Fischer, Stan Getz, Carmen McRae et Airto Moreira, entre autres.
5 Ritmo Uni, Cal Tjader-Eddie Palmieri, album El sonido Nuevo, 1966.

Gary Ronald McFarland (23 octobre 1933 – 2 novembre 1971) était un compositeur, arrangeur, chef d'orchestre, vibraphoniste et chanteur américain. Il a enregistré pour les labels de jazz Verve et Impulse ! Records dans les années 1960.
McFarland est né à Los Angeles le 23 octobre 1933, mais a grandi à Grants Pass, dans l'Oregon. Il s'est fait un petit nom après avoir travaillé avec des sommités du jazz, Bill Evans, Gerry Mulligan, Johnny Hodges, John Lewis, Stan Getz, Bob Brookmeyer et Anita O'Day.
Outre ses propres albums et arrangements pour d'autres musiciens, il a composé les musiques des films L'Œil du Diable (1966) et Qui a tué Mary, quel est son nom ? (1971). À la fin des années 1960, il s'éloignait du jazz pour adopter un style de pop instrumentale souvent mélancolique et nostalgique, tout en produisant les enregistrements d'autres artistes sur son label Skye Records (géré en partenariat avec Norman Schwartz, Gábor Szabó et Cal Tjader, jusqu'à sa faillite en 1970). Il a également produit et arrangé l'album de soft rock Genesis des sœurs Wendy et Bonnie Flower.
McFarland envisageait de se lancer dans l'écriture et les arrangements pour le cinéma et la scène. Cependant, à 38 ans, le 2 novembre 1971 – le jour même où il terminait l'album de Broadway To Live Another Summer ; To Pass Another Winter – McFarland est décédé à l'hôpital St. Vincent de New York des suites d'une dose mortelle de méthadone liquide ingérée au Bar 55, au 55 Christopher Street, à Greenwich Village. On ignore s'il a pris la drogue volontairement ou si quelqu'un a drogué son verre, la police n'a pas enquêté.
6 Simpático, Gary McFarland - Gábor Szabό, album Simpático, 1966.

Robert Hutcherson, dit Bobby Hutcherson, né le 27 janvier 1941 à Los Angeles et mort le 15 août 2016, était un vibraphoniste et marimbiste américain de jazz.
Attiré avant tout par l'avant-garde et le post-bop, Bobby Hutcherson a fait plusieurs enregistrements dans ces styles pour le label Blue Note avec notamment Jackie McLean, Eric Dolphy, Herbie Hancock, Andrew Hill, Grachan Moncur III, Joe Chambers, et Freddie Hubbard, comme leader ou comme sideman. Malgré le grand nombre d'enregistrements d'avant-garde effectués durant cette période, la première session d'enregistrement de Hutcherson pour Blue Note, The Kicker (1963), laisse entrevoir son expérience du hard bop et du blues.
En 1966, la session Stick-Up ! enregistrée chez Blue Note et faisant participer le saxophoniste Joe Henderson, est la première session que Bobby Hutcherson effectue avec le pianiste McCoy Tyner. Leur collaboration se prolongera pendant plus de quatre décennies.
Little B's Poem (de son album Components) est l'une de ses compositions les plus connues.
En 2007, son quartette inclut Renee Rosnes au piano, Dwayne Bruno à la basse et Al Foster à la batterie. Il meurt le 15 août 2016 après une longue lutte contre l'emphysème à l'âge de 75 ans.
7 La busca, Bobby Hutcherson - McCoy Tyner, album La leyenda de la hora, 1981.

Julius Gubenko (New York, 13 octobre 1924), connu sous le nom de Terry Gibbs, est un vibraphoniste et chef d'orchestre de jazz américain.
Il a enregistré et joué avec des musiciens tels que Tommy Dorsey, Chubby Jackson, Buddy Rich, Woody Herman, Benny Goodman, Louie Bellson, Charlie Shavers, Mel Tormé, Buddy DeFranco et d'autres. Il a également travaillé dans le cinéma et la télévision à Los Angeles.
Il était un invité populaire des émissions de variétés Star Time du DuMont Television Network en 1950-1951 et du Steve Allen Show à la fin des années 1950, où il jouait régulièrement des duos de vibraphone en direct avec l'animateur. Ils sont également apparus dans l'émission spéciale télévisée du 75ᵉ anniversaire de Steve Allen sur PBS-TV en 1997.
Gibbs était également le chef d'orchestre du That Regis Philbin Show.
En tant qu'instrumentiste, avec son big band The Dream Band, Gibbs a remporté plusieurs sondages prestigieux, notamment ceux des magazines spécialisés Downbeat et Metronome.
Gibbs a publié son autobiographie, Good Vibes : A Life in Jazz, avec la collaboration de Cary Ginell.
8 Chelsea bridge, Terry Gibbs, album The Latin Connection, 1986.

Louie Ramirez (24 février 1938 – 7 juin 1993) était un percussionniste, vibraphoniste, chef d'orchestre et compositeur américain de boogaloo, salsa et latin jazz. Il a coécrit avec Johnny Pacheco le tube El Güiro De Macorina de 1961. On l'a surnommé le Quincy Jones de la salsa.
Ramirez est né à Manhattan, New York, États-Unis. Fils de parents portoricains vivant à New York. Il a fait ses débuts professionnels avec le groupe de Joe Loco en 1956, remplaçant le vibraphoniste Pete Terrace. Ramirez a également fait ses débuts comme chef d'orchestre en 1963, avec Introducing Louie Ramirez (Rmo Records). Il a ensuite enregistré pour Alegre, Fania, Atco, United Artists Records, Caiman, FNA et RMM Records & Video.
Il a collaboré avec Charlie Palmieri et Joe Cuba de 1965 à 1968. Avec Tito Rodriguez, il a sorti l'album Tito Rodríguez y Louie Ramírez En Algo Nuevo en 1972, et avec Ray de La Paz. Il est devenu producteur chez Fania en 1975. Il est apparu comme sideman ou assistant de production sur de nombreux enregistrements d'autres artistes, tels que Willie Colón, dans les années 1970.
Le 7 juin 1993, alors qu'il roulait sur Junction Boulevard dans le Queens, à New York, Ramirez a été victime d'une crise cardiaque mortelle, à l'âge de 55 ans. Il enregistrait son troisième album avec le chanteur Ray De La Paz, intitulé Preparate Bailador.
9 Latin blues, Louie Ramirez, album A tribute to Cal Tjader, 1986.

Nous concluons ce premier épisode de notre programme, consacré à un instrument avec une utilisation ou un style caractéristique du genre, et en hommage à ses interprètes les plus renommés, dans ce cas particulier le vibraphone. Nous espérons que vous l'avez apprécié et vous invitons à continuer à nous rejoindre pour écouter, danser et jouir du jazz latino.

[1] Le vibraphone est un instrument de musique, de la famille des instruments de percussion, et plus précisément de la branche des claviers. Souvent confondu avec le xylophone, le vibraphone est constitué de métal et non de bois. Son nom est constitué de deux parties : vibra (pour vibrato) ; phone (pour phônê, voix en grec).
Le vibraphone a été inventé en 1916 par Hermann Winterhoff, qui s'est inspiré du glockenspiel, illustré dans la musique européenne depuis La Flûte enchantée pour les lames métalliques, et du marimba d'Amérique centrale pour les résonateurs accordés. Il est commercialisé en 1922, puis perfectionné par Henry Schluter en 1927. Si le premier vibraphoniste de talent fut le jazzman Lionel Hampton, l'instrument a également trouvé sa place dans la musique classique du XXᵉ siècle, grâce à des compositeurs comme Edgard Varèse, Pierre Boulez ou Steve Reich. Il a été utilisé au fil des années dans des styles musicaux très différents (notamment la salsa), même s'il ne joue véritablement un rôle central que dans certaines formations de jazz. https://fr.wikipedia.org/wiki/Vibraphone

Un espace pour l'écoute, la danse et le plaisir...

