TK-21

Laure Molina

Laure Molina — 2024-06-02T08:25:24Z

Laure Molina a présenté trois performances lors du vernissage de la Biennale de Venise 2024, consistant à iriser plusieurs canaux par la libération de pigments naturels et de composés chimiques sans aucun danger pour la biodiversité et l'environnement. L'artiste s'inspire de l'acte du pionnier environnemental Nicolas Garcia Uriburu, qui avait coloré le Grand Canal en vert en 1968.

Pour dénoncer la pollution, Laure Molina multiplie, modernise et revisite l'activisme écologique en posant la question : où en est l'écologie depuis le geste marquant d'Uriburu, et comment percevons-nous son évolution ?

Revendications

Laure Molina est avant tout une artiste engagée luttant contre les guerres, de plus en plus fréquentes dans le monde actuel, mais également pour davantage de rapidité quant aux prises de décisions gouvernementales portant sur l'écologie et le développement durable. De par son origine paternelle (pied-noir espagnol), Laure Molina a également un fort attachement à la défense des minorités au travers de son art. C'est donc tout naturellement que, lors de ses différentes performances artistiques, elle porte un message fort au public vénitien et à tous les internationaux présents pour la Biennale de Venise.

« Je supporte leurs guerres depuis des décennies, ils supporteront ma guerre de couleurs en trois actes. La première revendication, c'est le rouge pour toutes les victimes innocentes des guerres, je demande l'arrêt des guerres ! Je suis moi-même fille d'immigrée de guerre, je sais que la blessure se communique entre générations et détruisent cœurs et vies entières. N'est-ce pas là, l'origine du terrorisme ? Cette biennale porte en elle, ces immigrations sur la terre depuis le début de l'histoire humaine ! Stop ! »

« L'orange pour toutes les cultures natives du monde qui ont été conquises trop violemment et qui n'ont pas pu partager leurs clés, je demande qu'elles soient valorisées, surtout celles du Nouveau Monde et de l'Australie, dont certaines informations essentielles devraient être intégrées dans l'éducation des enfants occidentaux ! Le statement sur ce projet est multiple et me semble correspondre à la complexité du monde, que j'identifierai par la couleur du jaune, pour toutes les contradictions en lien à l'environnement. Il y a le traditionnel vert lié à l'écologie, repris par nos chères ONG. Il y a aussi une revendication quant au positionnement de l'artiste et de la culture dans la société, qu'on peut identifier en bleu. Quel serait le violet ? Peut-être l'appropriation et le positionnement du public qui était présent lors de la performance, quant à l'environnement et l'écologie ! Je souhaite que toutes les consciences se transforment et qu'on guérisse les blessures des guerres. Culture de l'irisation, officiel ! »

L'irisation de l'eau comme procédé artistique

L'irisation est un phénomène physique, optique et scientifique inspirant l'industrie, l'artisanat et l'art. On évoque l'irisation quand une surface change de couleur, quand il y a effet miroité. L'irisation est la production le plus souvent d'arc-en-ciel apparaissant sur la surface de certains corps. Son étymologie latine est en lien avec le mot « iris », qui signifie arc-en-ciel. L'iris est aussi un composant essentiel de l'œil et confirme le positionnement de l'irisation comme phénomène autant physique que plastique, inscrit à la base de la vision, en quelque sorte responsable de tout ce qui est visuel. L'irisation sous-tend une complexité optique, elle est le résultat d'interactions imbriquées entre la lumière et la structure de la surface à laquelle elle est exposée. Les effets de couleur peuvent varier en fonction de l'angle de vue, de l'éclairage et d'autres facteurs environnementaux, créant ainsi des moments de grande admiration, de splendeur et de beauté éphémère.

