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Col Tempo

Alain Nahum — 2026-04-04T08:55:05Z

Guido Guidi a constitué au fil du temps une réflexion contemporaine sur l'image et le territoire. « Je ne crois pas au résultat définitif, dit-il, il n'existe que des étapes. »

Guido Guidi s'impose aujourd'hui comme une figure incontournable de la photographie contemporaine. Son travail est impressionnant, ses séquences photographiques se déploient au BAL à Paris tel un long leporello articulé en cinq sections présentant dix huit séquences photographiques de plus de deux cents images mises en espace comme une liste à la Georges Perec :
Preganziol 1983 - Esercizi (exercices) 1968-69 - Attesa (attente) 1967-68 - Album 1970-80 - In una stanza (dans une pièce) 1971 - Facciata (façade) 1971-83 - Di sguincio (en biais) 1974-81 - In Montagna (à la montagne) 1983-88 - Dintorni di Cesena (environ de Cesena)1985-2004 - Venezia (Venise) 1983-2001 - Porto Marghera 1988-97 - Rimini nord 1991- PK TAV 139+500 2005 - Chioggia 2000 - Fiume (fleuve) 2007 - Carlo Scarpa Tomba Brion (tombe Brion) - Guimaräes 2011 - Raccolta indifferenziata (collecte indifférenciée) 2001-2023.

On ne peut pas ici décrire toutes ses séries, il faut venir les voir et s'immerger dans ce travail radical et contemporain. La scénographie du BAL est très réussie, elle permet à chacun de s'imprégner pas à pas des séquences photographiques rythmées par les intervalles qui les séparent. Un travail qui entrelace les signes du monde et la grammaire du paysage. Guido Guidi capture depuis les années 1960 des paysages ordinaires, des routes anonymes, des architectures modernes.
Il se concentre sur les espaces périphériques, à la marge, observant des situations non codifiées, incertaines, mal comprises. Pionnier du renouveau du territoire.

Il accorde une importance égale au banal et au monumental, aux détails négligés comme aux formes établies.

Dans sa série Col Tempo, il montre le temps qui passe entre l'ombre et la lumière et la prochaine ombre qui surgit. L'énergie est capturée par la succession des images. Il dit que le sujet réel de ses photographies ne se voit pas dans une photographie mais dans l'entre-deux photographique.

Pour Guido Guidi la façade d'une maison est un visage, la façade regarde le soleil. II a cette idée de la photographie comme une référence à l'espace de l'annonciation.

La relation avec ce que l'on regarde est essentielle pour lui. Ses tirages sont toujours de la même taille que ses négatifs, pour lui la photographie finale doit être à la même proportion que le négatif, c'est la vérité photographique.

Au fil de ses prises de vue quotidiennes, Guido Guidi a constitué peu à peu une archive poétique du territoire : une accumulation de points de vue, de variantes et de découvertes. Il envisage la photographie comme une note, une tentative. Il ne croit pas à un résultat définitif ; pour lui « il n'existe que des étapes ». Et il affirme son rejet de toute complaisance envers l'image unique et l'œuvre parfaite. « Quand je photographie quelque chose, je suis cette chose comme si je priais. »

Au fil de ses prises de vue quotidiennes, Guido Guidi a constitué peu à peu une archive poétique du territoire : une accumulation de points de vue, de variantes et de découvertes loin de toute recherche d'artifice ou de virtuosité.

Il a construit une grammaire du paysage et a profondément transformé le rapport entre langage photographique et perception du territoire. Donnant à son travail une portée politique.

Guido Guidi est autant photographe que penseur. Avec lui apprenons à renouveler notre regard.

Voir en ligne : https://www.le-bal.fr/2026/01/guido...

LE BAL, 6, impasse de la Défense, 75018 Paris
Ouvert le mercredi de 12h à 20h et du jeudi au dimanche de 12h à 19h.

