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La vie est un entre-deux — Cat Loray et Clément Borderie

Cat Loray , Clément Borderie et Ghislaine Rios — 2022-04-03T14:10:00Z

La mise en présence des œuvres de Cat Loray et Clément Borderie nous confronte à une évidence, l'évidence d'un quelque chose d'essentiel qui les traverse en une sorte d'affinité quasi-asymptotique.

Cette affinité ne livre pas son secret au premier regard porté sur les formes présentées, advenues, de leurs œuvres respectives. Pour approcher cette affinité dans son intimité, il importe de dépasser, comme le dit Paul Klee, ce handicap que représente le regard que l'on porte d'emblée sur ces formes là, pour « parcourir à rebours la genèse de l'œuvre ». Car ce qui fait œuvre, dit-il, ce n'est pas la forme dite « finie », mais c'est le processus d'élaboration, de construction.

Cat Loray et Clément Borderie, Cabinet de dessin

C'est dans ce parcours à travers la genèse de l'œuvre où l'artiste laisse advenir ce qui l'anime, que ce comportement asymptotique s'impose. Tout s'éclaire.

 Ce qui se lit dans l'épaisseur des toiles de Clément Borderie, dans ses pierres de sel, dans les dessins, peintures, ou sculptures de Cat Loray, c'est une même approche du Réel, un travail sur ce qui « fait Vie », sur l'espace, le temps, sur l'espace-temps de l'œuvre, sur les forces en jeu entre des éléments à la fois cohérents et antagonistes, contradictoires parfois, qu'il s'agit de faire « tenir » ensemble, ce « tenir ensemble » ne s'imposant que lorsque l'état énergétique atteint ce stade d'équilibre qu'il s'agit, pour chacun des deux artistes, de repérer.

Leurs œuvres rendent compte non pas de cette « natura naturata », une nature passive, mais au contraire de la « natura naturans », nature où opèrent des forces.

« ...il ne se trouve nulle part rien de fixe, rien au repos, rien d'achevé, mais tout est au contraire flux et mouvement constant ». 
Gœthe : Introduction à une morphologie

2019 - 2020

Toile produite sur le puits du jardin de la chapelle de l'ancien hôpital Yves Lanco à Le Palais (Belle-île-en-mer), 200 x 200 x 50 cm

S'il est des mots qui me paraissent résonner en écho dans les processus respectifs de ces deux artistes, ce sont ceux d' « accumulation », « mouvement », « nature », « vie »... Les œuvres de Cat Loray ou de Clément Borderie nous donne ce sentiment étrange d'appartenance, comme on appartient à la nature, dans une cohésion intime qui impose sur elles un regard du « dedans »...

C'est par cette fusion dans le Réel, dans l'infini d'un devenir, que leurs œuvres absorbent celui qui voit, des œuvres qui, au-delà de ce dynamisme de formation, portent en elles quelque chose d'un temps suspendu...

Y aurait-il dans la rencontre entre les œuvres de ces deux artistes ce qui, en Chine, se donne dans le mot « yuan fen ».

Ghislaine Rios

Cat Loray, Virga, 2021

Céramique faïence cirée, fil suiffé, 270 x 400 cm

Cat Loray, peintre/sculpteur ou sculpteur/peintre...

 Dans l'œuvre de Cat Loray, peinture, sculpture et dessin se confrontent, s'organisent, se répondent dans un processus de création constant, un processus où accumulation, succession de traits ou de points, mise en forme de modules de bases, attestent du rapport des éléments entre eux, le trait, la densité, le vide...

« Mes dessins peuvent être pensés en dimension trois, les modules de bases que je trace sur la toile peuvent être transcrits en céramique »
Cat Loray 

C'est par la peinture et le dessin que Cat Loray a été amenée à créer des formes dans l'espace :

« Le dialogue qui se crée entre une forme et son environnement est identique à celui du pinceau et de la toile »
Cat Loray

Cat Loray, Cellula

2018. Acrylique sur toile, 210 x 140 cm

 Dans un premier temps, un geste initial qui va façonner ou tracer ce qui sera le module de base pour une séquence répétitive. Cat Loray, dans un rituel quasi obsessionnel, trace inlassablement sur la toile une multitude de petits traits, petites courbes ouvertes ou fermées, tels des coups de griffes, des ponctuations nerveuses, des traces incisives, et de la même façon modèle dans la céramique une multiplicité de formes, identiques dans leurs différences minimales. 