1 Speak low, Pete Terrace, album A Night in Mambo-Jazzland, 1956.
2 Yazz per favore, Emil Richards, album Yazz per favore, 1961.
3 Some day, Lionel Hampton, album Bossa nova Jazz, 1963.
4 Vikki, Dave Pike, album Manhattan Latin, 1964.
5 Ritmo Uni, Cal Tjader-Eddie Palmieri, album El sonido Nuevo, 1966.
6 Simpático, Gary McFarland - Gábor Szabό, album Simpático, 1966.
7 La busca, Bobby Hutcherson - McCoy Tyner, album La leyenda de la hora, 1981.
8 Chelsea bridge, Terry Gibbs, album The Latin Connection, 1986.
9 Latin blues, Louie Ramirez, album A tribute to Cal Tjader, 1986.

C'est du jazz latino, épisode 38

Pedro Alzuru — 2025-06-29T08:30:52Z

L'Afrique est le berceau de l'humanité, la plus ancienne preuve de notre existence remontant à environ 200 000 ans. De là, nos ancêtres ont migré vers le Proche-Orient il y a 100 000 ans, donnant naissance aux premières populations occidentales, puis essaimant vers l'Océanie, l'Asie de l'Est et enfin l'Amérique.

Les données paléoanthropologiques et génétiques actuelles convergent vers l'hypothèse d'une origine nord-est asiatique pour les premiers peuplements américains. Deux grandes théories temporelles divisent la communauté scientifique. La théorie de la colonisation tardive situe l'arrivée des paléo américains sur le continent lors de la dernière période glaciaire, lorsque le passage par le détroit de Béring était praticable, entre 15 000 et 14 000 ans avant J.-C. À l'opposé, la théorie de la colonisation précoce avance une arrivée humaine bien antérieure, s'appuyant sur des vestiges datés au carbone 14 de plus de 14 000 ans avant J.-C., certaines recherches récentes suggérant même une présence humaine il y a environ 33 000 ans.

Cependant, dans le cadre de notre exploration des relations Europe-Afrique-Amérique, c'est le repeuplement de l'Amérique qui retient notre attention. Initié en 1492 avec l'arrivée des Européens et des Africains réduits en esclavage par eux, ce processus complexe, marqué par la conquête, la colonisation, la piraterie et les guerres d'indépendance, se poursuit d'une certaine manière jusqu'à nos jours. La traite négrière transatlantique est à l'origine de ces nouvelles vagues démographiques qui ont façonné l'Amérique actuelle, liant inextricablement, pour le meilleur et pour le pire, le destin de ces trois continents riverains de l'Atlantique.

La traite négrière transatlantique, ce commerce d'êtres humains à travers l'océan entre le XVIᵉ et le XIXᵉ siècle, a arraché l'immense majorité de ses victimes à l'Afrique centrale et occidentale. Capturés par des Africains de tribus plus puissantes, ils étaient vendus à des marchands européens, qui les transportaient vers l'Amérique pour y être vendus. Là, ces hommes, femmes et enfants étaient forcés de travailler dans les plantations de café, de sucre, de tabac et de coton, dans les mines d'or et d'argent, les rizières, l'industrie de la construction, l'exploitation forestière, la construction navale et comme domestiques dans les foyers.

L'Empire portugais fut le premier à s'engager dans ce commerce abject vers le Nouveau Monde au XVIᵉ siècle, rapidement suivi par d'autres nations. Les propriétaires de navires négriers considéraient les esclaves comme une simple cargaison, devant être transportée vers l'Amérique aussi rapidement et à moindre coût que possible. Au milieu du XVIIᵉ siècle, l'esclavage s'était institutionnalisé en une caste raciale héréditaire ; les Noirs et leurs descendants étaient officiellement la propriété de leurs maîtres, et les enfants nés de mères esclaves l'étaient également. Ces êtres humains étaient réduits à une marchandise, une unité de travail, vendus sur les marchés au même titre que des produits ou des services.

Les principaux acteurs de la traite atlantique, classés par volume d'échanges, furent les empires portugais, britannique, français et néerlandais, ainsi que les États-Unis (en particulier le Sud). Ils établirent des avant-postes sur la côte africaine où ils achetaient des esclaves aux dirigeants africains locaux. Les estimations actuelles chiffrent à environ 12 millions le nombre d'Africains transportés à travers l'Atlantique, bien que le nombre capturé par les marchands d'esclaves ait été considérablement plus élevé.

En évoquant cette histoire, souvent mal connue et peu acceptée, la « légende noire » et la « légende blanche » continuent de s'affronter. Notre intention n'est pas de réécrire le passé, mais il est impératif d'établir de nouvelles relations entre ces continents, fondées sur le respect du droit international, la justice et la raison. Ils doivent également participer à la mise à jour de ces rapports et échanges.

Et c'est ici que nous rejoignons notre sujet : la culture, et au sein de celle-ci, la musique, en particulier le jazz latino comme expression musicale synthétisant des éléments de ces trois origines. Le terme jazz latino englobe ainsi l'Afrique, l'Europe et l'Amérique. Les musiciens de ces trois continents interagissent depuis plus de 500 ans, malgré les obstacles que l'esclavage, la colonisation, la piraterie, l'incompréhension, le dogmatisme et la suprématie ont dressé sur leur chemin.

La relation particulière sur laquelle nous nous concentrons aujourd'hui est celle qui s'est développée entre les musiciens latinos – ceux qui intègrent la synthèse mentionnée dans leurs créations et leurs performances – et leurs pairs africains. Une familiarité devait exister, marquée par la composante africaine intrinsèque à de nombreux genres musicaux américains. Et il est crucial de préciser ici que notre propos dépasse la simple dimension raciale ; nous parlons en termes culturels. La culture, et la musique en particulier, transcendent ces frontières. Les musiciens de jazz, et plus spécifiquement les musiciens de jazz latino – noirs, métis, blancs, etc. – reconnaissent et adoptent cette composante africaine dans leur art. Et les musiciens africains, à leur tour, reçoivent et recréent une musique latine dans laquelle ils retrouvent un écho de leur propre histoire.

Nous vous présentons dans cet épisode un groupe de musiciens africains dont les performances annoncent d'autres relations transatlantiques, des dialogues musicaux riches et porteurs d'avenir.