L'irisation est devenue le dénominateur visuel de tout le travail artistique de Laure Molina, depuis son retour en Europe en 2004, entre l'étape 4 et 9. Il y a dix étapes en tout.
« L'irisation représente en premier lieu un rêve, que je faisais étant enfant. Ce rêve se répétait, et parfois, je l'imaginais. Je quittais le monde matériel et physique et j'évoluais dans des pièces colorées. Ce rêve, je l'ai retrouvé dans les légendes des cultures natives que j'ai pu approcher, comme les Blackfeet en Amérique du Nord, j'ai même retrouvé l'irisation chez les aborigènes. Il a fallu presque quinze années de recherches et de développement d'une vingtaine de séries avant que la culture de l'irisation émerge. Mettre en relation l'irisation avec la culture permettrait d'envisager une identité de même nature, mais qui laisserait l'espace pour varier et évoluer dans son expression, comme les couleurs de la peau qui créent les différentes communautés et cultures qui peuplent la terre. L'irisation pourrait être l'étendard visuel de ce qu'est la Déterritorialisation dont parle Gilles Deleuze. Il l'évoque en donnant l'exemple de la diaspora, des mouvements de la population à travers le monde, des personnes qui emportent avec eux leur culture, leurs langues, leurs traditions dans de nouveaux contextes, comme le mouvement de la longueur d'onde qui, dans le monde physique, donne une couleur, un composant ».

Une prise de risque artistique

Après une première performance artistique le 17 avril 2024 sur le pont Giardini della Biennale, Laure Molina et son principal partenaire, ont été interpellés lors de la dernière représentation par les forces de police locales aux alentours du pont dell'Accademia après avoir libéré les différents flux de couleurs dans le Grand Canal de Venise. Une arrestation sans aucune conséquence judiciaire puisque l'artiste détenait avec elle un registre complet des différents pigments et composés chimiques utilisés, justifiant ainsi d'une totale inoffensivité environnementale. Il est également important de souligner que Venise est une terre historique de prise de risques artistiques et de revendications environnementales En effet outre le facteur du contexte de la biennale idéale pour exposer son œuvre, l'artiste a également choisi Venise, car la cité des Doges est en proie à de fréquentes montées des eaux, conséquence directe du réchauffement climatique et d'un tourisme de masse venu par paquebot.

Retrouvez l'intégralité des visuels et des vidéos des performances via les liens suivants :
Acte 1 - 17 avril 14h, pont du jardin de la biennale – version intégrale https://youtu.be/h1MZ6MeR4T8
Acte 1 - Version courte https://youtu.be/LrSY6Fj5u2Y?si=CJMWYFpR3vipb9mJ
Acte 2 - 19 avril 15h – Pont du Grand Canal - https://youtu.be/mgXYYcQ3VLM
Acte 3 – entre le 15 et 19 avril - Arsenal https://youtu.be/U3QfpdlE71k

Projet pour une herméneutique globale

Jean-Louis Poitevin et Laure Molina — 2021-10-03T15:33:49Z

Comment à la fois rendre compte d'une réflexion au long cours basée sur plus de dix ans d'expériences réalisées aux quatre coins du monde et sur des œuvres aux aspects les plus divers, en tentant une synthèse qui englobe et permet de déployer cet ensemble en le rendant accessible d'un seul coup d'œil ?

Statemennt de la Culture Terrienne, Laure Molina from TK-21 on Vimeo.

Message, temps écriture

En inventant, au terme d'un déploiement en trois étapes, une écriture composée de formes à la fois vortex, centrées et explosant ou projetant vers le lointain - ou, qui sait, le cosmos - des incises inséminantes, Laure Molina est parvenue à réaliser une œuvre à la fois visuelle et signifiante, variable et concentrique, porteuse d'un message immense et accessible presque d'un seul regard.

Pour parvenir à la formation des signes finaux de cette écriture supra-symbolique et infra-perceptive, elle a associé trois personnages stylisés composant à eux trois, à chaque fois, une figure « amoureuse » évoquant une fusion physique expérimentale, qu'elle a comme laissé être avalés par un maelstrom irrésistible mais qu'elle a su retenir au bord du gouffre. Stabilisé, chaque ensemble est devenu une figure singulière, une lettre un petit être en formation. Et c'est avec ces lettres qu'elle écrit son « statement culture terrienne », message par lequel elle entend rendre possible une reconnexion générale des individus au monde, des individus entre eux, et du monde avec les humains.

