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La lettre et son langage

Anaïs Djouad — 2025-09-29T15:13:12Z

Sur le profil Instagram de Kent Robinson on peut lire en description : créateur du Cyrillatin. À force de se questionner sur le langage, la typographie, l'existence des alphabets, la genèse des signes qui forment les sons, il a décidé de fusionner le cyrillique et le latin et d'en faire une police pour un langage nouveau ; tout simplement.

Après tout, l'artiste n'est-il pas aussi poète ? Et le poète ne se joue-t-il pas du conformisme de l'écriture ? Au-delà de l'effet poétique, c'est un travail laborieux de typographe qui donne une police à télécharger [1]. Oui, en accès libre. Parce que la langue est une hybridation continue, il ne se voyait pas vendre cette « typomagique » qui permet de construire un nouveau champ linguistique. Cette police de caractères dynamique, permet de créer des « lettres hybrides » depuis les alphabets latin et cyrillique. Ainsi, on entremêle serbe et italien, russe et anglais, français et ukrainien adlib et à sa guise, pour la beauté des lettres ou celle du sens, ou les deux, ou juste le geste, la fameuse Geste…

L'artiste ici, donne non pas une œuvre à regarder mais un accès à des imaginaires, à des réalités encore à construire ; au-delà des mots, une langue, un langage qui ne reste pas utopique ou accessible à quelques-uns mais à un potentiel ensemble puisque tout est à imaginer et à construire. Cette œuvre à utiliser, pour soi-même œuvrer, puisque la police fonctionne sur les différents systèmes d'exploitation existants, a permis au jeune Robinson d'entrer dans le monde de la linguistique, en tant qu'artiste plasticien en la présentant en 2023 à la Narva Art Residency (N.A.R.T.) et à la Maison du langage estonien, toujours à Narva, en Estonie, puis en 2024 à l'École des Beaux-Arts d'Aix-en-Provence.

Le Cyrillatin est le résultat d'une dizaine de travaux autour de la langue et des alphabets que Kent Robinson produit depuis 2014, lors de nombreux allers-retours entre les deux continents linguistiques que sont la France et la République Tchèque. En 2016, il va tomber en amour devant la sérigraphie et l'alphabet cyrillique. De cette rencontre polytechnicienne, il va produire plusieurs œuvres ; d'abord une série d'affiches sérigraphiées, qui recensent les mots en tchèque qui existent sans voyelles ; la série ČVRTVLK est perturbante pour un latin. Puis il produit un premier livre totem, microédité, qui entremêle déjà les alphabets, dans une saturation d'écritures manuscrites d'une densité impressionnante, renforcée par le choix d'un papier transparent : une fièvre scriptique, la maladie de celui qui maîtrise depuis peu une nouvelle langue, comme un enfant qui n'en reviendrait pas de savoir écrire et qui, pour s'assurer que son pouvoir nouveau ne va pas disparaître, décide de ne plus jamais s'arrêter.

De cet exercice de l'intime qui produit un nouveau sens, il va en tirer une installation-performance, intitulée Prayers, qui voyage encore aujourd'hui [2]. À genoux comme le croyant devant son Dieu, Kent Robinson passe des heures à construire au sol, lettre par lettre (faites de plâtre volatil), des phrases issues de prières qu'il récolte lors de rencontres où la thématique de la croyance est abordée. L'œuvre n'est donc jamais la même et toujours inachevée ; comme ces lettres fragiles, le texte est éphémère, comme avoir foi en l'art est fragile. Chaque œuvre du dispositif Prayers est donc une ode à la fragilité et une performance mémorielle.
« Tout est question de mémoire », nous indique Kent. Nous avons en nous cette mémoire universelle, la capacité d'agir sur le vivant, le réel, par l'imaginaire et le souvenir. Tant de langages ont été créés pour exprimer l'autour et le dedans. Et puis les langues ont connu des normes, la disparition a pris le dessus sur la création de sens. « Ce que je fais, c'est tout simplement continuer à ouvrir des chemins de mise en sens ». Un truc d'humain banal au fond.