Miriam Makeba (Johannesbourg, Afrique du Sud, 4 mars 1932 – Castel Volturno, Italie, 9 novembre 2008) était une chanteuse d'ethno-jazz et une militante politique sud-africaine, naturalisée guinéenne dans les années 1960, puis algérienne en 1972. Surnommée affectueusement Mama Africa, elle a conquis le monde avec ses succès musicaux et est devenue une voix puissante contre l'apartheid et pour la fierté du continent africain.
Fille d'un instituteur xhosa et d'une domestique swazie, elle a connu une enfance marquée par les difficultés. Sa mère a accouché seule et coupé elle-même le cordon ombilical. Quelques jours après sa naissance, Miriam et sa mère ont été emprisonnées pendant six mois pour avoir brassé de la bière afin de subvenir aux besoins de la famille. Son père est décédé lorsqu'elle avait six ans.
En 1948, l'instauration du régime de l'apartheid par les nationalistes afrikaners a profondément marqué sa vie. Mariée brièvement à James Kubay, elle a donné naissance à sa fille Bongi à l'âge de 17 ans et a surmonté un cancer du sein grâce aux soins non conventionnels de sa mère. Elle a divorcé en 1952.
À 20 ans, travaillant comme bonne d'enfants puis laveuse de taxis, Zenzi Makeba, son nom de naissance, vivait seule avec sa fille et sa mère. Sa carrière musicale professionnelle a débuté avec le groupe Cuban Brothers, avant qu'elle ne devienne choriste des Manhattan Brothers en 1952, qui lui ont donné son nom de scène, Miriam. Elle est rapidement devenue une vedette et a utilisé sa notoriété pour dénoncer le régime de l'apartheid et les conditions de vie misérables du prolétariat noir. En 1956, elle a écrit son plus grand succès, Pata Pata, qui a connu une renommée mondiale.
Son apparition dans le film anti-apartheid Come back, Afrika (1959) du cinéaste américain Lionel Rogosin l'a contrainte à un exil de 31 ans. Ses disques ont été retirés de la vente en Afrique du Sud et elle a été déchue de sa nationalité sud-africaine. Elle n'a pas pu assister aux obsèques de sa mère en 1960. Ce n'est qu'en 1990, avec la libération de Nelson Mandela, qu'elle a pu retourner en Afrique du Sud.
Elle a épousé son ami de longue date, le musicien sud-africain Hugh Masekela, en 1965, avant de divorcer en 1966. Elle a continué à prononcer des discours anti-apartheid et à appeler au boycott de l'Afrique du Sud devant les Nations unies. Elle chantait en zoulou, en xhosa, en tswana, en swahili, en portugais et en arabe, ses chansons prônant la tolérance et la paix. Elle a vécu aux États-Unis (où elle s'est engagée dans le mouvement des droits civiques contre la ségrégation raciale), en Guinée et en Europe, devenant un symbole de la lutte anti-apartheid.
En 1966, Miriam Makeba a reçu un Grammy Award pour son disque An Evening with Harry Belafonte and Miriam Makeba, devenant la première Sud-Africaine à obtenir cette récompense. Son mariage en 1969 avec le militant des droits civils afro-américain Stokely Carmichael, chef des Black Panthers, lui a causé des difficultés aux États-Unis, l'obligeant à s'exiler à nouveau et à s'installer en Guinée.
En septembre 1974, elle a participé au festival Zaïre 74 à Kinshasa. En 1977, elle a participé au FESTAC 77 à Lagos, au Nigeria. Elle a également dédié des chansons à des figures telles que Patrice Lumumba, Ahmed Sékou Touré, Malcolm X et Samora Machel.
En 1987, sa collaboration avec Paul Simon sur l'album Graceland lui a permis de retrouver le succès. Peu après, elle a publié son autobiographie, Makeba : My Story.
En 1990, Nelson Mandela l'a persuadée de rentrer en Afrique du Sud. En 1992, elle a joué le rôle de la mère (Angelina) dans le film Sarafina ! Miriam Makeba a toujours rêvé d'une Afrique unie et appelait à la réconciliation dans son pays. Selon Nelson Mandela, « Ses mélodies envoûtantes ont donné voix à la douleur de l'exil et du déplacement qu'elle a ressenti pendant 31 longues années. En même temps, sa musique a inspiré un puissant sentiment d'espoir en nous tous. Même après son retour chez elle, elle a continué à utiliser son nom pour faire la différence en encadrant des musiciens et en soutenant des jeunes femmes en difficulté. Un projet récent évoquait le sort des victimes des mines terrestres ».
Le 9 novembre 2008, à l'âge de 76 ans, elle s'est effondrée et est décédée d'une crise cardiaque après avoir chanté Pata Pata lors d'un concert de soutien à l'écrivain antimafia Roberto Saviano en Italie [1].
1. Imagine me Miriam Makeba, album The Magnificent Miriam Makeba, 1960.

Manu Dibango (Douala, 12 décembre 1933 – Paris, 24 mars 2020), de son nom complet Emmanuel N'Djoké Dibango, était un saxophoniste, pianiste, vibraphoniste, chef d'orchestre, auteur, compositeur et chanteur camerounais. Né dans une famille où son père était fonctionnaire et organiste, et sa mère couturière et responsable de la chorale, il a été envoyé en France pour étudier à l'âge de 15 ans.
Son style musical était une fusion distinctive de jazz, de soul, de rythmes africains et, dans une moindre mesure, de salsa. Après avoir interprété des chansons traditionnelles françaises, il a entamé sa carrière solo en 1972 avec l'album O Boso, connaissant un succès international retentissant avec Soul Makossa en 1973. Cet album lui a ouvert les portes de l'Olympia à Paris et des États-Unis.
Il a tourné aux États-Unis, se produisant notamment à l'Apollo Theater de Harlem et au Madison Square Garden avec les Fania All-Stars, puis en Amérique latine. Il a vécu quatre ans en Côte d'Ivoire, dirigeant l'Orchestre de la Radio-Télévision ivoirienne. Principalement basé en France, il a continué à tourner en Afrique et en Europe.
Manu Dibango a collaboré avec de nombreux artistes de renom tels que les Fania All-Stars, Fela Kuti, Peter Gabriel, Herbie Hancock et Salif Keïta. Il a également contribué à la musique du film d'animation Kirikou et les bêtes sauvages.
Son dernier album, Balada en Saxo, est sorti en 2014. En 2019, il a célébré ses soixante ans de carrière par une tournée.Il est décédé le 24 mars 2020 à l'âge de 86 ans des suites de complications liées à la COVID-19.
2. Iron Wood, Manu Dibango, album African Voodoo, 1972.

Ebo Taylor (Cape Coast, Ghana, 7 janvier 1936) est un musicien, arrangeur et producteur ghanéen, figure emblématique du highlife. Il est reconnu pour avoir modernisé ce genre en le fusionnant avec le jazz et par l'utilisation d'instruments amplifiés. Il est souvent décrit comme le trait d'union entre Accra, berceau du highlife, et Lagos, la Mecque de l'afrobeat.
Passionné par la musique dès son jeune âge, il s'est intéressé à la guitare électrique dans les années 1950 et a abandonné ses études scientifiques pour devenir musicien professionnel à 19 ans. Dès 1956, Ebo Taylor s'est illustré dans le highlife, un genre populaire dans l'Afrique anglophone postindépendance, qu'il a enrichi d'influences américaines et latines telles que le jazz, le funk et le calypso. Souvent comparé à Fela Kuti, qu'il a croisé à Londres dans les années 1960, ses disques essentiels des années 1970 ont été redécouverts en Europe dans les années 2000.
3. Victory, Ebo Taylor, album Love and Death, 2010.

Fela Kuti (Abeokuta, Nigeria, 15 octobre 1938 – Lagos, Nigeria, 2 août 1997) était un chanteur, saxophoniste, chef d'orchestre et homme politique nigérian. Cousin du prix Nobel de littérature Wole Soyinka, il est le fondateur de la République de Kalakuta et considéré comme l'inventeur de l'afrobeat, une fusion de musiques afro-américaines (jazz, funk), ouest-africaines (principalement le highlife ghanéen) et traditionnelles nigérianes (notamment les rythmes yoruba).
Dans un Nigeria en pleine transformation après la guerre du Biafra et devenu un important exportateur de pétrole, Fela Kuti s'est affirmé comme un artiste engagé contre la corruption, la dictature et le pouvoir des multinationales.
Surnommé le Black President, il utilisait sa musique comme une arme pour dépeindre les réalités socio-politiques sombres. Ses morceaux, souvent longs, abordaient la dictature militaire, la corruption et la misère, tout en appelant les Africains à retrouver leur identité et leur liberté par un retour aux sources.
L'afrobeat de Fela Kuti, mélange de jazz, de soul et de rythmes africains, a dépassé les frontières du Nigeria. Cependant, ses critiques virulentes du pouvoir militaire lui ont valu de nombreuses représailles, notamment la destruction de sa propriété, la mort de sa mère des suites de blessures infligées lors d'un raid militaire, et plusieurs emprisonnements et tortures.
Malgré les tensions, sa mort le 2 août 1997 a été reconnue par les autorités militaires, qui ont décrété quatre jours de deuil national. Près d'un million de personnes ont célébré sa mémoire à Lagos.
4. Fere, Fela Kuti, album Fela Ransome Kuti and His Koola Lobitos, 1969

