TK-21

Pascal Hausherr, la photo sans détour

Françoise Lambert et Pascal Hausherr — 2024-06-02T08:33:29Z

Depuis le début des années 2000, le photographe Pascal Hausherr façonne dans un imposant corpus un portrait subjectif de la France. À l'occasion de la sortie de deux livres de photographies, « Prospective » et « Les Modernes », il a accordé un entretien à Françoise Lambert, de TK-21.

D'où sont nés tes projets de livres ?

Les Modernes a vu le jour pendant la période du Covid 19, en avril et mai 2021, pendant le deuxième confinement. En tant qu'artiste, j'ai vécu les restrictions liées à la pandémie comme une aubaine, une sorte de résidence que je m'offrais à moi-même, là où je vis, en banlieue parisienne. Comme des obligations rémunératrices m'accaparent, j'en étais là d'un coup libéré, tout en conservant mon petit salaire.
Les Modernes, c'est une tentative d'affronter l'objet sans détour, en osant voir ce que l'on voit. Je suis plutôt rapide dans l'exécution, mais là je dois dire qu'en deux ou trois mois la sélection des images et le montage simultané ont été bouclés.

Quid de Prospective ?

Alors que Les Modernes établit un constat un peu âpre du monde que j'habite, et qu'il dit, j'espère avec élégance, la désolation du monde, Prospective se charge de manière plus nette d'une tendresse et d'une beauté que le premier ne ferait qu'esquisser.
Ce qui m'obsède et m'occupe, c'est l'idée qu'à tout instant tout peut basculer dans la catastrophe, dans la défaite, c'est l'intuition que dans toute image il y a la possibilité de la chute. Je vois aujourd'hui la disgrâce et je veux la voir avec tendresse et grâce. Prospective à cet égard en témoigne plus peut-être que Les Modernes.

En quoi tes deux ouvrages se distinguent-ils et qu'est-ce qui les rapproche ?

Les Modernes et Prospective s'inscrivent dans la continuité de mes précédents travaux. Mon approche est là aussi celle d'une documentation subjective de la France, ce que je fais depuis le début des années 2000. Ces deux livres d' « aspect physique » très différents, je dirais qu'ils s'épaulent, qu'ils se jalousent, qu'ils s'aiment un peu, enfin ils essayent, c'est un couple.

Ne s'agit-il pas d'un événement plutôt rare, la parution simultanée de deux ouvrages ?

C'est vrai ! J'ai d'abord proposé à l'éditeur Éric Cez, des éditions Loco, une maquette de ce que je pensais être le plus abouti de mes récents travaux, à savoir Les Modernes. Alors que j'évoquais un jour avec lui le temps relativement long qui sépare le projet de sa concrétisation — ce pour des raisons essentiellement techniques et financières —, ce fut pour moi une grande surprise et un quasi-miracle lorsqu'il m'a présenté peu après une petite maquette (au format livre de poche !) qu'il avait conçue à partir d'un ensemble d'images très récentes, de 2023, que j'avais déjà nommé Prospective. Il avait fait des captures d'écran de mes photos sur les réseaux sociaux où je poste régulièrement mes productions ! Prospective, c'est son livre, et je l'ai accueilli sans réserve aucune, avec enthousiasme et bonheur. Se faire faire un livre dans le dos, c'est un peu comme photographier pour moi, j'accueille ce qui advient.

Sans titre,

extrait de « Prospective », 2024.

Quelle est ta manière de faire des photographies ?

Quand je photographie, j'ai déjà en tête un nombre infini de photos existantes, les miennes comme toutes celles du monde. Il n'y a pas de première image, on n'écrit pas sur une page vierge, tout le monde le sait, mais tout le monde fait comme s'il était le premier. Et pendant l'action photographique, je ne pense pas, je suis juste là, présent au monde. « Le dessein secret de la pensée, c'est d'en finir avec la pensée », dit Jean-Paul Curnier [1].

L'idée arrive-t-elle avant les images ou t'appuies-tu sur de premières images pour trouver une idée ?

Ma photographie se nourrit beaucoup de mes lectures, de la littérature et des essais. Dans mes projets, un titre survient, qui préexiste à tout début de prise de vue ; c'est un trait constant dans mon travail, ma manière de faire, c'est toujours le fait de nommer et de titrer qui déclenche l'action photographique. Cela signifie que l'idée est toujours initiale, même vague, même lorsque l'intention me demeure obscure.

Le titre Prospective, je comprends bien, mais Les Modernes ?

Le titre Les Modernes s'énonce comme une provocation et voudrait annoncer une querelle. Personne n'est jamais d'accord sur rien, nous sommes tous d'accord sur ça. C'est paradoxal, n'est-ce-pas ! Alors un livre, si on lui accorde quelques crédits, n'est-ce-pas une manière de s'accorder sur le fait nécessaire de poser des questions liées à la représentation du réel ?

