TK-21

Pelly Angelopoulou

Pelly Angelopoulou — 2025-03-31T07:57:52Z

Trois œuvres qui traitent de trois aspects différents de la liberté.
Photographier est un acte de liberté.

Pour « Amour et guerres secrètes », quoi de plus libérateur que l'amour, qui fonctionne bien souvent comme un mécanisme permettant de surpasser nos peurs et nos limites.

Amour les guerres secrètes

80 x 60 x 5 cm

Dans « Un portrait du pouvoir » ce n'est pas la liberté que je montre, mais les conséquences des privations de liberté. Celles qui nous ont été imposées à travers l'histoire, celles qui nous guettent peut-être demain, si nous n'y prenons pas garde.

Un portrait du pouvoir

80 x 60 x 5 cm

« Au-delà de la tristesse et de la joie » illustre la démultiplication de nos mondes intérieurs ; il y a en chacun de nous une multitude qui nous habite et ne parle pas toujours d'une même voix ; je tente ici de mettre en image la complexité humaine.

Au délà de la tristesse et la joie

120 x 80 x 5 cm

Photographier est un acte de liberté, il permet de capter l'instant dans la réalité perçue par son auteur, et rien ne peut entraver l'image saisie. Ce sont ces actes de liberté que j'ai voulu reprendre et assembler dans mes œuvres avec la volonté de construire une œuvre également libérée de toute dimension temporelle.

La photographie de la danseuse Mona Paeva, étoile de l'opéra comique de Paris, dansant nue au Parthénon. Photographie prise par Elli Sougioultzoglou-Seraidari, connue sous le nom de « Nelly's », porte, au-delà de sa beauté, les symboles de la liberté. Celle de la nudité d'une danseuse face à l'Acropole qui durant, la période conservatrice (années 30), choqua la société grecque et devint un symbole à part entière.

À travers mes collages, j'exprime une vision du monde, un regard sur l'histoire et peut-être une mise en garde sur le risque de sa répétition.

Il y a aussi la volonté d'interroger le spectateur sur sa perception de la différence, de l'autre, de l'inconnu.

Voir en ligne : https://www.pelagia-angelopoulou.com/

Extrait de Smaris Elaphus 02

Mises en tension

Martial Verdier — 2025-02-02T12:25:36Z

TK-21 présente à la galerie Immix une exposition photographique.

Quand la tension s'accumule, l'énergie finit par se libérer et de là naît la création.

Le syndrome du plasticien

Dans Philosophie de la photographie Vilém Flusser développe la notion d'appareil comme un dispositif autonome qui décide seul de la forme de l'image et contraint le photographe. Le plasticien-artiste est celui qui s'exonère du « programme » pour transformer l'appareil en outil qu'il contraint à sa création.

Cinq photographes, plasticiens·nes, cheminent dans l'imagination et l'espace, franchissent les barrières tant physiques que psychologiques et accumulent images, sensations, couleurs, ombres, souffles et inspirations.

Accumulation, Chemins et barrières...

Partir de la notion de série photographique pour aller jusqu'à la suspension, la juxtaposition et la superposition.
Les artistes construisent des histoires et nous accompagnent dans leurs univers en rompant les barrières.

La liberté est toujours pertinente.

Un cheminement de la photographie « référentielle » jusqu'à des constructions numériques et « virtuelles », en passant par le morcellement, la fragmentation, la reconstruction… Un cheminement d'une photographie « purement » documentaire à une photographie « purement » plasticienne.

Avec :
Céline Bonnarde, Guillaume Dimanche, Bernard Gast, José Man Lius, Yannick Vigouroux.

Curation Martial Verdier - TK-21.

Céline Bonnarde

Paysage de Lurcy

Yannick Vigouroux

Lion-sur-Mer, 6 mars 2016

Guillaume Dimanche

"Foëcy"

Bernard Gast

Ta lune est immense et j'y bois le crépuscule (2019)

José Man Lius, 2024

Dossier Presse - Mise en tention

Voir en ligne : https://immixgalerie.fr

Vernissage jeudi 13 février à 19 h 30.
Exposition du 14 février au 22 mars 2025 à la Immixgalerie, Espace Jemmapes, 116, Quai de Jemmapes, 75010 Paris.
Une rencontre-débat avec les artistes et le curateur aura lieu le jeudi 6 mars, de 19 h 30 à 21 h 30.

