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Holyshit, de l'inceste au possible pardon

Catherine Belkhodja — 2024-04-01T09:42:49Z

Victime d'un inceste durant l'enfance, Sarah Marcuse ne trouvait pas les mots pour l'écrire. Il lui a fallu attendre plus de quarante ans pour que les vannes s'ouvrent. Holyshit raconte cet émouvant parcours qui va du cauchemar à la guérison.

Elle voulait écrire l'histoire de son inceste à sept ans. À l'époque, Sarah Marcuse ne trouvait pas les mots. Elle s'est alors fait la promesse de reprendre plus tard son témoignage et a tenu parole. Quand elle s'est mise à l'ouvrage, elle avait 49 ans. Elle a écrit « Holyshit ! », une pièce qu'elle interprète elle-même, seule en scène.
Elle utilise son savoir-faire de comédienne, mais nous offre paradoxalement un spectacle d'une grande authenticité. La co-mise en scène avec Madeleine Raykov est sobre et dépouillée, au service de la parole, sincère et sans artifice.

Bouleversante, Sarah Marcuse refuse de se poser en victime. Elle cherche surtout à évacuer la honte et à trouver le chemin de la guérison et du pardon.

Elle explique le processus mental qui, du stade de la stupéfaction, lui permet de traverser cette épreuve et de rejoindre l'autre rive en s'aimant assez pour survivre à ce cauchemar.

Grâce à un chemin spirituel ponctué de lectures variées et de rencontres déterminantes, elle parvient à survivre à ce traumatisme.
Elle ne pourra, naturellement, jamais supprimer les douleurs du passé, mais la créativité lui permet de transformer ses blessures.

Nous la suivons dans sa recherche qui passe par toute une palette d'émotions. Stupéfaction, colère, tendresse, terreur, colère, honte, douceur. Chaque fois, elle aborde de nouvelles situations avec une intelligence rare. Cette enfant surdouée et pleine de ressources aura eu besoin de tout ce temps pour affronter l'innommable.

Nous avons eu le privilège de la rencontrer après la sortie du spectacle.

Catherine Belkhodja - Comment as-tu réussi, après tant d'années, à écrire sur ce traumatisme d'enfance ?

Sarah Marcuse - Ma boite noire a fait rejaillir en bloc non pas la mémoire, qui n'avait rien occulté, mais les émotions et les sensations que mon corps anesthésié avait refusées, au-delà ce que j'aurais pu imaginer. J'ai ressenti de la fierté d'avoir mis tant de délicatesse et de force dans ce texte alors que je me sentais si fragile.

CB - Comment l'idée d'un spectacle a-t-elle émergé ?

SM - Avec les mots, des images de mise en scène sont apparues, des musiques, des costumes et des accessoires. Tout s'est déployé en simultané. J'ai demandé à Madeleine Raykov de m'accompagner parce que je savais pouvoir me livrer à son regard. J'avais confiance en elle.
Je savais sa rigueur, ses connaissances du corps et son goût du détail. Et les maux ont pris corps. Le corps m'a guidée en scène pour retrouver goût et mouvement alors qu'en moi tout était pétrifié. Retrouver ma liberté. Ma sensualité.

CB - Tu es allée très loin dans l'évocation de ton intimité…

SM - J'avais choisi d'être sur scène avec mes outils et mon expérience de comédienne, mais sans jouer : en me présentant au public dans cet endroit délicat de ma vérité, de ma reconstruction, sans masque et sans tricher. Pour braver la honte de moi afin de me valider enfin. De m'accepter, là, en intégralité.

CB - On sent une grande maturité spirituelle dans le spectacle. En dehors de ta formation au cirque ou en théâtre, as-tu suivi d'autres enseignements ou vécu des expériences spécifiques ? 

SM - Comme j'en parle dans la pièce, j'ai vraiment essayé beaucoup de choses : la méditation Vipassana, l'EMDR et les thérapies psychotropes... Toutes ces méthodes ont en commun de nous permettre d'aller voir ou ressentir les mécanismes qui se sont cristallisés et qui finissent par nous étouffer, pour nous sauver dans un premier temps. Ce qui m'a vraiment permis de revenir dans mon corps, c'est une formation de transe cognitive auto induite, théorisée par Corine Sombrun à partir de sa propre expérience ( ndlr : voir le film Un monde plus grand de Fabienne Berthaud).
Les livres ont aussi été d'une grande aide pour ne pas devenir folle... « Le processus de la présence » de Michael Brown, « Rompre avec soi-même » de Jo Dispenza, « Aimer ce qui est » de Byron Katie.

CB - Tu dis dans un passage de la pièce que tu ne veux pas te victimiser. Peux-tu nous donner des explications ?

SM - C'est le grand paradoxe. Il faut accepter le fait d'être une victime et mettre le doigt sur les souffrances et mécaniques que cela a « engrammé » dans chacune de nos cellules pour pouvoir en sortir ! Et il faut ensuite sortir du statut de victime, qui a été comme une seconde nature et qui nous a constitué, pour sortir de la souffrance. Cette émancipation est primordiale et elle ne dépend de personne d'autre que nous. C'est un acte libérateur que l'on s'offre à soi-même. Plus facile à dire qu'à faire !

CB - Tu animes des ateliers en lien avec le spectacle et ton histoire. As-tu rencontré beaucoup d'enfants ou d'adolescents agressés sexuellement, qui ont pu dépasser ces violents traumatismes ?

SM - Dans les ateliers, les enfants et adolescents n'en sont pas à la prise de parole. Elle vient parfois après, dans un cadre sécurisé. C'est surtout un partage de mon expérience et une proposition pour qu'un regard constructif soit posé sur le traumatisme afin de sortir de la souffrance.

CB - Aurais-tu un message particulier à donner à ceux qui ne parviennent pas à dépasser des traumatismes d'enfance ?

SM - La chose la plus importante à mon sens est de se rappeler toujours que la blessure et le trauma ont généré automatiquement des ressources et des aptitudes très puissantes. Les voir, c'est accepter que quelque chose de beau est fatalement issu de ce cauchemar. Aller à la rencontre de ces trésors que l'on a développés, c'est enrichissant et réparateur. Il existe des techniques très puissantes pour faire ce chemin. « Que faire de cette douleur-là ? », c'est réellement une question de vie ou de mort ... Chercher ce que ÇA m'a apporté de positif pour ne pas sombrer.

CB - Es-tu capable de pardonner à celui qui t'a blessée ?