FURY

Alain Nahum — 2025-12-28T15:47:00Z

Une Installation entre réalité et fiction où il est bon d'oublier ses peurs et de se projeter sans retenue hors de ses limites…

Marie QUÉAU est lauréate de la 5ᵉ édition du prix du BAL/ ADAGP de la jeune création. FURY est sa première grande exposition, une installation volontairement disparate entre photographies et vidéos. Le titre de l'exposition est venu du film Alien 3 de David Fincher et du nom de la planète « Fury 161 ».

Avec ses cadrages serrés, noir-et-blanc saturé et couleurs artificielles, elle construit un espace indéterminé, menaçant, opaque, où pointe une violence sourde où seuls les corps et leurs gestes comptent. Des corps qui suintent face à l'effort et à la douleur.

Marie Quéau

Pour réaliser ce travail à la frontière du documentaire et de la fiction, Marie Quéau a fait appel à des élèves d'une école de cascadeurs où on apprend à se brûler, à chuter, à se noyer, à se faire abattre.
Elle photographie ces élèves cascadeurs qui sous son regard confrontent leurs corps à des états extrêmes afin de surmonter leur stress face au danger, à la peur, à la douleur, activant adrénaline, sérotonine ou encore dopamine. Des exercices où on se défenestre à répétition, où ces apprentis cascadeurs s'exposent à des conditions exceptionnelles sans abimer leurs corps qu'ils protègent.
Devenant acteurs en transe dans un studio de motion capture, apnéistes en immersion ou individus donnant libre cours à leur rage dans une fury room.

Marie Quéau capte le moment précis où le corps et l'esprit vacillent entre contrôle et lâcher-prise. Qu'il s'agisse d'approcher un volcan, de tenir face à la chaleur, d'apprendre à chuter sans se briser, de voir et respirer sous l'eau, ou de quitter la Terre pour la Lune.

À sa manière, elle nous restitue l'ultime intensité de la vie « – cette furie – qu'est la mort elle-même », qu'elle nous fait appréhender comme peut le faire le cinéma où chaque spectateur peut être confronté à l'expérience de la mort sans avoir à la vivre…

« FURY » de Marie QUÉAU au BAL du 28 novembre 2025 au 8 février 2026.

Une parenthèse enchantée

Alain Nahum et Martial Verdier — 2025-11-02T11:42:12Z

Les rivages de la mer, les plages, sont des terrains de jeu où les adultes renouent avec leur enfance et partagent avec leurs enfants et leurs amis les joies et les plaisirs du bain.

Le Second Empire, à la fin du XIXᵉ siècle, a inventé les trains de plaisir qui permettaient à un public modeste de découvrir la mer, Paris-Le Havre, Paris-Dieppe… C'était donner un peu de vacances à un public qui en était privé. Un peu de santé aussi, les bains de mer étaient réputés vivifiants. Iode et grand air pour se remettre des vapeurs noires de la ville.

S'ils ont disparu au début du XXᵉ siècle, la population qui en bénéficiait n'a retrouvé le chemin de la mer que grâce à des associations qui organisent de nouveau ces voyages.

Pour ces banlieusards qui considèrent la tour Eiffel, qu'ils aperçoivent au loin, comme un autre monde, les plages normandes sont un autre univers.

Alain Nahum nous fait partager la joie de la découverte de ces nouveaux espaces, libres et vivants, le plaisir des jeux d'eau, du partage avec la famille, les enfants. Il n'est pas un photographe humaniste, c'est un photographe humain. Sans voyeurisme, il montre subtilement l'intime et le désordre du monde. Sur les plages bien policées de Deauville, ces photos donnent l'impression d'un autre continent. Sur place, il s'est vu reproché de photographier ces baigneurs·euses, majoritairement noirs·es, pourtant il faut rendre compte de cette ségrégation cachée, et être capable de photographier le plaisir et la joie.