Qu'il s'agisse de peinture ou de sculpture, ces modules de base répétés indéfiniment, jouent le même rôle, modules/traits ou modules/céramiques. 

Dans la série « Etat de choses », l'accumulation par énumération des éléments de même nature dans une succession de traits qui s'entremêlent, se fait par le geste inlassablement reproduit de l'artiste, travail à la fois rapide et lent. La forme prend corps dans l'épaisseur des milliers de coups de crayons tout en jouant sur la confrontation des couleurs. C'est le mouvement de la main qui impose le rythme. La réflexion, la concentration, la déconcentration, états dans lequel Cat Loray avoue être plongée, entraînent progressivement son esprit vers une ouverture presque méditative à travers laquelle, dit-elle, elle finit par « regarder les choses se faire petit à petit ».

Cat Loray, Virga (2021) et Madre (2021)

Alors que dans la répétition des premiers gestes, c'est une véritable lutte, parfois épuisante, que l'artiste engage face à la toile dans une recherche de maîtrise, elle va peu à peu s'abandonner au courant du rituel, s'y fondre, pour laisser faire, laisser advenir l'accumulation des éléments de base en des surfaces qui se dessinent, semblant évoluer dans un espace à trois dimensions, se lovant sur elles mêmes, s'enroulant dans des spirales infinies, avouant leur finitude inachevée dans des courbes et contre courbes, conduisant notre regard vers un en-deçà, un au-delà, à l'infini du geste...

Pour les sculptures, après le façonnage de l'ensemble des modules, à la fois identiques et différents, il s'agit dans un second temps, pour Cat Loray de les accumuler au sens de « mettre en scène ». Pour cela elle doit choisir un lieu, le lieu de construction de l'œuvre, un mur, un plafond où elle pourra fixer des fils, et passer à cette deuxième phase de son travail, le processus d'assemblage. Le choix du lieu est déterminant pour le regard que le spectateur va porter sur l'œuvre, une œuvre qui doit être à hauteur de corps, ni en dessus, ni en dessous, de telle sorte que celui qui regarde se trouve englobé dans l'œuvre.

Une fois le lieu choisi, l'artiste va positionner le premier module et à partir de là, contrairement à la première phase, chaque geste va représenter une prise de risque. C'en est fini du côté rassurant du geste répétitif ! Maintenant, chaque intervention est pensée, patiemment réfléchie, repensée, différente, à l'écoute du moindre paramètre à prendre en compte pour poursuivre.

Cat Loray, Winter, 2020

Acrylique sur toile, 200 x 200 cm

Cézanne pouvait attendre une journée complète avant de poser une touche nouvelle sur la toile qu'il était en train de peindre... Cette phase d'assemblage exige une gestuelle différente, une gestuelle qui se décide dans le temps afin d'éviter de mettre en péril l'ensemble tant l'équilibre est précaire, fragile, à la limite de la rupture, de l'accident.

 Tout ne tient qu'à un fil, un fil d'où s'origine tout un réseau de fils qui vont faire que « ça va tenir ensemble »...

Et tout à coup... une forme est créée. 

Par cette accumulation de modules Cat Loray opère comme le fait la nature lorsqu'elle assemble des particules élémentaires pour donner des atomes puis des atomes pour donner des molécules qui s'assemblent à leur tour pour donner des cellules, pour créer la Vie. 

Tout son travail s'inspire de cette observation intime du vivant : regarder comment la graine pousse, observer le mouvement d'une poignée de feuilles jetées de façon aléatoire, suivre l'évolution d'un minuscule insecte dans un cheminement fractal, ressentir à travers le plus petit brin d'herbe cette construction de la vie, assemblage de petites choses, de petits modules...

Ghislaine Rios

Clément Borderie Toile produite par la matrice Cuve

Hôpital Charles-Foix AP-HP, Ivry-sur -Seine, 2017. 120cm

Clément Borderie et le processus Borderie

Le travail de Clément Borderie est tout à fait novateur et par là, s'inscrit dans une démarche qui nécessite quelques explications. Après avoir rangé définitivement ses pinceaux et renoncé à l'usage de la peinture... Clément Borderie se lance dans une toute autre aventure. Il installe sa toile en pleine nature, ou dans une étable, dans un lieu urbain, ou encore dans un espace industriel... Le lieu, l'environnement sont décisifs dans le choix de l'artiste. Pour installer cette toile un support est nécessaire. Ou bien ce support est déjà là, disponible, utilisable, par exemple un tronc d'arbre, un toit d'immeuble, une machine industrielle, les murs ou le sol d'une étable, ou bien l'artiste doit le fabriquer : il élabore alors une structure métallique, véritable sculpture qui va servir de matrice à la toile de coton que l'artiste met en place.