SM - Le chemin est plutôt de me pardonner à moi-même. C'est peut-être difficile à comprendre pour qui ne l'a pas vécu ! C'est plutôt un retour à l'amour de soi. Un amour plus grand qu'auparavant car il englobe aussi les parts de moi que je détestais et qui me faisaient honte.

CB - Ta démarche évoque pour moi le Kintsugi, l'art japonais de réparer les céramiques brisées avec de la laque et de l'or : Cette technique remonte au XV^e siècle et met en valeur les fêlures et les cassures. On peut considérer que tu répares en effet tes cicatrices d'enfance brisée avec de l'or, transformant ainsi ton expérience douloureuse en œuvre d'art.

SM  - Oui, cette image est assez parlante. Il y a aussi ce dicton qui dit que c'est par nos fêlures, par nos blessures, qu'entre la lumière qui nous permet de nous rencontrer ou de nous connaître vraiment. Le résultat est pour moi, je pense, un condensé d'authenticité, un pas décisif vers ma singularité. Celle d'avoir cru ou su depuis toujours que mon salut viendrait de mon aptitude à tirer de ce cauchemar, quelque chose de beau. Voir en moi l'or, enfoui sous toute la peur du monde.

Voir en ligne : Théâtre de la Reine Blanche

Dates et renseignements :
www.holyshit-show.ch

Le texte de la pièce est publié aux Éditions du chamois rouge.

Sarah Marcuse est née à Taïwan en 1971 d'une mère indonésienne et hollandaise et d'un père australien et belge. Genevoise d'adoption, elle est de nationalité franco-suisse.

« Niquer la Fatalité »

Catherine Belkhodja — 2024-03-02T10:49:53Z

Naître femme, est-ce une fatalité ? Dans son spectacle actuellement en tournée, Estelle Meyer convoque l'avocate et grande figure féministe Gisèle Halimi pour un formidable dialogue post-mortem. Une ode à la femme et à la vie.

Le public est happé dès les premières répliques. Une femme toute ronde au ventre proéminent occupe toute la scène. On ne peut ignorer ce ventre tout rond qui est presque le personnage principal de cette pièce. En effet, cette femme porte le monde. Non pas qu'elle veuille oublier son sexe féminin. Bien au contraire, elle le glorifie autant qu'elle le peut.

Nous la voyons explorer ses souvenirs avec force et rage. Il fallait résister aux injonctions multiples : celles de ses parents et de sa mère en particulier, celles de sa famille ou de la société tout entière. Les écrits de Gisèle Halimi lui donnent la force de continuer son chemin.

Estelle Meyer convoque, dans son spectacle chanté « Niquer la fatalité, Chemin(s) en forme de femmes », l'avocate et figure féministe, la femme qu'elle admire tant et qui lui permet de résister aux injonctions : « Avec sa clairvoyance et sa ferveur, cette femme tire tout le continent humain. Son combat, sa route, ses forces me devancent, me donnent du courage et du sang pour faire battre mes pas. La sensation d'un rythme cardiaque commun, rappelant l'essentiel : le grand hurlement de vie qui repousse les forces de la mort. Il y a en moi tout un continent qui demande à crier, à chanter, à guérir, à dire. »

Et elle chante bien. Estelle chante comme s'il en allait de sa vie, accompagnée par deux merveilleux musiciens qui ponctuent ses révoltes et ses espoirs. Grégoire Letouvet — au piano et au clavier — et Pierre Demange — aux percussions — ont tous deux participé aux arrangements musicaux.

Bouleversante et éblouissante, Estelle Meyer consulte son propre corps, ses émotions et ses souvenirs pour écrire une joyeuse ode à la femme, et lui rendre un triomphant hommage.

La chanteuse et comédienne évoque dans son récit initiatique, des souvenirs intimes et les batailles qu'elle a dû mener dans sa propre famille pour choisir la vie qu'elle voulait mener. C'est justement cette bataille intime qui lui a permis de trouver les mots pour s'engager dans un combat plus « sororal » : « J'ai foi dans le théâtre et dans les mots pour porter les peurs profondes qui nous habitent. Pour rendre universel l'intime et comme des îles dans le noir, semer des lucioles d'espoir. »

« Niquer la fatalité » : texte d'Estelle Meyer, mise en scène Margaux Eskenazi.
PROCHAINES DATES :
Montreuil-sous-Bois (93), le 08 mars 2024, Théâtre Municipal Berthelot Jean-Guerrin
Romainville (93), le 10 mars 2024, le Pavillon
Saint-Etienne-du-Rouvray (76), le 19 mars 2024, le Rive Gauche
Marcoussis (91), le 26 mars 2024, Atmosphère - Espace culturel Jean-Montaru
La Roche-sur-Yon (85), le 28 mars 2024, Le Grand R
Alençon (61), le 16 avril 2024, Scène nationale 61.

Affiche Niquer la fatalité

Estelle Meyer, Grégoire Letouvet et Pierre Demange

Pauline Le Goff

Écouter le chant des arbres

Catherine Belkhodja — 2024-01-01T11:43:09Z

Quand théâtre Nô et théâtre occidental fusionnent : Le comédien et metteur en scène français Simon Gauchet et les acteurs professionnels japonais Tatsushige Udaka et Hiroaki Ogasawara nous parlent de l'importance des arbres, de fantômes et bien sûr de théâtre, autour de leur création « L'Expérience de l'arbre ». Extraits d'une conversation.

Fasciné par le théâtre asiatique, l'acteur, metteur en scène et scénographe Simon Gauchet part en 2009 faire un stage de théâtre Nô au Japon avec Tatsushige Udaka, un jeune acteur de l'école Kongô. Celui-ci lui transmet pendant un mois des bribes du théâtre millénaire japonais. Alors que le Français doit repartir dans son pays et souhaite payer son professeur, celui-ci refuse et lui demande une chose : revenir un jour pour lui transmettre à son tour les codes de son théâtre occidental.

Dix ans plus tard, Simon Gauchet tient sa promesse. À l'occasion d'une résidence à la Villa Kujoyama à Kyoto, il co-écrit avec Tatsushige Udaka un spectacle, L'Expérience de l'Arbre. La collaboration franco-japonaise fait naître un espace qui questionne les rituels de transmission, qu'ils soient entre deux acteurs ou à l'échelle de plusieurs générations. Deux cultures s'explorent et s'interrogent. Des fantômes surgissent pour interroger le présent. L'arbre qui trône au fond de tous les théâtres Nô est le témoin de cette expérience et de ce corps à corps.

L'arbre semble être le personnage central de la pièce « L'Expérience de l'arbre ». Est-ce particulier au théâtre Nô ?

