TK-21

L'Allégorie de la Caverne

Joshgun Suleymanov — 2026-07-30T12:35:09Z

Joskun Suleymanov explore à travers ses séries les thèmes de l'illusion perceptive, de l'inconscient, de la mémoire et des structures invisibles de la condition humaine, dans une approche rigoureusement analogique et matérielle de l'image. Dans la déconstruction de l'espace physique, la distorsion optique élimine les repères géométriques pour forcer le regard à chercher la vérité au-delà des formes conventionnelles.

The Face of Perception (2026)

Photographie expérimentale, prise de vue directe sans manipulation numérique.
Une confrontation directe avec le masque de l'illusion. Le visage, flou et déformé par l'optique, incarne la première étape de la libération : reconnaître que ce que nous voyons n'est qu'un reflet altéré.

Ma série photographique puise son inspiration directement de l'Allégorie de la Caverne de Platon. Ce motif philosophique intemporel reflète la condition humaine, où les individus évoluent souvent au sein d'une réalité confinée, prenant de simples ombres pour la vérité absolue. Afin de percevoir la réalité ultime, l'être doit transcender les frontières de sa propre perception.

Ces photographies se conçoivent comme une expérience physique et spirituelle, un voyage visuel qui cherche à jeter un pont entre l'illusion et le réel, révélant les vérités dissimulées derrière l'invisible et exposant les strates complexes et dormantes du monde intérieur humain.

The Shadow Guide (2026)

Photographie expérimentale, effet de texture physique in-camera.
L'ombre projetée s'émancipe du corps pour devenir un guide. Dans l'obscurité de la caverne, ce ne sont pas nos yeux qui nous dirigent, mais la résonance de nos propres silences.

Une méthodologie rigoureuse : « Pure Photographie »

En tant que défenseur absolu de la pureté photographique, je réalise l'intégralité de mes œuvres directement à la prise de vue (in-camera), en exploitant des dispositifs optiques expérimentaux et des techniques de chambre noire ou de numérisation directe (CCD), avec des assemblages optiques (notamment en associant des boîtiers numériques à des blocs optiques d'anciens objectifs soviétiques) afin de capturer une esthétique brute, intemporelle et texturée fortement influencé par le cinéma contemplatif et minimaliste (Andrey Tarkovsky, Theo Angelopoulos, Béla Tarr).

Aucun logiciel de retouche, aucune manipulation numérique et aucun outil d'intelligence artificielle n'interviennent dans mon processus de création.

Le grain, la texture brute, les distorsions et le flou organique sont le résultat d'une confrontation directe et physique entre la lumière, l'optique et la matière.

Dormant Layers (2026)

Photographie pure, texture organique.
Une exploration des couches superposées de l'esprit. Ce visuel exprime la matérialité de l'inconscient qui remonte à la surface, révélant les sédiments de traumatismes et de rêves partagés.

Distorted Reality (2026)

Expérimentation optique pure à la prise de vue.
La déconstruction de l'espace physique. La distorsion optique élimine les repères géométriques pour forcer le regard à chercher la vérité au-delà des formes conventionnelles.

Ascending Soul (2026)

Echoes from the Unseen (2026)

The Anatomy of a Dream

The Illusion of Shape (2026)

The theater of shadows

Image d'ouverture : The Weight of Silence, 2026

La Chaise Rouge

Hervé Rabot — 2026-05-03T18:23:04Z

Une mer d'images, des buissons ardents de sensations, des impromptus et des fantômes.
(Fabien Ribery in Lintervalle novembre 2025)

TROIS PETITES PLANCHES Ô RABOT ET PUIS S'EN VA [Coupes in La Chaise Rouge]

