TK-21

Mises en tension

Martial Verdier — 2025-02-02T12:25:36Z

TK-21 présente à la galerie Immix une exposition photographique.

Quand la tension s'accumule, l'énergie finit par se libérer et de là naît la création.

Le syndrome du plasticien

Dans Philosophie de la photographie Vilém Flusser développe la notion d'appareil comme un dispositif autonome qui décide seul de la forme de l'image et contraint le photographe. Le plasticien-artiste est celui qui s'exonère du « programme » pour transformer l'appareil en outil qu'il contraint à sa création.

Cinq photographes, plasticiens·nes, cheminent dans l'imagination et l'espace, franchissent les barrières tant physiques que psychologiques et accumulent images, sensations, couleurs, ombres, souffles et inspirations.

Accumulation, Chemins et barrières...

Partir de la notion de série photographique pour aller jusqu'à la suspension, la juxtaposition et la superposition.
Les artistes construisent des histoires et nous accompagnent dans leurs univers en rompant les barrières.

La liberté est toujours pertinente.

Un cheminement de la photographie « référentielle » jusqu'à des constructions numériques et « virtuelles », en passant par le morcellement, la fragmentation, la reconstruction… Un cheminement d'une photographie « purement » documentaire à une photographie « purement » plasticienne.

Avec :
Céline Bonnarde, Guillaume Dimanche, Bernard Gast, José Man Lius, Yannick Vigouroux.

Curation Martial Verdier - TK-21.

Céline Bonnarde

Paysage de Lurcy

Yannick Vigouroux

Lion-sur-Mer, 6 mars 2016

Guillaume Dimanche

"Foëcy"

Bernard Gast

Ta lune est immense et j'y bois le crépuscule (2019)

José Man Lius, 2024

Dossier Presse - Mise en tention

Voir en ligne : https://immixgalerie.fr

Vernissage jeudi 13 février à 19 h 30.
Exposition du 14 février au 22 mars 2025 à la Immixgalerie, Espace Jemmapes, 116, Quai de Jemmapes, 75010 Paris.
Une rencontre-débat avec les artistes et le curateur aura lieu le jeudi 6 mars, de 19 h 30 à 21 h 30.

Le Havre paupière ouverte sur la mer

Samantha Barroero et Yannick Vigouroux — 2024-03-02T11:23:39Z

Dans le paysage photographique contemporain, le travail de Yannick Vigouroux impose au regard une vision à la fois objective et théâtralisée. Regroupées sous le titre générique de « Littoralités » [1], les séries photographiques qu'il a constituées au fil de ses promenades en bord de mer sont autant de points de vue, où s'inventent un langage de fragments et les séquences d'un récit.

Yannick Vigouroux agit comme un auteur de roman noir laissant toujours une part à l'intrigue. Le port du Havre lui sert aujourd'hui de décor. À la manière d'un aventurier urbain solitaire, le photographe rôde sur les docks. La façon dont il recompose l'espace du port, au travers de son objectif, donne l'allure de scènes quasi vides. Dans toutes ses images, il y a quelque chose de l'ordre d'une suspension, d'une situation transitoire, voire d'un arrêt, entre le flux et reflux des marées.

Il nous invite à dépasser l'inévitable ambiguïté qu'une telle production d'images suppose entre la part documentaire et la part esthétique. Il refuse tous les artifices de la pratique photographique. Fidèle utilisateur d'appareils rudimentaires « Box », « Polaroïd » ou comme pour cette série havraise une « Scoutbox Lumière », Yannick Vigouroux a planté son camp du côté de la photographie en prise directe sans jamais trafiquer a posteriori le cadrage de ses prises de vues :
« J'aime la simplicité de cet appareil... La part laissée au hasard, l'affleurement de tous ces signes et imperfections techniques, produisent, je crois, un troublant effet de réalité. » [2]

En effet, le vignettage des images et le tirage laissant apparaître les marges noires viennent paradoxalement renforcer la richesse plastique qui règle la composition de chacune des photographies du Havre, et leur confèrent une surprenante dynamique. Inscrites, d'une part dans un maillage de lignes de forces et de tensions, qui entraîne le regard à sa circulation, ses images sont, d'autre part, animées d'un jeu chromatique qui en souligne la mise en scène. Il en résulte une sorte de vue prospective qui questionne la perception segmentée et télescopée que nous avons des paysages urbains et industriels.

Les littoraux maritimes — zones de vacances et parfois de loisirs — ou les ports — zone de passages et de transits —, sont des lieux stéréotypés et impersonnels, plus souvent représentés par des images saturées d'une foule agitée, de voyageurs mouvementés. Ici, tout est étrangement, humainement vide, mais pas tout à fait. Piégé dans le paysage, on sent la présence fantomatique de l'homme.

Est-il est simple passant, pêcheur, passager… clandestin ?

Il regarde au loin l'horizon, un cargo ?

Il est dans l'attente d'un départ prochain ?

Il émane de ce port quasi désertique un sentiment de mystère.

