TK-21

L'absente

Katell Paillard — 2025-06-30T09:38:58Z

Je m'étais perdue en chemin, celui qui me menait chez moi. Je cherchais l'avenue principale. Mais plus je continuais, plus je m'enfonçais en territoire inconnu. J'étais un peu inquiète.

Il faisait nuit. Je pensais à celle qui me disait toujours que de toute façon, rien ne pouvait m'arriver si je gardais les yeux ouverts. Pourtant le vide se propageait, l'impuissance grandissait avec un silence assourdissant. Les chimères finirent par disparaître. Quand je levais les yeux, j'étais devant ma porte. C'était déjà le petit matin et tout recommençait. Ces photographies font écho à ma solitude face au deuil de ma mère et à l'espoir d'être mère moi-même un jour.

À la recherche d'objets énigmatiques, de rencontres étonnantes qui surgissent de l'ombre et des clairs-obscurs, je photographie le plus souvent lors de longues marches nocturnes en solitaire. La vision est souvent déjà capturée et il me faut parfois quelques secondes pour me rendre compte de ce que j'ai réellement devant les yeux. J'ai réalisé cette série en étant emportée par des sentiments contradictoires. Pourquoi sortir la nuit pendant des heures ? Est-ce le goût du risque ? Pourquoi ce besoin de solitude infinie ? La nuit, la vie est en suspens, les sens sont en éveil. J'ai le sentiment de disparaître dans la nuit et de plonger au plus profond de moi-même, d'être parfois absorbée par le néant.

https://katellpaillard.cargo.site/

À la nuit tombée

Christophe Galatry et Jitka Ertelovà — 2024-01-30T20:21:29Z

Aux confins est de la Tchéquie, une petite ville, Karlovy Vary, entourée de mines à ciel ouvert et aussi d'une neige lourde jusqu'à l'étouffement : des images de Jitka Ertelovà, suinte une ambiance où l'éblouissement de la neige immaculée et des objets qu'elle entoure, tombe dans le trou noir de la nuit qui semble ici sans retour et sans fin. Aucun espoir, même en suspension, ne peut émerger de l'univers de la jeune photographe. Celle-ci nous livre un opus digne des romans noirs les plus sombres ou chaque photographie nous pousse à chercher un cadavre certainement caché ici ou là, bombant légèrement cette surface blanche et plombée… à vous de trouver.

Hope

« Je suis un animal nocturne. J'ai toujours trouvé fascinante la façon dont l'obscurité peut transformer même les choses les plus familières en quelque chose de différent. Se promener dans des quartiers familiers de la ville apporte d'intenses sentiments de liberté et de paix et en même temps, le besoin de se concentrer davantage sur chaque petit détail, le son à peine audible, l'intuition me parle.

Comment est ma ville ? Elle est petite, mais sa population d'environ quatorze mille habitants la classe parmi les plus « grandes » villes de la région de Karlovy Vary, qui est la plus petite, la plus froide et la plus pauvre de toutes les régions de la République tchèque. Ma ville est située au pied des Monts Métallifères et est entourée de mines de charbon et d'argile. En effet, ce n'est en aucun cas une destination touristique de luxe.

Blocs. Places de parking. Blocs. Leur présence omniprésente fait facilement oublier que la ville est née au XIIe siècle. Il ne reste que quelques bâtiments historiques, sans parler du déplacement de la population allemande d'origine après la Seconde Guerre mondiale. C'est ma ville en un mot. Le but de la série n'est pas d'examiner la transformation de la ville, son histoire compliquée ou les relations entre ses « nouveaux » habitants dont les ancêtres venaient de diverses régions — pas seulement — de mon pays.

Je suis un animal nocturne, tu te souviens ? J'aime les vibrations qui viennent après le coucher du soleil. Faiblement éclairés par les lampadaires, les itinéraires que je connais par cœur, apparemment ennuyeux, indignes d'attention, deviennent mystérieux grâce à l'obscurité. Presque personne dans les rues. J'ai l'impression de traverser une ville fantôme.

Mon attention est à son maximum. La citation de Vincent van Gogh selon laquelle la nuit est plus vivante et plus richement colorée que le jour décrit parfaitement ma perception. Pas question que ma série soit pleine de couleurs. Les nuances, les reflets, les contrastes élevés et le fait de laisser de nombreux détails à l'imagination du spectateur ont été mes choix pour transmettre les vibrations. Comme c'est étrange, un sentiment presque sinistre m'a parcouru le dos alors que je me tenais dans le noir, regardant la neige ou la pluie tomber sur une aire de jeux vide, généralement pleine d'enfants pendant la journée. Y a-t-il des gens qui vivent dans tous ces blocs, ou y a-t-il simplement des coquilles vides qui attendent que quelqu'un entre et allume les lumières ?