Laure Molina — Statement culture terrienne

Collage sur tableau scolaire, triptyque, 2019 / 2020

L'humain et le vivant

L'urgence de ce devenir renouvelant la relation générale du vivant humain avec le vivant pensant selon d'autres lignes énergétiques que celles que permettent de définir les concepts, prend sous nos yeux toute sa puissance vibratoire. Car ces lettres sont réalisées avec un matériau qui les fait varier avec la lumière, comme si chaque signe, chaque lettre, était à la fois en connexion avec l'univers et, en soi-même, un arc-en-ciel.

L'emprise des théories linguistiques ayant en quelque sorte retenu les signes dans la prison de l'ambivalence entre signifiant et signifié, a éloigné d'autant la possibilité de voir au-delà des signes que sont les lettres, c'est-à-dire de voir à travers des lettres les signes que le monde nous adresse et de mieux appréhender aussi ceux que nous lui adressons.

Sur un tableau scolaire blanc à deux panneaux articulés pouvant recouvrir le panneau central, sur ce qui doit donc être vu comme un triptyque contemporain, Laure Molina nous donne à voir, à éprouver, à lire, à expérimenter un texte d'une ampleur magique souterraine, puisqu'il s'agit d'un ensemble de propositions susceptibles de nous aider à nous orienter dans le monde, et, en renouant avec les êtres qui nous entourent, à rétablir un ensemble d'équilibres vitaux pour cette terre en proie aux ondes violentes qu'émet une volonté de destruction indistinctement partagée, semble-t-il, par l'ensemble des humains en proie à un délire collectif insatiable.

Le « spectateur » de ce tableau peut être à la fois séduit par les brillances et les variations lumineuses, et dérouté par l'incompréhension dans laquelle il se trouve face à ces signes, ces lettres qu'il ne reconnaît pas au premier regard. Mais, ce faisant, il est confronté à la tâche majeure qui est la sienne aujourd'hui, celle d'interpréter les signes, tous les signes, ceux qu'il reçoit ou espère recevoir, comme ceux qu'il émet.

Laure Molina — Alphabet écritures actives

Comprendre sa vie, comprendre la vie

Avec ce tableau intitulé Statement culture terrienne, au terme de près de dix ans de travail créatif et réflexif, Laure Molina, met en scène ce qui est à la fois l'aboutissement d'un projet artistique, et une ouverture sur le devenir de la conscience. Elle y met en scène le moment central d'un basculement auquel elle invite chacun à accepter de participer. Elle y révèle ce qui peut advenir lorsque l'on fait de cette ouverture majeure le vecteur de l'accomplissement d'une mutation psychique intense.

En cryptant son message dans une écriture dépassant le piège dans lequel la logique linguistique pure articulée autour de l'opposition signifiant/signifié nous a enfermé depuis plus d'un siècle, elle nous met au défi de faire face à la part la plus sombre et la plus intime de nous-mêmes. Car nous vivons sur le fond d'une angoisse porteuse d'espoir mais terrifiante sous bien des aspects, celle que nous éprouvons à l'idée de tenter réellement de « déchiffrer » le monde. Cependant, elle nous indique qu'il est possible de concevoir le monde non plus comme le lieu horrible où chacun de nous a été contre son gré « jeté » et « abandonné » mais comme cette dimension partagée entre les vivants sentant et pensant et le cosmos ayant pris corps sur la planète terre.