 « Pour cela, je détermine un lieu dans la nature, en espace urbain ou industriel et y installe un dispositif dont le choix de la forme permettra la capture de micro éléments.

J'applique ensuite une toile de coton brut sur la surface de la forme qui devient alors une matrice. Selon le lieu, cette forme peut être fabriquée ou existante ». 
Clément Borderie

Clément Borderie, Couche de boulanger

2022. Toile de lin, Boulangerie La Huche à Pain, Senlis

Il va ensuite « laisser faire » une ou plusieurs saisons, laisser œuvrer sa toile dans l'espace-temps et l'espace-temps dans sa toile, dans une fusion totale avec le Réel dans lequel il a plongé son dispositif, un Réel perturbé, modifié, car il prend en lui désormais cette matrice/toile ou cette toile comme l'un de ses éléments.

« Elle va se nourrir de ce que j'appelle les matières sensibles : les rayonnements du soleil, de la lune, les précipitations atmosphériques, la pollution, les pollens... » 
Clément Borderie

Durant cette période que l'artiste qualifie de période de gestation, il n'y a aucune intervention de sa part. A travers les dépôts de toutes sortes, les altérations, les dégradations, se concrétise par accumulation en couches successives, telles les couches d'un millefeuille, un « morceau de Réel », création d'une identité, celle de l'interaction entre la toile, la matrice, l'environnement.

 « Lorsque la toile est aboutie, c'est-à-dire chargée de l'énergie du lieu, je la retire de sa matrice, la rince, puis je la tends ou pas sur châssis et le processus s'arrête. Cette opération permet une plus grande lisibilité du dessin révélé. »
Clément Borderie

Cet arrêt du processus s'impose à l'artiste comme s'impose au paysan le moment de la récolte. L'œuvre est arrivée à maturité... 

Retirée de sa matrice, rincée, installée à l'intérieur, la toile peut renouer avec la fonction de tableau car elle a atteint ce stade d'équilibre énergétique nécessaire à une telle fonction. Les œuvres de Clément Borderie nous donne à voir quelque chose de l'ordre de l'invisible, de l'ordre du temps, un temps qui se lit dans l'épaisseur de ce morceau de Réel, ce morceau de Vie, qui englobe à la fois l'artiste et celui qui regarde.

Cat Loray, Huile sur toile (2020) et Clément Borderie, Côté cave

« Mais l'homme finira par s'absorber dans l'œuvre, car là est pour lui le véritable dépassement, là est la participation au parachèvement de la Création. »
François Cheng, Vide et Plein

Il en va de même avec les pierres de sel, ces blocs de sel, compléments alimentaires des vaches, qui, léchées par ces dernières, deviennent après que l'artiste les ai récoltées, sculptures faites de creux et d'arêtes.

Là encore le processus Borderie consiste à laisser faire, un processus répétitif qui procède cette fois par élimination sous l'action répétée de la langue des vaches. 

Pour les pierres comme pour les toiles l'arrêt du processus s'impose à l'artiste : il sent, il voit, il sait que c'est le moment de prélever.

Clément Borderie qui, dans le but de ne plus s'en mêler a renoncé a poser des couleurs sur ses toiles, a y tracer des traits, au profit de la mise en place soit d'un dispositif, une « machine à produire de l'art » comme le disait Bernard Lamarche Vadel dans les années 1990, soit de blocs de sel à la disposition des vaches, a changé par là le rapport classique sujet/objet, artiste/œuvre. Il ne s'agit plus d'un rapport mais d'une intrication où l'on ne sait plus ce qu'est le sujet, ce qu'est l'objet, le sujet n'étant plus indépendant de l'objet, la distance entre eux ayant perdu tout sens.

2019 - 2020

Toile produite sur le puits du jardin de la chapelle de l'ancien hôpital Yves Lanco à Le Palais (Belle-île-en-mer), 200 x 200 x 50 cm

 Si l'artiste ne s'en mêle plus, c'est qu'il y est totalement emmêlé : il est l'œuvre elle-même.

