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Loin des hommes

Julien Che — 2025-06-01T18:39:28Z

La montagne est à l'origine de ma pratique artistique. Des cimes imposantes aux vallées paisibles qui les séparent, ma fascination pour cet environnement s'est forgée dans les Alpes françaises et à leurs frontières, inspirant le corpus de photos présenté. Photographiés sur une durée de quatre ans, ces clichés nous emmènent dans un voyage qui n'est pas seulement l'ascension et la descente de ces sommets majestueux, mais les intenses cycles de transformations qu'ils traversent.

Intitulée « Loin des hommes », la série témoigne d'un milieu libéré de toute présence humaine. En regardant les montagnes non pas à travers le prisme des prouesses des hommes — des sommets à conquérir ou un terrain de jeu pour réaliser des exploits — mais en les reconnaissant comme le véritable sujet de l'image. Les grandes structures servent de scène aux métamorphoses qui mettent en lumière les mouvements graduels mais inévitables de la nature ; un lieu où l'homme n'est pas tout-puissant, où la terre elle-même maîtrise le récit.

Au cœur de mon approche photographique se trouve le désir d'un autre rapport au temps. À contre-courant du monde moderne de la gratification instantanée et de la rapidité technologique, ma pratique est ancrée dans un processus plus lent et plus réfléchi. Travaillant en argentique moyen format, j'adopte une méthode qui exige de la patience, ce qui me permet de cultiver une relation plus profonde et plus sensible avec mon environnement. Cette intimité avec le paysage amène mes photos au-delà de la documentation traditionnelle, offrant une interprétation artistique du monde que je capture. Ces images mettent en valeur la beauté picturale des reliefs, qui évoquent souvent la texture délicate d'un dessin au crayon ou les doux lavis d'une aquarelle. À travers mon objectif, les montagnes deviennent une toile où le monde naturel peint son propre portrait.

Voir en ligne : www.julienche.com

Pour aller plus loin
« Loin des hommes » fait l'objet d'un livre édité chez Corridor Éléphant en juin 2025.
L'édition de collection du livre est disponible dès maintenant :
https://www.corridorelephant.com/julienche

Le rêve d'Alban

Richard Petit — 2024-03-02T11:19:43Z

Le tsug lhakhang, le temple principal, bourdonnait d'activité. Leh accueillait en cette fin d'hiver une importante fête religieuse. Les congrégations bouddhistes de tout le Ladakh avaient fait le déplacement, des moines de tous âges avaient investi les lieux. Je me préparais à les photographier, j'installais ma chambre sur son trépied. Mais pour un géant aux cheveux jaunes, difficile de se faire complètement oublier.

Un tout petit garçon — il devait avoir l'âge d'Alban, mon petit-fils — au crâne rasé, vêtu de la robe rouge, patientait poliment au pied de la caméra. Je le soulevai afin qu'il puisse regarder dans le dépoli, sous le voile. Il exclama sa surprise, vraisemblablement quelque chose comme : « mais tout est à l'envers ! ». Du coup, les autres petits moines voulurent voir aussi. Ils firent la queue, attendant sagement leur tour pour regarder au travers de la chambre, que j'avais adaptée à leur hauteur. La file s'allongeait ! Finalement, même les adultes, puis les vieillards, qui, au début, faisaient mine de ne pas prêter attention à cette machine profane, vinrent à leur tour jeter un œil sur le dépoli. Certains avaient l'air d'être des personnages importants. Tous m'ont remercié d'un gentil sourire.

Le lendemain mon téléphone sonna. C'était Anne, ma belle-fille, qui m'appelait pour la première fois depuis mon départ : « Alban s'est réveillé ce matin en disant : j'ai rêvé de papi Richard, il prenait des photos depuis le sommet d'une montagne. » Quand j'ai raconté ce rêve à mes amis ladakhis, ils m'ont regardé d'une façon étrange. « Quel beau rêve ! C'est une bénédiction », me dirent-ils, suggérant qu'elle avait été envoyée par les maîtres qui avaient regardé dans ma caméra.

2013

Lungta © Richard Petit - Memele reading Kangyur.

Lungta © Richard Petit

Photo en-tête : Lungta © Richard Petit - Little Monks having Breakfast.

« Lungta » ou les chevaux du vent

Frédéric Martin et Richard Petit — 2023-11-01T12:44:28Z

Avec son livre d'artiste « Lungta », le photographe Richard Petit nous invite à un parcours entre ciel et terre, profane et sacré. Publié à sept exemplaires, l'ouvrage se présente sous la forme d'un coffret de bois semblable aux livres traditionnels tibétains, et contient trente photographies, réalisées à la chambre entre 2010 et 2018 lors de quatre séjours dans la chaîne himalayenne, au Ladakh et au Népal.

Au départ il y a la montagne. Immense. Aride. Déserte. Puis le vent qui rabote souffle après souffle la pierre, pousse les nuages, porte les prières aux coins du monde. Comme blottie aux creux de cette immensité, de ce désert, une ville attend patiemment. L'humain ici n'est rien, juste un point au milieu d'un tout dont il n'est qu'une partie infime. Pourtant, ils sont là ces petits moines tout sourire, assis dans une cour, méditant. Ils sont là devant les moulins à prière tournoyants. Ils sont là souriant, priant ou déjeunant. Taches de couleur, violet, pourpre, orange, le photographe fait de leurs vies le palimpseste de l'existence. Parce que, que nous offre Lungta si ce n'est un voyage d'une beauté époustouflante — et il faut prendre le mot à son sens premier, celui de nous essouffler — dans des espaces inouïs d'immensité et d'humanité ?

Richard Petit suit depuis toujours les pas de Tintin, surtout celui où le reporter se rend, suite à un rêve, dans l'Himalaya à la rescousse de son ami Tchang dont il dit : « J'ai vu Tchang, il était vivant ! ». Le rêve c'est aussi celui que fait le photographe, à l'issue duquel il a la certitude absolue, alors qu'il se sait très gravement malade, qu'il guérira, et qui le pousse à aboutir ce travail dans la chaîne montagneuse commencé avant la maladie.