Simon Gauchet : L'arbre est toujours présent dans les pièces du théâtre Nô, les acteurs jouaient autrefois devant lui. Des spectateurs ont eu envie d'assister au spectacle et se sont assis devant l'arbre. Les acteurs ont alors fabriqué une scène et ils y ont placé un miroir, au fond. L'arbre et les acteurs étaient là. Ainsi, les spectateurs pouvaient voir son reflet. Finalement, on a peint au fond de la scène un arbre. Tous les théâtres Nô ont un pin dessiné sur le mur du fond. On l'appelle le mur-miroir.

Tatsushige Udaka : Les arbres ont toujours été un maître pour moi. Quand on regarde un arbre, on voit toute sa mémoire. Ses branches cherchent la lumière et résistent à la gravité. Nombre de personnages dans le théâtre Nô sont l'esprit d'un arbre.

S.G. : Depuis quelque temps naît dans le champ politique un retour animiste comme l'incarnation d'une écologie politique. La nécessité apparaît de redonner une voix au non-humain, aux peuples muets de la terre. Il nous faut réapprendre à écouter le chant des arbres.

Un violent typhon a frappé le Japon pendant votre résidence en 2018, de nombreux arbres ont été fauchés. Cet événement a-t-il influencé votre écriture ?

S.G. : Des centaines d'arbres n'ont pas résisté à la force du vent et se sont brisés ou ont été déracinés. Nous avons tous très affectés par la mort de ces arbres et tout particulièrement pour les vieux pins noueux appelés Matsu, qui sont l'unique décor des pièces de Nô.

T.U. : Cela m'a évoqué l'histoire du "pin miracle". Lors du tsunami de 2011, la totalité des 70 000 arbres qui longeaient la côte de la ville de Rikuzentakata ont été déracinés sous la force des vagues, à l'exception d'un seul arbre, resté debout. D'où son surnom.

S.G. : Son tronc commençait peu à peu à pourrir de l'intérieur et on décida alors de le découper en neuf morceaux, afin d'injecter de la résine dans ses veines et l'ériger à nouveau pour qu'il demeure un symbole de la reconstruction japonaise. J'ai été à la rencontre de cet arbre qui porte en lui des pans entiers de l'histoire du Japon. Il a commencé à me chuchoter à l'oreille et, en fermant les yeux, j'ai imaginé tous ces acteurs qui avaient dansé pour lui.

T.U. : Beaucoup de très beaux pins sont morts, c'est très triste, mais les cerisiers, plus souples, ont résisté. Le saule aussi a des branches très souples.

Il y a de constants hommages à l'arbre dans « L'Expérience de l'arbre ». L'accrochage des branches prises dans le décor et montées par des poulies pour tenir en équilibre au-dessus des acteurs, donne lieu à une séquence éblouissante, quasi-magique… 

S.G. : J'ai eu la chance d'avoir à mes côtés au Japon Edouard Raffrey, charpentier, venu étudier les techniques de la charpente japonaise. Les assemblages bois sont très semblables dans nos deux cultures. Nous avons été cueillir des troncs et des branches mortes, des arbres en morceaux déracinés par le typhon, pour leur redonner vie et les avons ré-assemblés pour former un arbre construit de toute pièce, qui sert de scénographie au spectacle.

Il est aussi question de fantômes dans la pièce. Y croyez-vous ?

T.U. : Au Japon, il y a dans les théâtres des histoires de fantômes effrayantes !

S.G. : Nous aussi, nous avons nos superstitions. Une lampe que nous posons sur scène s'appelle « la servante ». Mais en anglais, on l'appelle « la lampe des fantômes ». Elle permet aux fantômes de jouer la nuit, quand les acteurs et les spectateurs ont quitté la salle.

L'Expérience de l'arbre est un spectacle interculturel. Comment avez-vous travaillé ?

S.G. : J'ai fait appel à deux metteurs en scène. Le premier, Benjamin Lazar, est spécialiste du théâtre baroque , souvent considéré comme notre théâtre traditionnel occidental. Il nous a transmis les codes qui dialoguent avec ceux du théâtre Nô, notamment autour du « théâtre des ombres », ce lien avec les fantômes qui est au centre-même du théâtre Nô.
Le deuxième, Eric Dridy, a été un témoin attentif du matériau théâtral émergé. Il explore depuis très longtemps la notion de récit et la façon dont on peut convoquer les expériences vécues sur un plateau de théâtre par la parole et le corps. J'avais un peu hésité à rester extérieur, mais j'ai pu m'immiscer totalement dans le projet car je comptais sur Eric pour garder cet œil extérieur.

Je m'adresse à Hiroaki Ogasawara, qui interprète le personnage japonais de la pièce, en alternance avec Tatsushige Udaka. Quelle a été la plus grande difficulté à surmonter pour toi qui vient du théâtre tradionnel Kyôgen ?

Hiroaki Ogasawara : Le plus difficile a été de m'exprimer en japonais contemporain, tout en faisant ressentir au public que j'étais un être surnaturel. En effet, au Japon, notre jeu est si codifié qu'il nous permet de nous transformer plus facilement, en fantôme d'arbre par exemple. La forme nous aide beaucoup. Parler en japonais moderne m'a fait presque oublier que j'étais un acteur de Kyogen. Après trois années de représentation, je prends un peu de liberté et ajoute quelques touches de couleur au personnage, tout en gardant du respect de la création d'origine.

Quelles ont été tes premières impressions en découvrant les représentations théâtrales occidentales ?

H.O. : Les metteurs en scène en France choisissent avec soin les décors, les sons, la musique et les lumières non pas pour visualiser les choses, mais pour renforcer l'imaginaire des spectateurs. Alors qu'au Japon, nous jouons dans des scènes presque vides, sans jeu de lumières et sans effet de son pour stimuler l'imagination du public.

On est aussi très intrigué par la singularité des voix dans la pièce...

S.G. : Dans le théâtre Nô, les voix sont particulièrement graves. Dans le texte, il est d'ailleurs posé cette question : « Comment fais-tu pour avoir une voix aussi grave et aussi puissante ? »

T.U. : Je n'ai pas vraiment de réponse concernant les voix. Autrefois, j'ai lu un livre "Entraînement vocal pour débutant" mais je n'ai rien trouvé sur le théâtre Nô. Parfois je regarde les tutoriels de « Death Metal » sur Youtube. Ça ressemble un peu à la Voix du Nô ! (il donne l'exemple) Cette réponse a été aussi intégrée au texte de la pièce.

S.G. : Il a vraiment une voix effrayante !