Mémoires Vives

Olga Caldas — 2023-11-01T13:05:19Z

« Mémoires Vives », une exposition présentée à l'Immix Galerie à Paris, a pour objet la mémoire dans sa relation étroite à la photographie, moyen privilégié permettant de convoquer, de ranimer, de sauver nos souvenirs. Les quatre artistes en questionnent divers aspects à travers des propositions personnelles très différentes et cependant complémentaires. Hommage et commémoration pour Olga Caldas et OKA ; madeleine de Proust pour Mikelle Standbridge, métaphore de l'oubli pour Fabiola Ubani. La mémoire étant pour chacun d'eux l'objet d'une réinterprétation, d'une re-création de l'événement passé, par une ré-activation de la photo souvenir brute grâce au jeu corporel, aux procédés alternatifs ou à la scénographie.

Olga Caldas

Dans la série photographique « Corps mémoires », Olga Caldas et OKA abordent la mémoire collective, historique. Les auteurs entendent rendre hommage aux victimes des crimes nazis d'une façon inédite, renouvelée, en inscrivant leurs noms sur des corps de femmes et d'hommes conceptualisés comme des stèles vivantes. La scénographie imaginée pour l'exposition, composée de photographies grand format suspendues, d'interviews vidéo des personnes photographiées et d'une installation mémorielle, se veut immersive, pour une implication forte de chacun.

Mikelle Standbridge

La proposition de Mikelle Standbridge porte, elle, sur la mémoire individuelle. Intitulée « Shoebox Stories (Eclipse of Family Histories and Surrogate Memory Tropes) » [1], elle est inspirée des boîtes à chaussures dans lesquelles on range habituellement des photographies de famille. Le visiteur est invité à manipuler ces créations hybrides mêlant des détails, des objets photographiques, des textes, des textures, aptes à réactiver des souvenirs, convoquer des images, des émotions oubliées à l'instar de la « madeleine » de Proust.

Fabiola Ubani

Avec « Fading Memories », Fabiola Ubani évoque, à son tour, une mémoire intime, autobiographique. Elle met en images la lente lutte contre l'oubli et l'effacement de la mémoire due à la maladie. L'artiste a construit une narration à partir de photographies souvenirs de son enfance la mettant en scène avec sa mère, aujourd'hui atteinte de la maladie d'Alzheimer. L'utilisation de procédés photographiques anciens, comme l'anthotype, révèle une image qui tend à disparaître au contact de la lumière, ou bien la gravure qui imprime une image comme on grave des souvenirs. De belles métaphores de la mémoire !

Ainsi, la mémoire plurielle est au centre de ces propositions comme elle est au centre de nos vies. Sans elle il y a perte des repères, déclin, néant. D'où l'importance de garder une mémoire vivante capable de s'ancrer dans le présent, de se projeter dans le passé et dans l'avenir et ainsi de nous permettre d'habiter pleinement le monde.
En filigrane, il est question infailliblement de la fragilité de cette mémoire et de son corolaire, l'oubli. Les quatre artistes proposent, chacun à sa manière, des moyens originaux de la stimuler, de la nourrir, d'en prendre soin. Leurs œuvres donnent une forme visible à la mémoire et offrent au visiteur une nouvelle façon de faire émerger des souvenirs enfouis.

Fabiola Ubani, livre

Les artistes ont de tout temps interrogé la faculté de la mémoire à sauver nos souvenirs, à rendre plus net des images devenues floues au fil du temps.
La mémoire revisitée par l'art n'est pas culte du passé, mais bien re-création, création. Les propositions de ces quatre artistes en sont l'exemple.
La mémoire est une notion très riche, d'autres aspects auraient pu être abordés : mémoire artificielle, mémoire écrite, visuelle, lieux de mémoire...
L'angle choisi par ces artistes s'attache à la mémoire affective, qu'elle soit collective, individuelle ou intime, elle concerne tout un chacun.
Le titre métaphorique « Mémoires Vives » se prête parfaitement à ces différentes interprétations de la mémoire : elle est mémoire vivante, agissante ; mémoire douloureuse comme une plaie ouverte, à vif ; mémoire affective et de remémoration, de commémoration ; mémoire créative.
Une mémoire qui fonde notre identité, notre humanité et qui nous relie.