Carnet d'Arles

Alain Nahum — 2025-07-28T14:00:00Z

Dans cette grande immersion que nous offre Arles la photographie nous montre sa capacité à ajouter du temps au monde et de rendre le temps palpable par tous, des temps qui se superposent, se juxtaposent dans toute la ville.

Je reviens enthousiaste de cette grande fête de l'image à laquelle j'ai participé avec l'exposition « Summer Breeze » qui regroupée quelques photographes de renoms dont Jacques Henri Lartigue, Willy Ronnis, Roger Ballen.

Arles, jours et nuits comme chaque année, aimante tous les regards par le flot d'images présentées, ses conférences, ses performances et ses projections. On peut dire avec le philosophe Emanuele Coccia : « Que chaque photographie est une rencontre renouvelée, un présent continu que la photographie dilate. »
Cette année, la photographie Australienne et Brésilienne, étaient les deux grands invités du festival, célébrant la diversité des cultures, des genres, des origines.

Personnellement, dans ce va-et-vient visuel où la photographie libère ce qu'il y a en chacun de nous, j'ai été touché et très intéressé par la photographie Australienne. L'Australie est un pays qui a une histoire bien avant l'arrivée des Européens. Ce que nous montre à travers des regards extrêmement singuliers l'exposition « On the Contry ».

Michael Cook, Série « Majory Rule », 2014

Brenda L Croft. Série Naabami 2016-2022

J'ai aimé aussi les rétrospectives de la photographe Letizia Battaglia et du photographe Louis Stettner.

Letizia Battaglia, 1935-2022, Femme photographe de Palerme au parcours étonnant qui a traqué avec son appareil la maffia et ses crimes, ainsi que la vie de ses habitants.

Letizia Battaglia

Sur cette photo, elle a fait le portrait d'une jeune femme qui vient de perdre son compagnon assassiné par la maffia.

Louis Stettner, 1922-2016. Photographe Américain.

Il a été aussi cinéaste, sculpteur et peintre. Son œuvre est un entre deux entre la street photography américaine et la photographie humaniste française.

Louis Stettner

L'offre est tellement grande à Arles que l'on ne peut pas tout voir, appréhender, il faut sélectionner, se laisser guider par le hasard et se méfier de la peur de rater quelque chose. Car à trop regarder parfois le regard par lassitude peut retomber en lui-même et voir qu'il a peut-être trop vu…

Image d'introduction : Photo de Tony Albert de la série « Images indociles », exposition « On Contry ». Choisi pour être l'invitation de la photographie australienne à Arles.

Alain Nahum participe à l'exposition collective SUMMER BREEZE
Organisée par Boogie Woogie Photography
du 7 juillet 2025 – 27 octobre 2025
Entrée libre tous les jours de 12 h à 21 h
Hôtel Relais de Poste, 2, rue Molière, 13200 Arles

Mémorex

Alain Nahum — 2025-06-30T09:37:09Z

La photographie est une mémoire, et quand elle disparait ou s'altère, elle crée ce grand vide, cette absence.
Il ne reste que l'imagination et un peu de souvenir quelquefois pour écrire-décrire l'absente.

Ces photographies sont le résultat d'un accident inattendu dû à de l'eau qui s'est infiltrée dans un album de négatifs argentiques. Déformant la matière de l'émulsion, laissant ses marques de coulures sur les négatifs, effaçant les personnes et les scènes photographiés, lors d'un tournage de film.