T.U. : Il y a quatre cents ans, un missionnaire du Portugal est venu au Japon. Après avoir vu du théâtre Nô, il a écrit dans son journal : « Les acteurs japonais ont une voix horrible et tournent en rond sur scène comme s'ils avaient perdu quelque chose » Le lendemain, Luis Frois a chanté un chant grégorien avec une voix très aiguë et les samouraïs ont éclaté de rire.

S.G. : Aucun personnage de théâtre Nô ne parle avec une voix aigüe.

T.U. : La Gravité dépend du personnage et des émotions. Dans la danse du pin, l'Oi Matsu, le personnage est l'Esprit d'un pin. Son écorce est aussi dure que la pierre. Il doit être fort pour résister à la tempête.

L'Expérience de l'Arbre
Conception, mise en scène et scénographie Simon Gauchet
Interprétation Simon Gauchet, Tatsushige Udaka ou Hiroaki Ogasawara, Joaquim Pavy, compositeur et interprète
À venir en 2024 :
Théâtre du Bois de l'Aune, Aix-en-Provence, mardi 19 et mercredi 20 mars 2024.
Théâtre de la Ville de Saint-Lô, 14 mai 2024.

Ourika : première héroïne noire de la littérature française

Catherine Belkhodja — 2023-12-01T16:17:47Z

Le roman de Claire de Duras « Ourika », publié en 1823, décrit la vie d'une jeune Sénégalaise qui est offerte en cadeau à une aristocrate. Double actualité pour cette histoire inspirée de faits réels, avec une adaptation au théâtre et une réédition au format poche des œuvres complètes de l'auteure.

Dans son roman « Ourika » publié en 1823, Claire de Duras donne la parole à une jeune Sénégalaise, qui, échappant à l'esclavage à l'âge de deux ans, est donnée en cadeau à la princesse de Beauvau. Elle vit dans l'hôtel particulier du même nom à Paris aux côtés de Charles, le petit-fils de sa bienfaitrice et mère d'adoption. Elle a une enfance heureuse et choyée au sein de l'aristocratie de la fin du XVIIIᵉ siècle, dont elle épouse tous les codes, jusqu'à ce qu'elle découvre, à l'âge de quinze ans, son irréductible différence : juste la couleur de sa peau, qui ne lui permet pas de se marier.

Cette année, deux cents ans après la première édition du livre « Ourika » publié alors anonymement par Claire de Duras, les éditions Gallimard sortent en format poche un recueil des œuvres complètes de l'auteure : « Œuvres romanesques » (Folio Classique Gallimard). Le texte « Ourika », qui faisait pleurer Goethe en personne, était tombé dans l'oubli pour revenir à nous dernièrement, et il est désormais programmé ou proposé en choix pour le bac de français.

Un texte qui faisait pleurer Goethe

La comédienne et metteure en scène Elizabeth Tamaris a adapté ce texte en prose en proposant une performance théâtrale — presque confidentielle — au théâtre Darius Milhaud, interprétée par Marie Plateau, artiste métisse « arabo-franco-tchadienne », fondatrice de l'Association Mélane, qui a produit plusieurs spectacles liés à la diversité.

Elizabeth Tamaris parle de ce texte avec enthousiasme : « Claire de Duras était une aristocrate cultivée, tenant, sous l'Empire puis pendant toute la période de la Restauration, un brillant salon où se croisaient les gens les plus éminents de l'époque : politiques, artistes, savants, hommes de lettres, comme Madame de Staël, Benjamin Constant, et bien d'autres, comme Chateaubriand, son meilleur ami. »

Très traumatisée par les drames de la Révolution, Claire de Duras avait une nature hypersensible et s'est retirée pour écrire. L'histoire réelle qu'elle connaissait de cette jeune enfant sénégalaise, élevée dans la famille de Beauvau, et morte à seize ans, bien qu'élevée et aimée comme une enfant de la maison, l'a fortement inspirée pour son premier roman. Pour la première fois dans la littérature française, elle a donné la parole à une jeune femme noire.

Voir en ligne : Ourika au théâtre Darius Milhaud.

Ourika
Adaptation et mise en scène : Elizabeth Tamaris , performance : Marie Plateau, voix : Gabriel le Doze. D'après le texte de Claire de Duras.

Théâtre Darius Milhaud, 80 Allée Darius Milhaud, 75019 Paris
jusqu'au 19 décembre 2023
les mardis à 19h et les dimanches 3, 10 et 17 décembre 2023 à 18h

La représentation du 10 décembre sera suivie d'un entretien entre Marie-Bénédicte Diethelm, responsable de la toute dernière édition des « Œuvres romanesques » de Claire de Duras, en Folio Classique Gallimard et de Roger Little, ancien titulaire de la chaire de littérature française au Trinity College de Dublin.

Luboš Plný, marqueur du temps

Catherine Belkhodja — 2023-10-01T14:02:45Z

Artiste majeur de l'art brut contemporain, Luboš Plný présente pour la première fois toutes les facettes de son œuvre (dessins, photographies, objets érotiques) à la galerie Christian Berst jusqu'au 22 octobre 2023.

Luboš Piný, discobole, tirage argentique

prise de vue par Vladimir Pansky 2003 courtesy de l'artiste et de christian berst art brut

Luboš Plný, modèle académique

l'artiste tchèque Luboš Plný, né en 1961, a depuis sa plus tendre enfance une véritable fascination pour l'anatomie qui lui inspire ses premiers dessins. À l'occasion de son service militaire, il est diagnostiqué schizophrène et cherche à approfondir ses connaissances dans la littérature médicale et psychiatrique. Il gagne sa vie en devenant fossoyeur et pose parfois comme modèle à l'Académie des beaux-arts de Prague en Tchécoslovaquie, ce qui lui permet de signer, non sans humour, « Luboš Plný, modèle académique ».

L'anatomie comme un champ expérimental

Il cherche à pousser davantage sa connaissance sur l'anatomie humaine en offrant son corps à des expériences multiples : une approche empirique autant que théorique le pousse à la mortification, une façon personnelle de sublimer la douleur en acte de purification. Ses propres organes deviennent les sujets de ses œuvres, photographies, dessins ou techniques mixtes.
Luboš Plný aime aussi scruter son visage et le photographier en le déformant.