Mikelle Standbridge WORK IN PROGRESS

Olga Caldas & OKA - Corps mémoires - Werner Lambersy

Olga Caldas & OKA - Corps mémoires - Thais

Olga Caldas & OKA - Corps mémoires - Benjamin Alazraki

Olga Caldas & OKA - Corps mémoires - Hélène Barrier

Olga Caldas & OKA - Corps mémoires - Ivan Tozzi

Olga Caldas & OKA - Corps mémoires - Anna

Olga Caldas & OKA - Corps mémoires - Parviz

Olga Caldas & OKA - Corps mémoires - Hubert Carron

Voir en ligne : https://immixgalerie.fr

[1] Éclipse des histoires familiales et tropes de mémoire de substitution

« Mémoires Vives », exposition jusqu'au 16 décembre 2023
Curatrice Olga Caldas.
IMMIX Galerie
116, quai de Jemmapes - 75010 Paris
entrée libre

IMMIX galerie
Les trois responsables de la galerie — Carlo Werner, Bruno Dubreuil, Olga Caldas — partagent une expérience d'artistes photographes, de pédagogues et de concepteurs d'expositions.
La galerie IMMIX organise depuis 2006 des expositions d'art contemporain et plus spécifiquement à la photographie élargie, à toute pratique artistique utilisant le médium photographique. Elle est une structure publique, émanation de l'Espace Jemmapes. Elle se situe au bord du canal Saint-Martin, lieu qui constitue un pôle artistique en plein développement. La galerie accueille alternativement expositions individuelles, expositions thématiques et manifestations ponctuelles. Elle présente des artistes émergents et des artistes confirmés.
Les expositions sont accompagnées de rencontres-débat entre artistes et public, ainsi que par une action pédagogique à destination du jeune public.

Notices biographiques des artistes

Fabiola Ubani, née en Espagne vit et travaille à Las Palmas, Grande Canarie.
Son travail porte sur l'hybridation de la photographie numérique et des procédés alternatifs argentiques avec les techniques de gravure (photogravure et lithographie). Elle est professeure d'arts plastiques à l'université Las Palmas de Gran Canaria.

L. Mikelle Standbridge est née aux États-Unis et réside depuis plusieurs années près de Milan, en Italie. Elle a obtenu ses diplômes de la San Francisco State University et University of Chicago avec une spécialisation en photographie. Elle est représentée par la galerie Gli Eroici Furori à Milan et El Nido à Los Angeles. Elle est la fondatrice de Casa Regis - Centre d'art contemporain.

Olga Caldas, née au Portugal, vit et travaille à Paris.
Directrice artistique et curatrice à l'Immix Galerie ; responsable de la communication à la Halle Saint-Pierre. Elle explore dans ses créations la relation intime au corps. Avec le projet Corps Mémoires, elle aborde, pour la première fois, la relation au corps et à la mémoire collective dans le champ politique.

OKA, vit et travaille à Paris.
Rédacteur-en-chef de magazines de presse (Sciences et Vie, Ça m'intéresse, Néon...), il est également réalisateur de films documentaires sur l'histoire contemporaine pour ARTE, TV5 Monde, France.tv.éducation. Dans sa recherche artistique, il explore la relation intime à l'histoire, à la culture, au mythe, à la mémoire.

Olga Caldas - WERNER

Prends le contrôle

Jean-François Magre — 2023-11-01T12:39:20Z

« Prends le contrôle » est une proposition inscrite sur un bouton incrusté dans une fenêtre. Appuyer c'est s'exposer à une interaction entre ce qu'il y a de part et d'autre de l'écran, d'un bout à l'autre de tuyaux, c'est agir sur l'image comme planter une aiguille dans une poupée agit sur une personne.

Chair prise dans des protocoles non conscients. Un langage fait d'ordonnancements, de tâches à accomplir par palier, prendre le contrôle pas à pas comme une tache de fond qui s'agrandit lentement.

Changement d'attitude face à des situations. « Je suis en mode ceci ou cela... » On a appuyé sur un bouton tout en amont. Tellement avant le doigt.
Une image qui semble non pas réduite mais retroussée ouvre une découverte dans ce qui lui sert de fond, elle le met en perspective. Les deux partagent pourtant des échos de lumières ou des bords, en surface seulement.
Où caser le virtuel dans tout ça. A-t-il encore une place.