Ô FÛT DU WASTRINGUE À LA MENUISERIE DE SOI SE TRAVAILLE LES PLIS ET REPLIS DE CES TROIS PETITES PLANCHES Ô CREUX DE MA MAIN GAUCHE L'EMPREINTE DE BRÛLURE LA CAPTURE DE NATURE ET PROJECTION AU LIT DU PAPIER SE DINGENT À L'HEURE LES COPEAUX BRISÉS NON FEINTS INCANDESCENTS PAS TOUJOURS AU VENT DE MON NOM À L'AGITÉ OSTENSOIR LUIT LE FEU NOIR …/
Ô FER MARTELÉ AUX FOSSÉS INTERDITS EN NOUES AU REGARD MASQUÉ D'UNE VIE DE SENS S'INFILTRE LE DÉLUGE D'UN MONDE GLISSANT AU RABOT D'ENFANCE CADENASSÉE ALORS EN MON CARAFON FLOTTANT COMME DIRAIT PRESQUE MANCEL SE DÉNOUE EN UNE DERNIÈRE FAIBLE PROTECTION À MES CABANES JE BADIGEONNE LES PLANCHES RAPÉES NON COMPRISES AU POUR BOIRE ENCORE UN MONDE OÙ JE ME NOIE À L'ASPHALTE NOIR COUVERT DE LIEUX DE VIE PHOTOGRAPHIÉS À L'AUNE DE RITUELS CHANTÉS BIEN ORDINAIRES OÙ JE ME DOIGTS À L'ÉCUME DE TRAITS VIBRANTS TAILLÉS AUX COEURS DE MINES DES DESSINS PEUPLÉS DE LIENS CLANDESTINS PERSISTANTS TEMPÉTUEUX D'HORIZONS BARIOLÉS À MA NAVIGATION SE BRÛLENT EN MA PENSÉE DOULOUREUSE MES PLANCHES VRAIES STÈLES FENDUES AU CIMETIÈRE À L'OMBRE D'UN ENTERREMENT DU RIEN VÉCU J'AI MAL OCCUPÉ MA JEUNESSE DIRAIT ENCORE AUJOURD'HUI ET À CRI PHILOSOPHE MON GRAND-PÈRE J'AI TROP ÉTÉ DANS LE MALHEUR SILENCIEUX LUI À SON DRAME PAS À LA VIE CHATOYANTE D'UNE BARDOT ELLE PAS RABOTÉE À TÉLÉ MONTE CARLO DE SES FINS DE JOURS UN PEU CALQUÉ SILENCIEUX AU BROYEUR MISES LES PLANCHES À MA TABLE Ô RABOT AGITÉ EN CES JOURS

L'OSTENSOIR VENU LES YEUX Ô SCIURE

L'Ouvrage, 1997-2002

La Chaise Rouge, 2005-2010

LA CHAISE ROUGE

Le Petit Cheval Blanc, 1990

Le Buisson Ardent, 2002-2003

Coup de Rabot, 2013-2015

Qui Va Vers, Prix Niépce, 1985

Leçon de Paysage, 1985-1995

Le Pommier et le Drap Blanc, 2021-2024

L'Horizon Bariolé, 1989

Image d'introduction : Feu Noir 1987

Livre relié cartonné, couverture toilée marquée à chaud
format 16x24 à la française, 184 pages
ISBN 979-1090371-72
Conception et réalisation : Hervé Rabot et Dominique Gaessler
© 2025, Trans Photographic Press pour l'édition
© 2025, Hervé Rabot pour les images et les textes

Chimic

Michel Monteaux — 2026-03-01T18:21:07Z

Des négatifs de films instantanés périmés, desséchés, exposés à la lumière ; les produits chimiques peinent à imprimer la réalité physique et dessinent un paysage intérieur où se délite la photographie, pour nous montrer un peu de ce qui nous est invisible, ce qui précède l'image.

Nous sommes aveugles dans l'obscurité
Par absence de lumière
Comme nous sommes aveuglés par la lumière
Par absence de nuance.

Hassan Wabhi, Carnet d'un regard

Tout comme la partition pour la musique ou l'équation pour les mathématiques, la pellicule est l'écriture d'un langage. Ce langage visuel témoigne de l'existence d'une réalité, de ma présence physique à cette réalité, de mes émotions, de ma perception des liens qui régissent la matière. Je pratique la photographie pour explorer et traduire ce sentiment d'appartenance et de permanence.

Comme beaucoup de confrères, j'ai utilisé au fil des années de multiples supports et façons de photographier. Progressivement s'est imposée l'idée que l' « extraordinarité » de la photographie argentique n'est pas tant qu'elle soit capable de fixer « l'instant décisif », d'immortaliser un moment (le monde est fait d'évènements, pas de choses), de décrire ou montrer en soit, mais qu'elle contienne, incarne, matérialise, transcende la Matière, le Temps même.

Une expérience de six années auprès des cultures des Indiens Pueblo et Navajo au Nouveau-Mexique a profondément imprégné ma perception de la nature et du monde, dont les éléments, en permanence interconnectés et interdépendants, évoluent à des rythmes différents et forment ainsi un flux énergétique ininterrompu.

Dans le monde du vivant, par un lien étroit entre le sujet et son support, les interactions entre les espèces tissent la matière qui nous constitue et nous relie. L'argentique est un de ces tissus. La nature de cette matière contient une part d'imprévisible, de mystère, un sens du précieux, une émotion, induits par sa chimie, et surtout le temps de latence qu'elle exige. Tout comme la mousse sur la roche, une photographie a besoin de temps pour exister.

CHIMIC se rapproche des formes et des textures que l'on découvre dans l'Univers aujourd'hui ainsi que du foisonnement de la vie microscopique de la nature qui nous héberge. Une paréidolie de paysages, de formes, de couleurs et de textures, apparaissent, interprétées par une vision en quête de sens, comme s'il fallait nous rappeler sans cesse que nous faisons partie de ce processus, d'un équilibre, qu'il convient de respecter.