Je suis peut-être prise dans un tourbillon de pensées et de sentiments, mais malgré cela, je reste calme. Je savoure les instants magiques qui arrêtent le temps, en respirant l'air froid qui transforme les poumons en métal. Partout où je vais, mon appareil photo me suit, prêt à capturer l'atmosphère étrange et mystérieuse de la petite ville minière la nuit tombée. Rejoignez-moi dans mon exploration, rencontrez-moi parmi les blocs. Je vais vous montrer ce que vous ne remarqueriez pas en plein jour. »

broken but alive

find me

ladybugs

leave the town

magical emptiness

path

play with me

point blank

present

secrets

signs

snowman

spider web

time passed

Voir en ligne : Vogue

Sur Instagram : @jitkaertelova

Ma passion pour la photographie a commencé après avoir subi la dernière opération des yeux en 2007. J'ai toujours eu les yeux paresseux, je souffre d'astigmatisme et de forte myopie,
J'observe aujourd'hui les objets, la nature, les gens, avec le sentiment qu'un tout nouveau monde s'ouvrait à moi.
Je ne cherche pas la beauté à capturer, j'explore les périphéries intérieures, je capture mon nouveau monde.

winter trees

Rue des Étrangers

Anne Garde , Laure Vernière et Thierry Agullo — 2024-01-30T20:15:24Z

Dans l'esprit de mêler l'art à l'action, qui était l'activité principale de Thierry Agullo, la série « Rue des Étrangers » est la seule trace de la performance que l'agitateur culturel de la contre-culture des années 1980 a menée dans la base sous-marine et dans les rues du port, sous le regard de la photographe Anne Garde, en novembre 1977, dans un Bordeaux de film noir.

Anne Garde rencontre Thierry Agullo, personnage multiple, artiste engagé, dans la mouvance de Pierre Molinier à Bordeaux et forme très vite avec lui un duo créatif. Thierry Agullo était tout aussi « mauvais garçon » à se battre en sortant des bars sur les quais de Bordeaux, à l'époque des dockers et de l'activité du port de la Lune, qu'intellectuel raffiné et extrêmement cultivé écrivant dans Art Press. Il était aussi éditeur puisqu'il a publié le premier Pierre Molinier, dont il a été le dernier modèle.
Cet Orphée moderne et sombre qui entraîne le visiteur dans son vertige, tel un Stalker berlinois des seventies entre expressionnisme allemand à la Fritz Lang et casse-cou de la nouvelle vague, Jack l'Inventeur, comme il se nommait, est un personnage prémonitoire puisque son double vivant, Thierry Agullo, disparaîtra dans un accident de la route quelques mois après cette performance.
Paris, 2022

Étranger, le Catalan Agullo l'était profondément car c'était un rebelle subversif et généreux qui reconnaissait avec empathie tous les siens, l'artiste génial et pervers qu'était Molinier comme les étrangers, les exclus, les gitans, les sans-papiers... En un mot l'Harmonie Hétéroclite Internationale !
Avec Anne, Thierry a laissé l'inspiration révoltée qui le nourrissait, l'art vivant qui le détruisait, envahir les lieux, les marquant par osmose d'une forte empreinte photographique. Même ceux qui ne l'ont pas connu entendront son rire tonitruant, ses jeux de mots dérisoires et furieux. Ils ressentiront sa présence chaleureuse et vagabonde qui hante ce quartier portuaire et tous les territoires étranges qui lui ressemblent — sans oublier sa foudroyante énergie post-moderne.

Bordeaux, 11 avril 2011

Correfocs - Fire Runners

Microprismes — 2023-05-27T18:59:05Z

Le « correfoc » est une manifestation culturelle qui trouve ses racines en Espagne, en Catalogne, Baléares et dans la communauté Valencienne, mais qui existe aussi en France, en Catalogne Nord. Il s'agit d'un spectacle pyrotechnique où un groupe de personnes, souvent déguisé en diables, parcours les rues en dansant et sautant en brandissant feux de bengales, pétards et autres artifices détonants.

Les origines de cette pratique remontent aux « Ball de Diables » (Bal des Diables), documentés à partir du XIIᵉ siècle en Catalogne, mais il faudra attendre la fin du franquisme, pour que cette manifestation soit appelée « correfoc » pour la première fois en 1977, par les « Diables del Clot » de Barcelone.