Autoportraits de Luboš Piný

Topographie précise de ses œuvres

Ces expériences — parfois douloureuses — sur son propre corps constituent une manière très personnelle de méditer, en utilisant un protocole créatif immuable dans l'espoir de ponctuer ou scander le temps : il mesure en temps réel le temps utilisé pour les parcelles qui constituent ces œuvres ainsi que l'instant de ses créations. Ainsi, comme des données topographiques, apparaissent des chiffres, comme autant de codes référençant avec précision l'instant de création et la durée nécessaire à la réalisation des zones de l'œuvre, délimitées par des lignes qui ne représentent ni les coordonnées, ni l'altitude d'un lieu, mais sa place exacte dans le temps. C'est un journal qu'il poursuit au quotidien explique Luboš Plný. L'artiste inscrit soigneusement le nombre de jours qu'il a à la date du début de l'œuvre et son âge — toujours en jours — à la fin de l'œuvre, comme le rappel d'une inexorable approche de la Mort.

Luboš Piný, sans titre, objet érotique

Entre 2012 et 2015 techniques mixtes 118 x 31 5 x 75 cm courtesy de l'artiste et de Christian Berst art brut.

Éros et Thanatos  

Paradoxalement, ses sculptures — qui portent, elles aussi, des références temporelles propres à l'artiste —, évoquent plutôt des attributs sexuels, symbolisés sous forme de tuyaux divers : métal, bois sculpté ou PVC, d'inspiration surréaliste, exaltant une sexualité assez étrange, plutôt baroque et hétéroclite. 

Plný a été le premier artiste d'art brut acheté par le Centre Pompidou pour commencer sa collection d'Art brut, alors que l'artiste exposait déjà depuis 2008 dans des galeries, salons ou lieux institutionnels.

Luboš Piný, vagina dentata piège a renard

125 x 46 x 32 cm, 2013, courtesy de l'artiste et de Christian Berst art brut

Luboš Plný — galerie Christian Berst
jusqu'au 22 octobre 2023. du mercredi au dimanche 14h- 19h
3-5 passage des gravilliers 75003 Paris
https://christianberst.com

Jacques Flèchemuller, le « peintre-fakir »

Catherine Belkhodja — 2023-10-01T14:02:01Z

A l'occasion d'une exposition de Jacques Flèchemuller à la galerie Harkawik à New-York, l'autrice nous donne une vision personnelle du parcours et de l'œuvre du peintre et sculpteur.

Alors que j'étais étudiante aux Beaux-Arts à Paris, j'avais rencontré le peintre Jacques Flèchemuller. Nous avions découvert que nous étions voisins à Belleville et il m'avait invitée à visiter son atelier. J'aimais particulièrement les tableaux vifs et spontanés de l'artiste, qui s'était affranchi de ses années de cours à l'École des arts appliqués de Duperré et aux Beaux-arts pour oser envoyer valdinguer tout ce savoir et s'amuser selon sa fantaisie.

Il aimait se souvenir de cette citation de son ami Bram Van Velde : « Une peinture est bonne lorsque vous perdez pied en la voyant ». Il faut dire que Jacques avait toujours suivi ses coups de cœur et n'avait pas hésité à rejoindre Saint-Paul-de-Vence pour assister à un concert de free jazz du saxophoniste Albert Ayler, organisé par la fondation Maeght. Le saxophoniste devenu son ami l'avait embarqué dans la folle aventure d'un cirque ambulant dont Jacques était devenu le clown, le fakir et le musicien sous le pseudonyme de « Flèche ». Il accolera plus tard ce pseudo à son vrai nom Muller, pour signer ses toiles Flèchemuller.

Le grand pêcheur

Ce peintre, mi-clown, mi-gagman, mais aussi fakir, nous a offert dès lors des œuvres pleines de légèreté et de dérision. Le peintre Jean Dubuffet et le créateur du lieu d'art brut La Fabuloserie, Alain Bourbonnais, l'ont soutenu en l'exposant à l'atelier Jacob à Paris. D'autres expositions ont suivi en Belgique, en Suisse, en Suède, en Allemagne et aux Pays-Bas.

La galerie Jeanne Bucher a organisé sa première exposition personnelle en 1981 et Jacques partira ensuite pour New-York avec Puanani, son épouse hawaïenne. Ils partagent maintenant leur vie entre son atelier de Brooklyn et un refuge en Ardèche.

Jacques Flèchemuller multiplie les moyens d'expression (peintures, dessins, photos, bandes dessinées, sculptures) avec un esprit de dérision et un mauvais goût qu'il assume et revendique. Le rire de Puanani est le critère majeur de l'artiste pour mesurer que l'œuvre tient, avoue l'artiste.

L'atelier de Jacques Flèchemuller à Brooklyn

Pour la première fois, l'artiste expose une quarantaine de dessins. Ses sujets de prédilection sont souvent des êtres nus et désirants, des animaux collés l'un à l'autre, des situations absurdes que l'artiste se plait à évoquer avec beaucoup d'humour et de dérision. Le burlesque ne lui fait pas peur et la sexualité est omniprésente.

Il revendique de se tenir loin de la politique, mais que dire de ce clown triste et borgne qui se fait guider par un cochon ? J'aime bien les cochons, explique-t-il. Ils sont comme le général de Gaulle, assez faciles à dessiner. Fastoche !

Jacques Flèchemuller, Le clown borgne

Dans un autre dessin, des baleines escortent en foule un cargo, en fumant un gros cigare. Comme j'y vois une référence aux désastres écologiques produits par les cargos et la disparition des baleines, je préfère l'appeler à New-York pour vérifier mon interprétation.

Jacques Flèchemuller, Les fumeuses

Dans la foulée, je demande aussi si les jeunes filles égrillardes devant leur interlocuteur au sexe dressé, ne seraient pas des jeunes filles un peu gourmandes. Avec la campagne Me Too, autant de pas faire d'erreur.
Jacques répond simplement :
— Attends ! je vais leur demander !
Je ne saurai jamais s'il parle des jeunes filles ou des baleines.

Jacques Flèchemuller, Les jeunes gourmandes

Je reviens à la charge pour demander si le chasseur qui pose fièrement dans le cadre est un lion ou un singe.
La réponse est oui !

Jacques Flèchemuller, Le poseur

Une dernière question avant de raccrocher ?
— Est-ce que le jeune homme posant sur l'herbe est ta vision du déjeuner sur l'herbe ? Il répond « Oui, D'ailleurs, il est midi : je cours acheter des rouleaux de printemps chez le Chinois de Metropolitan avenue. »
Trop tard pour lui demander pourquoi ce couple est largué dans le ciel par un avion rouge, si c'est lui l'homme pataugeant sous la pluie, ou s'il a fait bonne pêche en pêchant dans son aquarium.
Jacques est un homme pressé : les rouleaux de printemps n'attendent pas.
De plus nous sommes déjà en été et l'automne arrive.
— Too bad, too late, toutou ! conclut-t-il.