Plonger eyes wide open dans ces lettres aux couleurs changeantes, c'est accepter avant même d'y avoir été invité de faire sur soi ce travail de métamorphose intérieure. Chacun, en plongeant les yeux dans les reflets de ces signes vibratiles, deviendra un double cosmique ayant déjà commencé de devenir lumière. Élevé à la hauteur de la vibration pure, il sera aussitôt devenu l'herméneute de sa propre existence et, vie, expérience et interprétation ne seront plus alors que les noms anciens de ces trois lignes qui, entrelacées dans l'œil d'un vortex, composent chacune des lettres de cet alphabet à la fois sensuel, cosmique et profondément humain grâce auquel écrire et lire ne seront plus des actions séparées.

Laure Molina — Alphabet écritures actives

Frontispice : Laure Molina — Héritage, Études, 3M.

Laure Molina, Le Monde de la Vie

Laure Jaumouillé et Laure Molina — 2020-05-01T17:24:21Z

Auteur des Trois matières (1960), Stéphane Lupasco explique que la contradiction est la texture de l'univers. Tout, dans le monde, est constitué d'une tension entre des forces contradictoires. Lupasco ajoute qu'il y a toujours un Tiers inclus entre ces éléments opposés, qui permet de les considérer simultanément. Dans la lignée de Lupasco, Basarab Nicolescu évoque la recherche de ce « tiers » à inclure entre deux pensées qui s'opposent afin d'accéder à un autre niveau de réalité. Il s'agit toujours de subvertir les antagonismes binaires. Basarab Nicolescu propose de se mettre en quête du Tiers inclus entre moi et le monde. Ainsi il échappe à la pensée dualiste, caractéristique de la Modernité occidentale, qui apparaît comme une pensée d'exclusion [1]. La pratique artistique de Laure Molina s'inscrit dans cette même recherche destinée à subvertir les frontières entre forces opposées, qui produisent autant de dualismes. Ainsi, elle tend à créer des ponts entre les champs de pensée et explore des voies pour dépasser les systèmes binaires.

L'œuvre plastique de Laure Molina se distingue par des étapes qui s'imbriquent les unes dans les autres. Selon un effet de rebond, chaque nouvelle étape permet d'en découvrir davantage sur les étapes précédentes. Le fil conducteur qui les relie est celui de la mise en relation des spectateurs occidentaux avec leur environnement naturel et avec leur identité essentielle. L'artiste tend à les relier à la matière physique, vivante, tout autant qu'avec le cosmos. Cette mise en relation du spectateur avec des éléments naturels se fait par le biais d'éléments industriels et technologiques, comme pour souligner le paradoxe existentiel que nous vivons aujourd'hui. Ce dernier représente un défi logique de notre société contemporaine : retrouver notre identité essentielle, en s'accordant au développement industriel et technologique, ou en d'autres mots, passer par la technologie pour nous retrouver nous-mêmes. En outre, dans tout le travail de Laure Molina, on observe la résurgence de l'arbre et du soleil, dont le « coefficient proportionnel » [2] change en fonction des étapes du travail artistique, et nous guide quant à l'interaction de l'œuvre avec le spectateur.

Après un deug et un master en arts plastiques, Laure Molina décide de partir à la découverte des cultures amérindiennes d'Amérique latine. Elle part en 1996 et ne reviendra définitivement qu'en 2004. Après un séjour en Équateur puis en Bolivie, elle se consacre à une année d'expérimentation en atelier. Puis de nouveau, la voici sur des terres lointaines, d'abord en République Dominicaine, puis au Guatemala. Ces sept années de séjour marquent profondément sa personnalité et sa pratique. Depuis son retour en Occident, toutes ses œuvres sont inspirées par la rencontre avec ces cultures amérindiennes qui la relient au vivant de manière viscérale. Les systèmes binaires issus de la Modernité [3] rencontrent la multiplicité observée dans les cultures des peuples de tradition orale. L'artiste y trouve un moyen de subvertir la différenciation entre l'homme et son environnement.