Lungta © Richard Petit - Little Monks, Likir

Finalement, il s'agit ici bel et bien de vie, de la Vie majuscule, celle qui nous confronte à la grandeur du monde et à la petitesse de nos existences finies. Ces hommes et ces femmes Népalais Ladakhis perpétuent un mode de vie très ancien, tout ici semble conspirer à rendre leur quotidien impossible : le climat est inhospitalier, froid. Il faut lutter pour arracher au sol de quoi se nourrir. Derrière la beauté des images, nous devinons facilement l'aridité, les difficultés. Pourtant, chacun et chacune s'attèle à sa tâche, chacun ou chacune contribue à ce que la communauté puisse se perpétuer.

Le photographe, lui, nous immerge avec ces gens, nous plonge au cœur même de leurs vies. La majorité des sujets sont des moines ou des enfants aspirants moines, parce qu'au fond la religion bouddhiste apporte peut-être une des meilleures solutions à la fragilité de la vie humaine sur un territoire aussi hostile. C'est aussi la confrontation à sa propre mortalité, à cet inéluctable qui fait la condition humaine. Ne faut-il pas voir un travail sur l'acceptation au sens sacré du mot : accepter que ce corps, cette existence sont finis, mortels ? Le pourrissement du corps est profane, repoussant, mais l'élévation de l'âme permet d'accepter le néant.

Dans un des textes accompagnant le livre « Lungta », Sa Sainteté le Dalaï Lama mentionne l'importance de s'oublier soi, son petit soi, pour se relier à l'autre. C'est le principe de la compassion, cette nécessité de ressentir la souffrance de ses congénères pour y remédier par l'amour. On peut aisément imaginer que c'est ce besoin d'altérité qui porte les images de Lungta. Les lungta ce sont ces drapeaux de prière, rouges, verts, bleus, jaunes accrochés à l'extérieur en chapelets à la merci des intempéries, chacun contient des mantras destinés à être portés par le vent (d'où leur nom de chevaux du vent) dans tous les endroits du monde pour tous les êtres vivants. Or, que fait Richard Petit si ce n'est faire aussi œuvre de compassion avec sa photographie ?

L'image ici est comme une prière adressée à toutes celles et ceux qui pourront la regarder et comprendre que le mode de vie de ces hommes mérite toute notre attention. Parce qu'il ne faut pas voir la compassion comme un acte geignard, bien au contraire : il s'agit surtout et avant tout d'embrasser tous les paradigmes de la condition humaine, de comprendre que nous sommes reliés les uns aux autres. Nous sommes embarqués dans ce voyage assez étrange qu'est vivre et nous le faisons avec nos moyens, nos habitudes, nos craintes, nos joies. La dimension sacrée mise en avant invite à reconsidérer nos propres choix, nos propres modes d'être. Il ne s'agit pas bien évidemment de se découvrir un penchant bouddhiste, mais plutôt de comprendre que nous sommes Un où que nous vivions. Et que cette unicité est vitale. Sans elle l'espèce humaine, du fait de son orgueil, risque peu à peu de disparaître... Toute existence est sacrée dans le bouddhisme et photographier ce monde c'est lui donner toute sa « religiosité ».

Lungta © Richard Petit - Kangyur Thiksey Monastery

Pourtant, et comme dans tout, le sacré croise sans cesse le profane. Aux temples majestueux, aux livres de prière que l'on amène en procession répondent les chaussures en plastique des petits moines, les bouteilles d'huile offertes en offrande ou ce moinillon qui n'hésite pas à faire coucou à l'appareil photographique. Parce que l'Homme est ainsi. Il côtoie les dieux dans ces montagnes titanesques mais ne peut — et ne doit — s'empêcher de revenir à sa condition, à la banalité de celle-ci. Aussi Richard Petit, qui nous promène avec une science consommée de l'humour et de la douce dérision entre ces deux extrêmes, n'est pas le moins du monde dupe.

Être terrien, être humain, c'est aussi le retour à sa propre vie, ses propres choix. Et ceux-ci sont souvent difficiles. Il y a tout d'abord la décision de photographier à la chambre. Faire le pari d'une photographie lente, contemplative, avec un matériel que d'aucun jugera désuet, même anachronique, à l'ère du numérique et de la rapidité. Pourtant, ce parti pris rapproche encore une fois la photographie de la pratique bouddhiste. Une des voies majeures pour accéder au nirvana (cette sortie de la condition humaine, du cycle des réincarnations et des souffrances y afférant) passe par la méditation. Or qu'est-ce que photographier avec une chambre si ce n'est méditer ? Imaginons d'abord l'effort pour déplacer l'objet, puis le temps passé à la régler, le temps consacré à attendre l'exacte lumière, la légère déchirure dans le voile de nuage, l'emplacement idéal où faire son cadrage. Pensons ensuite aux temps de pose très longs... N'est-ce pas une forme méditative ? Bien sûr que si. C'est apprendre la patience, apprendre à contempler plutôt que de regarder. Encore une fois sacré et profane se rejoignent : du matériel banalement terrestre naissent des images qui rapprochent du « ciel » par la pratique du temps long.

Lungta © Richard Petit - Kids & Prayer Wheel

Ensuite il a certainement fallu choisir, couper, trancher, dans une somme considérable d'images, par exemple. Travail herculéen, sacrifice douloureux. Mais la sincérité du récit, sa vérité est à ce prix. On ne peut tout dire en photographie et surtout il faut savoir se taire. Or, dans les interstices entre deux images, dans le silence des sourires, dans ces nuages accrochés aux pics, dans ces masques un peu clownesques offerts aux petits, nous pouvons entendre l'amour. Le profane de la photographie se tient là : dans un editing restreint, dans une charte graphique à respecter. Sauf que c'est par ces contingences que se développe l'immensité céleste du projet.

Il s'agit ici d'un chant d'amour. Pas un cri, pas un hurlement, ni le lieu, ni l'ambiance ne s'y prêtent, mais plus une mélopée, comme un fredonnement, un mantra en images qui serait récité. Amour de ces gens qui s'offrent et qui offrent, amour de ces lieux, de ces paysages.
Amour aussi de l'humain... Lungta, le livre, est peut-être le cheval du vent de Richard Petit, une vaste prière photographique qu'il donne aux vents pour que ceux-ci la répandent aux quatre coins du monde.
Voilà que nous avons contemplé la dernière photographie, que déjà il va falloir revenir à notre routine. Le coffret se ferme, les Hommes et les Dieux sont en sommeil. Pourtant, comme une bande dessinée mainte fois parcourue, comme un voyage fait et refait, nous voudrions nous laisser porter par les chevaux du vent et rejoindre encore un instant les sommets où vivent les prières.