Faire Front

Martial Verdier — 2026-02-03T09:30:53Z

Au moment où le monde s'enfonce dans des guerres plus ou moins larvées, les valeurs humanistes essentielles sont mises à mal, il faut faire front, il faut résister.

Woke devient une insulte ! Alors que la prise de conscience est indispensable.
Sans qu'ils soient forcément directement impliqués dans la problématique, un certain nombre d'artistes travaillent sur une vision de la nature et la place de l'homme.

Faire front c'est résister, à l'adversité, à l'oppresseur, à la bêtise ambiante, à la communication/propagande…
Faire front c'est montrer l'incurie, mettre en avant les micros résistances, ne pas être passif, créer, bouger et ne pas faire frontière, mais les rendre poreuses.
Faire front, comme le front des arbres d'une forêt qu'ils gardent tel un mur de soldat de la nature.

« […] Il y a une affinité fondamentale entre l'œuvre d'art et l'acte de résistance. Malraux dit une chose très simple sur l'art : " C'est la seule chose qui résiste à la mort ". Alors on pourrait dire, oui, l'art c'est ce qui résiste.[…] » Gilles Deleuze [1].

Cinq photographes font front.

Francesca Dal Chele

Même si j'aime parfois faire un pas de côté dans ma relation à la photographie, je me considère surtout photographe documentaire critique. D'où vient ce bruit à l'horizon ? est le troisième volet de ma trilogie interrogeant les dégâts sociaux et environnementaux dans la Turquie du capitalisme globalisé. Ici, il s'agit de la gentrification de Tarlabaşı, quartier déchu au cœur de l'Istanbul historique en proie à un projet de « régénération » urbaine.

Christophe Galatry

De la hauteur d'une frondaison naît un front ? À sa largeur qui fait se confondre une densité et une limite des bords de la photographie.

Une confrontation de la coupure.
L'image n'est pas de bois, elle peut signifier, et je marche à travers ces arbres qui donnent sens à ma présence en tant qu'humain les photographiant.
Le regard porté sur ceux-ci est un révélateur de notre propre humanité altérée. Leur représentation fait acte.
Arbres et végétations denses dans leur frontalité viennent à moi tel un mur.

Forme de résistance ultime à l'abattage. Les arbres peuvent tomber, l'image doit rester, frapper et réarmer l'esprit de « nature » sensible qui nous englobe.

Katell Paillard

À la recherche de chimères, d'objets énigmatiques, de rencontres étonnantes qui surgissent de l'ombre et des clairs-obscurs, je photographie le plus souvent lors de longues marches nocturnes en solitaire. La vision est souvent déjà capturée et il me faut parfois quelques secondes pour me rendre compte de ce que j'ai réellement devant les yeux.
J'ai réalisé cette série en étant emportée par des sentiments contradictoires. Pourquoi sortir la nuit pendant des heures ? Est-ce le goût du risque ? Celui de la peur ou encore du hasard ? Qu'est-ce qui me hante ? Pourquoi ce besoin de solitude infinie ? La nuit, la vie est en suspens, les sens sont en éveil. J'ai le sentiment de disparaître dans la nuit et de plonger au plus profond de moi-même, d'être parfois absorbée par le néant.
Je photographie sans forcément d'idées préconçues. Dans ce travail commencé en 2021, j'ai découvert que ces photographies font écho à ma solitude face à mes angoisses et la peur du vide. Peu à peu, je me suis rendu compte que mes états intérieurs semblent être retranscrits au travers du prisme photographique.

Sophie Patry

« Sophie Patry propose une photographie poétique, allusive et rêvée, lointaine et fragile, d'allure fantastique ou fantasmée, et d'extrême présence. Elle fouille à vif les mystères du visible. »
Christian Noorbergen, critique d'art et conférencier

Mon travail photographique s'inscrit dans un territoire incertain : le flou. À la prise de vue la perte de netteté devient un langage sensible, espace de respiration et de poésie. Le flou ouvre des images qui suggèrent plus qu'elles ne montrent, laissant affleurer une perception fragile, mouvante, proche de la mémoire, du rêve ou de l'oubli.

Dans ces zones instables, la photographie ne cherche plus à saisir le réel, mais à l'approcher, à en éprouver la vibration. Elle interroge la frontière entre apparition et effacement.

Olivier Perrot

Deux ans de manifestations 2023-2025
Dire NON
Plus de 493 photographies couleur (9 x 13 cm)

Les images donnent à voir des slogans, des invectives, des suppliques, des mots, des phrases, des jeux de mots, des rimes, des insultes, des métaphores… qui se juxtaposent pour former une nébuleuse de manifestations verbales du refus. Un refus collectif qui s'exprime dans la rue. Tous ensemble.