Série 1 : « Réflexions énergie cellulaire » - 2004 – photographies sur papier Série 2 : « Réflexions Extra terre » - 2004 – photographies sur papier
Série 3 : « Réflexions Dif Dim » - 2005 – photographie sur papier

A partir de 2004, Laure Molina s'approprie le perspectivisme propre aux cultures amérindiennes de tradition orale. Comme le montre Eduardo Viveiros de Castro, dans les cultures amérindiennes de tradition orale, chaque être vivant détient un point de vue sur le monde, chacun se considérant comme humain, et considérant l'autre comme non-humain [4]. A l'époque des premiers appareils numériques, Laure Molina développe plusieurs séries photographiques prenant pour objet ses propres mains, dont Réflexions Binaires, Réflexions cellulaires, Réflexions extra terre et Réflexions dif dim... A cette occasion, elle retranscrit la prolifération des reflets lumineux dans l'eau de la Seine. A la manière de Rodtchenko [5], l'appareil photo est renversé pour obtenir un rendu vertigineux et déstructuré. Le fond de l'œuvre est tapissé de disques compacts, produisant un effet arc-en-ciel et une surface spéculaire. On y observe un rendu chaotique issu de différents fragments, comme autant de fenêtres juxtaposées. L'œuvre produit un sentiment d'enivrement et offre au spectateur un reflet de lui-même. Ce dernier se trouve entremêlé avec les reflets lumineux qui retranscrivent une multiplicité de points de vue. Les spectateurs font l'expérience de l'union du soleil avec l'eau – outils chamaniques par excellence –, au cœur même du dispositif industriel qu'est le disque compact. La série des mains produit la rencontre entre le sujet – le spectateur – et un système complexe d'ombres et de lumières. Ainsi, elle se fait le reflet d'une démultiplication des points de vue propre au perspectivisme observé dans les cultures amérindiennes.

Réflexions d'un arbre sur l'eau (2006) consiste en une série de photographies sur papier évoquant le Rhizome de Gilles Deleuze. Comme son titre l'indique, on y observe les reflets d'un arbre sur l'eau. Les contrastes entre les valeurs claires et obscures ont été accentués et l'image est renversée de la verticale à l'horizontale. Dans la culture Maya, l'arbre est le frère de l'homme. Dès leur plus jeune âge, les membres de la communauté apprennent à se relier avec les éléments naturels, qui constituent une source d'énergie fondamentale. Ici, l'arbre apparaît au travers d'une prolifération de fractions lumineuses ; il évoque le Rhizome tel qu'il est défini par Deleuze : les reflets de l'arbre miroitant dans l'eau de la Seine ne cessent de se propager de manière horizontale, abolissant toute hiérarchie dans la composition de l'image. Cette œuvre de Laure Molina fait écho à l'ouvrage de Emmanuele Coccia, La Vie des Plantes [6]. L'auteur évoque l'enchevêtrement entre notre corps et le monde végétal : les plantes sont à l'origine du monde, elles permettent d'appréhender son début perpétuel, sans cesse recommencé.

Dans la lignée de Réflexions d'un arbre sur l'eau, l'artiste développe avec Pouvoir être arbre, une série de photographies sublimées sur polyester, accueillant dans la profondeur de l'œuvre une structure de disques compacts. La surface extérieure de l'image retranscrit le reflet d'un arbre, tandis que le fond produit un effet arc-en-ciel et spéculaire. Ainsi, l'œuvre reflète tout ce qui orbite autour d'elle, entremêlant la silhouette de l'arbre avec l'image du spectateur. Le processus créatif s'achève une fois que le spectateur a intégré le champ de réflexion et peut alors s'identifier à l'arbre. Il s'agit dès lors d'une œuvre cinétique dans la mesure où elle évolue avec l'atmosphère, la lumière ambiante et le point de vue du spectateur ; celle-ci évoquant l'art de Nicolas Schöffer ou encore de Julio Le Parc. A la manière d'une cellule, l'œuvre est autonome, mais elle interagit pourtant avec son environnement au travers du système de reflets qu'elle produit.