Comment procèdes-tu pour monter les images entre elles dans tes ensembles ?

Je me suis rendu compte à un moment que dans le déroulé des images, je respectais presque à la lettre l'ordre chronologique des prises de vues. Ce qui s'entend là, c'est que les images s'épaulent, s'accordent, se questionnent et se répondent les unes après les autres.

As-tu déjà en tête la destination finale des images quand tu fais tes photographies ?

Absolument, et c'est le livre, parce que je considère que la photographie est un langage, que les photographies sont comme des phrases et que le temps du livre dans sa structure se fait récit. C'est le montage qui importe, la mémoire de l'image précédente, l'attente de la suivante, et puis l'oubli. Dans un livre de photographies, les images ne s'additionnent pas, elles se démultiplient, puissance dix. La photographie comme seul objet plastique m'intéresse peu, la photo ne peut pas être un objet décoratif, elle peut être miniature mais pas ornement.
M'exprimer plastiquement m'importe relativement peu et le livre en soi et en ce sens est bien plus apte à dire le monde que j'habite. J'accepte davantage aujourd'hui de vivre de plein fouet dans mon époque… et je pourrais dire que je choisis d'y vivre, radicalement.

Au premier abord, tes images peuvent parfois sembler un peu difficiles à appréhender, elles pourraient paraître un peu ingrates, sèches ; mais à bien y regarder je trouve qu'elles recèlent de la beauté et aussi beaucoup de tendresse.

Oui ! Avec Les Modernes, la querelle a certainement pris fin et la beauté s'est peut-être substituée à la colère. Mais c'est au lecteur d'en juger !

Pour répondre plus précisément, il me faut parler du piège des images où le spectateur est pris. On a tous plus ou moins cette volonté de toujours hiérarchiser les choses, c'est rassurant, n'est-ce-pas ! Chez moi, toutes choses sont égales, enfin c'est comme ça que je l'entends, je rêve d'un monde égalitaire et commun. Pour plagier Godard, je ne fais pas des images à proprement parlé politiques, mais je les fais politiquement.
Quant à la tendresse que tu évoques, c'est celle de la lune contemplée au fond d'un puits. On a besoin des images pour se faire une idée du monde.

« Les Modernes », 2024,

couverture, 24 x 28 cm.

Tu exprimes parfois un grand doute au sujet de la photographie ? Alors qu'est-ce qui te lie si fort à elle ?

Je pense que la photographie est faible, c'est la face sombre et glorieuse de la lune, et c'est ce qui fait toute sa force, sa puissance phénoménale à dire le réel. C'est un paradoxe et je l'assume ! Je me suis engagé en photographie, et je sais aujourd'hui que c'est à la seule fin de me confronter à ce dont je doute en permanence, c'est-à-dire le réel. C'est la photographie qui m'a constitué, qui me constitue, parce qu'elle m'aide à penser le monde, c'est ma meilleure amie !

[1] « Philosopher à l'arc », Jean-Paul Curnier, Éditions Lignes, 2016.

Image d'ouverture : Sans titre, « Les Modernes », © Pascal Hausherr, 2021.

Prospective, 2024,

couverture, 17 x 11,5 cm.

« Les Modernes », Pascal Hausherr, Éditions Loco, 2024.
« Prospectives », Pascal Hausherr, Éditions Loco, 2024.
Sortie en librairies le 4 juin 2024.

« Les Modernes », 2024,

couverture, 24 x 28 cm.

Signature à Arles Books Fair 2024, France PhotoBook mardi 2 et vendredi 5 juillet, 17 h 30-19 h 30, collège Saint-Charles. Dans le cadre des Rencontres de la photographie d'Arles.

Trois vagues dans la nuit

Natalie Curtis et Pascal Hausherr — 2024-04-30T19:25:28Z

Vous auriez pu voir trois fois rien, quelque chose comme un son à peine audible. Un bruit de porte qui s'entrouvre. Vous savez vous la suiviez à distance.

West Hollywood (Day 5)

Melrose to Hollywood #2

Vous êtes aujourd'hui à observer onze photographies baignant dans une lumière épuisée ; atténuée n'est pas le mot. On voit que c'est une lueur qui ne sort que la nuit, une lueur qui s'effraie de trop de lumière. Une jeune femme sans gloire, comme je l'interpellerai plus tard, répond à son nom Emilee. J'aurais pu crier Madeleine ou Carlotta, pareille vertigineuse mémoire.

West Hollywood (Day 7)

Echo Park / Emilee

Dans la nuit du cinquième jour, je l'aurai vu sortir errante d'un immeuble. Puis au septième, je l'aurais vu photographier un parterre de fleurs, happée par ce jaune au minimum. J'ai trahi, voyeur, ma présence et dans ses yeux, deux légers éclats de lumière ; je me dédouble en ses yeux. Le flash qui la saisit en retour est l'instant précis où la photo me rend au monde.