Hugh Masekela (Witbank, Afrique du Sud, 4 avril 1939 – Johannesbourg, Afrique du Sud, 23 janvier 2018) était un trompettiste, bugliste et cornettiste sud-africain de jazz. Encouragé par le père Trevor Huddleston, un prêtre britannique, il a reçu sa première trompette, ayant appartenu à Louis Armstrong, en 1954. En 1960, il a étudié à la Guildhall School of Music de Londres puis s'est installé à New York, où il a été soutenu par Harry Belafonte et est devenu le protégé de Dizzy Gillespie et Miles Davis.
Son premier album, Trumpet Africaine, est sorti en 1962. Installé à New York en 1964, il a vécu et brièvement été marié à Miriam Makeba. En 1968, son morceau Grazing in the Grass a été un succès international. La même année, il a participé à des enregistrements de Bob Marley. Il a également joué au Harlem Cultural Festival en 1969.
Il a collaboré avec des orchestres de jazz sur des albums des Byrds et de Paul Simon. Sa chanson Bring Him Back Home (1987) est devenue un hymne pour la libération de Nelson Mandela. Sa composition Soweto Blues, interprétée par Miriam Makeba, pleurait le massacre de Soweto en 1976. Dans les années 1980, il a tourné avec Paul Simon sur l'album Graceland.
Après la fin de l'apartheid, il est retourné en Afrique du Sud, où il a vécu jusqu'à sa mort. En 2004, il a publié son autobiographie, Grazin' in The Grass, retraçant sa lutte contre l'apartheid, sa dépendance à l'alcool et son parcours musical. Il est décédé d'un cancer de la prostate à l'âge de 78 ans.
5. Ring Bell, Hugh Masekela, Herb Halpert, album Herb and Hugh, 1978.

Tony Allen (Lagos, Nigeria, 20 juillet 1940 – Paris, France, 30 avril 2020) était un batteur et auteur-compositeur nigérian, naturalisé français en 1998. Pionnier de l'afrobeat avec Fela Kuti, dont il a été le batteur et le directeur artistique de 1968 à 1979, Fela a déclaré que « sans Tony Allen, il n'y aurait pas d'afrobeat ». Brian Eno l'a décrit comme « peut-être le plus grand batteur qui ait jamais vécu ».
Dans les années 1960, une tournée aux États-Unis a marqué une prise de conscience politique pour Allen et Kuti, influençant la naissance de l'afrobeat, un mélange de rythmes traditionnels, de puissance électrique et de textes engagés.
Des divergences politiques ont conduit Tony Allen à explorer des territoires musicaux plus expérimentaux, collaborant avec des musiciens de la scène électro et jazz française. En 2005, il est revenu à ses racines avec l'album Lagos No Shaking.
En 2008, il a enregistré sa propre version de la chanson Where the Streets Have No Name de U2. Résidant en France, il est décédé à Paris à l'âge de 79 ans.
6. Never, Tony Allen and Hugh Masekela, album Rejoice, 2020.

Mulatu Astatke (Jimma, Éthiopie, 19 décembre 1943) est un musicien, compositeur et arrangeur éthiopien, considéré comme le père de l'éthio-jazz. Sa formation musicale s'est déroulée à Londres, New York et au Berklee College of Music de Boston, où il a été le premier étudiant africain à obtenir un doctorat en musique. Il a combiné les influences du jazz et de la musique latine avec la musique traditionnelle éthiopienne.
Il a collaboré avec des figures du jazz comme Duke Ellington dans les années 1970. Après sa rencontre avec le groupe américain Either/Orchestra en 2004, il a entamé une collaboration fructueuse. En 2008, il a collaboré avec le collectif londonien The Heliocentrics sur l'album Inspiration Information Vol. 3. Son instrument de prédilection est le vibraphone.
En 2005, il a composé une partie de la bande originale du film Broken Flowers de Jim Jarmusch. Un volume de la série Ethiopiques est entièrement consacré à sa musique. Il a également produit de nombreux artistes d'Afrique de l'Est.
Il a été chercheur au Radcliffe Institute de l'Université Harvard et artiste en résidence au MIT, travaillant sur la modernisation des instruments traditionnels éthiopiens.
7. A kiss before dawn, Mulatu Astatke, album Afro-Latin soul vol 1, 1966.

Ray Lema (Lufu-Toto, Kongo central, Zaïre, 30 mars 1946) est un pianiste, guitariste et compositeur franco-congolais. Après avoir envisagé une carrière ecclésiastique, il a découvert l'orgue et le piano. Il a étudié la chimie à l'université de Kinshasa avant de devenir guitariste. Il a été influencé par Fela Kuti et a participé à la Caravane Jericho pour sa libération.
En 1974, il a été nommé directeur musical du Ballet national du Zaïre, devenant Maître Tambour. Il a notamment été chargé de la direction musicale du concert accompagnant le combat Ali-Foreman en 1974.
Suite à des désaccords politiques, il s'est installé aux États-Unis en 1979 puis en France en 1982. Il est le parrain du projet de l'Université musicale africaine (UMA) et a été nommé porte-parole de l'Unesco.
8. Saka salsa, Ray Lema, Laurent de Wilde, album Wheels, 2021.

L'Orchestre Poly-Rythmo de Cotonou est un groupe musical béninois formé en 1968 à Cotonou. Leur style musical mélange l'afrobeat, le funk, le soukous et les rythmes vaudous. Très populaire en Afrique francophone, le groupe a enregistré plus de 500 chansons entre 1969 et 1983. Après une période de moindre notoriété, des compilations de leurs anciens albums au début des années 2000 leur ont permis de retrouver une audience internationale. Ils ont sorti un nouvel album, Cotonou Club, en 2011, leur premier en 20 ans, suivi de Madjafalao en 2016.
9. Angelina, Orchestre Poly-Rythmo de Cotonou, album The Kings Of Benin Urban Groove 1972-80, 2004.

Richard Bona (Minta, Cameroun, 28 octobre 1967) est un chanteur et bassiste américain d'origine camerounaise. Il a débuté sa carrière comme instrumentiste à Paris avant de s'installer à New York et de se produire en solo à partir de 1999. Issu d'une famille de musiciens, il a joué du balafon dès l'âge de quatre ans. Après avoir découvert le jazz et la basse, il a émigré en Allemagne puis en France pour étudier la musique. Il a joué avec de nombreux artistes de renom avant d'être invité par Harry Belafonte à rejoindre son orchestre à New York. Il a collaboré avec des musiciens de jazz de premier plan et a sorti plusieurs albums solos acclamés, remportant notamment un prix aux Victoires du jazz et étant nominé aux Grammy Awards.
10. Bilongo, Richard Bona, album Heritage, 2023.

Somi (de son vrai nom : Laura Kabasomi Kakoma, née le 6 juin 1981 à Champaign, dans l'Illinois) est une chanteuse de jazz américaine aux racines est-africaines.
Ses parents sont originaires du Rwanda et de l'Ouganda ; elle a grandi dans l'Illinois et en Zambie, où son père travaillait pour l'Organisation mondiale de la santé. Après le retour de sa famille dans l'Illinois, elle a fréquenté l'University Laboratory High School à Urbana et le Champaign Central High School. Elle a ensuite étudié l'anthropologie et les études africaines à l'Université de l'Illinois. Elle a obtenu un master en études de performance à la Tisch School of the Arts (Université de New York). Elle a travaillé comme choriste pour Roy Hargrove (Strength EP, The RH Factor, Verve). En 2003, elle a sorti son premier album. En 2011, elle a sorti l'album Live at Jazz Standard, suivi en 2014 de The Lagos Music Salon (sur le label Columbia réactivé Okeh Records) avec Common et Angélique Kidjo comme musiciens invités. En 2017, elle a ouvert le festival Enjoy Jazz de Heidelberg. En 2019, elle s'est produite pour la première fois avec un big band, en Allemagne. L'album qui en a résulté, Holy Room, arrangé et dirigé par John Beasley, a été nominé aux Grammy Awards 2021. En 2024, elle s'est produite avec son New Afro Jazz Quintet au Festival de jazz de Bâle.
Dans sa musique, Somi allie rythmes africains, jazz et soul. Elle a été maintes fois comparée à Sarah Vaughan et Miriam Makeba, ainsi qu'à Nina Simone.
11. Ginger me slowly, Somi, album The Lagos Music Salon, 2014.