Jacques Flèchemuller, Couple largué

Invitation manuscrite de Jacques FlècheMüller à son exposition. Harkawik gallery New-York, , jusqu'au 8 octobre 2023.

Jacques FlècheMuller

Jacques Flèchemuller
Exposition à la galerie Harkawak
30 Orchard Street
New-York USA
Jusqu'au 8 octobre 2023

HANAMI

Catherine Belkhodja — 2023-08-04T09:22:34Z

HANAMI est le projet de Jasmine Van Hevel et Annabel Sougné, deux femmes photographes qui ont rassemblé autour d'elles 26 femmes photographes du monde entier pour célébrer la beauté des femmes, de plus de 40 ans.

La Galerie Rachel Hardoin [1] est la première à présenter l'exposition itinérante de 28 femmes photographes rassemblées autour d'un même thème : les femmes mûres. Ce dispositif permet d'éduquer le regard sur le corps des femmes de plus de quarante ans. Des corps nus, sans retouche, parfaits avec leurs imperfections.

La porte de l'exposition est entrouverte. On s'approche. Des voiles de soie légères frémissent sous une brise légère. Une impression de vacances, de légèreté et de plénitude, comme si on jouait à cache-cache parmi des draps tout propres qui sècheraient au soleil. Sur ces voiles transparents, des corps de femmes qui exultent, triomphants. On circule au milieu d'un espace sacré : le lieu de la féminité dans toute sa splendeur. Des ventres ronds, des seins gonflés, des fesses dodues, des corps livrés sans artifice, se livrant là en toute simplicité, sans volonté de séduire. À peine jouent-ils avec les ombres et les lumières. Les femmes se sont livrées aux caprices des photographes en toute confiance. Les unes ont choisi l'intimité d'une chambre. D'autres ont préféré célébrer à la fois le corps et la nature.

Contrer les images de la publicité et de la mode qui poussent les femmes à se modifier et à craindre plutôt qu'à accueillir le vieillissement et la fragilité de leurs corps. Aucun corps ne mérite d'être invisible. Il est indispensable de former les yeux de tous sur ce qui nous attend. explique Rachel Hardoin, la vestale du lieu. L'espérance de vie d'une femme en Europe est d'environ 85 ans. La société actuelle nie plus de la moitié de la vie de nos corps et du plaisir de les habiter. Avec cette exposition, ces photographes souhaitent libérer les femmes d'une hiérarchie des corps où la jeunesse et la sveltesse sont la norme et l'idéal.

Rachel Hardoin donne à sa galerie une dimension sacrée où les femmes se retrouvent volontiers pour échanger autour de leur intimité. Des rencontres, des lectures ou des repas partagés, des débats et des rires aussi.

L'objectif de cette exposition ?

Retirer le « corps objet » en scène, ne montrer que des « corps sujets » et motiver un acte thérapeutique. Le choix des photographes est basé sur une volonté de poésie, de douceur, de joie, de respect et surtout de bienveillance. La nudité est une volonté de non-catégorisation d'appartenance socio-économique. Il s'agit de permettre à chaque femme de s'identifier aux corps exposés et d'offrir à la nouvelle génération la possibilité de se projeter dans un futur heureux.

Chaque photographe a eu la liberté de choisir son propre dispositif.
Ainsi, Candice Cellier a choisi de mettre en scène son sujet. Influencée par les peintures de Caravage, elle aime jouer avec les ombres et les lumières sur fond noir. Son parcours est intéressant : Photographe autodidacte, elle a longtemps gagné sa vie dans la photographie médicale : elle a accumulé des milliers de clichés autour de patients opérés : AVANT, PENDANT, APRÈS. Des sujets naturellement imposés en fonction des aléas des commandes. Elle est heureuse maintenant de choisir ses propres thèmes et travaille longuement ses lumières, comme le font également Marguerite Bornhauser ou Marta Dal Sasso.

Martine Lecroart, Bettina Getten, France Dubois, Nora Houguenade, Jasmine van Hevel ou Anabel Sougné célèbrent leurs modèles en pleine nature : à la mer ou dans la forêt. Maria Baoli est la seule à retravailler ses clichés après tirage, utilisant aussi ses qualités de graphiste. Denise Boomkens montre à quel point une femme peut être belle même si ses charmes outrepassent les standards de la taille idéale. Bénédicte Vanderreydt, plongée dans sa baignoire, s'est photographiée elle-même et fait de son mont de Vénus une réalisation totalement abstraite. Monika Elena joue avec l'ombre des fougères sur une poitrine offerte au soleil.
Isabelle Chapuis présente un corps sans tête qui ressemble à une déesse de la fertilité. Annabelle Chatelle fait surgir de l'ombre une femme qui surgit de l'ombre et montre son dos, ornée d'une superbe tresse.

Ces corps qui se côtoient sur des voiles transparents sont particulièrement émouvants et s'impriment dans nos consciences.

Rachel Hardoin veille sur ce petit monde et rend cette galerie entièrement vivante. Cette grande voyageuse a expérimenté de nombreuses cultures, de l'Éthiopie au Japon, développant ainsi une culture éclectique qui lui permet de s'intéresser à de multiples courants artistiques. Elle est au cœur des pulsations qui font bouger le monde et propose régulièrement des évènements qui rendent la galerie de plus en plus attractive.

Pour la rentrée, elle a déjà prévu d'offrir les murs de sa galerie aux artistes qui rendront hommage aux hommes cette fois-ci.

Voir en ligne : http://15martel.com/hanami-regardez...

[1] La galerie Rachel Hardoin a présenté une exposition collective d'artistes femmes sur le thème de l'érotisme en juin 2023

Juillet 2023
Galerie Rachel Hardouin
15, rue Martel 75010 Paris
4ᵉ étage, interphone « 15martelrachel »
du mardi au samedi de 14 h à 19 h
15martel@15martel.com
http://15martel.com

Chacune de ces femmes, de tous âges, a un cliché sélectionné et imprimé sur un carré de crêpe de soie de format 120 cm x 160 cm.

Le don de « clair-audience »

Catherine Belkhodja — 2023-08-04T09:21:59Z

Anne Vassivière publie son second roman, « 122, rue du Chemin-Vert ». Elle y raconte le parcours d'une femme, pourtant non initiée, qui entend involontairement le désir sexuel des personnes qui l'entourent. Si nous avions tous et toutes le don d'entendre le désir sexuel des personnes de notre entourage, ce serait une vraie cacophonie ! Anne Vassivière n'hésite pas à s'emparer de ce thème pour imaginer, avec un humour et une ironie omniprésents, les situations les plus cocasses.