Le sentier des interprétations

Ymy Nigris — 2023-04-01T17:05:17Z

Ce travail est le troisième d'une série de trois poèmes photographiques.

Ces courtes séries ont été construites de manière spontanée.

Évitant toute forme de projection sur le ou les lieux, je me laissais guider par le moment et le sujet face à moi.

Influencés par la peinture romantique, impressionniste ou encore le pictorialisme, ils sont une projection esthétique et méditative avec une approche très simple.

Le sentier des interprétations fut réalisé dans un laps de temps très court lors d'un séjour dans les Pyrénées dans un refuge. J'ai laissé l'humidité de l'environnement imprégner les images. Je me plais à laisser l'environnement impacter la matière de ma photographie. Créant ainsi un rapport direct avec celui-ci.

Voir en ligne : https://ymynigris.com/

Exposition à la Galerie Le lac gelé, Arles.
“Chaque jour est un bon jour”, précepte du bouddhisme Zen (Hibi Kore Koujitsu 日々是好日)
Vernissage, vendredi 14 avril à 18 heures, avec une performance calligraphique.
https://lelacgele.com/

Faire corps avec la montagne

Manon Gignoux — 2023-03-01T11:56:37Z

Questions posées par la pratique du dessin : Donner / traduire / répercuter 

12 septembre

Questions posées par la pratique du dessin :
Donner / traduire / répercuter
Chercher une image visible des mouvements invisibles ou souterrains, qui affleurent.
Je marche et quand je suis saisie par un agencement - la forme d'une montagne / la rencontre de la roche et de la forêt / une découpe / la répétition d'un volume / une géométrie / une ligne, de crête ou diagonale / une lumière, ou une ombre qui passe,
Le sombre / la multitude des couleurs / une masse en premier plan / un volume creux ou plein / une descente, une chute de la matière / une élévation... Je m'arrête ou je suis arrêtée.

Corsage mauve aux asperges

2022 aquarelle et graphite sur papier, 70x100cm

Je ne réfléchis pas, je ne pense pas, parfois j'observe avant, le plus souvent je m'élance, les yeux, le corps, la main récepteur et transmetteur de ce qui me saisit. Parfois j'observe ou regarde mieux il me semble après m'être frottée une ou deux fois à la même montagne.
Je peux recommencer plusieurs fois le dessin d'une même montagne/roche, à chaque fois c'est différent. Comme si c'était toujours mouvant (ou émouvant ?)
Pourtant je suis la même personne au même endroit avec le même point de vue / à quelques minutes d'intervalle.
Qu'est-ce qui rend aussi insaisissable le dessin ?
C'est comme un mouvement / un geste qui me traverse et qui parfois, quand il semble mieux réussi, peut-être se prolonge.

Iris et milieu

2021 graphite et aquarelle sur papier, 56x76cm

19 octobre

Trouver l'application des lignes et touches de couleur, en même temps toujours laisser la place à l'imprévu et à l'actualité des gestes, regards et ressentis.
Chercher comment combiner le regard appliqué et la touche délicate avec le lâcher du geste, la possibilité du geste grossier aussi. Soudain une masse sombre, comme celle d'une forêt de sapin sur la pente, à côté de l'infini variété des dessins et des couleurs de la roche.

L'improvisation est une tentative de rentrer en contact avec l'être profond (Valérie Dreville)

Fleur peinte à pleines mains

2022 aquarelle sur papier, 30,5x23cm

4 novembre

Comme des tourbillons de poussière soulevés par le vent qui passe, les vivants tournent sur eux-mêmes, suspendus au grand souffle de la vie. Ils sont donc relativement stables, et contrefont même si bien l'immobilité que nous les traitons comme des choses plutôt que comme des progrès, oubliant que la permanence même de leur forme n'est que le dessin d'un mouvement. Parfois cependant se matérialise à nos yeux, dans une fugitive apparition, le souffle invisible qui les portent. Nous avons cette illumination soudaine devant certaines formes de l'amour maternel qui nous montre chaque génération penchée sur celle qui la suivra. Il nous laisse entrevoir que l'être vivant est surtout un lieu de passage, et que l'essentiel de la vie tient dans le mouvement qui la transmet. (Henri Bergson, L'évolution créatrice, 1907)

Pensées fanées et corsage breton bleu

2023 graphite et aquarelle sur papier, 76x56cm

30 décembre

Impression de chercher sans savoir ce que je cherche.
Mettre en place quelque chose ?
Sentir ce qui me tient, me mobilise, me fait me sentir vivante ?
Vivante je le suis, est-ce que mes dessins le sont ?
Chercher la légèreté, la transparence, le voile des couleurs, les vibrations, le changement incessant, le mouvement dans ce qui en apparence est immobile et stable.
Tout bouge.
Comment réussir à saisir un geste qui relie la stabilité intérieure, le mouvement interne, les mouvements du monde, moi et les autres, l'altérité en moi... ?

Tension entre une forme d'intelligence par le dessin qui prend d'autres chemins que la pensée discursive, ma difficulté à agencer des mots, à les sélectionner, et la sensation prégnante d'une forme d'intelligence qui cherche à se dire par le dessin / la peinture, ou bégaye un peu.

Faire corps avec la montagne.

Plissé

2023 graphite et aquarelle sur papier, 76x56cm

26 janvier

Il y a une pente sombre, une ligne d'enveloppement, le bord de l'enveloppe de la forêt qui recouvre, retient dans le sol ou élève la montagne.
Passée cette ligne droite qui monte en inclinaison vers le haut, un angle marque un changement de pente et le début de la ligne de roches. Ça passe du sombre au clair.
Le sombre est dessiné par la densité de la forêt. Le clair de la roche dessine une multitude de couleur : gris clairs, colorés et sombres, ocre blanc, ocre jaune, parfois jusqu'au brin orangé rouge garance.
La roche se montre en lignes horizontales et parfois verticales, organisées par strates, elles semblent suivre des directions communes.
Mon regard peut se concentrer tantôt sur les horizontales, tantôt sur les verticales. Par endroits des diagonales viennent rompre un certain ordre et du même mouvement peut-être révéler une logique organisationnelle.

Faire corps avec la montagne

2020 carbone et aquarelle sur papier, 21x30cm

Il semble que tout s'élabore dans un ordre désorganisé, je crois percevoir, plutôt que comprendre, une certaine logique dans cet ordre en apparence chaotique.
J'ai l'impression de pouvoir tracer la ligne du haut de la montagne : tantôt sombre mais floue par la forêt qui la recouvre, tantôt plus claire et précise par la roche à nue.
Mon regard aspire à suivre les lignes, et mon corps à se projeter par le regard dans les failles qui se dessinent finement de loin et que j'imagine comme des béances de près.