« Les photographies de Greg Calvache nous entrainent au plus près du feu, suivant un cortège où se mêlent diables et public, au travers de fumées à l'odeur soufrée, d'explosions, et de cris, dans de sombres ruelles. Elles montrent l'intérêt et la volonté de préserver ces traditions, au-delà des risques d'accidents qu'elles peuvent générer, dans leur rôle de transmission de valeurs identitaires intergénérationnelles.
Mais ce n'est point l'axe documentaire qui est ici privilégié par l'auteur, qui préfère laisser l'atmosphère de ces « correfocs » guider son regard, plongeant dans le mystérieux de ces anciennes festivités païennes. Des photographies noir & blanc, exclusivement argentiques, qui révèlent des spectres, des diables espiègles, et un bestiaire de créatures oubliées qui ne reviennent que pour nous faire vibrer et danser, enfin libres de tout jugement, sous une pluie de feu… »
Céline Fischer

Voir en ligne : https://gregorycalvache.wixsite.com...

Microprismes est un collectif d'artistes réunis autour d'un projet associatif dont l'objectif essentiel est le partage et la transmission des savoir-faire. Le croisement de parcours, d'expériences et des compétences multiples, parfois disparates, crée en effet la synergie nécessaire à l'enrichissement de la démarche créative. Forts de cette conviction, Microprismes met en œuvre les conditions de cette rencontre par le biais d'ateliers et des stages pédagogiques, la mise à disposition de matériaux de laboratoire et d'impression, ainsi que des expositions et autres projets artistiques collectifs.
Sept parcours, Sept visions et une infinité de projets communs possibles.
Cinq des sept membres étant photographes, vidéastes ou peintre, l'image s'est rapidement attribuée une place de choix au sein des activités de Microprismes. Une formation idéalement complétée par la présence d'un professionnel du théâtre, comédien, metteur en scène, mais aussi traducteur, et d'un plasticien, qui enrichissent considérablement le panel d'idées et de possibilités de l'association, des projets musicaux ou des créations visuelles pour le théâtre ont également vu le jour grâce à Microprismes.

https://www.microprismes.com

Philippe Galanopoulos

Philippe Galanopoulos — 2023-05-27T18:58:11Z

Instant, spleen & idéal, ce sont sans doute ces trois mots qui caractérisent le mieux son approche, axée principalement sur le portrait et le nu.

Anna

Les visages et les corps, dévêtus ou totalement nus, sont saisis hors de toute contextualisation. Son intention est d'abord formelle, elle tend chaque fois à l'épure. Elle vise la mise en images d'une certaine idée de la beauté, où parfois s'ajoute un voile de mystère, voire d'étrangeté. Dans la plupart de ses séries, toute volonté de réalisme a déserté la scène de la représentation. C'est une poétique du silence et de la sensualité qui domine l'image. Pour lui, la photographie ne redouble pas le réel ; elle est un appel à la contemplation et à la halte, empreint d'une certaine nostalgie.

Des hématomes

Anatomie

Hervé jeune

L'écriture

L'écriture chez Dominique

L'ombre portée

Le mur de Foucault

Le portrait d'Agathe et la Cicatrice

Les Ménines Louis Cane

Les jours voyous

Louise et le médaillon

Peter Handke

Rue de Vaugirard 6e étage

Une histoire parallèle Trusi 2

Vers la rue Hervé Guibert

Verso Agathe Gaillard

Villa Médicis, Georges Senga

Voir en ligne : https://www.instagram.com/philippe....

À bout de souffle (de Jean-Luc Godard), vu d'ailleurs

Guillaume Basquin — 2022-09-30T16:13:17Z

On a beaucoup commenté la mort du Maître ; maintenant, revenons à son œuvre, en partant, historialement et de façon matérialiste, de ses films. Ses films comme œuvres d'art.

À New York, d'où j'ai la chance de vous écrire, au Film Forum, j'ai pu revoir ce chef-d'œuvre absolu, situé exactement au milieu de l'Histoire du septième art, qu'est À bout de souffle. J'ai pu le revoir, oui, mais pas comme en France, où tout un travail de faussaire a été effectué, parfois appelé « restauration », c'est-à-dire que j'ai pu en jouir au maximum de ses possibilités plastiques, soit en
copie neuve 35mm.

Ce qui fut fort intéressant, c'est que dans la même salle 3 du Forum, j'ai pu comparer plusieurs choses, à quelques minutes d'intervalle :

– des extraits de soi-disant « restaurations » 4K des films de François Truffaut, la plupart en couleurs, mais aussi son plus célèbre film en noir et blanc, Les 400 coups ;

– des extraits de films d'un cycle autour d'Isabelle Huppert, dont Loulou de Pialat numérisé (c'est-à-dire, comme film, détruit (plus aucun « photogramme » ne ressemble au film original)) ; mais aussi la bande-annonce en 35mm de Sauve qui peut (la vie) de Jean-Luc Godard avec ses parfaites couleurs d'origine (et son son), que l'on pourrait croire imaginée par un Joyce, tant son audace formelle est folle ;

– et enfin À bout de souffle en entier.