Downtown to Franklin

Melrose to Hollywood #3

Á trois reprises, sur la plage de Malibu, je suis sorti de l'histoire de vous avoir sortie du pacifique océan. Je ne me suis pas retourné et je vous ai sauvée, mais saurai-je un jour ce qui en a été abandonné ?

Malibu / David #1

Malibu / David #2

Malibu / David #3

Vous êtes ainsi revenue à la vie. Vous avez contemplé les lumières citadines, la vie déserte, la nuit cinéma. Vous avez erré, indifférente à vous même, quêtant la moindre palissade où poser votre dos, tenant fermement votre appareil photographique entre vos doigts afin que la photo ne soit pas trop bougée.

Melrose to Hollywood #1

Image d'introduction : Rampart to Melrose, © Natalie Curtis.
« Malibu Night Waves », Los Angeles, USA, 2018, 11 photographies C-print numérique, 20,5 x 30,5 cm.

Natalie Curtis est représentée en France par la galerie Arnaud Lefebvre, Paris.

À Perte de vue, notes sur le désert algérien

Pascal Hausherr — 2024-01-30T20:19:49Z

« À Perte de vue, notes sur le désert algérien » témoigne, trente-cinq ans plus tard, de ce qu'était pour moi de façon inaugurale l'essence de la photographie pratiquée au Leica muni de l'incontournable pellicule Tri-X.

Les notes sur le désert algérien représentaient pour moi en 1987, au terme d'une décennie de pratique photographique, un aboutissement essentiel dans l'ordre de la composition. Cet ensemble marquait également une sorte d'engagement fidèle à « l'instant décisif » cher à Henri Cartier-Bresson, lequel à l'époque régnait en maître. Je n'avais pas l'intention de le détrôner, je voulais seulement tenter de me hisser à sa hauteur.

Tout a bien changé ; pourtant, revisiter et montrer aujourd'hui ces images n'a rien de nostalgique ; elles sont juste l'expression d'une époque, d'un regard, d'un désir de voir toujours intact ; depuis les choses sont devenues bien plus équivoques et complexes. En photographie, il ne s'agit pas de rendre des comptes mais bien de rendre compte du monde, tel qu'il est. Les vérités semblent épouser l'air du temps, elle n'en restent pas moins des vérités.

À Perte de vue a pris la forme d'une maquette de livre comportant soixante-et-onze photographies ; elle est inédite à ce jour. Une version originale unique, réalisée à la fin des années 80, sur du papier baryté chlorobromure (Agfa Record Rapid) est conservée dans les collections de la Maison Européenne de la Photographie à Paris.

Janvier 2024

Alger

Ghardaïa

El Goléa

In Salah

Environs d'Arak

Route In Salah-Tamarasset

Tamanrasset

L'artiste Agilé Gbindoun déjoue nos certitudes

Pascal Hausherr — 2023-10-01T14:13:49Z

L'art d'Agilé Gbindoun qu'elle nomme ici « Qui suis-je ? » est d'une telle évidence paradoxale qu'il semble nécessaire, pour en saisir l'acuité et la violence, de laisser l'œuvre circuler dans le corps, et d'admettre qu'on ne peut répondre à une question qu'en faisant acte de dépossession et d'arrachement. Essai d'interprétation des œuvres présentées jusqu'au 21 octobre à la galerie Arnaud Lefebvre à Paris.

Mais quel est donc cet art qui actionne de puissants et violents antagonismes sans que s'annihilent pour autant ses différents éléments ? L'œuvre d'Agilé Gbindoun est ainsi parcourue de pôles positifs et négatifs qui peuvent à tout moment court-circuiter, et ce dans un simulacre alternativement protecteur et oppresseur. Contentons-nous pour le moment d'indiquer qu'au regard des œuvres il nous faudra prendre les titres au pied de la lettre — il s'agit pour l'essentiel d'autoportraits et de mises en boîte — et de dire qu'Agilé Gbindoun, originaire du Benin, vit et travaille en Suisse. Nous ne douterons pas que sa petite enfance passée en terre africaine et son exil occidental lui auront inévitablement occasionné quelques secousses.

Autoportrait I

Huile et crayon gras sur taie d'oreiller en lin, 70 x 70 cm. 2023

Que nous propose donc l'artiste ? D'abord la représentation d'une symbolique de l'enfance à travers l'exposition de jouets enchâssés et mis en boîte — on y reconnaîtra parmi d'autres l'iconique Pinocchio — et de poupées, objets de prédilection des petites filles. Et que soumet-elle à nos sens : des figurines anonymes en Celluloïd qu'elle larde à profusion de signes graphiques, tels des cicatrices à même la peau, et qu'elle lie avec du fil de fer barbelé ; on reconnaît là, c'est selon, le penchant à la cruauté des tout jeunes enfants, l'outrage des adultes à leur égard, ou la douleur de l'enfantement comme lorsqu'elle suggère l'image du cordon ombilical.