« L'œuvre m'apparaît alors comme autonome, elle existe en tant qu'œuvre, mais très vite la distance que j'avais établie entre elle et moi (ne pas m'en mêler !) durant la production, disparaît. La frontière s‘efface, l'œuvre m'apparaît comme dans un miroir m'incluant dans ce qu'elle veut dire. ».
Clément Borderie

La beauté que nous donnent à voir les œuvres Clément Borderie est de celle que l'on ressent lorsqu'on est immergé au sein même de la nature, une beauté chargée de sérénité, de calme, une beauté apaisée, méditative, un « bien être »...

Ghislaine Rios

Cat Loray et Clément Borderie, Cabinet de dessin

Cat Loray, Glaciers (2019) et Clément Borderie, Pierre de sel n°20/30

Cat Loray, Ruban miroir

Bandes flexibles en plexi poly miroir, dims variables

Cat Loray, Ruban miroir

Bandes flexibles en plexi poly miroir, dims variables

Cat Loray, Ruban miroir

Bandes flexibles en plexi poly miroir, dims variables

Fondation d'entreprise Francès
27, rue Saint-Pierre 60300 Senlis

DU 10 FÉVRIER AU 30 AVRIL
ENTRÉE LIBRE
Du jeudi au samedi de 11h à 19h Deuxième dimanche du mois et sur rendez-vous : contact@fondationfrances.com
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Frontispice : Cat Loray et Clément Borderie, Toile produite sur matrice Aile II, 2007. 180 x 300 cm

Photographies : © Max Borderie

Des sculptures en céramique suspendues de toute beauté

Cat Loray et Stéphanie Dulout — 2021-03-01T15:41:37Z

Bien qu'il faille s'aventurer de l'autre côté du périphérique et braver les interdits sanitaires (la galerie étant municipale, seules les visites privées sur rendez-vous sont autorisées…), la visite de l'exposition de Cat Loray à la galerie Fernand-Léger d'Ivry-sur-Seine est une expérience bienfaitrice dont les amateurs de calme, de douceur et de beauté auraient tort de se priver en ces temps troublés. Un voyage salutaire et revigorant dans des mondes flottants immaculés contrastant avec le gris sale de la ville et la brutalité de l'architecture environnante.

Davantage qu'un simple accrochage d'œuvres, cette exposition constitue, en effet, une véritable expérience immersive. Une véritable immersion dans l'espace, mais aussi dans le mouvement, le flottement et la fragmentation, l'ondoiement et l'oscillation des formes : de la pluie d'aiguilles composant le nuage en lévitation Virga (un mobile composé de centaines de bâtons de céramique suspendus à des fils de nylon) à la monumentale vague (Wave) déployant sa résille d'anneaux (de céramique, toujours) en courbes et contre-courbes dans la dernière salle, on a plus l'impression de nager ou de flotter que de marcher… Une impression de tangage accentuée par le sol pentu de la première salle de cet ancien cinéma reconverti en galerie. Pouvant évoquer la cale d'un navire, comme prises en étau entre le sol fluctuant et le plafond bas, les hautes cimaises blanches délimitant l'espace d'exposition sans le cloisonner, contribuent elles-mêmes à cette impression de flottement et de fluidité dont l'artiste a su pleinement tirer parti.

Virga

Céramique, faïence cirée, fil suifé, 330 x 400 cm, 2021.
©Jacques-Yves Gucia

Des mondes flottants en suspens

Pour être modelées, pièce par pièce, à la main avant d'être cuite au four puis patiemment assemblées, les œuvres de Cat Loray n'en demeurent pas moins des installations ne prenant forme, et vie, que dans l'espace. Après l'étape du façonnage, celle de l'assemblage et de la mise en place in situ est donc primordiale.

C'est aussi dans la solitude et le silence, dans un état de très grande concentration et presque de méditation, que l'artiste nous a confié passer ses longues journées de montage, lequel constitue la « part inattendue fondamentale après le premier travail préparatoire de fabrication des éléments », le moment où le projet initial modélisé en 3D peut basculer car c'est le moment où se fait toute la recherche sur la perspective…

Wave

Céramique, faïence cirée, fil suifé, métal, 380 x 850 cm, 2020.
©Jacques-Yves Gucia

