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Nazanin Pouyandeh et les femmes

Jean-Paul Gavard-Perret — 2025-11-02T11:30:40Z

Nazanin Pouyandeh fut reçue à l'École des beaux-arts de Paris en 2000, où elle intégra l'atelier du peintre Pat Andrea. Depuis, sa virtuosité technique pousse au paroxysme la dimension vériste de sa peinture.

Elle puise dans toutes les sources d'images disponibles, puisque les frontières entre les arts, les époques et les cultures sont aujourd'hui devenues perméables. De tels rapprochements, comme des jeux de disproportion entre les figures, résulte un sentiment d'étrangeté formelle qui a beaucoup à voir avec le rêve.

Principalement, la créatrice interroge les représentations collectives de la femme, mais aussi les thèmes de l'érotisme et de la violence. Surgissent de la sorte des fragments de discours amoureux mouvementés, parfois à la frontière de l'horrible.

Les variations de tessitures par orientation progressives étaient en germe dans l'énorme fichier de sources iconographiques datées et conservées dans des boîtes, chemises, etc…, par l'artiste qui trouve ainsi les sucs de sa pensée en marche et de sa peinture. À ce titre, il se peut que pour les générations futures, ce soit là l'essentiel de cette œuvre en liberté qui fait face peu à peu avec lucidité à son parcours « intime ».

Il y a là divers types de désir de séduction qui pour chaque toile procède d'un choix culturel initial. Mais tout se situe toujours à la frontière, tout est une histoire de peau et d'os, de nudité et de vêtement — légers les vêtements. Entre des zones neigeuses ou épaisses et sombres émerge une sorte de fracture : douceur et douleur, apaisement et écrasement, l'épars et l'homogène, le flux persistant, la dispersion insistante. Ainsi l'image fait fondre les ressemblances. Reste en chacune d'elle un seuil d'égarement, une errance.

Dans chaque tableau, quelqu'une ou quelque chose nous regarde, nous tend un miroir. On ne s'y terre pas, on voudrait en resurgir. Et l'on comprend que l'ambition de l'artiste est de grande envergure sans qu'elle soit à l'image par exemple d'une femme albatros dont les ailes de géant l'empêchent de marcher.

Nazanin Pouyandeh ne se laisse pas avoir ni empaler ou réduire aux discours de séduction ou de punition que lui proposent les cultures ambulantes où les sentiments des femmes ne sont le plus souvent que du matériel de récupération et de contention.

Mais il en faut plus pour entraver la liberté de création d'une artiste dont les connaissances et l'intelligence forment la garde rapprochée de son imaginaire. Elle crée des espaces hybrides, absolument optiques, pour la confection d'images « pieuses » mais dont le code symbolique ne renvoie plus à la vulgate apprise.

À nous de forger notre religion, notre foi. Les codes des œuvres de l'artiste ne sont plus chargés de rassurer bien au contraire. À ce titre, les inserts de certaines d'entre elles ne laissent aucun doutes mais elles permettent de réorganiser nos propres images mentales, de comprendre de quoi elles sont faites (douleur et joie, perte et espoir).

C'est pourquoi, dans leur simplicité, dans leur silence, de telles images nous assourdissent de l'intérieur. Non seulement on passe entre les choses mais entre les lignes et les surfaces. On voit dedans. Bref, l'artiste invente un univers dans lequel intérieur et extérieur, dehors et dedans de la représentation perdent leur sens. Une possible conversion (d'où le terme images « pieuses ») est donc possible à qui veut faire l'effort de plonger dans de tels miroirs au sein desquels même lorsque des objets sont visibles, c'est la présence d'une matière-corps qui parle.

Nazanin Pouyandeh, Exposition du 27 avril à juin 2025, Bruxelles

Pier Paolo Patti

Pier Paolo Patti — 2019-11-01T15:11:37Z

Images d'Iran, une zone rurale en particulier et du désert de sel.
Terres lointaines et archaïques comme un reflet de notre style de vie contemporain.

Images of Iran, a particular rural area and the salt desert.
Distant and archaic lands as a reflection of our contemporary lifestyle.

Roots : la biblioteca itinerante

Pier Paolo Patti — 2019-02-25T11:38:00Z

Io so questo : che chi pretende la libertà, poi non sa cosa farsene.
(Pier Paolo Pasolini)

Roots, radici, origini, passato, sono le parole chiavi della nuova ricerca artistica di Pier Paolo Patti che da una residenza durata un mese a Teheran fa partire la costruzione di una biblioteca della coabitazione pacifica tra i popoli del Medio Oriente e del Mediterraneo.