« Qui suis-je ? » c'est le titre qu'elle donne à son exposition qui se tient à la Galerie Arnaud Lefebvre, rue des Beaux-arts à Paris, du 5 septembre au 21 octobre 2023. Entendons bien la question. Ainsi, accrochés aux murs de la galerie, quoi penser de ces écritures brouillées et de ces empreintes picturales abstraites posées sur des taies d'oreillers brodées à l'ancienne ? Pourquoi ce qui enveloppe et protège habituellement — un drap, une housse de duvet — prend-il cette autre radicale direction ? Il suffira peut-être de se souvenir qu'une taie se pose symboliquement sur l'œil pour repousser quelque chose qu'on sait ne pas vouloir voir.

L'art d'Agilé Gbindoun est un art d'une telle évidence paradoxale qu'il semble nécessaire, pour en saisir l'acuité et la violence, d'éloigner de soi tout à priori, c'est-à-dire de laisser l'œuvre circuler dans le corps — comme dans la cure analytique où la langue travaille de l'intérieur. Tel un discours, le courant passe à certains endroits dénudés où les phases se repoussent et court-circuitent. Faudra-t-il admettre, toute taie ôtée, que nous ne sommes plus reliés à la terre par aucun fil. Admettre enfin qu'on ne peut répondre à une question qu'en faisant acte de dépossession puisque c'est bien d'un arrachement dont il s'agit.

Aussi, partant des poupées lardées et fagotées, des taies d'oreillers jusqu'à ce grand drap de lit (l'impressionnant « Autoportrait décompensation »), quelque chose disjoncte en nous ; nous sommes empreints et médusés. Ces œuvres sur taies de lin qu'Agilé nomme indistinctement « Autoportrait » ne sont pas sans évoquer un certain suaire, une certaine passe psychanalytique, et jouons davantage encore, un certain déploiement de Véronique à la face de la bête — jeu de dupe dangereux visant à séduire et à mettre à mort. La question erre sans fin et nous travaille sans relâche.

En écho lointain, je citerai Michel Leiris — l'auteur de L'Afrique fantôme — qui écrivait dans Miroir de la tauromachie : Pour atteindre la proie, viser l'ombre.

Autoportrait II

Huile et crayon gras sur taie d'oreiller en lin, 70 x 70 cm. 2023

Autoportrait décompensation

détail

Autoportrait décompensation

Huile et crayon gras sur drap en lin, 200 x 280 cm. 2023

Mise en boîte I

Carton à chapeau avec écritures, poupée en Celluloïd, fil de fer barbelé,
Ø : 27 cm. / h : 15 cm. 2023

Mise en boîte II

Carton à chapeau avec écritures, poupée en Celluloïd, chiffons, fil de fer barbelé,
Ø : 35 cm. / h : 20 cm. 2023 - détail.

Mise en boîte III

Boîte en fer blanc avec écritures et poupée rose en plastique
40 x 24 x 7 cm. 2023

Qui suis-je ?

Poupées en Celluloïd, écritures, chiffons, fil de fer barbelé, 75 x 50 x 48 cm. 2023

Frontispice :
Élévation du corps
Boîte en bois avec écritures, petits objets, 30 x 25 x 23 cm. 2023

« Qui suis-je ? »
Exposition du 5 septembre au 21 octobre
Galerie Arnaud Lefebvre
10, rue des Beaux-Arts – 75006 Paris
Mardi-samedi 10h30-12h30 / 14h30-18h30
www.galeriearnaudlefebvre.com

Du grain à moudre

Pascal Hausherr — 2023-08-04T09:34:32Z

Soyez résolus à ne plus servir, et vous voilà libres.
Étienne de La Boétie « La servitude volontaire »

Mes photographies posent la question de la validité de leur existence en tant que photographie. Ce qui n'est pas vraiment poser la question première de la représentation.

Au fond, ce serait une photographie qui douterait d'elle-même, une photographie incertaine et qui déclencherait instinctivement la mise en cause de la réalité du réel dans lequel on baigne. Cela n'exclut aucunement la précision et l'exactitude de la forme.

Sans doute la photographie s'impose-t-elle ici accidentellement en tant qu'emblème, en tant qu'archétype.
La photographie comme énigme de sa propre nature intrinsèque.