Laure Molina développe depuis fin 2010, l'installation de lumière Quand l'ombre devient arc-en-ciel, composée d'une source de lumière et d'un support en bois qui peut s'apparenter à un mur ou une paroi. A partir de ce principe, elle multiplie les projets d'exposition comme Là où naît la lumière, où l'on observe ces mêmes parois blanches imbriquées, formant des lettres de l'alphabet, et notamment le mot « Fut ». L'objectif de cette exposition était de faire pénétrer les spectateurs dans un « espace-être au passé simple » [7]. Le processus créatif s'achève une fois que le spectateur découvre son ombre, non plus obscure mais colorée comme un arc-en-ciel projeté sur les murs de l'espace. L'artiste utilise des fluos très courants, un produit industriel en fin de vie, aujourd'hui remplacé par les LEDs. Ici, on retrouve le coefficient proportionnel du soleil au travers de la diffraction de la lumière et de l'ombre, principes essentiels dans l'œuvre de l'artiste, dans la lignée d'artistes comme Carlos Cruz Diez. Elle s'apparente à une situation théâtrale telle que définie par Michael Fried [8], en opposition à l'autonomie de l'œuvre d'art traditionnelle. Tandis qu'elle convoque le retour des ombres dans le réel, l'œuvre renouvelle le mythe de la caverne platonicienne au travers d'une réhabilitation des reflets lumineux.

Avec On m'a dit que sans eux vous ne passerez pas (2016), ou encore Le Passage (2016), l'artiste bloque des portes et crée des ouvertures, associant ainsi deux forces contradictoires. On y observe notamment une porte bloquée par une croix, celle-ci étant composée de figures découpées dans du bois inspirées par les illustrations de livres d'histoire : elles évoquent les guerres de religion, la Guerre de Cent ans ou encore la Saint Barthélémy. Sur la deuxième porte, une croix christique bloque l'accès, tandis qu'elle se transforme pour figurer une orgie d'accouplements. L'usage du noir et du blanc évoque un certain dualisme ; il s'agirait d'explorer des systèmes binaires et de rechercher une troisième voie, ce processus apparaissant comme le dénominateur commun à toute l'œuvre. On y retrouve l'adhésif arc-en-ciel recouvrant la surface extérieure des portes. Cet aplat miroitant produit des reflets lumineux, introduisant dans l'œuvre une troisième dimension. Cette série évoque les portes de Gavin Turk, mais aussi l'ouvrage de Pascal Dibie, Ethnologie de la porte [9]. L'auteur explore cette symbolique dans tous ses aspects ; il étudie les portes antiques, celles de Babylone, ou encore des pyramides et de Rome. Il y perçoit les frontières du public et du privé et débouche sur ce que Bachelard appelait « un cosmos de l'entre-ouvert » [10].

Études 3M (2016-nos jours) consiste en l'invention d'une écriture inspirée du Kamasutra, qui traduit les Impressions d'Afrique de Raymond Roussel. Celle-ci reprend le motif de la croix inversée. L'œuvre apparaît comme un système énigmatique, ajoutant au dualisme du Kamasutra, une troisième figure. Chaque lettre de l'alphabet devient un « throuple », à savoir, un couple composé de trois éléments, dont la position et la mise en relation évoluent en fonction des lettres : ce qui domine dans l'une devient le dominé dans l'autre. Ici, le système binaire caractéristique de la Modernité occidentale rencontre la multiplicité observée par l'artiste dans les cultures amérindiennes. Au-delà de la référence à la sexualité, il s'agit avant tout de subvertir le dualisme, au travers de ces lettres « throuple » constituées d'un adhésif arc-en-ciel, introduisant dans l'œuvre une surface miroitante et spéculaire. Ces pièces font écho aux origines de l'écriture, une réflexion qui entre en contraste avec son étude des civilisations de tradition orale. Traditionnellement, on situe l'invention de l'écriture vers 3400 av J.C., tandis que les sumériens mettent en forme une graphie primitive destinée à enregistrer des transactions commerciales.