Les images s'étaient métamorphosées en des surfaces graphiques abstraites, sur lesquelles on pouvait juste entrevoir des « images-fantôme ». Ce qui avait disparu continuait à hanter les images. Ce n'étaient plus des images qui s'offraient à moi, mais une absence d'image, celle d'une disparition à l'œuvre. Elle me projetait dans un ailleurs photographique, dans un hors-champ silencieux, celui de l'absence, là où naviguent dans la mémoire les images manquantes et leurs énigmes…

Alain Nahum participe à l'exposition collective SUMMER BREEZE
Organisée par Boogie Woogie Photography
du 7 juillet 2025 – 27 octobre 2025
Entrée libre tous les jours de 12h à 21h
Vernissage mercredi 9 juillet, de 18h à 21h à Hôtel Relais de Poste, 2, rue Molière, 13200 Arles

Nous autres

Alain Nahum — 2025-06-29T07:30:00Z

Au Bal, du 20 juin au 16 novembre 2025, l'exposition « Nous autres » présente trois femmes artistes, Donna Gottschalk, Hélène Giannecchini et Carla Williams, engagées chacune à leur manière, dans la reconnaissance de leur identité sexuelle et des droits LGBT+.

L'exposition « Nous autres » fait suite à une année uniquement consacrée à des artistes et commissaires femmes. Une programmation plus ouverte, moins « célébrative » des grands noms de la photographie, qui montre pour la première des œuvres qui n'ont pas occupé la place qu'elle mérite. Celles de trois femmes photographes et écrivaines liées par des liens d'amitié et d'orientation sexuelle :

Donna Gottschalk, artiste photographe américaine de 76 ans, Influencée par Diane Arbus, elle tourne son objectif vers la vie intime de ses proches. Elle photographie son quotidien, son quartier, sa famille, ses amis, ses amantes. Elle explore son identité de genre grâce à la photographie.

Ses photographies sont présentées comme une balade dans le New York des années 1970 dans le quartier où Donna est née à alphabet City et le 406 East 9 Street où elle accueillait dans un petit appartement qu'elle avait acquis ses amis et ceux ou celles qui tentaient d'échapper à la violence causée par leur orientation sexuelle. Son travail documente une autre histoire de la sexualité, celui d'un d'un milieu populaire dans un New York que l'on connaît mal. Elle est une militante lesbienne. Elle photographie les marges depuis la marge. Son travail compose une sorte d'album de famille solidaire, des archives de la dissidence.

Hélène Giannecchini est une écrivaine, chercheuse et théoricienne française. Attentive aux paroles et aux images manquantes. Sa rencontre avec Donna est un vrai coup de cœur, une confiance réciproque nait immédiatement entre elles ainsi qu'une durable amitié. Hélène décide alors d'explorer les archives photographiques que Donna lui confie, de les exposer en public afin de réactiver son histoire et celle de sa communauté. Pour l'exposition, Hélène Giannecchini a réalisé le film « I want my people to be remembered » à partir de planches contacts, photos, cassettes audio, lettres, journaux, tirés des archives de Donna Gottschalk.

Au Bal / Helene / Donna

Et Carla

Carla Williams est une photographe, activiste, éditrice et écrivaine américaine. Sa série photographique « Tender » complémente l'exposition avec des autoportraits réalisés dans les années 1980. Ils développent une stratégie d'auto présentation : « Je ne voulais pas être regardé, je voulais me regarder moi-même » dit-elle. Carla Williams a été marquée par une photo prise à la gay pride de Donna Gottschalk, une sœur spirituelle pour elle. Elle ne pensait pas qu'un jour, elle pourrait la rencontrer et exposer avec elle, ce jour est finalement arrivé…

Une exposition collective sous le signe de l'amitié et de la complicité à voir sans modération. Un récit choral où l'intime rejoint l'histoire collective et comble l'invisibilité et la sous-représentation des femmes Queer dans l'histoire américaine de la photographie.