Les modernes (2021)

Pascal Hausherr — 2021-07-29T14:11:44Z

La période actuelle est soumise et de peu de tendresse. C'est l'éternel retour de la crise. La raison, d'ordre strictement social et politique, est liée à un isolement qui désappointe. C'est une fatigue, la lassitude d'une âme désolée face à un monde désolant. Mais qui peut dire qu'à un moment donné il n'a jamais pensé avoir fait le tour de la question. Faut-il se taire alors que trépigne indéfectiblement le nerf de la guerre ?

Je vois à ordonner les mots la tranquillité gagnée. Photographier est ma maison où j'accroche sur ses murs la révolte et la beauté j'espère. J'ai pris parti pour la photographie mais il m'arrive de douter de ce que j'obtiens. C'est peut-être dans l'incertitude et dans l'ambiguïté que se tient mon art. La difficulté, c'est d'admettre que c'est à vous seuls d'en juger. Vous voyez d'ici l'inquiétude que ça cause !

Ceci dit, je veux aujourd'hui n'avoir d'autre préoccupation que d'affronter l'objet, sans trop de détour, et me contenter de photographier les choses du monde telles que je les vois. Pour cela, et fidèle à mon habitude, je me suis imposé un unique format horizontal, un téléobjectif comme optique photographique. Et puis un titre, un livre en cours : Les Modernes ; non plus là une contrainte mais une forme libre.

La photographie est affaire de croyance. Elle fait événement quand s'articulent représentation de l'objet (l'image) et relation au sujet (le spectateur). Qui est pris dans l'histoire ? Sans jouer sur les mots, ça parle de plaisir. C'est pour cette raison que le livre, à mon sens, est bien apte à nourrir un langage photographique, une langue qui sans plus la tirer est déjà une histoire de goût et de toucher, une histoire de l'œil.

Mes photographies véhiculent des extraits de mon corps parce qu'elles ont transité par lui. En l'occurrence, j'aurais souhaité me placer sous l'éclairage des écrits de Bernard Noël. Enfin, permettez-moi d'oser cet aveu : je ne me remets pas de sa mort toute récente. Davantage encore que l'amitié dont il a su à une époque plus tardive de ma vie m'entourer, il fût poète à me donner mes premiers mots.

Quoi qu'il en soit, que soit ici remerciée la revue TK-21 pour son accueil amical et pour nous permettre de fêter communautairement ses dix ans — le plus bel âge, l'enfance de l'art. Tout commence de nouveau.

Une danse de mort

Pascal Hausherr et Robert Huot — 2021-07-01T17:14:34Z

Voici donc, sous le titre donné par Robert Huot, La jeune fille et la mort, deux dates accolées qui me semblent pour le moins énigmatiques : 2009-2021.

J'appelle pour mémoire l'exposition dernière présentée en 2019 à la galerie Arnaud Lefebvre Red Classic/Red Figure (2009-2019), où se déployaient 9 tableaux photographiques — dont l'emblématique Expulsion — réalisés en 2009 avec sa femme Carol Kinne, décédée en 2016.

Robert Huot Death and the Maiden #37-v2 One Shoe Off and One Shoe On 2009-21

Photographie, impression pigmentaire sur papier Hahnemühle Photo Rag Ultra Smooth Image 40.25x36 cm sur feuille 52.25x44 cm

Alors que j'aligne ces dates, j'en saisis d'un coup l'effroi temporel et je me trouve plongé au cœur d'un drame exactement profane.

Robert Huot n'est-il pas inconsolé de ses années de veuvage ? Dans la chambre vide, j'imagine qu'il tourne et retourne les photographies de Carol faites en 2009 ; elle apparaît si jeune et désirable, mais par quel biais la rejoindre. C'est donc ainsi qu'il aurait décidé l'autoportrait à entrer dans la danse ?

Robert Huot Death and the Maiden #45-v1 Red Skirt 2009-21

Photographie, impression pigmentaire sur papier Hahnemühle Photo Rag Ultra Smooth Image 54x31,5 cm sur feuille 66x40.5 cm

Une douzaine d'années, c'est la durée qu'il aura fallu pour que l'artiste en vienne à concevoir cet oratorio grotesque en rouge et en noir principalement, incrustant numériquement sa chair dans la chair des images vives de sa jeune fille de femme.

J'y suis. La mort est là, mais l'âme est lasse. Et ce n'est pas la mort qui menace de sa faux, mais c'est la mort qui est invoquée dans ces gestes de supplication et d'offrande que je prête au vieil homme, au modèle, à l'artiste.

Robert Huot Death and the Maiden #66-v3 Tambourine 2009-21

Photographie, impression pigmentaire sur papier Hahnemühle Photo Rag Ultra Smooth Image 48.5x36 cm sur feuille 60.5x43.5 cm

Je ne vois dans ces photographies aucune forme de symbolisme, nulle allégorie, et c'est justement par cet affrontement sans détour que se déploie toute l'humanité en ce qu'elle désire et en ce qu'elle souffre.