Les photographies de Yannick Vigouroux confirment ainsi que dans un univers plein, comme asphyxié, l'image peut tout à coup imposer un arrêt sur le monde. Ses photographies créent un suspense où les choses ont le temps de ne pas avoir de sens, un vide où n'importe quel événement est possible.

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[1] « Littoralité : enlève à la littérature son caractère trop "littéraire", redonne à l'écrit une force orale. Aussi, situe la pensée sur un littoral, à la limite des terrains habituels, face au vide. » In « Lexique de la géopoétique », Poésie n°74, octobre 1998.

[2] Yannick Vigouroux in La lettre de l'imagier numéro 25, Hérouville Saint-Clair, mars-mai 2002

Le Havre paupière ouverte sur la mer (Michel Leiris, « Haut mal »)

Les mascarades en tabloïd de Yannick Vigouroux

Samantha Barroero et Yannick Vigouroux — 2024-01-30T20:17:56Z

Depuis les années 1980, la dictature de la dénonciation des apparences a trouvé ses limites. L'ère du faux, du simulacre a poussé à l'extrême le territoire photographique. Il est à présent possible d'en élargir la grille de lecture, de revenir sur la remise en cause de la prétendue "transparence" de la photographie, notamment à partir de la notion de récit.

Le photographe doit dès lors résoudre une énigme qui peut se poser en ces termes : La photographie, pur organe de la transmission inaltérée du monde, montre. Comment faire pour qu'elle raconte ? Comment faire prendre la parole à l'image pour qu'elle devienne le vecteur actif de la fiction ?
Une des solutions largement employée est de faire intervenir la citation, l'emprunt, le détournement d'autres supports. Littérature et cinéma sont fréquemment sollicités.

Dans les récents travaux photographiques de Yannick Vigouroux et plus encore dans sa série intitulée Mascarades, on note dans la composition de ses images, un goût exacerbé pour le remake cinématographique. Films d'horreur, films fantastiques, séries Z se superposent dans sa pratique en autant d'indices visuels. Les photographies deviennent la manifestation d'un récit où l'énigme reste toujours en suspens. Le photographe retrouve une arme. Il construit et livre une narration empreinte de références, de décalages, d'humour et de mélanges de genre.

Yannick Vigouroux alias Luc Mallet, pseudonyme qu'il a pris pour signer la série des Mascarades, dirige les prises de vues, signale certaines contraintes mais laisse à ses modèles le choix de les interpréter : « Les modèles, posant en intérieur face à l'objectif, se mettent en scène dans leur théâtre intime, habillés ou au con traire dénudés, de préférences masqués. La seule contrainte imposée par le photographe est la paire de bottes, élément-pivot de ce jeu de dissimulation et de dévoilement, d'enracinement tellurique qui crée un lien visuel entre les différents portraits de la série. »

Le Prince des Ténèbres, le comte Dracula, Hannibal Lector, ou autres figures mythiques des films d'épouvante depuis le cinéma muet jusqu'aux films "gore" n'ont qu'à bien se tenir, car l'objectif de Luc Mallet leur offre des fiancées piratées et prêtes à jouer un rôle de composition.
Proposer à des modèles, exclusivement féminins, de porter un masque et une paire de bottes, les laisser libres de se mettre en scène dans leur propre intérieur, user d'un pseudonyme, voilà le début d'une histoire bien ficelée.

Le masque est la star de l'interrègne, de l'interchangeabilité, de l'interface des mondes, la représentation de l'interdit, du désordre, face à l'ordre imposé. En montrant les peurs d'un monde qui se délite, le masque les exorcise. Il théâtralise les valeurs, revitalise leur sens par les simulacres et les inversions.
Dans une société où le « crime parfait » (cf. Baudrillard, Paris, Galilée 1955) de la réalité a effacé la ligne entre le réel et l'imaginaire, l'artiste faiseur d'artifices conserve à jamais le masque.
Carl Einstein définissait le masque comme « une extase immobile », extase certes dans la mesure où son porteur cesse un temps d'être lui-même pour incarner ce qu'il souhaiterait être.

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Camille & Catherine, mes muses bottées

Yannick Vigouroux — 2024-01-01T11:49:13Z

Camille et Catherine, deux prénoms féminins arborant les mêmes initiales, et qui ont en commun d'avoir posé régulièrement pour moi ces deux dernières années. Je photographie en effet inlassablement celles que je considère depuis comme mes « muses bottées », pour utiliser une expression quelque peu surannée, ce qui n'est pas pour me déplaire...

J'ai rencontré Catherine — alias « Catherine C-Mode » son pseudonyme de modèle ou « Cathy Meli », son pseudonyme de chanteuse — en janvier 2022. Elle avait accepté de poser pour mes portraits au Fuji Instax Wide et Square (Fuji Instax : cette marque japonaise qui concurrence aujourd'hui l'ancien géant américain Polaroid) et une complicité s'est toute suite nouée entre nous. Ces photos sont "doublées" au smartphone avec l'application « Vignette » réglée sur son mode « Diana » qui comme son nom l'indique permet d'obtenir un effet de vignettage, ainsi qu'une douce saturation des couleurs...

J'ai aimé d'emblée la sensualité un peu froide et distante de Catherine qui m'avait attirée dans les photographies de son book.