L'Afrique est un vaste continent, à l'origine de l'humanité et à la source d'une grande partie de la musique que nous entendons aujourd'hui. C'est une tâche titanesque de rechercher sur sa musique ; le jazz latino lui doit beaucoup, et l'Afrique l'apprécie. Il faut retourner dans leurs pays et leurs régions patiemment, sans relâche, c'est là l'origine. Nous avons hâte de vous retrouver dans notre prochain épisode.

[1] Les données biographiques présentées ici sur les musiciens africains sont des résumés de leurs biographies trouvées sur https://en.wikipedia.org/wiki/Main_Page

C'est du jazz latino, épisode 38 (Afrique)
Un espace pour l'écoute, la danse et le plaisir…

1. Imagine me Miriam Makeba, album The Magnificent Miriam Makeba, 1960.
2. Iron Wood, Manu Dibango, album African Voodoo, 1972.
3. Victory, Ebo Taylor, album Love and Death, 2010.
4. Fere, Fela Kuti, album Fela Ransome Kuti and His Koola Lobitos, 1969.
5. Ring Bell, Hugh Masekela, Herb Halpert, album Herb and Hugh, 1978.
6. Never, Tony Allen and Hugh Masekela, album Rejoice, 2020.
7. A kiss before dawn, Mulatu Astatke, album Afro-Latin soul vol 1, 1966.
8. Saka salsa, Ray Lema, Laurent de Wilde, album Wheels, 2021.
9. Angelina, Orchestre Poly-Rythmo de Cotonou, album The Kings Of Benin Urban Groove 1972-80, 2004.
10. Bilongo, Richard Bona, album Heritage, 2023.
11. Ginger me slowly, Somi, album The Lagos Music Salon, 2014.

C'est du jazz latino épisode 37

Pedro Alzuru — 2025-06-01T18:25:37Z

Le latin jazz peut être interprété comme une étiquette publicitaire, une stratégie de légitimation, une fusion des genres musicaux nationaux des pays d'Amérique latine et du jazz, ou encore une rencontre de musiciens brillants qui ont su établir un dialogue horizontal, égalitaire et mutuellement enrichissant entre différentes cultures — d'Afrique, d'Amérique et d'Europe. Un dialogue que nous aimerions voir s'établir entre ces continents dans d'autres sphères de la vie sociale.

Toutes ces perspectives sont viables pour comprendre ce phénomène artistique et culturel complexe ; chacune a sa propre vérité, et d'innombrables autres approches peuvent leur être ajoutées. Cela est particulièrement vrai pour la région que nous abordons aujourd'hui : l'Amérique centrale. La complexité du genre ne s'épuise pas dans la rencontre entre le Nord et le Sud ; il faut inclure le Centre, et ce centre est particulièrement riche.

Nous apportons au programme, à cette occasion, des performances et des créations de musiciens de différents pays de la région : Guatemala, Honduras, Costa Rica, Nicaragua, El Salvador et Belize. Nous n'avons pas inclus le Panama car le rôle joué par ses musiciens dans le jazz afro-américain, dès les premières décennies du XXᵉ siècle, a donné à ce pays une spécificité qui nous a conduits à lui consacrer un programme particulier (l'épisode 23 de notre podcast). Bien sûr, chacun de ces pays mérite son propre programme, mais nous voulions commencer par cet aperçu panoramique. Nous devrons revenir à un moment donné sur chacun des pays et des sujets abordés.

L'Amérique centrale a, comme nous l'avons dit, ses particularités. En général, la fusion de ses genres nationaux avec le jazz est tardive, disons dans la seconde moitié du XXᵉ siècle, mais elle émerge avec une force spécifique et démontre la richesse de la musique folklorique et populaire de la région. L'une de ces caractéristiques est la culture Garifuna, à laquelle s'identifient les musiciens de presque toute la région. Cette culture est le résultat de la rencontre, tout au long de la période de conquête et de colonisation, entre les Africains et les communautés indigènes. Les Garifunas d'aujourd'hui, dont la grande majorité sont d'origine africaine, ont néanmoins hérité d'une langue indigène des groupes ethniques arawak originaires de ce qui est aujourd'hui les Caraïbes, le nord de l'Amérique du Sud et l'Amérique centrale. Cela confère à la musique qui se définit comme Garifuna des caractéristiques très particulières qui reflètent l'histoire du groupe ethnique, pleine de tragédies et de joies qui se perpétuent à ce jour et se poursuivront dans le futur. Il s'agit, comme on l'a dit, d'un événement euro-afro-latino-américain.

L'héritage du Maestro Julio Zelaya est hautement reconnu dans le pays pour sa contribution à l'ouverture du programme de jazz à l'UNAH, ainsi que pour son intérêt pour la musique indigène hondurienne, comme en témoignent ses deux productions musicales Yurumen et Caribe Garífuna [1], et sa contribution à la formation de plusieurs groupes de musique de jazz. De son dynamisme et de son dévouement est né le mot Garibop, en référence à son approche du jazz, que d'autres musiciens poursuivront. Il travaillait sur des recherches pour la création d'un livre de partitions de musique traditionnelle hondurienne interprétées dans un style jazz. Aujourd'hui, ce magnifique musicien et être humain formidable, amoureux de la musique et de l'art, nous laisse un héritage qui doit perdurer grâce à son travail acharné dans la formation de nouvelles générations de musiciens. Il est né à Tegucigalpa en 1951 et décédé dans la même ville en 2020. Il était musicien, guitariste, compositeur et professeur. Coordonnateur de la carrière musicale ; collaborateur à la création du cursus et du diplôme en jazz à l'UNAH ; membre et directeur de divers groupes musicaux dans le genre jazz. Ses productions musicales : Yurumen, 2002 et Caribe Garífuna, 2005, tous deux des CD de musique originale inspirée des rythmes afro-honduriens. Ces productions sont le résultat d'un projet de recherche sur ces rythmes, Rythmes garifunas et musique contemporaine au Honduras, parrainé par l'UNAH et l'UNESCO. [2]
1. El baile del delfin, Julio Zelaya, album Caribe Garífuna, 2005.