A metà strada tra un opera artistica e un'azione politica l'artista - tenenedo fede alla sua vocazione - coinvolge in questo caso associazioni, Ong, Istituti di cultura di tutti i paesi dell'area MENA, chiedendo loro come contributo materiali da rilegare in libri che saranno la trama di diverse culture, di diverse storie. Documenti, fotografie, appunti, fotocopie e altro materiale proveniente da Paesi come l'Iran, la Palestina, la Libia, dai porti europei in cui sbarcano i profughi, dai luoghi in cui sono in corso conflitti civili come la Siria, lo Yemen, la Striscia di Gaza.

In questo progetto artistico, Patti si immedesima in Guy Montag (protagonista di "Fahrenheit 451") per opporsi al motto Bruciare sempre, bruciare tutto. Il fuoco splende e il fuoco pulisce. Ovviamente la critica dell'artista non è contro fantomatici pompieri che bruciano libri, ma verso la strumentale veicolazione dell'informazione diffusa attraverso i media ; contro i conflitti che distruggono, contro le diaspore che alimentano odio razziale e discriminazione religiosa.
Pier Paolo Patti con questa operazione vuole con un linguaggio artistico cancellare il presente e riscrivere il futuro scavando nel passato, Roots, le radici da cui può germogliare una nuova e rigogliosa pianta, portatrice di armonia e benessere tra i popoli.

Lo storico dell'arte Stefano Taccone, in uno dei suoi testi, scrive della ricerca artistica di Patti : “Da lungo tempo Pier Paolo concepisce l'arte come riflessione sull'uomo e per l'uomo” e la scelta dell'oggetto libro ne è conferma : una scelta precisa in quanto il libro è lo strumento più diffuso per divulgare e tramandare il sapere, la conoscenza. Rappresenta il "mezzo" di cui qualsiasi popolazione in ogni epoca si serve e che nel tempo costruisce la storia, la memoria collettiva.

Patti parte dall'Iran con la curiosità e il desiderio tipico di chi fa ricerca. Il suo sguardo sull'Iran si traduce in immagine che racconta, a volte in prosa altre in poesia, il rapporto tra arte, politica e società supportando, di fatto, Roots con un altro codice linguistico. L'intensità del suo rapporto con la memoria e la contemporaneità del mondo, unitamente alla sua attitudine “visionaria” ma anche critica, consentono all'artista italiano di interagire con un'alterità che in Occidente risulta ancora “incomprensibile” e, per un artista che lavora da sempre sui cortocircuiti sociali del nuovo millennio — utilizzando l'arte come strumento e credendo che essa sia un veicolo fondamentale per l'emancipazione culturale —, il tema della pacifica coabitazione è terreno fertile per la sua ricerca artistica. Essenzialmente il suo lavoro risuona di una eco tragica, analitica e visionaria insieme. Il suo rapporto l'immagine e con le scritture arcaiche è scandito da un processo di defigurazioni, slittamenti, contaminazioni e stratificazioni. L'opportunità di trascorrere un mese a Tehran e di far partire quindi il progetto si è resa possibile perché vincitore del concorso "Artist in residence” istituito dall'istituto torinese IGAV, Kooshk Residency, Ambasciata d'Italia a Tehran e EUNIC.

Trois histoires iraniennes

Aurélie Chauffert-Yvart , Galerie Folia et Silk Road Gallery — 2018-09-26T15:43:56Z

« Trois histoires iraniennes » interroge l'Iran d'aujourd'hui par un jeu de dialogues et de confrontations entre les œuvres de trois photographes contemporains.

Trois regards racontent, à travers trois approches différentes, l'histoire d'un pays au visage multiple et complexe.

L'Iran d'aujourd'hui est le fruit d'une civilisation millénaire, de traditions ancestrales mais aussi de l'histoire récente : la révolution islamique, la guerre avec l'Irak, la « révolte verte ». Entre périodes d'ouverture et de censure, les artistes iraniens trouvent grâce au médium photographique un espace de liberté et d'expression qui passe essentiellement par la métaphore et l'allégorie. La photographie devient, comme la poésie, un moyen de contourner la répression.

© Babak Kazemi, Exit of Shirin & Farhad, 2012. Courtesy de la galerie Silk Road et de l'artiste.

Avec « The exit of Shirin and Farhad », Babak Kazemi offre une écriture moderne de l'un des plus grands textes classiques de la culture persane, « Shirin et Farhad » du poète Nezami Ganjavi (1175). Revisiter cette histoire d'amour patrimoniale par la photographie est un moyen détourné pour l'artiste d'évoquer les luttes actuelles de ceux qui doivent s'exiler pour retrouver l'amour et la liberté.