Voici mes sensations de cinéphile, à chaud :

Tous les extraits de films en couleurs numérisés ont l'air d'avoir été tournés hier, ou avant-hier, en caméra numérique ; toute historialité et matérialité ont disparu, emportées dans des frappes d'un nettoyage chirurgical. Comme il y a beaucoup moins de noirs (faut-il encore rappeler ici qu'au cinéma de type Lumière, c'est-à-dire en projection argentique, à cause de l'obturateur même, on avait une alternance de 1/48e de seconde de jour (image fixe) et de 1/48e de noir complet (fermeture de l'obturateur pendant que le film, à l'aide de griffes, est monté (ou baissé) dans le projecteur, de façon verticale) ?), les couleurs ne sont pas les mêmes que sur film en celluloïd ; toutes paraissent un peu électriques, un peu fluo dans les verts, les jaunes, et les roses. Le son, également, est beaucoup moins riche : nettoyé — détruit !

Des 400 coups, il ne reste rien que la story… Tout le noir et blanc charbonneux, magnifique, s'est envolé dans le nettoyage chirurgical. Le film n'est plus qu'un zombie (et pour répondre à l'auteur du propagandiste déguisé en « écrivain » (écrit vain serait plus juste, comme assonance) Iegor Gran (auteur d'un navet nommé Z comme zombie chez P.O.L, où il se venge de ses frères Russes, dont il a quitté la terre il y a de très nombreuses années, pour ceux qui l'ignoreraient…)) égaré dans le cyberespace où défilent les cyborgs dans un néant éternel, indifférents à tout… Plus rien n'y est humain, c'est-à-dire imparfait, mortel, voué à la fragilité et la destruction (le celluloïd comme peau seconde). Dans mon premier livre, Fondu au noir : le film à l'heure de sa reproduction numérisée (Paris Expérimental, 2013), je notai ceci :

« Et aussi le témoignage de Deligny dans son texte-réponse à Heidegger déjà cité :

“Reste l'histoire de la cinémathèque entendue il y a quelques jours à la radio, son inventeur fouillant dans les poubelles pour en extirper des monceaux de pellicule qui s'acheminent vers leur destin industriel, la pellicule resurgissant sous la forme de peignes et autres objets de celluloïd d'usage courant” (c'est moi qui souligne).
Alors comme à Auschwitz ?… Oui, en partie, mais d'abord en effigie. Revisitant le Musée du cinéma en novembre 2011, celui de Langlois, pour l'exposition Metropolis, j'y apprends que dans les années 30 on transformait les pellicules de films “périmés” en vernis. »

Morale de tout ceci : quand on brûle les livres et/ou les corps en effigie (voir tous les autodafés des iconoclastes à travers les âges), on n'est jamais très loin, ensuite, de brûler les corps dans le réel… Et si, finalement, le coup d'État numérique dans le cinéma n'avait été que les prolégomènes du coup d'État numérique mondial à l'occasion de la crise Covid-19 ? Une simple répétition avant un génocide non conventionnel (pour reprendre le sous-titre du livre de Mehdi Belhaj Kacem, Colaricocovirus (Exuvie, 2022) que j'ai défendu dans TK-21) ? Les oligarques de l'Establishment de la conservation du cinéma ayant tout autant collaboré à la destruction du septième art que les télétoubibs ont participé de l'abandon de soins des Français de 2020 à 2022, c'est-à-dire qu'ils les ont indirectement envoyés à la mort, sans toutefois l'intention de la donner, mais par simple bêtise et négligence… D'un côté, l'aveuglement (tous orifices fermés : yeux et oreilles) ; de l'autre, la pure bêtise : l'oubli du Serment d'Hippocrate : Primum non nocere. Sous-jacent à tout cela, à chaque fois, l'argent et la corruption (par l'argent) ; l'argent des producteurs du cinéma, l'argent de Big Pharma.

À bout de souffle, à le revoir sans doute pour la quatrième fois en copie film en 35mm, reste l'un des films les plus marquants et importants de toute l'Histoire du cinéma, pour plein de raisons.

C'est une déclaration d'amour fou au cinéma, et particulièrement au cinéma américain, alors méprisé par toute une partie de l'intelligentsia française (comme pas sérieux, etc.). Le film est d'ailleurs dédié à la Monogram Pictures.