Le parti pris est de ne pas montrer les visages mais seulement les mots, ceux qui circulent de mains en mains sur des cartons portés à bout de bras. Mises bout à bout, les images constituent une fresque de papier qui raconte une histoire ; celle des 13 journées de manifestations de l'année 2023 contre la réforme des retraites. 13 journées pour dire et redire son opposition. Le dire avec humour (cette politesse du désespoir) ou détermination. Le dire pour s'élever contre la violence et l'injustice d'un choix politique présenté comme raisonnable. Faire front, ce n'est pas seulement s'opposer. C'est tenir ensemble. Et, dans le tumulte, ouvrir une brèche.

Martial Verdier

Des arbres de haute futaie font front devant un essart. Image de la résistance.
Sur leur colline, il dominaient la route, je passais devant eux plusieurs jours et leur image s'est inscrite doucement dans mon esprit, jusqu'à ce que la photographie s'impose comme une évidence. C'est une métaphore de notre état, se tenir droit devant ceux que l'on a couché. Derrière eux la forêt les soutient et ils la protège.
Ou bien traverser à guet pour changer de pays, se perdre ensuite dans les arbres dans la lumière du couchant.
Résister c'est aussi être solidaires et unis.

Les évènement pendant l'exposition :
Rencontre avec les artistes jeudi 19 février, de 19 h 30 à 21 h 30

Signature des livres de Franscesca Dal Chele, Katell Paillard et d'Olivier Perrot. mardi 10 mars 19 h 30 à 21 h 30

Jeudi 12 mars 2026 de 19 h à 22 h. Jean-Jacques Sarfati, philosophe, « Faire front, favorise le lien, ou au contraire brise le lien ? »

Lundi 9 mars lecture de portfolios par Alain Bernardini (renseignements : https://immixgalerie.fr/lecture-portfolios/)

[1] DELEUZE_Qu'est-ce que l'acte de création, Extrait de la conférence « Qu'est-ce que l'acte de création ? » donnée dans le cadre des Mardis de la fondation Femis, 17 mai 1987

Une exposition TK-21 - ImmixGalerie
12 février - 21 mars 2026
Immix Galerie, Espace Jemmapes
116, quai de Jemmapes, 75010 Paris
lundi – vend 12 h – 22 h, samedi 10 h – 19 h 30.

Image d'ouverture : Sophie Patry

Une saison en Éros

Martial Verdier et Sylvain Paris — 2025-07-29T09:03:32Z

Un manège à trois
réuni par Rrose Semoy
Ssayan, danseuse, performeuse
innuit siniswitchi, peintre, performeur
Martial Verdier, photographe, plasticien

Photographier la rencontre fulgurante entre Ssayan et innuit siniswitchi, le temps d'un été. Commencée par un « non-mariage », cette fusion finit comme dissoute dans la forêt des Ardennes sur les rives de la Semoy.

Un tarot sauvage en actions, peinture, body painting, photographie, calotype pendant deux mois de création et d'expériences artistiques.

Le calotype, technique historique très lente, demande quinze minutes de pose, c'est le temps qui est accordé à innuit siniswitchi pour peindre le corps de Ssayan. Elle doit rester immobile sous peine de disparaître.

La photo enregistre donc la peinture en train de se faire, et non pas le résultat.

Quelques fois, Ssayan peint innuit, et quelques fois ensuite, ils posent ensemble encore dans leur costume de peinture. Les options sont multiples.

Certains corps dans les dernières sessions sont en partie lavés, les motifs disparaissent et ne sont plus que des traces.

La question se pose du sujet de l'image. Le corps, les corps, le lien qui les unit, la peinture… ?

Voir en ligne : https://verdier-fr.com/www/corps/ta...

La chatte de Schrödinger

Chong Jae-Kyoo 정 재규 et Martial Verdier — 2025-07-29T08:54:59Z

Le rapport entre « Le temps de Plank du monde » et « L'origine du Monde » produit une intrication quantique relative et absolue comme la durée de la vision microscopique et le moment instantané de la singularité de l'univers.

Le temps de Plank du monde

Dans les paradoxes de la théorie des quantas, il y a, entre autres, l'intrication, « le temps de Plank » [1], le moment original n'est pas le temps 0 qui ne peut pas exister, mais un moment d'intrication absolue sans temps et sans espace. La quantification et le paradoxe de Schrödinger [2] qui, il y a exactement 90 ans, a établi un système ternaire, oui/non/peut-être…

Comme Lacan qui (peut-être) cachait L'origine du Monde derrière une version peinte par André Masson [3], voici « Le temps de Plank du monde » dans une version Lynchéenne.