Ici encore à l'œuvre, toute la puissance de l'art, et je fantasme en ce que Robert Huot pourrait enfin dire : « en ceci, je te rejoins de m'être inscrit en ton image ».

Robert Huot Death and the Maiden #73-v1 Boa 2009-21

Photographie, impression pigmentaire sur papier Hahnemühle Photo Rag Ultra Smooth Image 36.5x36 cm sur feuille 48.5x43.5 cm

Le dit-il ? J'aime à croire qu'il livre parmi nous, et lumineusement, ces photographies comme l'aveu d'une indéfectible mélancolie et d'une indicible tendresse.

L'amour, la mort, qu'en savons-nous ? Nous en resterons là…

Robert Huot Death and the Maiden #73-v2 Conversation 2009-21

Photographie, impression pigmentaire sur papier Hahnemühle Photo Rag Ultra Smooth Image 50x36 cm sur feuille 62x44 cm

A Dance of Death

Here are, under the English title given by Robert Huot, two dates side by side that seem enigmatic to me, to say the least : 2009-2021.

For the record, I call to mind the last exhibition in 2019 at the Arnaud Lefebvre Gallery Red Classic/Red Figure (2009-2019), which featured 9 photographs - including the emblematic Expulsion - made in 2009 with his wife Carol Kinne, who died in 2016.

Robert Huot Death and the Maiden #74 Odalisque 2009-21

Photographie, impression pigmentaire sur papier Hahnemühle Photo Rag Ultra Smooth Image 41.5x36 cm sur feuille 53.5x44 cm

As I line up these dates, I suddenly grasp the temporal dreadness and find myself plunged into the heart of a precisely profane drama.

Isn't Robert Huot inconsolable about his years of widowhood ? In the empty room, I imagine that he is turning over and over the photographs of Carol made in 2009 ; she appears so young and desirable, but how to reach her ? So is this how he would have decided the self-portrait to enter the dance ?

Robert Huot Death and the Maiden #112 The Flautist 2009-21

Photographie, impression pigmentaire sur papier Hahnemühle Photo Rag Ultra Smooth Image 51.75x36 cm sur feuille 63.75x44 cm

It took the artist several years to come to conceive this grotesque oratorio, mainly in red and black, digitally inlaying his flesh into the flesh of the vivid images of his young daughter of a woman.

Here we go. Death is here, but the soul is weary. And it is not death that threatens with its scythe, but it is death that is invoked in these gestures of supplication and offering that I lend to the old man, the model, the artist.

Robert Huot Death and the Maiden #116 Defiant 2009-21

Photographie, impression pigmentaire sur papier Hahnemühle Photo Rag Ultra Smooth Image 54x29.8 cm sur feuille 66x40 cm

I do not see in these photographs any form of symbolism, any allegory, and it is precisely through this straightforward confrontation that the whole of humanity unfolds its desires and sufferings.

Here again at work, the whole power of art, and I fantasize in what Robert Huot might finally say : “In this, I join yourself in having inscribed myself in your image.”

Does he say so ? I like to believe that he delivers among us, and luminously, these photographs as an admission of an indefectible melancholy and unspeakable tenderness.

Love, death, what do we know about it ? Let's leave it at that…

Robert Huot
Death and the Maiden — 2009-2021
Galerie Arnaud Lefebvre, Paris
4 mars-30 avril 2021 / Prolongation du 19 mai au 3 juillet 2021
10 rue des Beaux-Arts 75006 Paris
Tél. : +33 (0)1 43 54 55 23 / +33 (0)6 81 33 46 94
pascal@galeriearnaudlefebvre.com
https://www.galeriearnaudlefebvre.com/

Frontispice : Robert Huot Death and the Maiden #08 These Boots Were Made for Walking 2009-21 Photographie, impression pigmentaire sur papier Hahnemühle Photo Rag Ultra Smooth Image 38x36 cm sur feuille 50x44 cm

Pascal Hausherr

Pascal Hausherr — 2019-11-01T15:23:07Z

100% à côté de la plaque, sans scrupule, je pense qu'il y a là dedans certainement matière à réfléchir

Pascal Hausherr à L'atelier TK-21

Pascal Hausherr — 2012-12-18T15:05:53Z

À partir des images de son livre Encore, paru aux Éditions Trans Photographic Press au printemps 2012, il a évoqué son parcours et en tentant de répondre à une question qui à la fois le poursuit et le dépasse, celle des relations entre photographie et conscience de classe, il a abordé de manière intime la relation qu'il entretient avec les images, et le fait de faire aujourd'hui encore et toujours de la photographie, le fait de les montrer dans des livres.
Cette séance n'ayant pas été enregistrée, Jean-Louis Poitevin lui a demandé de revenir à travers un échange de mail sur ses propos. Nous donnons à lire les premières réflexions que cet échange a fait naître.