Voir en ligne : www.le-bal.fr

Du 20 juin au 16 novembre 2025
LE BAL
6, impasse de la Défense, 75018 Paris
Ouvert le mercredi de 12h à 20h et du jeudi au dimanche de 12h à 19h
Fermé le lundi et le mardi

On mass hysteria / Une histoire de la misogynie

Alain Nahum — 2025-03-02T10:03:40Z

Une plongée dans des énigmes d'aujourd'hui, autour de phénomènes paranormaux qui ont pendant longtemps été qualifiés « d'hystérie collective » et qui frappent principalement des communautés d'adolescentes et de femmes.
L'artiste catalane Laia ABRIL avec un troisième volet, nous plonge dans un travail complexe et dense autour de l'histoire de la misogynie qu'elle a initié en 2016 avec un premier volet sur le viol et un deuxième sur l'avortement en 2020.

Laia Abril poursuit ici son travail sur le contrôle systématique du corps des femmes à travers les siècles et les continents. Elle est une artiste-chercheuse catalane multidisciplinaire qui se concentre sur des thématiques liées au droit des femmes, au deuil et la biopolitique. Elle explore, au moyen de la photographie, du texte, des archives, de la vidéo et du son, des réalités complexes et opaques :

« Je me suis intéressée à la psychosomatisation et aux traumatismes transgénérationnels, ainsi qu'à la nature multiforme de la souffrance physique, émotionnelle et spirituelle, sans négliger la manière dont les sociétés non occidentales construisaient la douleur et la souffrance. Je laissais les rêves, les ressentis, les prémonitions et les croyances de ces femmes me guider pour raconter leur histoire… »

L'exposition se présente comme la résolution d'une énigme, à chaque visiteur de l'explorer…

On Mass Hysteria est la poursuite du travail de l'artiste sur le contrôle systématique du corps des femmes à travers les siècles et les continents. Une lecture visuelle des différentes interprétations mises en œuvre pour tenter d'expliquer ce que l'on qualifie « d'hystérie collective ». Ce travail a été réalisé à partir des paroles des femmes atteintes de ces symptômes — 68 cas au total — et de nombreuses archives qui vont des sorcières de Salem au XVIIᵉ siècle aux écolières du Botswana en 2019.

Laia Abril développe ici trois études de cas :

– Au Mexique en 2000. Épidémie de paralysie de jambes dans un pensionnat catholique pour jeunes filles.
– Au Cambodge 2012-2022. Épidémie d'évanouissements chez les ouvrières dans une usine de confection.
– Aux États-Unis dans la ville de Le Roy 2012. Épidémie de tics dans un lycée.

Une exposition du Bal qui accompagne la recherche, étonnante et passionnante.

« On mass hysteria / Une histoire de la misogynie », du 17 janvier au 18 mai 2025.
Le Bal
6, Impasse de la Défense
75018 Paris
Métro Place de Clichy

https://www.le-bal.fr

des Lignes et des Corps

Alain Nahum — 2024-07-29T13:15:56Z

Méconnu en France, le photographe Yasuhiro Ishimoto est pour la première fois exposé en Europe, au BAL à Paris, jusqu'au 17 novembre 2024.

L'exposition de Yasuhiro Ishimoto au BAL à Paris rassemble 169 tirages noir et blanc rares, pour la plupart d'époque et réalisés par l'artiste lui-même. L'exposition se concentre sur les premières décennies de son œuvre, entre Chicago et le Japon.

Né à Chicago, formé à l'Institute of Design de 1948 à 1952, Ishimoto incarne la première génération de photographes de l'École de Chicago, marquée par la double influence d'Harry Callahan et Aaron Siskind. À son retour au Japon en 1953, il devient une figure majeure de la scène artistique japonaise. Opérant un travail de métissage entre culture japonaise et influence occidentale, il est un passeur entre les deux cultures.

On se rend compte en regardant ses photographies qu'il a influencé la nouvelle génération des photographes japonais, en libérant la photographie japonaise de l'injonction de témoigner, de raconter, en l'ouvrant à l'abstraction, aux lignes, au corps. Chez lui l'image devient un objet autonome où tout se passe dans l'espace du cadre qu'il expérimente sans cesse. C'est très impressionnant, ses images sont étonnantes, inhabituelles, radicales tout en restant classiques. Une vraie découverte et une claque photographique.