Annette A. Aguilar (née en 1957) est une percussionniste, cheffe d'orchestre et professeure de musique américano-nicaraguayenne. Elle est surtout connue comme la leader du groupe de jazz latino-brésilien Annette A. Aguilar & String Beans, qui a effectué de nombreuses tournées aux États-Unis et en Afrique. Ancienne percussionniste du groupe The Grateful Dead, elle est la fondatrice du festival annuel Women in Latin Jazz in New York et est également ambassadrice du latin jazz auprès du Département d'État américain. Née à San Francisco de parents nicaraguayens, Annette A. Aguilar commence la batterie en sixième après avoir vu les Beatles à la télévision. Adolescente, influencée par la scène musicale de San Francisco, et notamment par Santana, elle e met au rock latino. À seize ans, elle se produit avec des artistes de renom tels que José Areas (ancien membre de Santana), Cal Tjader et Sheila Escovedo. Durant ses études de musique classique à l'Université d'État de San Francisco, elle joue pour un groupe de jazz latino-brésilien et pour l'Orchestre philharmonique féminin de la Baie de San Francisco. Elle obtient une maîtrise en musique à la Manhattan School of Music et une maîtrise en éducation musicale à la City University of New York. Elle étudie également la musique latine avec Louis Bauzo au Boys Harbor Conservatory et avec Jerry Gonzalez. En 1992, elle fonde son propre groupe de jazz latino et brésilien, Annette A. Aguilar & String Beans, nommé ainsi en raison de son utilisation d'instruments à cordes, dont le violon et la harpe. Le groupe est connu pour son mélange distinctif de styles, s'inspirant des diverses influences d'Aguilar. Parallèlement à ses activités de chanteuse, elle enseigne les percussions à la Third Street Music School Settlement de New York. En 2014, elle organise le premier festival annuel Women in Latin Jazz dans l'Upper Manhattan. Discographie : City Down, 1986 ; Hot Corn in the Fire, 1994 ; Annette A. Aguilar & String Beans, Special Friends, 1999 ; No Cheap Dates, 2005 ; The Day Waits for Nobody, 2009. [3]
2. Xarope, Annette Aguilar & Stringbeans, album No cheap dates, 2005.

Le début de la carrière artistique de Camilo Corea remonte à sa jeunesse, avec sa participation aux groupes musicaux Fénix U, Brass et Corea's Singers. Pendant ce temps, il sort un LP hommage à la capitale Tegucigalpa, enregistré à San José, au Costa Rica. L'album comprenait des chansons d'auteurs de la capitale et de Camilo Corea lui-même. Au fil du temps, sa tendance vers le jazz devient plus évidente. Ses premières incursions dans le jazz se font à travers les groupes Armonía et Opus Nova, le premier étant un quatuor de jazz et le second un petit groupe de chambre qui mélange des instruments classiques comme le violoncelle avec des instruments de nouvelle génération (synthétiseurs). À cette époque, Corea s'aaventure dans des arrangements orientés jazz d'œuvres classiques, telles que l'Ode à la joie de Beethoven, Le Printemps de Vivaldi et l'Air sur la corde de sol de Bach ; il travaille également sur des chansons de compositeurs honduriens, dont Salida del Sol de Gilberto Zelaya, Mestiza (concerto pour guitare) de Leoncio López Fiallos et d'autres. Camilo Corea termine ses études universitaires et obtient son diplôme d'ingénieur civil à l'UNAH. De retour de ses études de troisième cycle en hydrologie en Espagne, il fonde l'orchestre Strings & Bronze, avec lequel il donne plusieurs concerts où il présente ses œuvres aux côtés de celles d'autres compositeurs honduriens. L'une des œuvres les plus intéressantes est la composition La Création, dans laquelle il présente la création de l'humanité vue depuis l'environnement musical garifuna avec une application symphonique. Avec cet orchestre, il explore différents domaines de la musique contemporaine et cherche à mettre en valeur divers exemples de composition hondurienne contemporaine. La nouvelle génération d'instruments électroniques influence l'esprit de Corea, qui s'est aventuré dans le domaine des œuvres séquencées. Cependant, après quelques années, il est devenu nostalgique de la participation d'instruments live et est revenu à la composition conventionnelle. Durant cette même période, et pendant plusieurs années, il participe en tant que directeur et arrangeur au Festival de la chanson du Honduras OTI, contribuant à la maturité de cette époque où la chanson hondurienne s'est épanouie. Il a l'occasion d'accompagner les interprètes et compositeurs des chansons qui représente le Honduras au Festival International OTI, qui a eu lieu à San José, au Costa Rica, et également à Acapulco, au Mexique. Ses arrangements orchestraux pour des chansons représentant le Honduras ont été interprétés dans divers lieux, tels que Lisbonne (Portugal), Buenos Aires (Argentine), Caracas (Venezuela), Madrid (Espagne), etc. Sa carrière a été récompensée par le prix National d'Art 2023. [4]
3. Litorial, Camilo Corea, album Conmigo, 2010.

Imox (i ́mosh) est un groupe de jazz guatémaltèque avec une proposition originale, qui résulte de l'intégration de différentes influences musicales, notamment le hardbop, le jazz fusion, les rythmes latino-américains, le flamenco et la musique traditionnelle guatémaltèque. Le nom Imox vient de la culture maya et fait référence à un Nawal ou esprit protecteur qui représente l'aléatoire, le chaotique et le spontané, qui peut également être interprété comme la volonté de l'homme de créer. En mettant l'accent sur les nuances, les couleurs et la narration des mélodies, la musique d'Imox explore sa nature guatémaltèque - métisse - d'une ville déjà cosmopolite, à travers les outils fournis par le jazz. Composé de Víctor Arriaza (1982) au piano, Rosse Aguilar (1984) au saxophone alto et au chant, David Batz (1991) à la batterie et Luis Pedro González (1981) à la basse électrique, à la guitare et aux percussions. Fondé en 2004 par Víctor Arriaza, et formé en trio jusqu'à l'incorporation de Rosse Aguilar en 2008, Imox a compté sur la participation de plusieurs musiciens de jazz guatémaltèques, trouvant son identité actuelle après l'intégration de David et Luis Pedro en 2012. Depuis lors, ils ont participé à plusieurs éditions du Festival international de jazz du Guatemala et au Salvador, au Costa Rica, au Nicaragua, au Honduras, au Mexique et au Panama ; et c'est au cours de ces performances et grâce à leur travail acharné qu'ils ont interagi en concerts live avec de grandes figures du jazz mondial telles que Jason Marsalis, Dave Schroeder, Peter Cobb, Marco Pignataro, Joe Mulholand, Andrew Stonerock, Jerome Fleg, Ben Markley, Forest Greenough, John Lockwood, entre autres. Leur premier album, intitulé Caffeine Effect, est sorti fin 2012 et explore le jazz d'avant-garde et l'improvisation simultanée. Après, ils ont publié : Cuatro Piezas Guatemaltecas, 2017 ; Caminando, 2018, 2019 et Imox Jazz, Vocal Jazz, 2023. Imox a promu des programmes d'éducation et de sensibilisation au jazz au Guatemala. Ils ont également participé à l'organisation et au soutien de festivals éducatifs avec des professeurs de plusieurs universités américaines, notamment le Berklee College of Music, l'Université de New York, le Casper College et l'Université du Wyoming. [5]
4. Caffeine effect (radio edit), Imox, album Caffeine Effect, 2012.
5. Herencia, Imox, album Caminando, 2018.

Le Garifuna Collective s'est produit dans plus de 30 pays sur 5 continents et a participé aux albums garifuna les plus célèbres de tous les temps, notamment Wátina, acclamé par la critique et lauréat du Womex et du BBC World Music Award. Il s'agit d'un collectif de musiciens chevronnés issus de différentes générations, animés par une dynamique née de leurs collaborations et de leurs voyages à travers le monde, partageant leur musique et leurs histoires avec un public international. Leurs performances font vibrer l'histoire et l'âme de la culture garifuna. Si leurs enregistrements puisent dans le vaste répertoire des chansons garifuna pour créer de nouvelles compositions, certains chanteurs du groupe en connaissent des centaines ! Le groupe a su maintenir sa force malgré une adversité incroyable, car l'histoire du peuple garifuna est faite de luttes. Le Collectif s'inscrit dans une longue lignée ancestrale, préservant et développant l'identité culturelle garifuna, dans un dialogue entre générations et traditions. L'album Wátina d'Andy Palacio et du Garifuna Collective, sorti en 2007, est l'un des albums de musique du monde les plus acclamés jamais sortis et a été sélectionné par amazon.com comme le meilleur album de musique du monde de tous les temps (devançant Buena Vista Social Club, Bob Marley, Fela Kuti et d'autres prétendants de taille). À l'aube d'une immense célébrité, Andy est décédé subitement un an après la sortie de Wátina, laissant le monde entier s'interroger sur l'ampleur qu'il aurait pu prendre. Son groupe a repris le flambeau d'Andy et, avec le retour du producteur de Wátina, Ivan Duran de Stonetree, a produit l'album Ayó, un recueil émouvant de chansons inspirées de leur héritage culturel afro-amérindien unique. Avec une formation composée des meilleurs musiciens de la riche scène musicale garifuna du Belize, du Honduras et du Guatemala, The Garifuna Collective promet de perpétuer le flambeau de la préservation et de la promotion culturelles transmis par Andy Palacio. Les chansons de The Garifuna Collective, pleines de chagrin, d'espoir et de joie, vous toucheront corps et âme. Sur « Mongulu », la chanteuse exprime sa confiance : malgré les difficultés, son fils Móungulu grandira. Le cadre préféré du collectif Garifuna est lorsque tout le monde chante à l'unisson ou en appel et réponse et que n'importe qui peut se joindre en frappant des mains ou en jouant d'un instrument de percussion. Certaines des chansons les plus mémorables de la culture Garifuna ont été créées et popularisées de cette manière. [6]
6. Mongulu, The Garifuna Collective, album Ayo, 2013.
7. Ubou (The world), The Garifuna Collective, album Ayo, 2013.