C'est comme un corps innommable couché, ou tantôt dressé. Un corps, ou un animal, ou un objet étrange, ou un être, une présence, un plein peuplé de vides, un temps infini, les strates du temps qui s'agrémentent / s'agglomèrent / se sédimentent dans la matière minérale de la montagne.
Un habit, un tas de vêtements, les couches effeuillées… Est-ce qu'un corps, des corps, se cachent en dessous ? se tapissent ? Est-ce que sous l'enveloppe le plein est vide ou bien danse partout ?

Faire corps avec la montagne

2020 aquarelle sur papier, 21x30cm

3 février

Quand je regarde cette ligne de montagne c'est comme un soulèvement de la ligne de paysages, comme si des reliefs contenus dans le sol de façon latente et invisible étaient montés, s'amplifiant avec le temps.
Ce qui était un caillou devient une crête de roche blanche au sommet, ce qui était un cours d'eau devient une crevasse, ce qui était un étang devient un lac caché entre des sommets de montagne.
Les lignes sont continues et interrompues comme une portée de musique.
Il y a des découpes blanches dans la masse sombre, des ajouts ou des retraits.
C'est comme un long tissu déposé sur une surface pas tout à fait plate, ou bien qui recouvre ou simplement déposée sur des choses mal rangées.
Dans les montagnes comme dans les vêtements, comme des fleurs que j'observe, c'est peut-être ce désordre apparent qui me plaît et me captive, un désordre qui sous-tend une certaine organisation que je pressens peut-être et qui cependant m'échappe.
Pourquoi y a-t-il souvent une ligne partant en pente douce comme le prolongement du paysage ou d'une colline, et de l'autre côté une rupture et une pente abrupte ?
Pourquoi souvent vu d'en bas le sommet a l'air proche et vu d'en haut l'impression d'avoir pris tant de hauteur ?
Selon les points de vue, l'impression de pouvoir cerner une forme, l'agencement d'un volume avec ses différentes facettes et directions, ou bien de s'y perdre par le regard. Alors parfois quelque chose semble prendre le relais d'une compréhension par l'intelligence du corps, peut-être Sensitive ? Sensorielle ? Sensible ?

Faire corps avec la montagne

2020 aquarelle sur papier, 21x30cm

De même pour la main qui dessine, que ce soit une montagne ou une fleur, il arrive en un certain point, au bout d'un temps indéterminé, que quelque chose prenne le pas sur toute forme d'intelligence connue, ou la relaie. A certains moments j'oublie que je suis un être humain, alors est-ce que je suis Montagne ou Fleur ? Ou bien est-ce que je ne suis qu'une parmi ce milieu ?
Alors quelque chose semble se relier. Je le sens quand soudain il n'y a plus de question vers la main qui dessine, ni sur la façon de tracer ou même de tenir l'outil. Soudain quelque chose semble savoir, transcender toutes idée préconçue, toute conception du corps même. C'est comme si par le biais d'une fleur ou d'une ligne de crête, quelque chose de la nature ou des éléments passait à travers mon corps, comme si mon corps était élément eau – terre – souffle, flux, rivière et que quelque chose savait que peut-être je m'emploierais à ne pas savoir, ou saisir, en cherchant à comprendre la plupart du temps.

Je ne fais que suivre les lignes de chaque fleur. Mais je les suis très précisément, en parcourant chaque pétale, y compris lorsqu'il se déplace avec le vent, en suivant la ligne de ces paysages plus quand m'attachant à construire un dessin.
Alors dans ce mélange de précision / imprécision il se peut que ce soit le mouvement de la fleur qui apparaisse.

Dessin fleurs milieu

2022 technique mixte sur papier, 70x50cm

Pendant longtemps j'ai observé la présence de corps en leur absence au sein de vêtements abandonnés, trouvés le plus souvent sur la chaussée. J'ai observé le devenir des corps après leur disparition, des mouvements qui se prolongent dans le temps et l'espace. Ce qui ne cesse de mourir et de renaître.

Corps, ombres, légumes

2020 mélange d'encres, aquarelle et carbone sur papier

Expositions à venir :

Exposition Insights Inside, du 1er au 7 mars
Blossom Art Agency, Annecy

Exposition Drawing Now Art Fair du 23 au 26 Mars 2023
Galerie quand les fleurs nous sauvent, secteur Process
Carreau du Temple, Paris 3

Frontispice : Photographie argentique à l'atelier, 2022, Jérémie Gignoux (photographe et frère de Manon Gignoux)

Pascal Hausherr

Pascal Hausherr — 2019-11-01T15:23:07Z

100% à côté de la plaque, sans scrupule, je pense qu'il y a là dedans certainement matière à réfléchir

L'Écume de la Terre : moins il y a d'eau, plus on est inondé

Hervé Bernard et William Radet † — 2019-02-25T11:29:48Z

Les cataclysmes semblent de plus en plus fréquents comme sont de plus en plus fréquentes les belles images de notre terre en perdition.

Dans le cadre de la Saison 2018 — 2019.
• L'Ecam (Espace Culturel André Malraux)
• la ville du Kremlin-Bicêtre,
• L'Établissement Public Territorial Grand-Orly Seine Bièvre, ont le plaisir de vous inviter à l'exposition L'Écume de la Terre par Hervé Bernard du 15 mars au 20 avril

L'eau se fait rare et simultanément si présente…
Les cataclysmes semblent de plus en plus fréquents comme sont de plus en plus fréquentes les belles images de notre terre en perdition. La pauvreté est toujours si colorée, si spectaculaire …

Les mers mortes, les lacs vides, les nouveaux déserts et les forêts mourantes attrapent les rétines … jusqu'à l'alarme à l'œil.

Mais l'homme est lucide … Hervé Bernard alterne les photos-alarmes et les clichés illustrant les issues positives (et possibles) qui pourraient récompenser les actions plus que jamais nécessaires pour prendre soin et sauver notre Maison-terre.
Ici, l'esthétique n'est pas gratuite et sa détermination à capter et montrer des images simultanément belles et utiles est inaltérable. Ces prises de vues vivent ici pour servir, pour alerter, pour confirmer les urgences et appuyer les efforts.