Yasuhiro Ishimoto (1921-2012) « Des Lignes et des Corps »
du 19 juin au 17 novembre 2024
LE BAL
6, impasse de la Défense 75018 Paris
www.le-bal.fr

Nation Souterraine 2016-2022

Alain Nahum et Olga Caldas — 2023-07-02T11:58:23Z

Alain Nahum s'entretient avec Olga Caldas au sujet de ses images dans l'exposition "La Fabuloserie" à la Halle Saint-Pierre

L'exposition La Fabuloserie a 40 ans à la Halle Saint Pierre qui montre la collection d'Alain et Caroline Bourbonnais, dont des images d'Alain Nahum, est l'occasion d'une discussion entre Alain et Olga Caldas, photographe et responsable de la communication de la Halle Saint Pierre.
À la fois une présentation de la série "Nation Souterraine" et un retour sur l'ensemble de son travail.

Entretien Alain Nahum - Olga Caldas

28 min

La série « Nation souterraine » a été réalisée sur le quai de la station Nation du RER A, et terminée après le démontage fin 2022 par la RATP du mobilier urbain, inventé et dessiné par l'architecte Alain Bourbonnais. Et cela au mépris du respect de l'œuvre et du patrimoine.

Inaugurés en 1969, ces sièges rouges aux formes arrondies et protectrices se déploient sur l'ensemble du quai, ils sont comme les fauteuils d'un théâtre qu'on aurait posé sur la scène et qui attendent que des acteurs y prennent place. Ce dispositif n'est sans doute pas là par hasard, Alain Bourbonnais venait de construire quelque temps auparavant le théâtre de Caen ainsi que celui de la ville de Luxembourg.

En découvrant en 2016 le quai de la station Nation et son mobilier urbain, en forme d'isoloir et de confessionnal, j'ai eu tout de suite envie de photographier ce lieu théâtral si singulier, qui met en valeur la diversité des corps et des visages de chaque usager.
Les voyageurs, lovés dans leurs alvéoles de plastique rouge, s'observent tour à tour, se font face, se détournent ou s'isolent, cherchant pour certains une position viable pour s'allonger ou dormir. Tout cela crée une étrange chorégraphie, où chacun n'est là pour personne et où chaque usager fait l'expérience de cette solitude partagée.

Dans mes photographies, j'ai essayé de transmettre ce temps nu de l'attente, son va-et-vient, son plein et son vide et l'humanité qui s'en dégage.

Trois de ces photographies sont actuellement exposées au musée de la Halle Saint-Pierre à l'occasion de l'hommage fait jusqu'à fin août 2023 à la collection d'Art Singulier de la « Fabuloserie » d'Alain Bourbonnais.

Exposition
LA FABULOSERIE
25 janvier – 25 août 2023
Halle Saint Pierre, 2, rue Ronsard - 75018 Paris
https://www.hallesaintpierre.org
Métro : Anvers/Abbesses

Une Histoire engloutie

Alain Nahum — 2021-07-29T14:09:31Z

Un de mes albums photos où était rangé une série de négatifs couleurs, avait été détérioré par un dégât des eaux. Les visages et les corps des gens photographiés s'étaient effacés jusqu'à disparaître dans la matière même de l'émulsion. Il n'était plus possible de voir ce que les scènes représentaient.

Intrigué par les traces aléatoires et colorées qui s'étaient formées, je laissais sécher l'album. Je scannais ensuite les bandes négatives, recadrais et éclairais une matière opaque devenue abstraite, sélectionnant les parties les moins endommagées afin de révéler les images fantômes qui s'étaient formées.

Un ailleurs photographique, pictural, et mystérieux s'est alors imposé à moi. J'ai senti alors que l'on ne pouvait jamais savoir à l'avance ce que la photographie, son émulsion, peut sécréter, nous révéler pour nous faire rêver…