Peut-être y a-t-il une image, peut-être pas, l'énergie noire l'aura fait disparaitre et quel est-elle ? Un système quaternaire « oui/non/peut-être/quoi ». Une rencontre entre Chong, Plank, Schrödinger et Lacan, un problème à quatre corps.

Martial Verdier

L'intrication quartenaire

Il y a égalité des rapports entre plusieurs perspectives dans la rencontre de la peinture d'André Masson et celle de Gustave Courbet, couverte comme par un vêtement, par le jeu de montrer-cacher, visible et invisible,

L'important est la rencontre intriquée à travers un système quaternaire plutôt qu'un système ternaire. Il y a une potentialité de rencontre essentielle dans un événement intriqué à entrées multiples.

C'est un événement quantique au niveau d'un jeu de superpositions plurielles à partir d'une superposition ternaire.

On peut remarquer deux sortes de superpositions, dans Le chat de Schrödinger et dans « L'origine du Monde » chez Lacan. Chez Schrödinger il y a une superposition ternaire : le chat mort ou vivant et un état définitif par mesure/ouverture. Lacan a introduit la superposition du jeu de montré/caché dans un système quaternaire : un visible cache un autre visible et l'ordre de l'espace et du temps les intrique doublement. C'est-à-dire l'état devant « L'origine du Monde » est toujours après « L'origine du Monde » et vice versa : l'état derrière « la peinture par André Masson » (= la peinture de Courbet) et toujours devant celle de Courbet (= la peinture de Masson). Cette propriété entre deux objets nous montre bien l'état heureux de l'intrication quaternaire avec les combinaisons différentes entre l'espace et le temps.

Ce système quaternaire nous révèle aussi une autre propriété potentielle : l'inversement de l'ordre du temps produit dans le mouvement quantique microscopique.

On envisage donc deux « Origines du Monde », par Gustave Courbet et par André Masson. Chaque toile portant le même titre, bien que la seconde n'existe que par la première.
Un jeu du mot paradoxal : l'état devant « L'origine du Monde » est toujours derrière « L'origine du Monde » ; l'état derrière « L'origine du Monde » est toujours devant « L'origine du Monde ». C'est le point de confusion du monde particulaire !

On pourra plus tard rencontrer des états non particulaires ! C'est-à-dire ondulatoire, mais c'est une autre histoire.

CHONG Jae-Kyoo

[1] Le temps de Plank, c'est le temps qu'il faudrait à un photon (l'objet le plus rapide de l'univers) pour parcourir une longueur de Planck (la plus petite longueur mesurable).

[2] Le paradoxe de Schrödinger, illustre la superposition quantique et la décohérence, à l'échelle macroscopique. Un chat est enfermé dans une boîte avec un flacon de gaz mortel qui peut se briser. Le chat est à la fois vivant et mort tant que nous n'ouvrons pas la boîte pour l'observer.

[3] Lacan a été le propriétaire secret du tableau, qu'il avait dissimulé derrière une version « soft » réalisée par André Masson. Le tableau était exposé dans son bureau, à la fois montré et caché.

Projet pour l'exposition/performance Sol Mur Temps/Intrication 2025 à l'Espace Icare à Issy les Moulineaux.
Du 08 au 27 septembre 2025, 21 artistes à Espace ICARE d'Issy-les-Moulineaux.
Un programme à télécharger :

Programme Sol Mur Temps/Intrication 2025

Exemple d'intrication quantique imagée, la couverture du n°164 de mai 2025 qui est liée avec cet article

Paréidolies

Didier de Nayer — 2025-06-30T17:12:07Z

L'absence de photographies ou de films pendant la guerre du Golfe, puis l'Afghanistan et l'Irak, m'a véritablement troublé, et cette terrible actualité se déversant uniquement en paroles, il manquait une dimension : sans les images, pas de traces imprimées dans le cerveau. Il m'a fallu intervenir et rétablir l'équilibre en créant mes images personnelles.

Alors la traque du réel pour s'approprier la « vérité vraie » s'avère indispensable, surtout quand l'information et le pouvoir se mélangent par influences réciproques ou lobbies performants et quand on s'interroge sur le statut de l'image dans les médias ; car si les photographies sont tellement fausses qu'elles en deviennent parfaitement vraies, l'émotion et l'impression visuelle produites semblent encore plus fortes.

J'introduis le mouvement dans des images fixes pour signifier l'émotion face à l'événement, l'image floue partiellement « inachevée » participe à la re-création de l'image dans la tête du spectateur, re-formalise l'événement avec l'information déjà reçue et la légende guide cette reconnaissance de l'image. C'est un document historique qui est présenté et non une simple photographie, un document prouvant le « ça a été », même s'il faut l'interpréter pour le retrouver, car la légende est nécessaire pour expliquer la réalité de l'image.