Un peu de Nouvelle Chair de Cronenberg et de Matrix, ce seraient donc ces murs gris et désolés, parcourus de quelques câbles et lumières crues, qui sont le fond des choses (propos préalables, en amont du projet, l'arrière-plan).
L'image en pause de flux (en cinéma on aurait dit arrêt sur image) est dépecée au profit de brèches, couloir, fenêtres, portes. Des embrasures.

On voit mais on n'embrasse pas. Prendre le contrôle de cette même balistique qui prend la vie.

Des « Migrations pendulaires » aux « Voisins »

Frédéric Taddeï Ange — 2023-10-01T14:20:34Z

Frédéric Taddeï Ange inscrit son art dans l'économie de moyens et la proximité d'un espace familier, en capturant avec un téléphone portable des images à partir desquelles il fabrique des compositions élaborées avec ce même outil. Il revient sur la genèse, l'évolution et le sens d'un travail aux multiples ramifications, « les Voisins ».

« Ma manière de photographier n'est jamais qu'une tentative de retournement de mon être social et de ma destinée, une projection, une défense psychique ou tout autre procédé qui relève de ma subjectivité et qui ne prétend à rien d'autre que de s'exercer dans l'infini possible du territoire qui m'est le plus familier et qui s'impose à moi comme un horizon.

L'idée que la source d'un projet photographique se trouverait dans l'espace immédiat de l'auteur ou bien encore dans la temporalité de ses déplacements réguliers m'est venue à partir de 2018.

Je décidai à cette époque de mettre à profit mes déplacements en transports en commun en photographiant les paysages urbains que je traversais quotidiennement en banlieue sud de Paris. J'entamai ainsi une série que j'appellerai plus tard les Migrations pendulaires. Le paysage urbain défilait sous mes yeux sans que je n'aie rien d'autre à faire que de déclencher, je jouais sur la vitesse de déplacement en mettant à profit la fonction rafale de mon appareil photo numérique. Les conditions de répétition du « voyage » participaient aussi du résultat, avec la possibilité de photographier un site plusieurs fois dans des conditions de lumières différentes. J'obtenai ainsi des images assez « rêveuses » du fait des superpositions et des effets résultant du mouvement.

Frédéric Taddeï Ange, Longumeau, 2019, série les Migrations pendulaires

Selon les écoles, réalistes ou pas, on pouvait s'offusquer du fait que ces images ne rendaient pas compte de la situation de contrainte économique — pourquoi ne pas photographier les voyageurs ? — ou au contraire apprécier que ces vues restituent une certaine poésie propre au paysage. Quoi qu'il en soit, je choisis à ce moment-là une esthétique qui me soulageait de ma condition, je passai d'un statut de personne qui doit faire la navette entre son domicile et son lieu de travail à celui d'un voyageur pouvant accéder à une forme de contemplation.

Frédéric Taddeï Ange, Suite sans fin, 2019, série les Migrations pendulaires

Fort de cette expérience, j'ai considéré par la suite que la contrainte d'évoluer dans un espace familier était une chance et m'évitait de ruminer sur la frustration possible de ne pas être dans tel ou tel endroit « extraordinaire », voire dans une situation exotique politiquement parlant.

Dès mon emménagement à Ablon-sur-Seine en 2011, je m'étais intéressé à différents espaces, rivières et plans d'eau, jardins partagés, parcs paysagers, plus tardivement les bords de l'Orge. Mais c'est en 2021, dix ans plus tard, que je décidai de mettre de côté mon boîtier numérique pour utiliser un smartphone Androïd, afin de me donner la possibilité d'être disponible en permanence pour répondre à des stimulations visuelles — j'avais déjà fait expérimenté la photophonie avec un smartphone première génération dès 2008.

Frédéric Taddeï Ange, Copropriété, de la série l'Orge 2023

Il y a deux ans, j'ai également commencé à utiliser une application embarquée dans mon téléphone afin de modifier de différentes manières mes images avec l'idée de pouvoir superposer des calques mais aussi de proposer des matières colorées et des filtres.

La série des Migrations pendulaires est ainsi la toute première partie d'un ensemble plus vaste que j'ai intitulé Les Voisins. Ce dernier regroupe plusieurs autres sous-séries, dont L'Orge, en cours depuis 2021, mais aussi Les Situations ou encore Féros.