Comment ne pas penser au titre de Michel Leiris, Langage Tangage [3] en parcourant les travaux de Kent Robinson. Et à son métier. Mais ici l'artiste devient ethnographe du futur. Il fouille ce qui n'est pas encore tracé. Poète, je vous dis. La mystique de la naissance de l'humanité se raconte en mille lieux, de mille façons, parce que mille langues sont nées, d'un même berceau pourtant. Dans la tête de Kent, ça mouline et ça tangue, la houle semble draguer des milliers de chuchotements qu'il s'évertue à décrire dans un ouvrage à paraître ; il cherche encore un éditeur, lui qui est artiste mais aussi sérigraphe, en a produit quelques-uns des livres, à lui et pour d'autres. Mais là, il voudrait sortir du « circuit de la microédition » me dit-il, « que l'on puisse s'interroger sérieusement sur la portée de l'exercice et questionner l'immanence de la typographie et ce qu'elle peut parfois forcer, comme un non-mouvement, une difficulté à s'approprier le langage pour le transformer ».

Pour lui, le langage est un sésame pour l'esprit, un véhicule vers l'ailleurs, même depuis la plus petite cellule, le langage, qu'il soit lu ou dit, est un véhicule. C'est peut-être là la différence d'avec les courants surréalistes et de l'hypergraphie que met en lumière Jacques Villeglé [4]. Il ne s‘agit pas de déconstruire mais bien de reconstruire. Il ne s'agit pas de se détacher d'un fondement rationnel et concret mais bien de proposer de nouveaux fondements, pour des mondes dont personne n'a encore vraiment accouché. Kent Robinson nous attend sur une autre rive, il faut se saisir d'une langue comme bateau pour traverser. Langage, tangage.

À 31 ans, Kent Robinson semble déjà ancré bien droit dans une ligne créatrice foisonnante et cosmologique, loin des sentiers classiques de ses contemporains. Diplômé des Beaux-Arts d'Aix-en-Provence, sérigraphe et artiste-auteur, il reconnait que l'académie est un passage obligé, « mais n'amène rien de concret ; quand tu sors, c'est là que tout commence ». Sérigraphier, il en a fait un métier et le studio Abbaye Prints [5] est aujourd'hui devenue une référence sérieuse pour des productions artistiques mais aussi des objets plus sériels. « Je reste accroché à la réalité. J'ai eu aucun capital de départ, ni de réseau particulier. Je prends autant de plaisir à faire des t-shirts pour un boulanger qu'à produire des pièces uniques à exposer ». On comprend vite qu'il n'y a pas de frontières entre un monde d'art et de créativité et un monde artisanal, de fabrication, pour Kent : « Je considère que si j'arrive à développer ma créativité, c'est parce que j'ai gardé les pieds sur terre, des horaires, un métier, des contraintes professionnelles. Je m'épuise parfois mais j'ai un vrai sentiment d'agir ; je fabrique, je crée : tout est ouvrage ». Un retour vers des racines simples ; celles de l'homo faber ?

Celle d'un citoyen qui œuvre dans la cité : Marseille. Il s'inquiète de sa politique, d'une gentrification, d'un nouvel ordre qui semble oublier des principes fondamentaux de mixité sociale qui ont fait l'identité de la ville. Pour Kent l'« autre » est omniprésent puisque le langage n'est rien s'il reste dans la gorge de celui qui l'emploie. Il vit pleinement le processus de l'altérité « sans lequel l'artiste ne dit rien de bien véritable ».

Depuis quelques années, il développe un travail d'acteur « social comme on dit, mais moi je préfère dire que je travaille avec des enfants, je les amène à comprendre que créer c'est pour tout le monde ». Il vient d'achever récemment un atelier avec des mineurs non accompagnés mis à l'abri dans un centre d'accueil à la sortie de la ville. De cette expérience, il tire une création toute nouvelle, au croisement entre archéologie et langage. « Gamin, je trouvais fantasmagorique l'histoire de la pierre de Rosette. »

Quand il se retrouve à animer un atelier d'écriture avec une dizaine d'enfants et d'adolescents issus de différents pays du globe… Il se rend compte que toutes et tous ne savent pas écrire, ni lire. Comment faire ? « J'ai eu l'idée de faire une pierre de Rosette 2025 : de fusionner leurs capacités d'expression, qu'elles soient le dessin ou le texte ; je leur ai demandé de raconter leur périple jusqu'en France, avec leurs moyens et deux contraintes : une feuille et un stylo ». Il va ensuite réunir les créations de chaque enfant et les transférer (gravure au laser) sur des plaques de béton qu'il construit dans son atelier.