Dès le titre, et la dédicace, on sent que la pellicule de film, via le projecteur de cinématographe, est un pochoir, à travers lequel on projette de la lumière, qui diffuse sur les bords-limites entre la lumière et les ténèbres — rien à voir avec l'amoncellement de briques-pixels qu'est la diffusion numérique des films. La lumière, comme équivalent, en négatif, à de l'encre soufflée à travers le pochoir des ténèbres.

Le film est un hommage constant à la peinture, les murs du personnage féminin principal, Patricia (jouée par une sublime Jean Seberg — en noir & blanc adorable), qui, apprend-on, aurait préféré s'appeler Ingrid (comme Ingrid Bergman), étant tapissés de toiles de maîtres fort choisies dans la modernité picturale : (dans l'ordre chronologique) Renoir, Klee, Matisse, Picasso.

C'est, déjà, un travail de chef d'orchestre, Godard stoppant souvent net la pourtant très belle partition JAZZ de Martial Solal, pour nous permettre d'écouter de la musique diégétique à l'action du film lui-même, soit des disques 33t de musique classique que se passe l'héroïne du film, et notamment un concerto pour clarinette de Mozart (plus tard, dans Sauve qui peut (la vie) et Passion, Godard deviendra un maître-(re)mixeur de Beethoven, c'est-à-dire un maître des écrans sonores).

Ce film, où l'on sent tourner l'air entre les choses comme rarement (grâce notamment à la légèreté nouvelle du matériel d'alors, la caméra Caméflex Éclair-Coutant, et aussi grâce au son direct, une nouveauté alors), est une constante vénération de tout ce qui tourne : magnétophones, caméras super-8, tourne-disques, pellicules dans les appareils photographiques, etc. Et ça tourne ! Dans chaque plan, tout est possible ; tout peut arriver, de la gauche, de la droite… Et c'est le vieux Titien, et c'est le vieux le vieux Rembrandt, qui ne peignaient plus que l'air entre les choses…

Godard, peintre de la vie moderne : le Zeitgest du temps (1960) est saisi comme rarement : Eisenhower avec De Gaulle sur les Champs-Élysées (ce qui valut au film des problèmes avec la censure) ; Khrouchtchev et les tensions avec l'URSS à la radio, le quartier de Montparnasse, la nuit (on pense alors à un autre carrefour que celui de Vavin, que l'on ne reverra jamais plus de cette façon-là, si charbonneuse, fantomatique, celui de La Nuit du carrefour, film de Jean Renoir des années 30) ; Jean Seberg, une américaine à Paris vendant le Herald Tribune sur les Champs ; Jean-Paul Belmondo lisant et cherchant toujours la dernière édition de France-Soir : « 8e édition ! » entend-on sur la bande-son.

Une parfaite coopération franco-américaine !

« C'est où, la rue Première-Campagne ? » (sic)

La nuit parisienne y est transfigurée ; on ne la reverra plus jamais comme ça : il y a désormais trop d'éclairage, trop de lumière. On montre maintenant tous les côtés des choses, et il n'y a plus de ténèbres ; ce qui reste de « cinéma » ne vient plus de la nuit… Cet air d'innocence ne reviendra pas.

À bout de souffle est enfin la description d'un nouveau monde amoureux, avec ses nouveaux codes : un monde où les garçons osent dire aux filles qu'ils veulent coucher avec elles. Son dernier plan, bouleversant est un hommage au regard-caméra de Monika dans le film éponyme d'Ingmar Bergman : « Qu'est-ce que c'est, dégueulasse ? »

Du nettoyage numérique des films (par frappes chirurgicales pixellisées avec ce dommage collatéral : la destruction complète de tous les laboratoires photochimiques français, de LTC à Éclair) à l'assignation à résidence forcée sous contrôle numérique, on comprend maintenant qu'il y a une continuité certaine : la Volonté de la technique de contrôler tout le vivant. Formidable « usine » à créer, en réalité, de la mort…

Que faire ? déclarait Lénine… On peut déjà faire connaître l'Association filmprojection21.org, qui est une initiative construite autour de l'engagement concret que représente la Charte de la projection cinématographique au XXIe siècle , rassemblant celles et ceux, professionnels et amateurs, à qui la projection du film sur support photochimique importe.

Le jardin comme lieu de rêverie

Olga Caldas et Pauline Lisowski — 2022-02-27T11:17:47Z

Dans son jardin, espace intime, atelier en plein air, Olga Caldas retrouve le plaisir de se fondre parmi la végétation gardée à l'état presque sauvage ainsi que celui de se souvenir de moments passés dans d'autres lieux où ressentir l'énergie des plantes.