© Morvarid K, The Thin Line, 2016. Courtesy de l'artiste.

« The Thin Line » de Morvarid K explore les frontières qui séparent deux mondes, deux cultures, deux imaginaires.

La superposition de deux photographies, une prise en Iran, l'autre ailleurs, fait advenir une troisième réalité, celle des hommes et des femmes qui comme l'artiste elle-même, sont habités par différentes cultures. Ces images d'une grande poésie font affleurer l'invisible, l'absence, cette part manquante qui traverse toute quête identitaire.

© Mohsen Rastani, Iranian families, 2012. Courtesy de la galerie Silk Road et de l'artiste.

Pour « Iranian families », Mohsen Rastani sillonne le pays depuis 1990 pour rassembler ces portraits de familles iraniennes. La toile de fond blanche utilisée par le photographe pour faire poser ses sujets est un élément essentiel de sa démarche. Ces personnages anonymes sont érigés en icônes, la composition monumentale de l'œuvre leur insuffle une grandeur héroïque, mythique.

Qu'elles touchent à l'intime ou au collectif, les œuvres rassemblées à l'occasion de cette exposition sont toutes imprégnées d'une vision plastique et d'une forte charge poétique. La culture iranienne est en effet ancrée depuis des millénaires dans la poésie, qui s'exprime aujourd'hui en Iran à travers tous les arts visuels.

© Babak Kazemi, Exit of Shirin & Farhad, 2012. Courtesy de la galerie Silk Road et de l'artiste.

Biographies

© Babak Kazemi, Exit of Shirin & Farhad, 2012. Courtesy de la galerie Silk Road et de l'artiste.

Babak Kazemi est un photographe autodidacte né à Ahvaz, Iran, en 1983. Il vit et travaille à Téhéran.
En 2012, il reçoit le Prix d'art contemporain « Magic of Persian » décerné par la Fondation Delfina à Londres.
Kazemi s'intéresse notamment à l'histoire de la province du Khuzestan où il a grandi et en particulier à l'impact de l'activité pétrolière dans la région.
Son œuvre a été présentée dans les collections du Maraya Art Centre, du musée d'art contemporain de Téhéran, du musée de la guerre de Téhéran et dans la collection privée du Sheikh de Sharjah aux Émirats Arabes Unis.
Babak Kazemi est représenté par la galerie Silk Road à Téhéran, dirigée par Anahita Ghabaian.

© Morvarid K, The Thin Line, 2016. Courtesy de l'artiste.

Morvarid Kest née en 1982 à Téhéran. Elle développe depuis une dizaine d'années une œuvre qui mêle photographie, arts plastiques et performance. Elle vit et travaille dans plusieurs pays à la fois.
Façonnée par son identité et ses racines iraniennes, Morvarid K ancre son travail artistique dans ce qu'elle nomme les « frontières invisibles », qu'elles soient voulues ou imposées, intimes ou collectives, réelles ou imaginaires. Sensible à la complexité humaine, Morvarid K créé des dialogues entre des forces opposées, source de beauté et de poésie. Chacun de ses projets est un pont qui relie les identités et les cultures entre elles.
Ses œuvres photographiques sont rehaussées de collages, superpositions et parfois d'encres et de dessins. Ce sont souvent des pièces uniques. Récemment, Morvarid K a élargi son horizon artistique en explorant ses thèmes de prédilection à travers la performance et la collaboration interdisciplinaire avec des artistes comme les chorégraphes Sherwood Chen et Yuko Kaseki.

© Mohsen Rastani, Iranian families, 2012. Courtesy de la galerie Silk Road et de l'artiste.

Mohsen Rastani est né en 1958 en Iran. Il est photojournaliste, réalisateur de film documentaires, professeur et conférencier à la faculté des Beaux-Arts de l'Université de Téhéran.
Diplômé en photographie de l'Université de Téhéran, faculté des Beaux-Arts en 1987.
Premier prix de la 10e biennale de photographie de Téhéran pour le noir et blanc, musée d'art contemporain de Téhéran en 2005.
Plusieurs expositions en Iran et à l'étranger, notamment, au centre culturel iranien du Tajikistan, « Semaine Culturelle Iranienne », Festival des Arts visuels du Nouvel An, 2011, au musée du Quai Branly, Paris, « 165 ans de photographie iranienne », 2009 au musée d'art contemporain de Téhéran, « Silver Windows Exhibition », 2005 à l'Espace Electra, Paris,« Regards persans », 2000
Mohsen Rastani est représenté par la galerie SilkRoad à Téhéran, dirigée par Anahita Ghabaian.