Frédéric Taddeï Ange, Les acacias coupés, de la série l'Orge 2023

Je poursuis actuellement mon exploration de l'économie de moyens et de la « proximité » en utilisant des captures d'écrans à partir de documents vidéos (série Les Volleyeuses) mais aussi à partir de mon propre corps sur lequel je projette les vues des paysages saisies par ailleurs (série En Corps). Je donne beaucoup d'importance aux titres considérant qu'ils questionnent ce que l'on voit et dévoilent partiellement les intentions et pensées de l'auteur, voire son propre inconscient.

Frédéric Taddeï Ange, Les sirènes, de la série En Corps 2023.jpg

Avec l'utilisation de césures visuelles grâce à des calques, la répétition des formes et le « ré-emploi » sont au principe de ces compositions. Il y a aussi une grande part de hasard qui rattache cette pratique à celle de la peinture abstraite.

Frédéric Taddeï Ange, L'ascension ou Zao Wou Ki chez les cubistes, de la série l'Orge 2023

Enfin, sachant que les matières, les manipulations ou les effets plastiques pourraient n'être que l'illusion d'un écran ou à défaut d'une application embarquée, j'accorde de l'importance aux impressions et au choix des papiers : les tirages obtenus finalisent ainsi des intentions premières et souvent les révèlent, le doute s'efface dès lors dans la matérialité d'un support. »

A voir en ligne : https://www.instagram.com/cailloutopie/

http://www.art-action-depot.net/

/ shemales /

John Carrid et Martial Verdier — 2022-12-01T13:05:24Z

John Carrid questionne, met en scène et en espace, les troubles de la sexualité, de l'identité et plus généralement les interactions humaines en société.

John Carrid nous invite à le suivre dans ses recherches sur les comportements sexuels « alternatifs ». Après ses photos dans les backrooms parisiens, voici une série plus proche de la lumière, mais tout aussi dérangeante sur les ambiguïtés du corps et du genre.

Vidéos et collages, mises en scène et moment de vie, on peut penser à Pierre Molinier ou Antoine d'Agata, mais dans un cheminement personnel. Quand dans sa vie, John recherche la paix, l'air et la lumière, son œuvre révèle sa/notre part d'ombre.

Voir en ligne : www.carrid.net

L'Ultime Etat

Alain Brendel — 2022-05-30T10:16:54Z

De la même manière que certains ramènent des photos de leurs voyages, les séries « Entropie » et « La migration des sels d'argent, du visible qui ne cesse de s'effacer » sont un voyage dans l'inconscient et le subconscient, dans la mémoire de la photographie et l'univers des sels d'argent d'où l'on ramènerait des images.

La photographie est plus souvent utilisée pour enregistrer et reproduire que pour son caractère strictement photosensible (noircissement d'un film ou d'un papier photo directement par insolation).

Opérer un bouleversement dans l'organisation des sels d'argent noircis en dégradant des négatifs, des positifs ou par l'intermédiaire de collages/assemblages, permet de commencer ce voyage.

Un voyage où la vie magique des formes, des ombres et des lumières au repos, semble en mouvement et donne à voir dans l'obscurité ce qui ne peut être perçu ou nommé, à la recherche d'une voie vers l'imaginaire, élargissant le champ du possible où l'œuvre est là, seule, preuve physico-chimique d'une tentative sans cesse renouvelée de révéler une part d'invisible.

Cette tentative, peut-être vaine, de contrarier un principe naturel, dans lequel les informations se désagrègent progressivement, mais se faisant en produisent d'autres, est aussi, une manière d'échapper à la redondance des photographies.

Écrire littéralement avec la lumière permet un dépassement du processus photographique habituel, d'élargir le champ de création et de mettre en images, durant le chemin parcouru, l'imprévu ou le pressenti.

Cette métaphore de l'entropie, de la tendance générale de l'univers à se désordonner de façon croissante, est un moyen d'analyser le processus photographique, de montrer comment il y a passage de la photographie à l'image en mettant en perspective deux processus de création d'images :

— images pour collages argentiques, usage transversal,
— images photographiques (usage d'un film, insolation puis tirage).

Ces œuvres témoignent d'un principe temporel, du cycle de la vie d'une œuvre — le temps qui passe, la pérennité d'une œuvre — et entrent dans un processus conduisant à un ultime état.

La photographie nous signifie en silence qu'il faut un œil pour l'entendre.

Alain Brendel — La migration des sels d'argent

Photographies argentiques — 1999

Alain Brendel — Entropie