Ce lieu, œuvre de la nature et de l'artiste constitue un espace de jeu pour ses créations artistiques.

« Entre passé et avenir, le jardin reste suspendu : ce présent doux et lent, presque éternel, ce temps autre. » [1]

Les photographies d'Olga Caldas racontent le passage des saisons, le renouveau, l'attente vers la contemplation de nouvelles floraisons.

La mise en scène est la première étape de son travail photographique. Au fil des transformations du jardin, des objets, un lit en fer forgé et des végétaux deviennent les éléments d'un décor. L'artiste dialogue avec les plantes, dont elle prend soin et qu'elle laisse se développer librement.

Ces espèces à la fois cultivées et sauvages enveloppent le corps d'Olga Caldas dans sa série de photographies intitulée L'éphémère.

Comme dans un conte ou dans un rêve, notre perception est troublée. Pris dans un cocon, ce corps féminin semble se protéger et trouver dans la nature des fragments auxquels se raccrocher.

Songeur, endormi, reposé, il est à la fois entouré de ce voile blanc et habillé de presque rien pour accueillir diverses sensations au contact de la nature. Parfois, les végétaux le recouvrent. Ce vêtement la relie à son jardin, telle une seconde peau qui la rend légère.

Une métamorphose s'opère.

« Le cocon est la preuve que la métamorphose est avant tout la relation que nous avons avec nous-même » [2], cette phrase d'Emanuele Coccia fait écho aux mouvements du corps dissimulé par ce voile. Fée ou princesse, cette apparition féminine cherche son chemin à travers les plantes.

L'atmosphère nocturne de cette série photographique procure des sensations ambiguës, un basculement de l'enchantement vers la crainte d'être seule sans lumière.

Avec une part d'insouciance retrouvée dans ce lieu de contemplation, Olga Caldas joue avec les feuillages qui bougent légèrement au gré du vent. Ce qui suggère une tentative de s'ancrer au sol et une volonté de se laisser porter par les mouvements de ce phénomène naturel.

Les contrastes noir et blanc renforcent la dramaturgie des scènes. De même, l'obscurité trouble notre perception du jardin.

Les fleurs inspirent également l'artiste à composer des natures mortes où le végétal exprime la fugacité de la vie, qu'on tente malgré tout de figer et de préserver.

À partir de quatrains dédiés à la rose, écrits par Sarah Jalabert [3], elle réunit un ensemble
d'images poétiques dans lesquelles cette fleur incarne le symbole de l'amour, de la pureté et de la fragilité.

Tout un chacun entretient avec le bouquet de fleurs une histoire particulière, un lien affectif avec une personne qui l'aurait offert... La fleur, comme « la Madeleine de Proust », fait surgir des souvenirs et des émotions.

Dans certaines images, la rose caresse le corps, telle une délicate attention. Dans d'autres, le cœur de la fleur est révélé avec tous ses détails, comme si elle était dans l'attente d'être butinée. Elle traverse les photographies de l'artiste comme un repère de son attachement à la nature, lieu de ressourcement, d'émerveillement et source inépuisable d'inspiration.

Les quatrains résonnent en nous comme des pensées, des sensations, des expériences de contact avec cette fleur charnelle, que l'on considère comme éternelle.

Qui n'a pas songé à maintenir la rose dans un état éclatant de vie ?
Regardons ces fleurs d'une grande fraicheur, leur splendeur nous remplit de joie.

Des paysages et des corps songeurs rythment également les mots de l'écrivaine : une invitation à cheminer d'une photographie à une strophe du poème. Ce qui rappelle l'expérience d'une promenade dans un jardin durant laquelle notre regard est incité à circuler pour cueillir des fleurs et y humer leur doux parfum.

Entre ces beautés naturelles photographiées et les quelques lignes qui les rythment, deux regards sensibles se rencontrent.

Olga Caldas poursuit ses créations croisées avec Marie Morel. Une complicité s'instaure entre les deux artistes si bien que l'univers onirique d'Olga se retrouve dans la série Le Climat des Rêves de Marie et Olga, titre donné par le critique d'art Gilbert Lascault [4].

Dans ses ateliers, et alentours, Marie se livre aisément à toutes sortes d'expériences tactiles au contact d'éléments naturels, avec lesquels elle fait corps. L'artiste peintre, devenue modèle, en parfaite confiance avec la photographe, se laisse guider avec grâce et ses poses semblent être prises sur le vif.

Les photomontages d'Olga Caldas créent des va-et-vient entre intérieur et extérieur, entre le monde de l'artiste et le sien, entre le lieu du travail artistique et celui où vivre une expérience de joie au contact d'une nature familière et protectrice.