En préambule, je tiens à signaler que je n'ai pas tenu une conférence, où un savoir aurait été prodigué avec un mètre étalon — ce que Lacan a appelé le discours du Maître. Ça sonne bien comme une excuse à t'avouer que je ne sais pas s'il y a un rapport entre photographie et conscience de classe. Je peux seulement dire qu'en ce qui me concerne, l'une comme l'autre me préoccupent et m'occupent suffisamment pour en faire l'objet d'une discussion. Á cet égard, nous savons tous qu'une relation s'instaure par le fait même d'être assemblés, mais que ce savoir soit immanquablement prétexte à ne pas penser…
Édgar Morin dans La Méthode ne désigne-t-il pas la difficulté à penser ce que nous savons… Voilà, nous y sommes, dans cet atelier, à se lier.

Je crois que la conscience de mon aliénation me transporte plus en avant, pour ne pas dire plus haut, que la conscience de ma liberté — peut-être parce qu'on est fondamentalement libre dès l'origine, à savoir seul, que ça laisse un grand trou et que c'est insupportable. Et que c'est bien cette pensée de l'aliénation qui devrait nous faire penser les rapports de classes ; on a oublié combien de luttes au passage ! Á ne pas oser mal penser, on n'a tout simplement pas osé penser le mal.

Toute liberté est un leurre (est-ce pour cette raison qu'on nous en rebat les oreilles !), et à l'heure où je vous parle je m'aliène déjà non seulement mon histoire et le récit que j'en fais, mais je me lie à toi… avec une volupté certaine.

Pascal Hausherr

2 — Jeudi 13 Décembre

Cher Jean-Louis,

Je parle de livre de photographie, et de son lecteur. Pour que celui-ci fasse réellement l'expérience de la lecture, il est nécessaire qu'il en passe par l'épreuve de la dépossession de son moi, qu'il accepte de s'éloigner de ce qui est représenté pour s'en aller dans le fleuve de la représentation-même ; dans ce lit ce n'est que clapotis, eau et boue mêlées, à se débattre, à s'agiter, toute possibilité de sommeil ôtée…

Regarde, chez Daido Moriyama par exemple, grand faiseur de livre de photographie, c'est une belle pagaille, mais il me semble que ce sont encore de beaux objets plastiques, c'est encore de la photo. Qu'est-ce que je veux dire par là ? Il me semble qu'il est encore beaucoup trop adroit, et que s'il doute malgré tout du monde, il n'est pas dans l'incertitude fondamentale de sa présence au monde ; sa raison ne vacille pas. Il a l'univers économique et financier à ses côtés (il y a une différence entre rendre compte et rendre des comptes, n'est-ce pas !).

Dans mes livres, j'en suis au moment où je voudrais que ça n'en soit plus, de la photographie (la photo, c'est toujours une image d'appareil, qu'il soit photographique, d'État ou de ce qu'on veut !). Il faudrait en arriver au point de la laideur, de la violence, du meurtre, de la destruction, il faudrait en être réduit au n'importe quoi, mais dans une direction donnée, voulue !
En fait, il n'y a pas de rapport entre conscience de classe et aliénation comme je le disais l'autre soir ; je ne parlerai plus d'aliénation, fini, terminé. Cette conscience de classe, l'être de classe comme dit Duras à un moment, c'est ce qui me fait libre à moi-même, c'est ce qui fait ma photographie libre d'elle-même.

Je n'en peux plus de regarder la photo, les expositions, les livres qui ne sont que des faire valoir, produits dérivés et autres… J'ai de ça, et du monde, une lassitude immense, irrévocable ; je crois que cette fatigue, cet ennui, c'est une chance, c'est une chance que j'ai là et qui m'arrive seulement maintenant.

Si l'on souhaite (parce que certains ont encore la fibre aventureuse) avoir une expérience du monde, ce ne sera qu'en prenant congé de celui-ci en tant qu'objet représenté, pour n'être plus que dans la seule représentation, dans une sorte de spécificité photographique, absolument pas sentimentale, où nous emportera la sensation d'une folie jusque là inexplorée…

Jean-Louis, c'est venu comme ça, peut-être une remémoration, ton souhait qui continuait d'agir en moi, je t'envoie tel quel, sans relire…

Amitiés

Pascal

3 — Samedi 15 Décembre

Cher Jean-Louis,

Ce que tu me dis là me fait penser qu'il y aurait intérêt à ce que l'on conserve la forme de la correspondance, je veux dire que ça pourrait prendre la forme d'un entretien, genre questions/réponses en quelque sorte ; qu'en penses-tu ? On peut se voir dimanche pour travailler ce truc et choisir des images ?
Je te fais part, m'y invitant, quelques bribes de réflexions qui me sont venues depuis :