Articles précédents concernant la photographie iranienne :

1. Trop loin, trop près – Aspects de la photographie iranienne contemporaine
2. Le rêve dans la zone rouge – Six photographes iraniens présentés par la galerie Silk Road de Téhéran
3. L'envers et le souvenir – Note sur Katajoun Karami
4. Œil, main, cerveau – Note sur Negar Karajiani
5. Logiconochronie XXVII : la trame même de la vacuité – Note sur Mehdi Vosoughnia

Galerie Folia
Du 14 septembre au 27 octobre 2018
Ouvert du mardi au vendredi de 13h à 19h
Le samedi à partir de 11h
13 rue de l'Abbaye, 75006 Paris, France
Tel : +33 (0)1 42 03 21 83
folia@galerie-folia.fr
https://www.galerie-folia.fr

Illustration couverture : © Morvarid K, The Thin Line, 2016. Courtesy de l'artiste.

Logiconochronie — XXVII : La trame même de la vacuité

Jean-Louis Poitevin — 2018-04-30T19:59:38Z

En poursuivant une collaboration avec la Silk Road Gallery de Téhéran et sa directrice Anahita Ghabaian, outre produire des analyses circonstanciées d'œuvres d'artistes, essentiellement de photographes, c'est une approche ouverte de ce pays qu'il importe de tenter.

Son passé immense, son influence si essentielle sur certains aspects majeurs de notre culture, font de l'Iran un pays incontournable qu'il est possible d'approcher à travers les œuvres multiples de ses photographes. Au fil de ces textes, c'est à offrir une « image » à la fois juste et variée de ce pays que nous nous employons. Aujourd'hui, c'est le travail de Mehdi Vosoughnia, photographe né en 1971, à Qazvin, que nous présentons.

Grand Hôtel, 2009, 40x60cm, Mehdi Vosoughnia

Surprésence

Singulières et en un sens « classiques », les images de Mehdi Vosoughnia sont toutes porteuses d'une forme d'inquiétante étrangeté due à la fois à l'absence d'êtres humains dans les lieux qu'il photographie, à deux ou trois exceptions près où l'on aperçoit des corps comme des silhouettes lointaines, et à leur « surprésence » en tant que fantômes dans un monde qu'ils semblent avoir déserté.
Tant par les objets qu'ils fabriquent que par les traces qu'ils laissent derrière eux ainsi que par les signes qu'ils ont inscrits à même la chair des villes ou des lieux, les hommes sont ici réduits et élevés à la situation d'apparitions « fantomales ».
La constance qui rapproche les différentes séries d'images qu'il a réalisées depuis plus d'une dizaine d'années peut se formuler ainsi : elles sont des « lieux » de la manifestation d'un appel qui se formule dans la langue du retrait.
Ce qui cependant surprend le plus, dans ce retrait même de la figure humaine, au point que parfois on se dit qu'il a effectivement effacé les corps de ses images, c'est comment il produit chez les spectateurs un effet puissant mais inverse.

Grand Hôtel, 2009, 40x60cm, Mehdi Vosoughnia

On ne voit que des lieux que l'homme a peut-être déserté mais qui tout aussi bien l'appellent, l'attendent. La vie est comme retirée et pourtant on l'entend comme grouiller dans les limbes de l'au-delà de l'image, dans les à-côtés de ces lieux vides.
Et lorsqu'un être paraît, c'est sous forme d'image, de projection sur un mur, en un mot de fantôme.
En révélant la trame fantomatique du monde qui l'entoure, Mehdi Vosoughnia ne parle pas seulement de l'Iran, mais bien de la relation générale au monde qu'entretient l'ensemble des humains. Assurés par leur souffle d'exister, ils ne peuvent pourtant rien dire au sujet de la consistance de leur présence. Car personne n'ignore qu'il est un passant sur cette terre mais cette idée souvent perçue comme insupportable empêche de parvenir à la « conscience » de ce qu'elle implique : que nous ne sommes peut-être que des fantômes jouant dans une pièce dont nous ignorons et le début et la fin et ne connaissons qu'à peine les répliques qu'on attend de nous dans l'instant.

Grand Hôtel, 2009, 40x60cm, Mehdi Vosoughnia

Homme transitoire et relation « mystique »

Nul mieux que l'immense Omar Kayyam, savant et mathématicien, dont il ne reste rien de l'œuvre mais qui heureusement est inscrit dans l'histoire par ses poèmes, n'a su dire cet état transitoire de l'homme sur terre, état auquel les images de Mehdi Vosoughnia dressent une couronne supplémentaire.
Ce quatrain, pour célèbre qu'il soit, n'en reste pas moins incontournable lorsque l'on parle de l'homme mais aussi de l'Iran car il témoigne de la grandeur d'âme qui habite cette culture millénaire.