Pour donner une dimension historique à ces éléments, il tente de reproduire une méthode artisanale pour produire ces « pierres de Rosette 2025 », utilisant un micro-coffrage fait main et des mailles de fer (comme pour les poulaillers) pour mouler les pierres. Le résultat est saisissant et Kent ne s'arrête pas là ; « avec les jeunes, on réfléchit à un endroit pour enterrer ces pierres, à différents endroits de la frontière entre la France et le pays qu'ils ont traversé avant d'arriver. Je cherche encore un procédé pour conserver au mieux les écritures transférées sur le béton, afin de gagner en durabilité ; l'idée farfelue et un peu surréelle, c'est que quelqu'un tombera sur ces pierres, un jour, et prendra un temps fou, je l'espère, à déchiffrer les histoires de migrations de ces jeunes, qui n'ont pas encore fini leur chemin. C'est un foyer d'urgence, ils ne restent jamais bien longtemps, j'avais envie de leur donner des racines ici, une trace de leur passage que beaucoup dénigrent et montrent du doigt ».

Voir en ligne : www.kentrobinson.fr

[1] Contacter directement Kent Robinson sur son site ou par « DM » sur Instagram.

[2] Quelques dates importantes et à rebours de cette circulation : Exposition Émergences au Cloître Saint-Louis, Avignon, 2023 ; Exposition La relève (Festival Parallèle), Art-cade Galerie, Marseille, 2019 ; Exposition Voyages Immolibes à la Fondation Vasarely, Aix-en-Provence, 2015…

[3] Leiris, M. (1992). Langage tangage ou ce que les mots me disent (Nouv. Éd.). Gallimard.

[4] Villeglé, J. (2008). Le lacéré anonyme. Les Presses du réel.

[5] Abbaye Prints, 70 rue Saint-Ferréol, 13006 Marseille.

Exposition/évènement à venir : WIELS art book Fair 2025 le 04 et 05 octobre à Bruxelles.

@Kent_Robinson.text @kentrobinsontext

Quand les murs pleurent

Jean-Louis Poitevin et Konny Steding — 2013-05-01T17:44:00Z

C'est toujours de la rue que ça part, dans la rue que ça commence de la rue que ça vient, dans la rue que ça se joue et finalement à la rue que cela retourne.

Déambuler

Qui déambule aujourd'hui dans Paris, pas de quelques instants dans son quartier pour faire les courses, mais souvent et dans n'importe quel quartier, au gré de ses humeurs ou de ses obligations, quiconque donc se comporte un tant soit peu en poète urbain mental, les mouvements des yeux rejoignant l'errance du corps et la prolongeant de telle manière qu'ils glissent le long des murs autant que les pieds, eux, survolent les trottoirs, celui-ci ou celle-là rencontrera, au détour d'un carrefour, dans l'angle mort d'un recoin sali ou installé au milieu d'une place sur un support inattendu, lui faisant face ou l'observant de biais, l'un de ces grands dessins que Konny Steding fait et colle à l'envi depuis quelques années.

Le plus souvent, il s'agit d'un visage de femme, le sien. Mais elle n'est pas seule à se retrouver plaquée au mur en trois mètres sur quatre. Il y a aussi, par exemple, un jeune homme, genre bcbg ou genre jeune de banlieue ainsi que d'autres visages féminins qui ne sont pas le sien.

L'identité, ce n'est pas le plus important, même si le fait de se mettre en scène participe entièrement de la manière qu'a Konny Steding de déployer sa présence dans la ville et de laisser filer ensemble le fil rouge de sa vie et celui de son art.

Sur de nombreux dessins, ce fil rouge s'est transformé en une coulée de larmes qui semblent descendre d'une paupière pour former le delta d'un fleuve improbable. Parfois aussi, ce fil rouge est déployé au sol de la rue à la porte d'une galerie, par exemple comme la trace d'un crime qui n'aura pas lieu et dont la seule évocation suffit pourtant à faire se lever protestations ou questions, à faire s'éveiller l'agressivité ou le doute.