Telles des images d'un scénario, ces prises de vue ouvrent de multiples pistes pour s'imaginer toutes sortes d'histoires. Les mots, les personnes, les végétaux font surgir une infinité de dialogues, de relations et de correspondances.

Par leurs textures et la puissance des noir et blanc qu'elles donnent à voir, ses photographies sont semblables, à s'y méprendre, à des dessins, des gravures, des peintures.

Ainsi, les séries photographiques d'Olga Caldas nous transportent dans un monde intemporel, à la fois éphémère et éternel, paradis perdu et paradis retrouvé.

Puis, à l'occasion d'expositions, elle crée un environnement où les visiteurs sont conviés à se connecter avec une nature jardinée, tel un prolongement de son propre jardin.

Se promener parmi la végétation, y éprouver un retour à la l'oisiveté de l'enfance, au loisir et laisser venir des visions troublées de la réalité ou des sensations parfois oubliées, ces expériences à apprécier pleinement se révèlent poétiquement dans les images d'Olga Caldas : une invitation à la rêverie.

Pauline Lisowski, Paris février 2022

[1] Marco Martella, revue Jardins, Editions du Sandre. p. 5 écrit Marco Martella.

[2] Emanuele Coccia, Métamorphoses, Bibliothèques Rivages

[3] « Quatrains de la Rose » - Sarah Jalabert & Olga Caldas, livre à paraitre en avril 2022 aux éditions Unicité

[4] Préface de Gilbert Lascault du livre Miroir du temps - Olga Caldas, éditions Regard - nov. 2021

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LIVRES
• « Quatrains de la Rose »
Sarah Jalabert - quatrains & Olga Caldas - photographies Editions Unicité, à paraître en avril 2022
• « Miroir du temps » - Olga Caldas Les mondes de Marie Morel Editions Regard, nov. 2021
• « Noces d'or »
Nouvelle de Dominique Maisons - photographies Olga Caldas d'après la série L'Ephémère. à paraître

L'œil qui rêve

Alain Brendel et Pascale Denis — 2022-01-30T18:26:15Z

Cherchant à échapper aux carcans du processus photographique, à prolonger l'acte au-delà du protocole de la prise de vue, transgressant les règles tant du point de vue du sujet que de la pratique, Alain Brendel utilise la photographie pour générer des univers qui paraissent s'éloigner du réel.

Créant un espace où le corps photographié comme le matériau qui le construit, acquièrent une forte valeur émotionnelle, il souhaite avant tout participer activement à la réflexion sur l'humain et relever le défi de la pertinence en faisant de son œuvre un point de départ, une tentative énergique d'offrir un moyen direct d'échapper au réel tel qu'il semble s'imposer.

Alain Brendel ouvre grâce à ses photographies un théâtre où rien ne semble interdit, où tout semble susceptible de survenir. À partir d'un même canevas, d'une même palette de personnes et de formes, sont organisés des univers sans cesse recomposés sans que jamais ne s'épuisent les propositions, comme dans un kaléidoscope où apparaîtraient et disparaîtraient les êtres, les accessoires et les éléments d'un décor baroque, dans un vaste mouvement créateur tant de joie que de stupeur, de plaisir et d'ironie.

Témoin de sa perpétuelle recherche, fragments d'une vision sans cesse enrichie, les photographies de Alain Brendel sont à tout moment étoffées ; refusant d'évoquer une série close ou à clore, le photographe préfère l'idée d'une série à la taille d'une vie, où chaque image fait œuvre et où chaque œuvre est susceptible de survenir, au sein d'un infini où il est toujours envisageable de se replonger, sans jamais épuiser ni la matière, ni l'énergie nécessaire pour la faire palpiter.

Les images théâtrales qui résultent de ce travail, parfois bruyantes, d'autres fois plus silencieuses, toujours grandiloquentes, alternent entre frénésie et suspension du temps, oscillent entre cauchemar et volupté, donnant l'impression d'un instant où tout pourrait basculer dans un sens comme dans tous les autres – les corps, la vie, les sentiments. Elles restituent la vie et dans leur stratigraphie se retrouvent toutes les idées, toutes les pensées, tous les gestes qui la traversent. Les images les plus frénétiques, où le temps semble s'accélérer, évoquent le tourbillon incessant de l'existence, la liberté de l'être et des pensées auxquelles il s'abandonne ou qui le surprennent. Visions de l'enchevêtrement des corps et des choses, où le corps photographié se fait l'allégorie du corps vivant, mêlant les souvenirs, les phantasmes et les possibles, les photographies de Alain Brendel tendent à faire oublier le présent pour pénétrer un monde où le passé, le futur, le cauchemar et le rêve se réunissent dans un même élan.