Dans le flux continu des images télévisuelles, il m'a fallu effectuer un « arrêt sur image » pour réfléchir à la situation. En utilisant la représentation fixe d'une image de mouvement, il m'a été possible de représenter la guerre, les guerres du Golfe, d'Afghanistan et d'Irak et toutes les autres même... car le caractère universel de ce type d'image permettrait en changeant les légendes de couvrir malheureusement les guerres passées, présentes et à venir, le tout sans avoir de problème pour obtenir les visas. Les notes d'humour plus ou moins noires des légendes ne sont présentes que pour endurer l'horreur.

« La réalité suggère des images, l'image met en forme la réalité »
Alexis Jenni

« Un écran de télévision, la lucarne, symbole de communication télévisuelle ou virtuelle, s'impose dans ces années de sur-consommation d'images. Comment ne pourrait-elle pas devenir source de réflexion, voire source d'indignation ou de contestation. Didier de Nayer, passionné par l'information, observe avec un regard critique, voire humoristique, cette lucarne et en alimente intelligemment son œuvre.

Didier de Nayer, offusqué comme de nombreux citoyens, par les commentaires téléguidés et aveugles des journalistes lors de la Guerre du Golfe, d'Afghanistan ou d'Irak, et surtout choqué par l'absence d'images de photojournalistes indépendants, a décidé de « couvrir » ces événements. A sa façon évidemment. C'est à dire en recréant, à partir de peu de choses, les images qui auraient pu être le support des propos tenus dans les circonstances décrites. A l'instar d'un pamphlet ou d'une satire son œuvre interroge sur les manipulations dont nous sommes finalement tous victimes...

En re-photographiant les images de l'actualité américaine au Moyen-Orient, Didier de Nayer questionne leur authenticité et leur vérité. Les « Images de Guerre » deviennent des traces, au contenu informel chargé d'affect, qui sont chacune comme une photographie anonyme d'un moment qui persiste dans notre mémoire. Seul un mot ou une phrase pourra, en dernière instance, les rappeler à notre conscience des événements actuels.
Construite en forme d'ellipse sur la communication visuelle, cette exposition met en lumière une société qui, malgré ses évolutions scientifiques et techniques, ne semble pas avoir beaucoup évolué. La chasse à l'animal puis à l'homme, la traque, la violence, la mort sont encore présentes. Seules l'ampleur des dégâts et la surface du terrain de jeu ont évolué. Hélas. »

Raymond Viallon, Galerie Vrais Rêves

Note : le terme paréidolie désigne un type d'illusion qui fait qu'un stimulus, généralement visuel, vague ou ambigu, est perçu par un individu comme clair et distinct et est rapproché d'une forme physique connue. Chacun peut y voir ce qu'il veut selon son imaginaire ou sa culture.

Ester VONPLON

Camille Gajate — 2025-06-30T09:32:37Z

Cet été, le festival BZH PHOTO présente une série réalisée in situ par la photographe suisse Ester Vonplon, lors d'une résidence. Une vision contemplative et quasi-abstraite du littoral breton à découvrir à Loguivy-de-la-Mer dans les Côtes d'Armor.

La pratique photographique d'Ester Vonplon, axée sur l'expérimentation, explore la relation entre l'homme et la nature.

Venue des Alpes suisses en février 2025 pour sa résidence de création sur notre littoral, l'artiste a laissé place aux accidents chimiques et altéré ses polaroïd pour nous offrir son regard sensible sur le littoral breton.
Nous sommes impatients de vous présenter dans le vent sa vision, un estran réinventé empreint d'abstraction, sur le port de Loguivy-de-la-Mer. Sur le quai, vingt-deux photographies pivotent au gré du vent et, entre les bateaux, un photophare flotte à marée haute et se pose à la basse mer.

Le festival BZH PHOTO présente chaque été ses photographies en harmonie avec les éléments naturels.

« Derrière, attend la mer, dans un paysage brut qui m'est inconnu,
où le vent porte les histoires à terre et les entraîne dans les profondeurs du monde. Il fait plier les arbres, danser les prairies, tandis que la mer ne cesse d'aller, venir et repartir dans le sillage du temps.
Ce paysage silencieux se réinvente sans cesse, témoin de l'éternel changement. Et derrière, attend la mer. Dans le secret de la nuit, j'écoute les courants murmurer des récits de rivages lointains. »

« Dahinter wartet das Meer, in einer mir unbekannten,
rauen Landschaft, wo der Wind Geschichten an Land trägt und sie in die dunklen Tiefen der Welt hinausträgt. Er verbiegt die Bäume an Land, lässt die Gräser tanzen, während das Meer unaufhörlich mit der Zeit geht, kommt und wieder geht.
Diese mitteilungslose Landschaft die sich fortwährend neu formiert ; ein stiller Zeuge der ewigen Veränderung. Und dahinter, da wartet das Meer. In der Stille der Nacht lausche ich den Gezeitenströmen, die flüsternd
von fernen Ufern erzählen. »