Outre la beauté des matières (la matité et la blancheur un peu terne de la céramique) et la pureté des formes (bâtons, cônes, anneaux), c'est bien par cette mise en espace que la magie opère. Et par-delà la prouesse technique, car, prouesse technique il y a : plus de mille anneaux ont été patiemment modelés, cuits et suspendus pour composer l'ondoyante Wave suspendue à quelques centimètres du sol, tandis qu'un essaim de quelque sept cents aiguilles forment la nébuleuse Virga…

Virga

Céramique, faïence cirée, fil suifé, 330 x 400 cm, 2021.
©Jacques-Yves Gucia

Véritable tour de force, le rideau d'aiguilles suspendues dessinant ce nuage en lévitation (Virga désigne un phénomène météorologique consistant en des précipitations retenues dans des nuages en suspens, ne retombant jamais au sol) en restitue à la fois toute la densité et l'évanescence par le jeu virtuose des pleins et des vides, des chevauchements et des décalages et des ombres. Œuvre cinétique à part entière, elle semble se mouvoir et presque faire pleuvoir ses raies de lumière sous nos yeux.

Quand les vibrations donnent à l'espace sa profondeur…

Non moins hypnotique, la pièce Silencio consistant en une suspension spiralée composée de cônes est pure merveille. Suspendu à 50 cm du sol, ce cercle de cônes évoquant des cloches, de 2m de diamètre, semblant, lui aussi, léviter, paraît abolir toutes les frontières entre la forme et la lumière, le silence et les vibrations, le mouvement et la profondeur… Construit, non pas sur la structure de la spirale classique, mais sur celui de la spirale phyllotaxique (phyllotaxie spiral) aux rayons courbes, il dit toute la profondeur et la poésie de la démarche de l'artiste recherchant, à travers les formes naturelles (organiques, végétales, météorologiques…), non pas « l'effet esthétique » mais la beauté intrinsèque, palpable, tangible, viscérale et éminemment poétique du vivant. La danse spiralée des cônes suspendus dans le vide de Silencio fait résonner la beauté du silence par le souffle de l'air qui les fait se mouvoir et parfois, peut les faire tinter… Et c'est cet imperceptible mouvement qui, tout à coup, peut donner à l'espace sa profondeur... Une prouesse technique et un minimalisme des plus poétiques ...

Résilles

Recelant de multiples facettes, des surprises, des faces cachées…, changeantes et mouvantes…, mêlant l'air à la matière, le palpable et l'impalpable, l'ombre et la lumière…, les mobiles en porcelaine de Cat Loray sont comme des poèmes : ils éveillent les sens, suscitent la rêverie et ne se livrent pas entièrement au premier regard… Il faut lentement s'en approcher, tourner autour, s'éloigner à nouveau et y revenir par un autre angle de vue pour les découvrir dans leur ensemble et dans toute leur profondeur, mais aussi les voir se métamorphoser au gré des variations lumineuses. Ainsi la pièce Silensio, parvenant miraculeusement à nous faire entendre le silence, suspendue très bas, apparaît comme une énigme, une nappe de cônes dédoublés par leur reflet les transformant en larmes ou en gouttes : une fascinante et oh combien poétique distorsion des formes…

Un minimalisme sensuel et poétique

Toutes de douceur et de pureté, du fait du lissé et de la sourde blancheur de la faïence cirée utilisée, mais aussi de la simplicité et de la fluidité de leurs formes, ces installations nous conduisent à une nouvelle perception de l'espace, et par là-même, à une véritable expérience sensorielle, du flottement et de l'ondoiement – une plongée dans des mondes en suspens provoquant un salutaire effet d'apaisement… Si elles s'inspirent de formes naturelles, organiques, issues de paysages ou de phénomènes météorologiques – l'artiste dit se nourrir de tout ce qui nous entoure –, ces « espaces circulatoires sensoriels » s'offrent aussi comme une retranscription toute intériorisée des sensations et des perceptions de leur créatrice, qui dit vouloir « donner l'essentiel, transmettre l'essentiel des choses qui nous touchent ».

Sans titre

Accrochés à même les murs, entre chaque installation, dans une belle osmose, les dessins monumentaux de l'artiste témoignent de la même délicatesse et de la même quête de profondeur et de densité dans le plus pur minimalisme. Consistant en une superposition de traits (ou de points) et de matières (pastels et crayons sur papier), ces dessins sont le fruit d'un travail « presque méditatif », selon les termes de l'artiste, sur le geste et la répétition. Evoquant tout à tour des écheveaux, des cocons, des nids ou des aiguilles, ces tracés révélant le rythme et l'intensité du geste inlassablement répété, ont une telle densité, une telle épaisseur malgré leur planéité, qu'ils semblent presque s'arracher du mur et devenir sculptures… Autre prouesse faisant fi des frontières traditionnelles séparant les genres, les supports et les espaces (bidimensionnels ou tridimensionnels) … Un art virtuose de la métamorphose.