Quel a été l'élément moteur de l'écriture de votre roman, « 122, rue du Chemin-Vert » ?

J'ai voulu faire un ouvrage sur la tolérance. J'ai souhaité aller plus loin que mon premier roman « Parties communes », en m'attaquant aux préjugés que l'on peut avoir sur la sexualité d'autrui. Si, à la fin de sa lecture, le lecteur ou la lectrice regarde sa sexualité et celle d'autrui avec bienveillance, le pari est tenu. C'est également l'occasion de faire découvrir aux lecteurs des extraits d'ouvrages érotiques qu'ils n'auraient pas pensé à découvrir.

Pouvez-vous décrire le dispositif que vous avez mis en place dans votre livre ?

J'ai utilisé l'artifice d'un super-pouvoir attribué à une jeune femme, Anne. Au début, c'est plus une super-malédiction ! Elle entend les pensées sexuelles des gens et elle devra apprendre à en maîtriser le flux. Anne a un don de « clair- audience », un terme équivalent de « clairvoyance » et non pas de voyeurisme , pour ce que l'on entend ! Elle finira par cesser de juger les gens pour leur pratique sexuelle. Elle acceptera aussi elle-même ses propres pulsions pour rouvrir la porte de l'amour.

Cet ouvrage est donc un livre de réconciliation ?

Absolument. Le personnage d'Anne nous accompagne sur le chemin des préjugés qui échappent à notre conscience, jusqu'à la tolérance. La seule limite est évidemment le consentement du partenaire. Tout se passe entre adultes consentants. Le parcours de cette jeune femme peut être le nôtre : dans l'enfance, nous avons tous plus ou moins entendu des choses que nous n'avons pas forcément comprises et qui ont pu être violentes pour nos esprits enfantins. Surprendre des ébats ou entendre des gémissements qui peuvent être pris pour de la douleur, c'est quelque chose que l'on enfouit dans l'inconscient. Ces fragments de souvenirs forment des petites plaies qui, accumulées, peuvent finir par être traumatisantes et remonter brusquement à la surface et faire souffrir ultérieurement lors de situations amoureuses. On fait ce chemin avec l'héroïne, jusqu'à transformer ces petits traumatismes en une compréhension et une acceptation de la pulsion de vie.

Au départ, le personnage principal, Anne, n'est pas une initiée ; son regard est presque ethnologique. Où avez-vous puisé la matière de ce livre ?

Je ne sais pas. C'est l'observation de mes propres pulsions, des conversations sur le désir avec des hommes et des femmes de tous âges qui m'ont donné la matière à écrire ce livre. C'est un livre plutôt facile à lire, mais qui, sous une apparence de légèreté, aborde des aspects plus profonds, sans pour autant tomber dans le dogmatisme d'un ouvrage de thèse, ou le voyeurisme.
Cet ouvrage a été écrit pour nous délivrer, avec le sourire, de nos barrages. A priori, la sexualité est un endroit où les chairs sont à vif. C'est une façon de réenchanter le corps et les rapports avec soi-même et autrui. Rien n'est sale : on se remet dans la beauté du monde.

Le personnage principal, Anne, a la lucidité d'une féministe, mais projette aussi des désirs masculins...

Le désir masculin est omniprésent dans notre société, il s'exprime sur les affiches de pub. L'héroïne apprendra à entendre aussi le désir des femmes et à lui donner la parole.

Qu'est-ce qu'écrire Éros ?

Écrire Éros, c'est rencontrer l'autre et se rencontrer soi-même. Il ne s'agit pas d'une posture de développement personnel à la petite semaine, mais d'une mise en vertige de soi et d'autrui. Une façon de grandir avec l'autre. Cela n'a rien de mièvre ni de tiède. Ça fuse, ça flambe, ça rit, ça crie. Écrire la relation charnelle me relie à mes semblables à travers les âges, les continents et les genres. Le corps vibre dans la chair du mot et, même écrit, même désincarné, demeure le lieu de toutes les rencontres. Ce qui s'exprime dans les relations amoureuses ou simplement charnelles nous dépasse pour le meilleur et pour le pire. Tant d'espoirs s'y cristallisent, heureux ou meurtris. Tant de grands bonheurs et de grands malentendus. Tant d'honnêteté, qu'on le veuille ou non, tant d'abandon. La sexualité est zone de pouvoir potentiel et donc, de responsabilité.

Comment façonnez-vous votre écriture ?

Je souhaite rester au plus près du grand chamboulement du corps. Le désir est toujours au présent, impératif. Il se gausse de toute correction, le désir est mal élevé. Si la bouche se déforme dans l'extase, le mot doit se déformer aussi. Dans un monde qui nous gave de consommation et de mental, qui en fait une prison bloquant les corps et les cœurs, je milite en écrivant la chair : pour la naïveté du cœur et pour l'instinct du corps. Et vice-versa. Pour le profondément humain. Car si je m'accepte dans mes désirs et mes plaisirs, si je m'accepte telle que je suis, alors je suis hors d'atteinte des jugements nés du pouvoir. Et je suis dans la bienveillance pour moi-même et pour autrui. Dans mon précédent ouvrage « Parties Communes », un roman choral, les noms deviennent verbes et vice-versa. Certains adverbes ont des velléités impropres à la grammaire.

Pouvez-vous présenter la Musardine, qui a édité « 122, rue du Chemin-Vert » ?

La Musardine est à la fois une maison d'édition et une librairie spécialisée dans la promotion des beaux livres, d'art, de littérature, de bandes dessinées ou même d'essais sur la sexualité ou sur le corps en général.

122, rue du Chemin-Vert
Anne Vassivière
La Musardine
978-2-3690-496-5
16 euros
(réservé aux adultes)

Indécentes

Catherine Belkhodja — 2023-08-04T09:21:11Z

Une dizaine d'années aura suffi pour que la littérature érotique, autrefois chasse gardée des hommes, soit investie par les femmes. Octavie Delvaux, autrice et éditrice, a réuni treize autrices pour la publication d'un recueil collectif qui décline Éros au féminin.

Indécentes

(adj.) définition : qui ne respectent pas les convenances, qui choquent la pudeur

Dans l'ouvrage collectif « Indécentes, Histoires érotiques au féminin. », treize autrices racontent en treize histoires le corps, explorent le désir et le plaisir, célèbrent les réjouissances, la jouissance et la vie. Chacune son parcours, chacune son registre, mais elles ont toutes la même exigence littéraire pour écrire et atteindre un équilibre entre instinct et intellect féminin. Ces autrices accompagnent la révolution qui s'opère dans notre société et écrivent librement, sans fausse pudeur. C'est en cela qu'elles se disent "indécentes" : elles font fi des convenances et bousculent joyeusement les clichés phallo-centrés.