Je voudrais revenir un instant sur mon dernier opus “Parce que vous êtes là” (juste évoqué ce soir du mercredi 5 décembre), qui est peut-être ce que j'ai fait de mieux, de plus “en allé” et qui s'est fait dans le sentiment d'une lassitude extrême, de moi, du monde, de la photographie, du mensonge de la photographie telle qu'elle est apprise puis récitée généralement. Je n'en reviens toujours pas que ça ait pu donner cette chose aboutie, précise et si nette. Que signifie cette lassitude, cet ennui chez moi ? Je ne décolle pas de cette pensée que la servitude a gagné l'univers, que tout le monde sait aujourd'hui claironner l'oppression, mais que c'est la peur qui lui fait garder la raison, sinon il en serait à la folie, et ce serait le stade ultime de l'amour. Le monde ne s'est jamais autant soumis à ce qui le dépasse. Le monde devient de moins en moins supportable ; pourtant le penser crée de l'espoir, et c'est cette immense fatigue qui m'incite à croire qu'ici tout pourrait recommencer, puisque le ménage — et dieu que ça épuise ! — aura été fait, travail accompli, place nette, place…

Me revient cette citation de Karl Marx :

« Les hommes font l'histoire dans des conditions non voulues par eux. »

Et puis ce matin, cette dernière notion à propos de l'importance que j'accorde à la représentation, et à ce qui en est peut-être sa fin dernière (en art, on proclame bien régulièrement la mort de quelque chose !).

Il y a dans notre monde un tel manque à vivre — voyez l'envahissement effarant des émissions de "télé-réalité", ou très récemment du "cinéma-secret" britannique, j'ai vu ça hier soir sur Arte — que c'en sera bientôt fini de notre relation privilégiée, nécessaire, à la représentation (Flaubert ne disait-il pas que pour bien voir la lune il faut la regarder dans un puits) ; finies, terminées la symbolique, la poésie, la forme, le style, terminé l'art. Vivons ! C'est devenu un mot d'ordre. Vivons, à défaut de mieux (qui saura jamais ce que signifie cette phrase ?). Je sais qu'un espoir ne peut naître que de la seule dépossession, totale, entière… et qu'à ce point ce serait la folie cette épreuve — poing dressé.

Il me plait infiniment que par ces échanges notre amitié s'en trouve gaillarde…

Pascal

4 — Dimanche 16 décembre

Tu vois, cher Jean-Louis, comme tu m'ouvres à la parole ! Merci.

Tu ne me convoques pas, tu me provoques ! Comprends-tu, ce que je dis vient en partie de ma fatique — elle est entière, elle est renversante. Mais aussi parce que je l'accepte, j'y vois une force de vie énorme, une vigueur contestataire inconnue de moi jusque-là, et j'en use, librement ! Je veux citer quelques propos de Marguerite Duras, dans une note écrite en 1972 pour le scénario de son film Nathalie Granger — propos que je voudrais laisser en suspens, sans commentaire aucun, tel un dernier rebond pour nos lecteurs sur notre sujet initial « photographie et conscience de classe », propos qu'ils prendront évidemment pour une parabole de l'artiste.

« La situation du voyageur de commerce — je parle de ceux qui sont au plus bas de l'échelle, qui font du porte-à-porte — m'apparaît toujours comme étant la plus terrible de toutes. C'est en général un dernier boulot, celui qu'on se décide à faire quand on n'a plus d'autre recours. Mais l'aspect terrible de ce travail, c'est surtout qu'il oblige celui qui le fait à en passer par le mensonge fonctionnel qui, en général, est réservé aux patrons. Ordinairement c'est le patron qui vante sa camelote, et non l'ouvrier. Les ouvriers ont au moins le droit de se taire. Et justement, le voyageur de commerce, lui, ne l'a pas : il est tenu d'« imiter » le patron, de se « dégrader », de rejoindre les rangs des patrons — et cela pour survivre. Il est tenu d'imiter son langage, son maintien, son aisance — même s'il monte quarante étages par jour pour faire un seul repas. »

Commentaire ou comment taire ?

Bien à toi, et avec mon amitié,

Pascal

Voir en ligne : http://www.transphotographic.com/#/...

TK-21 L'atelier

Martial Verdier et Pascal Hausherr — 2012-11-20T12:12:30Z

Première de TK-21 L'atelier (qui remplace le séminaire).
En présence du photographe Pascal Hausherr qui parlera de son travail et de son livre Encore et débattra avec vous autour du sujet :
photographie et conscience de classe !

Mercredi 5 décembre

Pascal Hausherr

photographie et conscience de classe !

À la galerie White ProjectS
24 rue St Claude. 75003 Paris. Tel / FAX : 09 60 35 69 14.
Sur les murs l'exposition de l'artiste brésilien
Rafaël CARNEIRO : DIRTY WESTERN