Coussins

Quelques questions posées à Cat Loray

Propos recueillis le 13 février 2021 par Stéphanie Dulout

Stéphanie Dulout : Que symbolise ou représente pour vous le blanc ?

Cat Loray : Le blanc est pour moi la couleur de tous les possibles. Il y a d'infinies nuances de blanc. Il y a des blancs chauds, des blancs froids, des blancs crayeux, mats, brillants…

On définit le blanc comme une non couleur, alors que c'est la couleur la plus visible dans la nature. Le blanc englobe toutes sortes de notions : l'espace, le vide, la lumière, la plénitude, le silence. Le blanc réfléchit la lumière, et nous renvoie des ombres. Ce n'est pas pour rien que l'une des plus grandes œuvres du XXe siècle est un Carré blanc sur fond blanc (Malevitch).

Le blanc, c'est pour moi la liberté de dire les choses à travers une matière, une forme, une texture. Dans mes céramiques, j'ai longtemps cherché la terre qui, en cuisant, me donnait ce blanc à la fois mat et profond.

SD : Vos œuvres sont suspendues, parfois à quelques centimètres du sol, comme votre pièce circulaire Virga. Pourquoi ? Pourriez-vous nous parler de ce que vous recherchez à travers ces dispositifs en suspension, ce que vous cherchez à provoquer ou à nous faire éprouver à travers eux ?

CL : Mon travail nait de l'observation des choses qui nous entourent, et le rapport de ces choses entre elles. Mes œuvres ont toutes un rapport au corps et à l'espace qui les occupent. On est dans l'ordre du sensible, comment appréhende-t-on ce qui nous entoure ?

Virga est une pièce qui est faite de centaines d'aiguilles en céramique, je l'ai nommée ainsi car la virga est un phénomène météorologique, ce sont des pluies retenues dans les nuages mais qui ne touchent jamais le sol, c'est un paysage très poétique qui provoque des formes incroyables dans le ciel. J'ai ainsi donné ce titre à l'exposition, j'ai trouvé la métaphore très belle, dans la mesure où toutes mes installations ont un rapport très fort au sol mais ne le touchent jamais, elles l'effleurent mais ne le touchent pas.

Virga a été conçue pour le lieu, je l'ai tissée petit à petit dans l'espace, en prenant en considération les contraintes du lieu. D'une part la pente, qui modifie la perception de l'espace et d'autre part, l'absence de lumière du jour qui m'a permis de réfléchir sur la projection et le sens des ombres.

Si mes œuvres sont suspendues, c'est qu'elles nous questionnent dans un espace-temps. La suspension c'est pour moi un moment de réflexion, un instant, un temps suspendu. C'est aussi la fragilité, les éléments sont tous suspendus par des fils, un léger courant d'air provoquera d'imperceptibles mouvements qui donneront à leur tour un son, le son de sa matière, de sa forme.

La suspension c'est la mobilité, c'est le rapport à l'espace, c'est aussi la possibilité au spectateur de se confronter à l'œuvre, de tourner autour, de sentir, de toucher.

C'est aussi pour moi la liberté de redessiner l'espace comme quelque chose qui peut sans cesse évoluer, qui n'est pas figé.

SD : Quel statut donnez-vous à vos dessins ? Sont-ils des oeuvres en soi ou des oeuvres préparatoires ? Des desseins (au sens italien de disegno) ou des dessins ? Des dessins dans l'espace, cherchant à outrepasser la planéité de la feuille et du mur, ou des sculptures en germe ?...

CL : Le dessin est la base de mon travail. Il est une nécessité en ce sens il est un dessein puisqu'il répond à une exigence, à une volonté. J'ai toujours avec moi des tas de carnets où je note des choses, des idées… Je fais beaucoup de dessins, je passe du petit format, en général, par terre, au grand forma,t au mur. Depuis quelques années, je me suis posée la question du geste, et du rapport entre mon corps et le geste de ma main. En fonction des formats, mon geste est évidemment différent. Dans l'exposition, je montre différents dessins qui impliquent ces gestes répétitifs : le trait, le point, la forme. Twombly disait à propos de son geste : « Je sais ce que je fais, mais je ne sais pas ce que je produis. » Je comprends cette notion, lorsque je commence à dessiner je ne sais pas où je vais aller, mais je ne peux pas m'arrêter car je risque de ne plus retrouver cette énergie, ce geste. Roland Barthes, à propos de Twombly, évoque la maladresse de la main ; en effet, lorsque l'on répète un geste, le trait se déforme, et c'est le moment le plus intéressant car c'est l'instant où tout prend forme.