Ester Vonplon

Voir en ligne : www.bzhphoto.fr

Ester Vonplon, festival BZH PHOTO
Du 6 juin au 7 septembre 2025, sur le port de Loguivy-de-la-Mer (Côtes-d'Armor)

www.bzhphoto.fr

Pratique·s de la Lenteur

Martial Verdier et Olga Caldas — 2025-03-31T08:08:39Z

Une exposition à l'IMMIXgalerie à Paris explore la manière dont sept artistes, en conjuguant la photographie à d'autres médiums, intègrent la lenteur et la patience à leur processus créatif. Que ce soit par le choix du procédé ou du dispositif, induisant un arrêt sur image tant de la part de l'artiste que du regardeur.

Une proposition d'Olga CALDAS
La photographie, domaine privilégié de l'IMMIXgalerie à Paris, est souvent perçue comme une image de fabrication rapide, pléthorique et envahissante. Peinture, sculpture, collages, photos, vidéos : les œuvres présentées en ce moment dans l'espace d'exposition s'inscrivent dans une réflexion sur le temps long, la physicalité et la lenteur, mettant en valeur la volonté des artistes d'opposer la patience au flux visuel qui nous submerge. Le temps devient ainsi un élément fondamental de leur démarche.

Laure PINARD
« J'ai commencé la peinture avec des portraits de mes frères qui depuis sont toujours revenus, de manière obsessionnelle. Je les représente surtout à l'adolescence, jeunes garçons à la croisée des chemins. Évoquant à ce moment figé de leurs vies, le deuil de quitter l'enfance.

La pyrogravure est pour moi la brûlure du soleil sur les souvenirs. Le fer à souder brûle le bois comme la lumière brûle l'image, la sature, la cache, créant alors une vision de l'inconscient ; des points aveugles.

Le tableau, Matthieu, a connu plusieurs étapes, il a évolué sur plusieurs années. J'ai commencé cette pyrogravure en posant mon dessin au fer à souder sur une surface de bois très claire. La teinture du bois est venue avec l'exposition à la lumière du soleil me permettant de reprendre le travail sur cette image afin de faire réapparaître ce que le soleil avait foncé ou effacé, en choisissant de laisser sur certaines zones l'empreinte du soleil et donc du temps. »

@laure_pinard

Laure Pinard, « Matthieu »

Pyrogravure sur bois, 2021, 309,5 x 120 cm

Olivier TERRAL
Artiste de l'émotion et de la mémoire, Olivier Terral explore les frontières de l'art relationnel et de la peinture au doigt. Dyslexique et dysorthographique, il a trouvé dans l'art un moyen puissant d'expression et de communication.

Depuis 2010, il travaille sur le projet « Empreintes de vie », une série d'œuvres collaboratives créées avec des patients en fin de vie, leurs familles et le personnel soignant dans divers hôpitaux. Ce projet est une réflexion profonde sur la vie, la mort et la mémoire, où chaque empreinte digitale devient un symbole de présence et d'amour.

www.olivierterral.com @olivier_terral

Olivier Terral, Empreintes de vie

Mauricio TOLOSA
Une photographie qui crée des liens

Né en Patagonie chilienne, Mauricio Tolosa s'inspire des cosmovisions des peuples autochtones des Amériques. Il a consacré les dix dernières années à diverses pratiques de co-création avec les plantes, visant à renouer les liens entre les humains et le Royaume Plantae.

Mauricio Tolosa a évolué de la photographie de reportage et d'illustration vers une approche plus contemplative et expressive. Il cherche à développer un regard qui restaure les liens et rétablit les relations avec le Vivant. Ses photographies invitent les spectateurs à entrer en contact avec l'anima des êtres non-humains, plutôt que de simplement les observer. Inspiré par Matsuo Basho, le fondateur du haïku, qui suggérait de devenir le pin ou le bambou pour écrire/photographier.
Il propose une photographie qui invite à s'arrêter, à regarder, pour que l'imaginaire s'épanouisse et la beauté se manifeste dans la lenteur.

www.mauriciotolosa.com @mau.tolosa

Mauricio Tolosa

Martial VERDIER
« Longwy était », entre esthétique documentaire et foto povera, une photographie calotype.