La rue

C'est toujours de la rue que ça part, dans la rue que ça commence de la rue que ça vient, dans la rue que ça se joue et finalement à la rue que cela retourne. Même si parfois elle expose dans une galerie, même si parfois elle intervient dans une foire d'art, même si c'est sur les toits qu'elle grimpe pour aller voir le ciel de plus près, ou dans les couloirs du métro qu'elle se promène, c'est toujours en relation avec la rue qu'elle agit et qu'elle pense.

La rue, c'est là que se croisent indéfiniment, non seulement les gens, tous les gens, et avec eux toutes les histoires, mais c'est là que ne cessent de se frotter l'une contre l'autre les peaux, et avec les peaux les enveloppes, celle qui distingue un individu de l'autre, celle qui sépare le public du privé, celle qui comme la feuille de papier à cigarette qui entoure le tabac se consume avec lui, allumée qu'elle est au feu de l'intensité des passions urbaines.

Konny Steding est moins une fille des rue qu'une actrice de la limite, une voyageuse impénitente qui ne cesse d'arpenter les lignes indécidables mais omniprésentes qui courent à travers la ville et dont l'enchevêtrement constitue la plus invisible et la plus constante des trames.

Ainsi les images qu'elle colle dans la rue ont-elles tout d'abord pour fonction de signaler l'existence de cette trame à laquelle elles donnent une visibilité à travers un visage ou un objet, car ne l'oublions pas, souvent un pistolet est là, présent dans l'image à proximité de la tête planant moins comme une menace que comme le signal muet d'une tempête en cours. Ou un slogan ironique comme celui qui semble couler de ses lèvres sur les œuvres collées en ce moment au centre de Paris et qui dit « God save the art institutions », qu'il faut entendre à la manière dont les Sex Pistols chantaient « God save the Queen. »

Le doute

Étaler sa tête ainsi sur les murs d'une ville étrangère, car Konny Steding ne vit pas à Paris même si elle y vient si souvent qu'on pourrait presque dire qu'elle en est l'un des fantômes les plus assidus, ne peut se faire sans que plane l'ombre du doute.

Pas le doute sur l'identité ou l'origine, ni même le doute philosophique sur l'existence, la sienne ou celle de dieu, non le doute comme dimension de l'existence, comme modalité d'une affirmation impossible, l'affirmation de soi comme élément vivant non pas dans la marge mais sur la marge, non pas dans l'ombre mais sur la ligne qui ne cesse de séparer et relier ensemble les contraires les plus évidents et les plus secrets.

Parmi eux, il y a ces faux contraires que l'on nomme art et vie depuis bientôt un siècle. Konny Steding ne cherche pas à prolonger leurs noces interminables, elle tend à interroger leur absurdité et donc la terrible maigreur de nos ambitions, la tenace faiblesse de caractère qui nous anime, la singulière hypocrisie qui nous fait aujourd'hui encore faire semblant d'hésiter entre le prix d'un tableau et la chaleur d'un feu de cheminée.

Elle le sait bien, et nous aussi d'ailleurs, nous voulons les deux. Elle, elle dit simplement, en étalant ses images dans les rues, que rien de tout cela ne tient debout, et que la seule poésie possible pour nous, urbains fatigués du XXIe siècle, serait celle, radicale, du doute comme pratique de « désécurisation » de nos certitudes asservies, comme manifestation de notre état psychique borderline.

Rouge

Qu'elle intervienne avec une poubelle au vernissage de la FIAC ou qu'elle joue avec des poubelles dans la rue, qu'elle marche en laissant couler un fil de « sang » rouge sur la chaussée et que ce fil rouge continue de couler lorsqu'elle pénètre dans une galerie, qu'elle intervienne la nuit sur les toits ou qu'elle fasse des actions encore avec des poubelles qu'elle marque de son passage ou qu'elle utilise comme des moyens de transport ou de séjour temporaire, Konny Steding ne cesse de tirer sur ce fil rouge dont on a dit qu'il est celui qui retient ensemble les autres fils qui composent la trame de la ville.