Camille a une personnalité plus expansive, je réalise des portraits d'elle, de manière plus sporadique toutefois qu'avec Catherine, depuis novembre 2021.

Les poses que je suggère à Camille et Catherine d'adopter sont volontairement stéréotypées et référencées à l'histoire de l'art ou de la photographie, mais je leur laisse aussi beaucoup de liberté et encourage leurs initiatives : Catherine décide ainsi de poser allongée telle une odalisque sur mon canapé, ou assise sur une chaise, les pieds parfois posés sur une sellette indienne achetée il y a longtemps dans une brocante, ce punctum barthésien que je retrouve dans les portraits cartes de visite Second Empire que je collectionne justement, et qui regorgent de petites tables ou cale-pieds en bois pour les bottines.

Le portrait féminin dans le cas présent est avant tout une rencontre, un échange et non pas une soumission, comme cela est souvent dit aujourd'hui, au regard dominant masculin. Le patriarcat a, c'est peu dire, mauvaise presse désormais, pour de bonnes… mais aussi de mauvaises raisons. En réaction à ce regard masculin dominant qui réifie le corps féminin (nu ou pas), j'ai pour la gouverne du lecteur accepté de poser nu pour des femmes photographes de talent (Juliette Méliah, Francesca Sand...)

Sans cette interaction en tout cas pas de portrait possible selon moi. Alors que je poursuis depuis bientôt un an mon exploration des différentes poses de ces femmes sous mon regard polymorphe, je découvre cette définition du portrait par Thierry Girard à propos de ses photographies réalisées en Chine, à laquelle j'adhère complètement (cf. le remarquable Dans l'épaisseur du paysage, éditions Loco, 2017, coécrit avec Yannick Le Marec) : « Un portrait, c'est un échange instantané qui nécessite un peu de tension et d'inquiétude réciproques (un "quickie" comme on disait autrefois pour désigner un acte sexuel rapide). »

Déclencher avec un flash est comme une décharge électrique, sur la surface du film à développement instantané l'apparition en quelques minutes de l'image est en revanche d'une douce lenteur… J'aime ce paradoxe.

Ma vision est, je le reconnais, idéalisante, mais sans esthétisme, un travers de la photographie plasticienne actuelle dite « pauvre » — j'ai inventé le concept de « Foto Povera » avec Rémi Guerrin en 2005 — dont je me méfie beaucoup, et n'espère pas avoir été un des instigateurs…

Les jambes des femmes sont selon François Truffaut « des compas qui arpentent le globe terrestre en tous sens et lui donnent son équilibre et son harmonie » ; celles de mes modèles sont souvent bottées, fétichisme qui hante aussi mes photographies de rue et de métro et que j'assume pleinement. (Pour Truffaut rappelons-le, il s'agissait des chaussures à brides !)

Novembre 2023

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L'Ultime Etat

Alain Brendel — 2022-05-30T10:16:54Z

De la même manière que certains ramènent des photos de leurs voyages, les séries « Entropie » et « La migration des sels d'argent, du visible qui ne cesse de s'effacer » sont un voyage dans l'inconscient et le subconscient, dans la mémoire de la photographie et l'univers des sels d'argent d'où l'on ramènerait des images.

La photographie est plus souvent utilisée pour enregistrer et reproduire que pour son caractère strictement photosensible (noircissement d'un film ou d'un papier photo directement par insolation).

Opérer un bouleversement dans l'organisation des sels d'argent noircis en dégradant des négatifs, des positifs ou par l'intermédiaire de collages/assemblages, permet de commencer ce voyage.

Un voyage où la vie magique des formes, des ombres et des lumières au repos, semble en mouvement et donne à voir dans l'obscurité ce qui ne peut être perçu ou nommé, à la recherche d'une voie vers l'imaginaire, élargissant le champ du possible où l'œuvre est là, seule, preuve physico-chimique d'une tentative sans cesse renouvelée de révéler une part d'invisible.

Cette tentative, peut-être vaine, de contrarier un principe naturel, dans lequel les informations se désagrègent progressivement, mais se faisant en produisent d'autres, est aussi, une manière d'échapper à la redondance des photographies.

Écrire littéralement avec la lumière permet un dépassement du processus photographique habituel, d'élargir le champ de création et de mettre en images, durant le chemin parcouru, l'imprévu ou le pressenti.

Cette métaphore de l'entropie, de la tendance générale de l'univers à se désordonner de façon croissante, est un moyen d'analyser le processus photographique, de montrer comment il y a passage de la photographie à l'image en mettant en perspective deux processus de création d'images :

— images pour collages argentiques, usage transversal,
— images photographiques (usage d'un film, insolation puis tirage).

Ces œuvres témoignent d'un principe temporel, du cycle de la vie d'une œuvre — le temps qui passe, la pérennité d'une œuvre — et entrent dans un processus conduisant à un ultime état.

La photographie nous signifie en silence qu'il faut un œil pour l'entendre.

Alain Brendel — La migration des sels d'argent

Photographies argentiques — 1999

Alain Brendel — Entropie