« Alors que Pauline Réage, Françoise Rey et Catherine Millet ont longtemps été des exceptions, une nouvelle génération d'autrices s'empare du genre et offre sa vision de la sexualité et du fantasme — une véritable révolution qui accompagne celle, plus profonde, qui parcourt nos sociétés. La littérature est par essence un domaine de grande liberté et les femmes n'ont pas attendu Me too pour s'en saisir. », déclare Octavie Delvaux, éditrice d'Indécentes (2022), dans la présentation de l'ouvrage collectif, publié aux éditions La Musardine. [1]

« Comment donc le vent de féminisme, parfois radical, qui souffle autour de nous affecte-t-il l'écriture érotique ? C'était l'une des questions qui me trottait dans la tête, car j'avais déjà quelques pistes de réflexion. En parlant avec de jeunes autrices, j'ai compris que l'autocensure était de plus en plus présente dans leur processus d'écriture. La notion de consentement, qui s'installe tant bien que mal dans la société, devient par exemple de plus en plus problématique : les scènes de contrainte sexuelle, qui ont pourtant fait le sel de bien des ouvrages par le passé, deviennent un grand tabou que peu oseraient aborder frontalement. Une femme moderne, libérée du joug masculin, peut-elle encore se fantasmer soumise, esclave, à la façon de l'héroïne d'Histoire d'O ? Quid de la figure de l'homme ? À l'heure où la question du genre fait débat, décrit-on la masculinité, la virilité, et l'attrait qu'elle peut exercer, de la même manière qu'avant ?

La littérature doit-elle refléter les évolutions de la société ou au contraire s'y soustraire pour conserver sa poésie ? À titre personnel, j'ai toujours pensé que c'était la totale liberté de ton, la possibilité d'aller toucher aux tabous les plus profonds pour en faire éclore la beauté crue, qui constituent l'attrait de la littérature érotique.

Le corps est une clef puissante, troublons-le et, comme le marc de café, il nous parlera en vérité. Voilà pourquoi, parmi d'autres sujets, j'aime écrire Éros. Il dit tant de nous. Et voilà pourquoi j'ai aimé faire partie de cette aventure d'ouvrage collectif. Il a la richesse d'une joyeuse polyphonie. »
[2]

Haisha Cendrillon

Philippe Bouret (image) et Catherine Belkhodja (haïku)

[1] Melancholia de Chloé Saffy • La voie mouillée de Rose Brunel • Focus de Zoé Vintimille • Clou humérus de Claire Von Corda • Ne me libère pas de Camille Sorel • Choupette d'Aurélie Stefani • Canicule de Rita • Orgueilleux orgasme de Flore Cherry • La clé de Melody Daniel • Mona, lui et moi : un plan à trois de Rita Perse • Les nus de Michèle Larue • Le toutou d'Anne Vassivière

[2] Propos d'Octavie Delvaux

« Indécentes, Histoires érotiques au féminin », 2022
éditions La Musardine
EAN 9782364909632
ISBN 9782364909632

Peindre la ville en 3D

Catherine Belkhodja — 2023-08-04T09:19:36Z

Aurélie Dekeyser conjugue le sable et le bitume en couleurs et en 3D. L'artiste peintre parisienne originaire des Flandres interprète des paysages ou des scènes urbaines en usant de couleurs saturées et de formes structurées par aplats.

« Je peins à l'huile ou à l'acrylique sur toile en m'inspirant de photographies comme celles de Philippe Barnoud. [1] », explique Aurélie Dekeyser,

« J'ai conçu cette série en simplifiant les formes tout en gardant un lien à la figuration. Je compose l'harmonie en colorant progressivement, et je pousse les contrastes en cherchant des mélanges colorés lumineux et rares. »

Aurélie Dekeyser est fascinée par les couleurs d'Henri Matisse et de David Hockney, le synthétisme de l' École de Pont-Aven, les contrastes d'Edward Hopper et les volumes abstraits de Nicolas de Staël.

Des toits de Paris aux plages de Knokke-Le-Zoute, l'artiste originaire des Flandres favorise tout d'abord la structure : sa méthode consiste à retravailler ses photos grâce au logiciel Procreate, pour sortir progressivement de la réalité et garder uniquement les éléments et les formes qui l'intéressent. Elle teste ensuite des couleurs variées jusqu'à trouver une gamme aux forts contrastes colorés. C'est cette gamme qui lui sert ensuite d'inspiration pour sa peinture finale.

L'artiste n'hésite pas à intégrer des personnages dans ce décor urbain, afin de définir plus clairement les échelles qui composent son dessin.
Ici, de simples passants qui longent une avenue et se reflètent parfois dans d'immenses galeries. Là, une femme allongée dans une chaise longue au premier plan d'un paysage d'une île grecque. Parfois au contraire, elle vide la rue, pour mettre en valeur une immense femme allongée, dans une publicité s'étalant le long d'un bâtiment. L'échelle choisie pour les constructions voisines les rend proportionnellement minuscules.

Ses sérigraphies utilisent des couleurs plus nuancées dans des palettes de gris à peine colorées. Dans leur grande sobriété, elles mettent les perspectives en valeur.

De l'ensemble des photos choisies se dégage une constante, une même fascination pour les angles et les obliques qui se détachent de la structure.
Aurélie Dekeyser privilégie les points de fuite, les plongées et les contre-plongées qui forcent l'œil à rechercher ce fameux point de fuite. Les escaliers nous entraînent dans une descente vertigineuse.

Cependant, dès que l'artiste s'empare de sa palette, les couleurs explosent et se heurtent parfois pour se jouer des contrastes ombres et lumières. Là où Hopper soignait ses dégradés de lumières, Aurélie Dekeyser assume ses choix de grands aplats colorés, sans économiser la matière. Les couleurs réelles deviennent alors purement anecdotiques, tant elles sont délaissées au profit d'autres couleurs plus vives, issues de l'imaginaire ensoleillé de l'artiste.

sérigraphie Aurélie Dekeyser

Voir en ligne : Site d'Aurélie Dekeyser.

[1] www.philippebarnoudphotographe

Prochaines expositions :
— En juillet 2023 au Génie de la Bastille. Paris 75012
— En octobre 2023 au 59 rue de Rivoli. Paris 75001
https://aureliedekeyser.wixsite.com/monsite