Hervé Bernard écrit avec des images…
Il nous écrit que le respect de notre monde dans la simple qualité des gestes quotidiens ne suffira peut-être pas … qu'il faut regarder la réalité en face.

Il nous décrit les mutations complexes, impensées, qu'entraînent nos désirs d'hommes qui veulent tout, tout de suite. Voir aide à prévoir.

Il nous crie en silence que la planète est balafrée …
Que sous ces balafres il y a des plaies.
Que sous ses plaies il y a des gouffres.

Terre. Beauté mortelle…
Tu es si belle dans les robes enchanteresses que tu portes encore sur tous les continents … si gracieuse dans tes grands manteaux verts, tes jupes roses, tes jolis chapeaux blancs, tes longs bras bleus qui se tendent vers des océans d'argent … et l'argent dans tout ça ?

Terre. Beauté fragile…
Tant qu'on est malade on n'est pas mort !
Hervé Bernard soigne ses images, déshabille la planète, se fait radiologue et vous demande un regard objectif … une aide au diagnostic.

Horaires (hors congés scolaires)
Entrée libre du mardi au samedi, De 14h à 19h
Soirée de clôture le 19 avril
ECAM 2 Place Victor Hugo — 94270 Le Kremlin-Bicêtre
0149 60 69 42 — www.ecam-lekremlinbicetre.com
M 7 Kremlin-Bicêtre à 150 m de la station —

Perce-voir un lieu

Agnès Prévost , Jean-Pierre Brazs et Pauline Lisowski — 2019-01-28T21:44:00Z

La rencontre d'un lieu est pour Jean-Pierre Brazs et Agnès Prévost le point de départ d'expérimentations artistiques et géographiques. Tous deux explorent un endroit choisi dans une quête de rencontres, d'observations et d'attention à des traces, signes des relations et des passages d'êtres vivants. Depuis juin 2018, ils travaillent ainsi de façon parallèle dans deux régions très éloignées l'une de l'autre en suivant le désir commun de les « Perce-voir ».

Et ce mot est lui aussi choisi. Leur démarche poursuit le basculement de la conception courante du paysage (qui n'est qu'un système de représentation) vers une pratique (praxis) des territoires impliquant expérience et apprentissage. Elle se fonde sur l'expérience de ressentis, d'émotions, de relations physiques, qui nécessitent du temps long, pour créer une mémoire.

Comment rendre compte des caractéristiques d'un territoire, qui par définition prend en compte la pluralité du vivant qui l'occupe ? Et comment définir la spécificité d'une pratique artistique liée à un territoire ?

Pour répondre à cette question, Jean-Pierre Brazs et Agnès Prévost mènent diversement une enquête qui prend le temps de l'arpentage pour faire remonter à la surface des éléments qui témoignent du lieu en tant que lieu vécu.

Jean-Pierre Brazs a vu dans le Mont Salève, site emblématique du paysage du Genevois, un terrain de recherches, d'expériences et de construction de récits. Si au départ, sa pratique consistait non pas à introduire une « œuvre » dans un lieu mais à y intervenir à partir de points de vue précis pour en modifier la perception, il privilégie désormais une attention aux marques, traces, empreintes (volontaires ou involontaires) abandonnés dans les territoires. Une façon d'en sonder les profondeurs. Selon l'artiste, « les lieux sont construits, dans le sens où il s'agit de portions d'espace circonscrites et nommées. Ils sont pratiqués, parce qu'ils accueillent les activités de différents êtres vivants, dont les êtres humains. Ces activités peuvent être simultanées (synchronie, superposition dans l'espace) ou successives (diachronie, succession dans le temps). Les activités génèrent des transformations dans le paysage. Ces transformations sont de différentes natures et interviennent à différentes échelles. (Depuis des défrichements, des terrassements, des constructions d'infrastructures ou de bâtiments, des plantations, etc., jusqu'à des interventions infimes, parfois intimes.). Chaque pratique laisse des traces dans le paysage. Elles peuvent être très éphémères ou plus ou moins pérennes. Elles s'ajoutent, à la manière d'un palimpseste, aux traces du passé [1]. » Il a découvert sur le mont Salève des traces de « feux de camp » récents ainsi que de nombreux signes gravés et peints dans les rochers de Faverges. Il a repéré différentes traces qu'il interprète comme des signes pouvant prendre leur autonomie et constituer la matière de futurs récits.

Le territoire des Calanques marseillaises choisi par Agnès Prévost lui impose comme tout lieu sa complexité, au sein de laquelle marches et prises de vue photographiques et dessins permettent une première entrée. « Le lieu est pour moi un inconnu, et il devient sujet d'une rencontre. Telles les strates géologiques, il est ”multicouche”. Cet entremêlement dans l'espace et le temps lui confère une paradoxale illisibilité. Le lieu est un territoire vivant complexe, où histoire naturelle et histoire humaine sont souvent entrelacées. Or il faut à chaque fois en définir les limites subjectives. Vécu, le geste artistique va vers une forme de lisibilité du paysage. Il est le prétexte d'une/des rencontre/s possible/s, (tels d'autres gestes - jardinage, cueillette, chasse…), qui éclairent un peu le lieu. C'est un rituel d'inscription, de révélation - au sens où le révélateur révèle l'image photographique – et de mémoire [2]. » précise l'artiste. Dans les Calanques, elle a travaillé avec un natif des lieux, « passeur » qui lui a transmis des récits personnels aussi bien que collectifs sur ce territoire.

Ces deux artistes reviennent donc régulièrement sur les territoires pour y mener un travail qui s'apparente désormais à celui du géographe ou de l'archéologue. Ils travaillent sur les manières de (perce)voir autrement, au moyen de différents supports, des lieux dont ils s'imprègnent. Et qui finissent par les habiter.

« Je pense que pour un artiste intervenir dans un lieu c'est relier ; c'est donner au fouillis de pierre, de terre et de végétal, la forme d'un tout (provisoire et relatif) mais aussi convoquer le passé, l'ailleurs et l'autre, et donc négocier sa place. C'est par le relevé d'éléments formels, propres à un lieu, puis par leurs traitements par les moyens du dessin (manuel ou numérique), que je cherche à « perce-voir [3] ». témoigne Jean-Pierre Brazs au sujet de sa pratique artistique.