Lenín Izaguirre a d'abord étudié la clarinette auprès de Juan Nájera Coto. Il a ensuite étudié à l'Université du Costa Rica et obtenu sa licence avec spécialisation en clarinette, sous la tutelle de la professeure Yamileth Pérez. En 2004, la Fundación del Estado para el Sistema Nacional de las Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela, (FESNOJIV, connue comme El Sistema) lui a accordé une bourse pour étudier la clarinette à l'IUDEM (Institut universitaire d'études musicales du Venezuela) et à l'Académie latino-américaine de clarinette. Durant ses études dans ces institutions, il a étudié auprès des professeurs Valdemar Rodríguez, Gorgias Sánchez, Orlando Pimentel, Henri Crespo et Edgar Pronio. Il a participé à plusieurs éditions du Festival des jeunes clarinettistes vénézuéliens. En 2006, Izaguirre s'est inscrit à l'école de jazz de l'Instituto Universitario de Estudios Musicales (IUDEM, Caracas) et a étudié le saxophone et la clarinette auprès de Pablo Gil. La même année, il a participé au premier Festival de clarinette de l'Académie latino-américaine de clarinette, organisé à Mérida, au Venezuela. Il est membre fondateur de l'association PROCLARI, organisation au sein de laquelle il a organisé le premier Festival international de clarinette du Costa Rica. Il a été responsable des sept premières éditions de ce festival. Il a également fondé et organisé le Concours international de clarinette José Manuel Ugalde Quirós pendant trois années consécutives. Il a étudié le jazz auprès de Walter Blanding, Victor Goines, Mike Holober, Nicolas Folmer, Pierre Bertrand, Jon Irabagon, Alejandro Aviles, Diego Urcola et Leo Blanco. En tant qu'artiste solo, il s'est produit en Argentine, en Colombie, en France, au Panama, au Mexique, au Paraguay, au Portugal, en Corée du Sud, en Uruguay et au Venezuela. Il a partagé la scène avec Stéphane Chausse et Diego Urcola. En 2014, il a enregistré son premier album, intitulé Invención, avec le Quatuor de clarinettes costaricain. Il s'agit d'une compilation d'œuvres du compositeur costaricien Vinicio Meza. Cette production a été nominée aux ACAM Awards 2016 dans la catégorie instrumentale. Un an plus tard, il a enregistré son premier album solo, Songoro, qui a également été nominé pour un ACAM Jazz Award 2016. Son deuxième album solo a été enregistré en 2016 aux côtés du guitariste Alonso Torres. Cette production, intitulée Quisiera decirte, a remporté le prix ACAM 2018 dans la catégorie Musique instrumentale. Sa carrière solo l'a vu se produire dans certaines des salles et festivals les plus importants du Costa Rica. [7]
8. Salsa marinera, Lenin Izaguirre, album Songoro, 2015.

Luis Muñoz, compositeur, arrangeur, producteur et percussionniste, est né à San José, au Costa Rica. En 1972, il entre à l'Université du Costa Rica et au Conservatoire national de musique, où il étudie l'architecture et la musique. En 1974, il obtient son diplôme de composition musicale à l'Université de Californie à Santa Barbara, sous la direction du célèbre compositeur britannique Peter Fricker. Luis Muñoz a écrit des musiques pour des documentaires, des films d'animation, des œuvres de danse et de théâtre, et s'est produit dans certains des plus grands festivals et salles de jazz au monde. En 1988, il signe chez CBS Records et enregistre La Verdad. En 1996, The Fruit of Eden, chez Fahrenheit Records, marque les débuts discographiques de Muñoz aux États-Unis. En 1998, sort Compassion, continuant ainsi à se positionner comme une force novatrice dans la musique instrumentale. En 2004, Muñoz a sorti Vida, salué par la presse musicale internationale. En 2006, M. Muñoz a reçu un prix ACAM au Costa Rica, en tant que compositeur/producteur de jazz de l'année. En 2007, est sorti Of Soul and Shadow, un enregistrement qui explore ses racines centraméricaines à travers les idiomes du folklore costaricien, de la musique classique et du jazz, fruit du travail collaboratif de plus de 25 musiciens. Luis Muñoz revient en 2010 avec Invisible, une fois de plus salué par la presse musicale internationale. En 2011, il remporte son deuxième prix ACAM du Compositeur de jazz de l'année. En 2013, sort un nouvel album, intitulé Luz, avec les chanteuses Magos Herrera (Mexique) et Téka Penteriche (Brésil). Une fois de plus, les médias internationaux soutiennent pleinement le projet. 2014 a été marquée par de nombreux changements pour Luis, notamment la formation de deux nouveaux ensembles : un trio avec Daniel Zimmerman aux guitares et Brendan Statom à la contrebasse, et un quatuor, avec l'arrivée du trompettiste Jonathan Dane. Un nouvel album a été enregistré avec ces deux groupes et la chanteuse guyanaise Lois Mahalia. Luis a également travaillé sur un CD entièrement vocal, intitulé Voz, en collaboration avec les fantastiques chanteuses Claudia Acuña, Magos Herrera et Teka Penteriche, sorti en septembre 2015. En 2017, il sort un autre CD, The Dead Man, un projet enregistré en studio avec son trio/quatuor, inspiré du nouvel éponyme de l'auteur uruguayen Horacio Quiroga. Luis Muñoz est un visionnaire de la musique et l'un des compositeurs de jazz les plus sensibles, mélodiques et talentueux d'aujourd'hui. [8]
9. Tierranegra, Luis Munoz, album The dead man, 2017.

Le groupe Proyecto Acústico a sorti son deuxième album musical, intitulé Ruta Panamericana. Cet album présente de nombreuses influences, notamment le jazz latino, la musique afrodescendante, la samba brésilienne, le jazz fusion, la mambo et le cha cha. Le matériel est désormais disponible sur la page Facebook officielle du groupe et est accessible à tous ceux qui souhaitent écouter un type de musique différent et original. Les pistes de l'album sont : Mambo Manía, Arrecife, Cha Cha Club, Después de ti, Afrodescendientes, Ruta Panamericana et Samba Son. Selon Carlos Romero, leader et compositeur du groupe, leur matériel est totalement nouveau et s'inspire du jazz. Il a affirmé qu'il s'agit d'une œuvre de jazz latin et que le groupe a une identité et s'efforce de produire un travail qui en vaut la peine. L'album comporte sept titres, et le titre principal s'appelle Ruta Panamericana. C'est une chanson écrite avec l'idée de cette autoroute qui traverse physiquement toute l'Amérique, dans le but d'unifier fondamentalement le sentiment et l'esprit américains. Le groupe a commencé son voyage en 2007 et a eu différentes formations. Au début, le groupe était composé des deux frères de Carlos : Mario Romero à la guitare et Juan Carlos Romero à la basse (qui est le bassiste actuel) ; Salvador Elías à la guitare ; José País à la batterie ; Ernesto Buitrago à la conga ; et Carlos Romero au vibraphone. Romero a souligné que le vibraphone est essentiellement un instrument de percussion joué avec des maillets, ce qui le distingue. L'album est né du besoin musical fondamental d'obtenir quelque chose que les musiciens ne peuvent pas obtenir avec d'autres types d'arrangements musicaux. [9]
10. Samba son, Proyecto Acustico, album Ruta panamericana, 2021.