« Pour parler clairement et sans paraboles
Nous sommes les pièces du jeu que joue le ciel ;
On s'amuse avec nous sur l'échiquier de l'être
et puis nous retournons, un par un, dans la boîte du néant »

Et en effet, on a l'impression que l'homme a été comme retiré par une opération magique du champ du visible mais aussi qu'il pourrait y reparaître à chaque instant. C'est ce seuil de l'attente que photographie Mehdi Vosoughnia avec une attention soutenue et une précision rare.

Grand Hôtel, 2009, 40x60cm, Mehdi Vosoughnia

Les fantômes et la possibilité d'exister

Les images tirées de sa série intitulée Grand Hôtel, qui ont été faites en 2009, mettent en scène le caractère « fantomal » de l'homme. Dans les pièces en déshérence d'un hôtel, comme hésitant entre se fondre dans la trame déliquescente des murs aux couleurs passées ou parvenir au contraire à s'en extraire pour, enfin libres, se dissoudre dans l'air ambiant, des hommes d'un siècle passé exhibent leur visage avec la fierté de ceux qui n'ont rien à perdre.
On peut aussi les voir comme des affirmations, celle d'une persistance optique constituant la manifestation visible du devoir être qui porte chaque être vivant. On peut, au contraire, les appréhender comme l'ultime manifestation d'un rêve au moment où il va aller se perdre dans la nuit d'un crâne.

Ces hommes sont des fantômes, autant dire des images ou inversement. Ces spectres, portraits en superposition sur des murs défraîchis, font apparaître au cœur de l'image photographique, quelque chose d'autre qui concerne sa dimension ontologique. En laissant la place à l'exhibition du caractère absolument fantomatique de leur « être », ces images réveillent la part de la puissance qu'elles mobilisent à chaque fois qu'elles sont faites, à chaque fois qu'on les regarde. Leur force, c'est de plonger dans le cœur de celui qui regarde le stylet de l'angoisse et le tremblement du doute en même temps que de nimber le monde désaffecté du passé absenté de l'histoire d'une trace de vie inatteignable.

Pamenar, 24x36 cm, Mehdi Vosoughnia

En quoi consiste l'espace

Et puis on se met à regarder les murs, les chambres, les couloirs, les vitres, les tableaux électriques détruits et ce que l'on contemple ce n'est pas le temps qui passe ni même le temps passé, mais bien quelque chose d'autre, son propre corps en train de déambuler ou de se tenir quelque part dans ce lieu. Ce que l'on contemple en regardant ces images, c'est son propre devenir fantôme, pas demain, après la mort, pas hier, avant de naître, mais là maintenant au moment même où l'on regarde.
On devient immédiatement, non comme l'un de ces visages, mais comme l'air saturé qui hante la pièce et l'on comprend qu'à chaque pas que l'on fait virtuellement dans l'espace correspond un regard et que c'est par ce regard seul que l'espace prend pour nous consistance.

Pamenar, 24x36 cm, Mehdi Vosoughnia

La réalité ne « tient » que parce que se mêlent la trame du rêve et du souvenir avec celle des choses visibles et concrètes, étant entendu que ces choses concrètes ne seraient rien si la trame du rêve ne venait, tel le liant dans la peinture, lui permettre de rassembler ces strates en une seule visible et visuelle.

Pamenar, 50x75 cm, Mehdi Vosoughnia

C'est un peu du secret des si impalpables images qui se livre à nous, ici, en ceci que ce qui affleure à travers elles, c'est la question même de la possibilité d'être. Et, nul ne l'ignore, nous ne sommes jamais rien d'autre qu'une telle possibilité, quels que soient les degrés d'actualisation auxquels nous prétendions parvenir.

Pamenar, 50x75 cm, Mehdi Vosoughnia

Murs nus de l'histoire

Avec Pamenar, une ville proche de Téhéran et construite par les Savafides au XVIIIe siècle, c'est au statut même de la ruine que Mehdi Vosoughnia nous confronte. Le temps ne passe pas, il s'accumule et s'accumulant il efface et ajoute dans le même mouvement. Le temps est le mouvement de surplace que fait tout ce qui est sans mouvement et ce tremblement systématique est ce qui fait la poussière devenir mur et le mur devenir poussière, interminablement. Hier, demain, toujours, sont synonymes. Et chacune de ces surfaces est ainsi révélée dans sa fonction originelle : être le support des projections visuelles. Chaque mur est un écran de cinéma potentiel qui attend d'être élevé à la hauteur d'un rêve.