En testant la capacité d'habitation d'une poubelle ou en faisant saigner la rue, Konny Steding montre que la ville est une superposition de peaux dont on oublie souvent qu'elles sont cousues ensemble. Elle nous renvoie à cette mélancolie initiale et permanente, cette mélancolie de la rue parce que la rue, chaque rue, n'importe quelle rue, est, de ces peaux multiples, à la fois la couture et la ligne d'oubli. Et nous, chacun de nous est un fragment de ces peaux qui, reliées ensemble, la composent.

En étalant sa tête sur les murs gris de la ville, en ourlant son regard d'une larme de sang dont on a dit combien elle coud entre elles les paupières du temps, en ornant parfois le doute d'une arme de poing, Konny Steding irradie la ville de cette question sans réponse qui se prononce ainsi : où suis-je ?

En faisant suinter les murs de ces larmes rouge vie, Konny Steding fait se lever en nous la marée montante des pleurs, ceux par lesquels nous avouons que nous savons que nous sommes seuls, que chacun est personne et que personne ne viendra nous sauver.

Voir en ligne : Galerie moretti & moretti 6 Cour Bérard, 75004 Paris 09 50 90 29 01

Note sur le graphimage

Jean-Louis Poitevin — 2012-05-23T23:30:00Z

Artiste taïwanaise installée en France, Sun Wei-Shiuan poursuit une recherche transversale sur les relations texte/image qui, pour elle, prennent leur source dans la culture orientale, mais trouvent dans la culture occidentale un écho d'une grande actualité.

Travaillant donc sur ces « symboles-images de l'écriture », elle nomme « graphimage » cette forme d'expression enrichie de connotations culturelles puisées dans l'art contemporain. Le « graphimage » se constitue d'emprunts à la culture classique et à la pensée philosophique chinoise, mais il intègre également des formes de composition et d'innovation contemporaines occidentales. La structure et la forme de l'écriture sont extrêmement rationnelles mais le contenu de l'écriture est, lui, tout à fait émotionnel.

L'expression affective incluse dans la calligraphie chinoise existe en quelque sorte avant la signification du texte. Résonance émotionnelle et esthétique, elle est engendrée visuellement avant de l'être au niveau du sens. Tout l'enjeu de l'expression se tourne donc vers la question de l'équilibre, équilibre qui, de se jouer entre contenu et forme, texte et image, raison et sensibilité, classique et moderne, abstraction et figuration, fend d'une manière renouvelée ces partages ressassés.

Le « graphimage » ne montre pas, il met en scène l'ambiguïté de toute relation et en particulier celle qui unit le mouvement et le repos. Car ce ne sont pas des déterminations du corps, mais des noms d'affects incontournables qui, à être pensés comme tels, instaurent une tension au cœur même du « sentiment » qui se répercute comme tension entre les mots et les images.

Le « graphimage » contemporain, qu'on le trouve dans les œuvres d'artistes occidentaux ou orientaux, instaure une perspective élargie sur la question de l'écriture.

Pour Sun Wei-Shiuan, « le graphimage » participe de cette conviction que « la calligraphie et la peinture partagent la même origine ». Création non-figurative, héritière de la culture traditionnelle chinoise le « graphimage » se combine parfaitement avec certaines interrogations portées par l'art occidental. Le « graphimage » permet de donner sens aux multiples niveaux et multiples dimensions qui traversent les formes d'expression non-figurative, et toutes visent à donner à voir l'impossible même d'une « image au-delà de l'image ».

Dans le « graphimage », les mots ne sont pas des mots et les images ne sont pas des images, et c'est dans le prolongement d'une réflexion sur « la ressemblance de la dissemblance » pour parler avec le grand peintre chinois, Shi-Tao, que cette pratique se situe.

Trois aspects traversent et forgent le travail de Sun Wei-Sihuan, l'encre, le « graphimage » et la fleur. L'encre peut être pensée comme une métaphore du chaos, le « graphimage » comme la tentative de faire exister une « autre image » plongeant au cœur de l'ambiguïté entre mot et peinture, quant à la fleur, elle déploie ses pétales sur le versant d'un lyrisme contenu dans lequel projections d'images mentales et écriture « émotionnelle » s'entrecroisent. Car les fleurs sont des rêves, et l'art n'a-t-il jamais été autre chose que la tentative de donner à un rêve la puissance même d'une caresse ?