Donald Vega est un pianiste de jazz et compositeur américain d'origine nicaraguayenne. Né à Masaya, au Nicaragua, ville réputée pour son artisanat, il souffre d'une importante fente palatine, qu'il a dû corriger à plusieurs reprises pour préserver son audition. Il fuit le pays à l'âge de 15 ans et arrive à Los Angeles en 1989. Il fréquente le lycée Crenshaw. À la fin des années 1990, il risquait d'être renvoyé dans son pays natal en raison de la loi de réforme de l'immigration de 1996. Grâce à l'aide d'amis et de soutiens, il est aujourd'hui résident légal. Donald Vega a suivi une formation classique de piano dans son Nicaragua natal. Lorsqu'il a émigré aux États-Unis à l'âge de 15 ans, il a trouvé un foyer musical à la Colburn School of Performing Arts. Il y a commencé ses études de piano classique avec Teresa de Jong Pombo et le Dr Louis Lepley. Vega a commencé à apprendre le jazz auprès de son mentor Billy Higgins au World Stage et a continué au CSPA avec Jeffrey Lavner, puis avec le bassiste John Clayton à l'Université de Californie du Sud. Lors de son séjour à Los Angeles, Donald a été encadré et a joué avec le célèbre conguero Francisco Aguabella, ainsi qu'avec le célèbre bassiste Al McKibbon. Il a ensuite obtenu son diplôme de la Manhattan School of Music et de la Juilliard School, où il a étudié avec les grands pianistes Kenny Barron, Phil Markowitz et Gary Dial. Vega est actuellement professeur à la Juilliard School, vit à New York et siège au conseil d'administration de Back Country Jazz, une organisation à but non lucratif qui propose des programmes d'éducation musicale et des concerts aux jeunes défavorisés. Sa discographie en tant que leader : As I Travel (2023), With Respect To Monty (2015), Spiritual Nature (2012), Tomorrows (2008). [10]
Extrait de son dernier album, avec Lewis Nash à la batterie, John Patitucci à la basse et Luisito Quintero à la conga.
11. Beautiful ladies, Donald Vega, album As i travel, 2023.

Nous concluons ainsi notre première approche du jazz latin en Amérique centrale, un aperçu général sans aucun doute. Il nous faut maintenant revenir sur chacun de ces pays avec une discussion plus détaillée de leurs musiciens et de leurs particularités. Nous espérons que vous l'avez apprécié et vous invitons à notre prochain épisode.

[1] Nous trouverons des références constantes à la culture et à la langue Garifuna parmi les musiciens d'Amérique centrale. Nous introduisons cette citation pour clarifier la référence et vous inviter à aller plus loin.
Les Garifunas sont un des peuples des Caraïbes. Leur langue, le garifuna, appartient à la famille linguistique des langues arawakiennes. Les Garifunas sont issus du métissage entre des esclaves africains évadés (les nègres marrons) et les autochtones (Caraïbes et Arawaks), mêlant certaines traditions africaines avec la culture caraïbe. Leur nom signifie « mangeur de manioc » en arawak. On les nomme quelquefois : Caraïbes noirs. Au fil des massacres et des déportations, les Garifunas ont été progressivement parqués dans certaines îles des petites Antilles et tout particulièrement Saint-Vincent et la Dominique. Les Indiens caraïbes sont progressivement devenus démographiquement minoritaires, mais ils transmirent aux Africains leur langue et de nombreux éléments de leurs cultures autochtones à la culture garifuna en construction, réalisant une synthèse de cultures autochtones et africaines. Durant le XVIIIᵉ siècle, les Garifunas vécurent sous la tutelle du Royaume de France et du Royaume de Grande-Bretagne en fonction des changements de possession des îles antillaises. En 1795, influencés par les idéaux républicains de la Révolution française (via Haïti), et poussés par le soutien de Victor Hugues depuis la Guadeloupe et de ses corsaires, les Garifunas attaquèrent les Britanniques, alors maîtres de Saint Vincent. La guerre dura dix-huit mois mais en 1796, les Caraïbes noirs furent vaincus. Les autorités britanniques décidèrent alors de déporter cette population belliqueuse ; 5 000 Garifunas furent embarqués dans huit navires pour rejoindre Baliceaux, dans les Grenadines. En avril 1797, les 2 026 hommes, femmes et enfants qui avaient survécu sur cette île inhospitalière furent débarqués sur l'île de Roatán, en face des côtes du Honduras. Plus tard, ils quittèrent l'île, trop petite, pour s'installer sur le continent. Ils fondèrent plusieurs villages, comme Livingston en 1806 sur la côte atlantique du Guatemala. Assimilés aux peuples autochtones dans les pays où ils habitent (Belize, Honduras, Guatemala, Barbade, Nicaragua), les Garifunas y subissent les mêmes discriminations que les peuples amérindiens. Il y aurait 500 000 personnes d'origine garifuna dans le monde, dont les deux-tiers ont émigré aux États-Unis, ce qui aggrave la situation économique des communautés locales, privées des forces productives. La consommation croissante de drogue et d'alcool est aussi un problème social crucial. Parmi les 100 000 personnes qui parleraient encore leur langue, la plupart se trouve en Amérique centrale et dans les Caraïbes. C'est au Belize, où ils représentent 7 % de la population, qu'ils sont proportionnellement les plus nombreux.
https://fr.wikipedia.org/wiki/Garifunas

[2] https://bit.ly/37xx0ti

[3] https://en.wikipedia.org/wiki/Annette_A._Aguilar

[4] https://www.facebook.com/BananaDays/posts/camilo-corea-hijo-director-de-orquesta-y-compositor-premio-nacional-de-artehijo-/757746849717728/

[5] https://imoxjazz.com

[6] http://www.garifunacollective.com

[7] https://vandoren.fr/fr/artistes-vandoren/izaguirre-lenin/

[8] www.luismunoz.net

[9] www.diariocolatino.com

[10] https://en.wikipedia.org/wiki/Donald_Vega

C'est du jazz latino épisode 37 (Amérique centrale)
Un espace pour l'écoute, la danse et le plaisir…

1. El baile del delfin, Julio Zelaya, album Caribe Garífuna, 2005, 4 :27
2. Xarope, Annette Aguilar & Stringbeans, album No cheap dates, 2005, 4 :08
3. Litorial, Camilo Corea, album Conmigo, 2010, 5 :05
4. Caffeine effect (radio edit), Imox, album Caffeine Effect, 2012, 5 :43
5. Herencia, Imox, album Caminando, 2018, 4 :16
6. Mongulu, The Garifuna Collective, album Ayo, 2013, 3 :17
7. Ubou (The world), The Garifuna Collective, album Ayo, 2013, 3 :39
8. Salsa marinera, Lenin Izaguirre, album Songoro, 2015, 4 :24
9. Tierranegra, Luis Munoz, album The dead man, 2017, 4 :44
10. Samba son, Proyecto Acustico, album Ruta panamericana, 2021, 5 :36
11. Beautiful ladies, Donald Vega, album As i travel, 2023, 4 :54