Mes dessins sont, en somme, des sculptures, et mes sculptures, des dessins, car pour moi c'est un ensemble indissociable, la démarche et la façon de faire est identique, à ce propos vous pouvez constater que les ombres portées des œuvres sont des dessins à part entière.

SD : Sauriez-vous décrire votre passage de la deuxième à la troisième dimension ? Le passage de l'une à l'autre, de la planéité à l'occupation / l'appropriation de l'espace ? Est-il un appel irrépressible, une tension, un besoin, un désir ?

CL : Le passage à la troisième dimension est comme une évidence par rapport à mon travail, car mes peintures, comme mes dessins, sont, en somme, destinées à être des sculptures dans l'espace. J'ai toujours abordé l'espace du papier, ou de la toile, comme ouvert, sans limite de cadre ; en ce sens j'ai toujours débordé de ce cadre : les toiles, comme les papiers, sont pour moi des possibilités de m'étendre, de ne pas me contraindre au cadre imposé. Je construis mes œuvres en trois dimensions de la même manière qu'en deux dimensions.

SD :Quels liens tissez-vous dans vos œuvres entre l'espace, la matière, la couleur et les sons ou le silence ?

Toutes ces notions sont pour moi un ensemble indissociable. La forme a une matière, la matière une couleur, la couleur un sens. Dans l'exposition, toutes les œuvres suspendues appellent le son mais pourtant elles sont silencieuses. Ce qui m'intéresse c'est l'évocation d'un mouvement, d'un son, d'une présence.

SD : Considérez-vous vos œuvres comme des sculptures ou des installations ?

CL : C'est toujours difficile d'attribuer une pratique ; l'installation est souvent constituée d'éléments prenant en considération l'espace, ce sont souvent des œuvres in-situ. J'appartiens aux deux : la frontière entre sculpture et installation est fragile. Je dirais plutôt que je redessine les espaces. Mes dessins sont des sculptures, mes sculptures, des dessins en trois dimensions.

SD : Quelle est pour vous la part principale, la plus importante, pour chaque nouvelle création, entre la conception, le façonnage (le modelage) et le montage ?

CL : Ma pratique demande du temps, ce temps du « faire » est important pour moi, c'est un moment de réflexion. Prendre le temps c'est aussi sentir la matière que je façonne ; c'est dans la répétition, que je conçois petit à petit les œuvres. Chaque étape me rapproche un peu plus d'une finalité, mon processus de travail me permet beaucoup de liberté, et surtout celle de ne pas considérer l'œuvre comme terminée.

SD : Qu'est-ce que pour vous la sculpture au XXIème siècle ? Doit-on encore parler de sculpture ?

CL : La sculpture existera toujours. Aujourd'hui, il y a un champ immense d'expérimentations, de formes d'expression, de centres d'intérêt. Les nouvelles technologies permettent de nouvelles réflexions. L'artiste aborde aujourd'hui des façons de faire très diversifiées, l'art évolue, mute aussi vers des formes nouvelles du regard et de l'interprétation. Mais on peut voir aussi qu'à travers toutes ces nouvelles préoccupations, la sculpture et la peinture sont toujours très présentes.

Silencio

texte publié dans the gaze of a parisienne

https://thegazeofaparisienne.com/2021/02/15/cat-loray-a-la-galerie-fernand-leger-a-ivry-sur-seine/

Jusqu'au 13 mars
Galerie Fernand Léger
93, av. Georges Gosnat
94 200 Ivry-sur-Seine
T. : + 33 (1) 49 60 25 49
fernandleger.Ivry94.fr
Métro : mairie d'Ivry, ligne 7 – RER : Ivry-sur-Seine, ligne C
http://fernandleger.ivry94.fr

www.catloray.com
Visites sur rendez-vous avec l'artiste via catloray@gmail.com

Frontispice : Silencio, céramique, faïence cirée, fil suifé, diamètre 210 cm, 2021.