Agnès Prévost s'intéresse à la notion d'écospécie, un terme proposé par Augustin Berque pour traduire le concept de sumiwake inventé par le naturaliste japonais Imanishi Kinji. L'écospécie désigne le fait que chaque espèce construit son monde au sein de l'Umgebung (le donné terrestre) par un réseau particulier de relations. Ainsi émerge pour Agnès Prévost la nécessité de deviner (Jean-Christophe Bailly) le paysage : « Visibles ou invisibles, multiples et particuliers, déterminants tous l'apparence terrestre que nous connaissons, je me demande donc maintenant comment photographier, perce-voir, ces liens formant ces mondes spécifiques, tissés sous nos regards sans que nous les voyions ? J'aimerais engager un travail de représentation de cet in(fra)visible vital, signifiant […] [4]. »4 Cela dit, Agnès Prévost considère que « perce-voir » est à la fois actif et passif : il ne s'agit pas de projeter mais de faire attention à ce qui se présente devant soi, de le recevoir. Emprunter d'autres points de vue, se mettre à la place des autres êtres vivants pour mieux les comprendre et se relier à eux.

L'art ainsi que les savoirs scientifiques et vernaculaires se croisent au fil des démarches et marches de ces deux artistes. Le lieu qu'ils ont choisi leur offre une diversité d'expériences et d'attentions aux éléments constitutifs du vivant, aussi bien minéraux que végétaux. Tous deux pratiquent la collecte qui leur permet de perce-voir, de faire remonter à la surface ces réalités « invisibles » qui composent un paysage. Jean-Pierre Brazs extrait par le moyen de la photographie des signes qu'il découvre dans le mont Salève. La collecte d'Agnès Prévost se compose de regards, de sons, de perceptions, de dessins, photographies, écrits associés… plus rarement de plantes ou d'objets – fragments d'un tout, traces - prélevés sur place.

Jean-Pierre Brazs et Agnès Prévost révèlent les différentes temporalités que contient un lieu et accordent également une importance aux noms.

Jean-Pierre Brazs utilise un vocabulaire de signes pour construire des récits visuels. Il les nomme « Dits » en référence à l'expression « Lieux dits ». Agnès Prévost, quant à elle, a suivi le passeur qui marche devant elle et lui transmet les histoires qui fondent le terrain qu'elle arpente. Tout comme les noms sont des signes qui nous apprennent l'histoire et la géographie des lieux. « Liés à l'histoire, aux usages, les noms assurent une mémoire collective des relations entre humains et lieux. Ces précieux indices nous ménagent inconsciemment une place dans cette histoire [5]. »5 affirme Agnès Prévost, qui s'intéresse à la manière dont la langue révèle notre rapport au monde.

Ces deux artistes, à, partir de leurs recherches sur place, produisent des comptes-rendus graphiques, photographiques et plastiques.

Jean-Pierre Brazs met en place un processus de travail précis :

Inventaire photographique de signes / transcriptions graphiques primaires / Décomposition en signes élémentaires / Recomposition de façon à obtenir des « signes évocateurs » / Ajout à ce corpus d'autres signes correspondant à des éléments des paysages du Mont Salève : foyer, chemin, rocher, muret, arbre, branche, fagot, barrière, etc. / Utilisation de ce vocabulaire pour construire une réécriture du lieu parcouru (des histoires possibles du Mont Salève) sous la forme de frises proposant un parcours visuel.

C'est par la vidéo, le dessin et par la pratique photographique qu'Agnès Prévost choisit de restituer sa pratique accompagnée de ce paysage à la topographie abrupte. Son film invite à suivre un habitant des Calanques dans sa rencontre familière et érudite avec les différents êtres vivants de ce milieu. Et quoi de mieux également que le support cartographique ou celui du livre pour restituer et mettre en forme leurs explorations de ces lieux vécus, dont ils font le tour pour en donner à voir toute leur richesse.

Les œuvres de ces artistes proposent alors des transpositions historiées de lieux, destinées à s'inscrire dans un nouveau cheminement : celui des lieux de mises en exposition.

Ainsi, Jean-Pierre Brazs et Agnès Prévost soulèvent de quelles manières des lieux sont sources de récits et révèlent la nécessité du temps pour faire émerger différentes strates d'histoire et de signification de celui-ci. Au travers de leur expérience, de leurs allers-retours, du site à l'atelier, ils restituent un chemin qui s'ajoute à celui de la vie de tous ceux qui y ont laissé une trace, qui l'ont façonné et qui continuent de modifier le terrain. Ces artistes vivent intensément le territoire qu'ils ont choisi d'explorer. Ils habitent le lieu tout comme le lieu les habite. Ils mettent en évidence l'écart entre ce que l'on dit de la nature, comment on la façonne et l'expérience qu'on en a. Leur pratique artistique conduit à un changement de notre rapport au paysage. Et « Perce-voir » renvoie aussi à la notion de « sur-vivre » : vivre au-delà, de façon Autre.

Jean-Pierre Brazs, Feux du Mont Salève / septembre 2018

Jean-Pierre Brazs, Les rochers de Faverges

Jean-Pierre Brazs, Le dit des rochers de Faverges / 1(extrait)

Jean-Pierre Brazs, Le dit des rochers de Faverges / 2(extrait)

Jean-Pierre Brazs, Le dit des rochers de Faverges / 3 (extrait)

Agnès Prévost, Quelques paroles des Calanques (film).

Agnès Prévost, Devinement d'un lieu (photos, dessins). Extraits.

[1] Entretien mené avec Jean-Pierre Brazs le 14 novembre 2018.

[2] Entretien mené avec Agnès Prévost le 3 janvier 2019.

[3] Entretien mené avec Jean-Pierre Brazs le 14 novembre 2018.

[4] Entretien mené avec Agnès Prévost le 3 janvier 2019.

[5] Entretien mené avec Agnès Prévost le 3 janvier 2019.

Logiconochronie — XXXIII

Jean-Louis Poitevin — 2018-12-31T17:06:17Z

Clé, poignée, poussée, pas d'effort, pied, jambe, ventre, tête, tout d'un coup, puis refermer la porte aussitôt. En gros, c'est blanc, blanc et gris et transparent.

Clé, poignée, poussée, pas d'effort, pied, jambe, ventre, tête, tout d'un coup, puis refermer la porte aussitôt. En gros, c'est blanc, blanc et gris et transparent. Blanc, ce sont les murs, gris, c'est le sol et transparent, c'est la baie vitrée qui coupe le cube en deux, en son milieu. Le ciel, bleu, élève le gris et le blanc, jusqu'à la transparence du verre de la baie aveuglée par le mur blanc qui lui fait face. La chaise longue était blanche. Elle est sale. Des feuilles y font coussin. Clé, poignée, un effort cette fois pour faire coulisser la baie vitrée. Là, lit, placard, évier, plaques chauffantes, frigo. C'est une habitation.