Les postures constitutives de la pensée, la culture et les motifs qui la composent s'y retrouvent mêlés, appelant des souvenirs tant religieux que littéraires, picturaux, mythologiques et pornographiques et proposent une danse qui, agitant les éléments du réel, pouvant se faire carnavalesque ou obscène, séduit l'œil et l'esprit en les conduisant hors des habitudes quotidiennes.

La photographie de Alain Brendel est ainsi faite de constructions mentales qui libèrent l'imaginaire. L'énergie qui s'y déploie est symbolisée par des « formes âmes », des visages et des yeux qui naissent de la surimpression de taches photographiées le plus souvent dans les rues et qui constituent autant d'entités survolant l'ensemble, observant le théâtre excentrique qu'elles ont créé.
Pascale Denis

Dormir au fond d'une matière, le rêve du noir

Laëtitia Bischoff — 2021-03-27T18:05:00Z

Le noir se rêve cœur, roche, milieu, aiguille, sillon. Dormir au fond d'une matière, se faire branche, feuille, pli, verre si seulement c'eut été possible.

Des vœux du noir, vous l'aurez compris, il est ici question. Se courber au creux d'une tige et oublier les contours du papier, comme un velours. Se déchausser de tout revers, enchanter la scène de l'image et non garantir sa survie.
Ambivalent, le noir est empêtré dans une identité qu'il n'a pas choisi, comme seul peut l'être un plein comblé à qui l'on a assigné le rôle de nous parler du vide. Voici le vœu du noir. Choisir ses chemins, n'est-ce pas cela dont il s'agit ?

Le grand Nord lui sied, il enrubanne les plaines, cisaille la neige, brode. C'est même sa dentelle que le photographe vient chasser. Bardée de nuages, sa présence devient plus aiguë, le baryton change de gamme. Une parcelle, ciel de nuit, se faufile en grains dans nos petits bruits et sur la surface de nos menus objets du jour.

En superposition, en lignes floutées, derrière le creux d'un coin de cuisine, buvant une matière dont le nom semble perdu, le noir s'est fait encore un peu plus petit, plus secret lorsque lui aussi, comparse de l'humain, fut confiné. Il vibre encapsulé, mais il vibre toujours, se moire aussi.

Il ne s'étire que rarement en pointe, couleur chaude qu'il est resté en photographie. Loin de la peinture, au fil des prises de vue et des tirages, il aiguise sa rondeur tout en faisant de l'astronomie sa science.

Ainsi j'ai sondé les aspirations du noir, et je me suis fait pour lui ventriloque, dans les photographies de Michel Handschumacher.

Série Déambulations confinées

Voir en ligne : site de l'artiste

Marine Tillé

Corridor Eléphant et Marine Tillé — 2020-12-27T22:05:00Z

Marine Tillé rassemble et défait le monde en des précis de décomposition. La chaîne visuelle est obtenue par une atomisation de lieux habités parfois d'ombres passagères au milieu de « ruines ». D'une photographie à l'autre se construit un rythmique capable d'atteindre des zones de non-retour là où des ombres - comme "L'innommable" de Beckett - pourraient affirmer : "Il faut continuer, je dois continuer, je ne peux pas continuer, il faut continuer". D'où des séries de "paysages" intérieurs ou extérieurs.

Les images renforcent l'épuisement potentiel du néant d'où elles sourdent même si le schéma vital de la marche demeure comme acte de résistance perceptible et peut-être inexplicable. La photographie devient l'image la plus simple et la plus mystérieuse qui soit au moment où l'artiste propose une forme d'objectivité qui n'exclut l'émotion. Marine Tillé ouvre à des trajets sur divers espaces qui ne sont plus de "réparation". Le silence y parle encore le silence. Mais ce silence au fond de qui ? Au fond de quoi ?

Cette double question reste sans réponse. Elle met en « marche » néanmoins l'Imaginaire là où la seule recherche féconde est une excavation en des images de brisures, de disjonctions mais aussi de convergence. La vie et la photographie deviennent ininterrompues, concomitantes. Non pour une promenade mais une errance, une attente et une perte proches l'une de l'autre à travers des pans qui soulèvent le voile de l'existence. Dans des corpus morcelés et lacunaires, la trace d'un corps oppose sa densité diaphane au glissement du temps. D'où la transparence ou l'opacité au sein de telles enquêtes filées

Jean-Paul Gavard-Perret, poète, critique et maître de conférences en communication à l´Université de Savoie.

Anima animus