Dans une société de plus en plus gorgée d'adrénaline et de cocaïne, la lenteur devient un paradoxe, une anormalité, un acte militant et créatif.
Ce qui l'intéresse avant tout, c'est de travailler la matière brute de l'image en n'hésitant pas à convoquer différentes techniques de prise de vue : « Techniques historiques, calotype, sténopé, photographie argentique, pellicules périmées, pseudo-autochromes, procédés amateurs, alternatifs, parallèles et décalés, images enchâssées ou contemporaines pour sentir la matière de l'image. »

www.verdier-fr.com @martial_verdier

Martial Verdier, « Longwy, Le train à tube »

Calotype, 30 x 37 cm

Joseph ROZÉ
Si nos souvenirs évoluent avec le temps et finissent par perdre leur ancrage, ici, c'est à celui qui regarde de trouver son angle, son point de fixation dans l'espace.
En détachant le corps et l'âme, l'image et son cadre, l'artiste fait renaitre cinq souvenirs après avoir perdu la vue.

Le dispositif contraint le spectateur à s'arrêter, s'ajuster, à s'adapter pour voir les images à travers les ouvertures métalliques qui redéfinissent le cadre sur les images. « Si nos souvenirs évoluent avec le temps et finissent par perdre leur ancrage, ici, c'est à celui qui regarde de trouver son angle, son point de fixation dans l'espace. »

Joseph Rozé, « Cinq souvenirs »

série « Vision Aveugle »

Dayane OBADIA
L'artiste conçoit ses peintures presque comme des collages. « Tous ces différents corpus que j'invoque viennent renforcer une composition se voulant chimérique », indique-t-il, « Cette violence silencieuse du mode de vie que j'essaie de conter passe sous le prisme des couleurs fauves écrasantes d'un ciel aux gris étouffants d'un parking d'hypermarché. Les mouvements exprimés par ses coups de pinceaux viendront au choix assourdir des surfaces ou bien intensifier des mouvements. »

@dayaneobadia

Dayane Obadia, « L'Antéchrist »

Huile sur toile, 2023, 54 x 47 cm

Nazanin PIRMOHAMMADI
« Un simple tissu noir suspendu capte immédiatement mon attention. »

Le travail de Nazanin Pirmohammadi explore des problématiques sociales et politiques, en particulier celles liées à la condition féminine en Iran. À travers son approche, elle met en lumière la tension entre invisibilité et résistance, tout en interrogeant le désir d'être vue. Au-delà de ces thématiques, sa démarche artistique explore également la relation entre l'objet et l'espace, ainsi que le contraste entre lenteur et vitesse, des éléments qui structurent son univers visuel.

@nazanin.pirmohammadi

Nazanin Pirmohammadi, « Ne regarde pas, vois ! »

Vidéo, 2024

Du 28 mars au 10 mai 2025 à la IMMIXgalerie,
Espace Jemmapes, 116, quai de Jemmapes, Paris 10ᵉ.
Performance rencontre le jeudi 10 avril à 19 h 00.
@immixgalerie

Mises en tension

Martial Verdier — 2025-02-02T12:25:36Z

TK-21 présente à la galerie Immix une exposition photographique.

Quand la tension s'accumule, l'énergie finit par se libérer et de là naît la création.

Le syndrome du plasticien

Dans Philosophie de la photographie Vilém Flusser développe la notion d'appareil comme un dispositif autonome qui décide seul de la forme de l'image et contraint le photographe. Le plasticien-artiste est celui qui s'exonère du « programme » pour transformer l'appareil en outil qu'il contraint à sa création.

Cinq photographes, plasticiens·nes, cheminent dans l'imagination et l'espace, franchissent les barrières tant physiques que psychologiques et accumulent images, sensations, couleurs, ombres, souffles et inspirations.

Accumulation, Chemins et barrières...

Partir de la notion de série photographique pour aller jusqu'à la suspension, la juxtaposition et la superposition.
Les artistes construisent des histoires et nous accompagnent dans leurs univers en rompant les barrières.

La liberté est toujours pertinente.

Un cheminement de la photographie « référentielle » jusqu'à des constructions numériques et « virtuelles », en passant par le morcellement, la fragmentation, la reconstruction… Un cheminement d'une photographie « purement » documentaire à une photographie « purement » plasticienne.

Avec :
Céline Bonnarde, Guillaume Dimanche, Bernard Gast, José Man Lius, Yannick Vigouroux.

Curation Martial Verdier - TK-21.

Céline Bonnarde

Paysage de Lurcy

Yannick Vigouroux

Lion-sur-Mer, 6 mars 2016

Guillaume Dimanche

"Foëcy"

Bernard Gast

Ta lune est immense et j'y bois le crépuscule (2019)

José Man Lius, 2024

Dossier Presse - Mise en tention

Voir en ligne : https://immixgalerie.fr

Vernissage jeudi 13 février à 19 h 30.
Exposition du 14 février au 22 mars 2025 à la Immixgalerie, Espace Jemmapes, 116, Quai de Jemmapes, 75010 Paris.
Une rencontre-débat avec les artistes et le curateur aura lieu le jeudi 6 mars, de 19 h 30 à 21 h 30.