En gros, c'est un gros cube, un cube blanc, un cube de béton et de parpaings couverts de peinture blanche qui s'écaille laissant par endroits affleurer du gris qui tombe sur le sol en petits bouts de peau inutiles, un cube dont on ne peut faire le tour que dans un seul sens à cause d'un mur qui le prolonge sur un côté. Masquant la porte en bois jusqu'au moment où l'on vient la heurter du regard, un pin. Autour, une forêt dont les arbres ne s'aventurent pas au-delà d'une hauteur presqu'humaine, bruisse avec une tortueuse application. Le vent ne la laisse pas en paix ou, si l'on veut, lui insuffle une paix mouvante, excitée, un peu sauvage, une paix dans laquelle, elle, la forêt, semble reposer, frémissante.

Le cube, ce cube, se trouve à quelques coups d'ailes du Ventoux, ce mont de plaine gardien des Alpes comme le dit Giono. Proche toujours, il reste bien sûr invisible si l'on reste dans le cube blanc et aveugle. Si l'on en sort et à condition aussi de faire plus que quelques pas et de descendre la pente douce de la route qui conduit sur la terrasse du Crestet, il devient visible, inévitablement. Aller vers lui, le Ventoux ou rester enfermé, cependant c'est tout un. Dans un cas on peut prétendre, émule de Pétrarque, se porter à sa hauteur, dans l'autre accomplir un voyage à embarquement immédiat qui conduit jusqu'à son ventre inexploré. On peut aussi s'inspirer de la méthode de Canetti : « Ai descendu en rêve, un grand nombre d'escaliers pour déboucher sur le sommet du Ventoux ».

Au matin, il y a une voix, presque, qui s'extrait des arcanes du vent et dit :

« Lève la tête. Regarde. Tu ne reconnais pas ? Regarde bien et surtout écoute. C'est ta voix embrumée par le froid, croquant sous ses dents de lait le soleil du matin et se grisant des tourbillons qui entortillent les cimes et les toits. Toi, l'engeance bancale, tendue au-dessus du vide, héros d'un instant inutile, crachat d'un silence ennuyé, pelure d'un nuage perdu, vois ! Tu es là, écharde graniteuse entre deux mondes, tendu à te rompre jusqu'à briser tes chaînes, ne les brisant jamais, sinon pour choir et te briser encore. Tu es là, n'atteignant jamais que le seuil sans fard de l'horizon d'un rêve perdu. Tu es là, sexe enturbanné cherchant à se farder aux couleurs du destin, incapable de rien, sinon cracher des larmes lourdes qui tombent, tombent, tombent et ne te relèvent pas. C'est cela, oui, malgré ta tête lourde, lourde, lourde, vois ces dents pierreuses dévorant le ciel. »

Libre et quoi, sinon cette nuit plus sombre que la nuit, sinon ces tremblements qu'engendrent l'appartenance à cette engeance sans avenir et la cataracte des trous dans les cheveux de la mémoire ?

Libre pour quoi, sinon pour aller au dedans de cette nuit blottie dans le cœur de la nuit, pour traquer dans ces tremblements les ondes de choc d'une guerre indécise, pour glisser sur le toboggan de l'ivresse jusqu'à atteindre l'extrémité nord de l'abandon ?

Cette terre que tu arpentes, rageur, toi le passant de lune mal dégrossi par les vagues du temps, qu'est-elle pour toi ?

Ici, personne. Pas d'homme. Rien. Rien que ce rire muet, voix du silence cherchant à s'enfuir par l'orifice carbonisé de son cri sans écho. Ce monde d'avant l'homme excite, en l'homme, ce désir, toujours insatisfait, de donner vie à ce qui traverse son œil. Ce qu'il regarde n'est pas ce qu'il voit. Cette évidence, il la laisse sombrer dans l'un des trous de sa mémoire, puis s'assoit dessus pour empêcher qu'elle remonte à la surface, là où ce désir pourtant réussi à associer les courbures acérées des montagnes et les lignes fluides que suivent les nuages.

« L'œil est une imagerie illusoire qui donne vie au tableau », remarquait Burroughs dans ses Lettres du Yagé. Il ajoutait : « Tu ne peux montrer à personne ce qu'il n'a pas vu. »

L'imagerie illusoire est devenue autonome rendant pour beaucoup inopérant le laser du regard. Mais ce que trop de personnes voient, disparaît et parfois, sont effacées d'un coup de torchon de l'évidence, des zones qui s'offrent au doute et que l'affirmation ne réussit plus à contrôler. Y repoussent parfois des herbes pour l'ivresse.

La singularité du cube tient donc en ceci qu'il se divise en deux moitiés. La première, à ciel ouvert forme une sorte de terrasse. La seconde, couverte, abrite lit, cuisine et autres nécessités. Entre les deux, la baie vitrée offre, lorsque l'on vient de pousser la petite porte en bois qui assure la communication entre le cube et le monde, une vue sur l'intérieur et lorsque l'on se trouve à l'intérieur, allongé sur le lit par exemple, une vue sur le mur blanc. Il y a aussi les branches que les arbres lancent par-dessus le mur, comme s'ils tentaient de palper un étrange vide qu'ils ne connaissent pas.

Enfermé dans ce cube blanc au milieu d'une pinède, légèrement à l'écart d'un bâtiment aux terrasses emboîtées, il n'est pas possible d'opposer la rugueuse extériorité d'une nature à l'inflexible rigueur du béton dans lequel trouverait refuge une intériorité perméable et fragile. En effet, à peine l'installation dans cet univers censément clos couvert d'un blanc sali par les intempéries, il fut impossible, outre les ravages du temps sur les murs de la cour intérieure, d'ignorer le combat incessant que se livrent le vent et les arbres. Dans cette chambre d'écho, il se démultiplie et fait du monde d'avant l'homme le double de ce monde blanc peuplé d'écailles fragiles et tenaces.

Arpenter routes et sillons, chemins et sentiers ou rester dans le cube, rien ne pourra abolir le fait que partout où l'on se trouve, on porte avec soi, en guise de viatique, ses mots, ses rages, ses soupirs.

Ici, c'est le tableau qui donne vie à l'œil. Dans le cube, il apparaît que le blanc des murs permet aux images impalpables de l'esprit de se projeter comme sur l'écran d'un rêve inachevé. Dans cette chambre d'écho du monde d'avant l'homme, on se retrouve en train d'errer dans les plis à vif de la montagne et de creuser la nuit jusqu'à ce qu'elle blanchisse, métal en fusion épris de sa chaleur radieuse.

De même qu'il n'existe pas un songe unique clignotant derrière les paupières closes de l'espérance, de même, dans le cube, l'idée d'un soi apparaît sous les traits d'une forme du temps. Ici, dans le cube, le sang rouge sombre bat les heures de ce temps qui passant se passera du soi. Ici dans le cube, le temps se recueille dans le silence de son envers.

Déjà l'aube pointait.

Quoi d'autre ? La tragédie ne naît plus de l'écart et du contretemps mais de la ressemblance et le bonheur, lui, de ces hoquets du cœur qui chantent pour rien entre deux battements. Ou est-ce l'oubli qui entre deux battements dessine cette figure du temps, une pupille un peu voilée que l'on distingue parfois dans le regard des étoiles mortes ?

La robe bleue du ciel craquelle et ses dessous s'exposent, sources, ravines, vagues nues, protubérances arrondies, tons pâles souvent, le gris dominant parfois, d'autres fois non. Ces valeurs à l'exactitude transpercée aiguisent de leur charme l'insouciance minérale.

Pendant vingt-quatre heures, il pleut. Les pieds, en s'enfonçant dans la terre ocre et détrempée, prennent un bain de jouvence.

La moitié du cube à ciel ouvert devenue bassin, un long moment se tenir debout, pieds nus, là. Les jambes font tronc et quelque chose remonte jusqu'à la tête, sueur d'oracle, l'onde impalpable de la salive des mots.

Ce ne sont pas des voix, plutôt des courants qui traversant la chair du temps, dessinent des chemins par où l'énigme de la langue rejoint le souffre de la réalité minée par les arcanes de la croyance. Des mots se séparent, d'autres se rejoignent, chaque chemin est un axe mortel, éclat de la fleur, nervure de la foudre au sommet de la tige.

Nul ne se déplace, ne s'enferme, sans emporter avec lui sa boule d'outrages, son sac de haine, sa panoplie de silences, ses réserves de vengeances, ses stocks de palabres. Quoiqu'enfermé dans le cube, il apparaît que de l'autre côté du mur rugissent aussi des outrages, se brisent des silences, s'exécutent de sombres vengeances, s'accumulent des stocks d'invendus. Cela peut se situer loin du cube, dans des mondes que le fait d'habiter le cube éloigne mais n'abolit pas. Impossible d'ignorer que de l'autre côté du temps, là où il se rejoint dans sa continuité sans partage, leur vengeance se prépare et qu'elle sera implacable. Cela s'impose, certitude blessée et cela est sans importance, sinon que disparaît la bienséance, sinon que s'empare de l'air ambiant une sauvagerie inconciliable. Une part de ce qui arrivera là-bas plus tard est bien due à ce qui ici aura été conçu. Ils ne pardonnent pas au miroir pourtant sans tain qui leur renvoie l'image absurde de la situation dans laquelle les met leur croyance farouche en la légitimité de leurs attaches, de leurs manières, de leur loi.

Aucun éclair n'est nécessaire pour qu'un regard se voile.

Mont Ventoux / Jean-Louis Poitevin & David Hébert
aux Éditions DES VANNEAUX
64 rue de la vallée de Crème
60480 MONTREUIL-sur-BRECHE
Tél. : 03 44 04 21 82
c.odartchenko@wanadoo.fr
https://editionsdesvanneaux.wordpress.com
http://les.vanneaux.free.fr/accueil.php3
15,00 €
ISBN : 9 782916071893

Un weekend à la neige

Corridor Eléphant et Isabelle Otto — 2018-10-28T19:25:49Z

Un travail comme un court récit qui cherche à rendre compte par l'image de mes sentiments intérieurs. Une vitre — le car, l'œuf, le restaurant d'altitude — entre moi et cette montagne qui me met en abîme. Une mise à distance nécessaire. Une mise en silence. Pour amoindrir le vacarme de mes émotions, quelque chose de noir, ou de blanc, mais rien dans la mesure en tout cas…

La dernière fois que je suis allée à la montagne j'avais 13 ans.
La montagne a toujours provoqué chez moi des sentiments très forts. Mais aussi très contrastés.

D'abord la vallée. Voies rapides. Horizons bouchés. J'ai toujours étouffé en fond de vallée.

Oppression

L'ascension en bus. Lacets serrés. Alternance de murs et d'à-pics. Flancs boisés. Et constructions humaines Route étroite. Les arbres tout prêt défilent, brouillent la vue. Impressions fugitives entre les barreaux de bois.
Malaise.

À mesure que l'on monte, la montagne se défait de ses barbelés ligneux. Le massif, auparavant découpe sombre sur ciel clair, émerge. Majestueux. Sommets enneigés.
Fascination.

Monter encore plus haut. Chercher l'air, la neige. Masses blanches et noires presque abstraites. Partout les installations humaines viennent ponctuer ou lacérer le manteau virginal, ou saigner la forêt. Mais de là-haut l'homme paraît si petit. Si dérisoire.

Vertige.

C'est la fin du séjour. Retour dans la vallée.De nouveaux l'air vient à me manquer. De nouveaux les branchages griffent le paysage à l'allure où le car m'emporte.

Et le massif disparaît à ma vue.

Regrets.

Voir en ligne : Isabelle Otto

Diplômée de l'école Nationale Supérieure du Paysage de Versailles, j'ai mené de front pendant plus de 15 ans un travail sensible et engagé sur le paysage et une recherche plastique autour du corps et de l'espace par la photographie et la sculpture.
Je me suis formée au studio photo, au grand-format et au laboratoire argentique au Centre Verdier à Paris puis en 2017, en formation continue à l'ENSP de Arles (photographie de paysage à la chambre photographique).

Artiste auteur depuis 2013, j'ai commencé de m'exposer régulièrement dans divers salons et manifestations d'art nationales et internationales (voir site internet). En 2017, je décide de me consacrer pleinement à la photographie.

Retrouvez aussi Isabelle Otto dans Corridor Elephant