Après des années à développer un travail autour de ce qu'elle appelle le « solaire », Laure Molina s'oriente dans une direction contraire. La série O.M Culture Petit Gris présente de petits êtres dont la hauteur ne dépasse pas la taille d'un genou humain. Ces derniers s'apparentent à des hommes-machines, dont la tête a disparu au profit d'un véhicule. On découvre en outre qu'il s'agit de petites pièces artisanales créées en Afrique, achetées par des Européens, puis récupérées par Laure Molina sur Le Bon Coin. Le « coefficient proportionnel » de l'arbre, qui se répète au fil de l'œuvre de l'artiste, est ici étouffé, détourné de sa nature. Les statues en bois sont recouvertes d'un gris opaque, à tel point que l'on ne reconnaît plus leur nature véritable. En échos à Guy Debord, ces figures évoquent le capitalisme, tel qu'il s'est infiltré dans les tréfonds de nos esprits. Enivrées par le culte de la consommation, elles auraient littéralement « perdu la tête ». On pense aussi au post-humanisme, selon lequel l'homme sera bientôt transfiguré par la technique : la technologie est destinée à sublimer l'humanité.

De manière élargie, l'œuvre de Laure Molina évoque un ouvrage de David Abram, Comment la Terre s'est tue, dans lequel l'auteur retranscrit une enquête menée au sein de peuples de tradition orale. Il y fait le constat selon lequel nous avons perdu notre lien à la Terre. David Abram propose de renouer notre expérience sensible avec le « monde de la vie », il nous incite à une réciprocité de la perception ainsi qu'à un langage « animiste » [11]. Lors de son retour en Occident, il semble perplexe vis-à-vis de l'incompréhension rencontrée auprès de ses proches, inconscients des phénomènes auxquels il a dû se rendre sensible afin de communiquer avec les magiciens indigènes : « la vie des autres animaux, les gestes menus des insectes et des plantes, le langage des oiseaux, les saveurs dans le vent, le flux des sons et des odeurs… » [12]. L'œuvre de Laure Molina s'inscrit dans cette aspiration profonde à s'imprégner du « monde de la vie » et de renouer avec le vivant de manière intime et viscérale.

[1] La pensée occidentale est marquée, notamment, par le dualisme de René Descartes et par sa radicalité. Descartes oppose la res extensa (l'étendue ou matière mesurable, dont le corps) à la res cogitans (la pensée, ou l'âme). L'étendue du corps comme l'esprit ont leurs caractéristiques spécifiques, et sont privés d'intermédiaire. Cf. DESCARTES René, Méditations Métaphysiques, 1641, Flammarion, 2009.

[2] Selon les mots de l'artiste.

[3] Nous entendons ici par « Modernité » les systèmes de pensée issus de la révolution scientifique du XVIIe siècle.

[4] VIVEIROS DE CASTRO Eduardo, Métaphysiques cannibales, Presses Universitaires de France, PUF, 2009.

[5] Nous faisons référence à certaines photographies de Rodtchenko effectuées dans les années 1920.

[6] COCCIA Emmanuele, La vie des plantes : une métaphysique du mélange, Rivages, 2016.

[7] Selon les mots de l'artiste.

[8] FRIED Michael, Art and Objecthood, Art Forum 5, juin 1967, p. 12-23.

[9] DIBIE Pascal, Ethnologie de la porte, Anne-Marie Métailié, 2012.

[10] BACHELARD Gaston, La Poétique de l'Espace, Presses Universitaires de France, 1958, p. 200.

[11] ABRAM David, Comment la Terre s'est tue, Pour une écologie des sens, Éditions La Découverte, 2013, p .10.

[12] ABRAM David, Ibid., p. 260.

Le titre choisi pour ce texte fait référence à l'ouvrage de David Abram : Comment la Terre s'est tue, Pour une écologie des sens, Éditions La Découverte, 2013.
Laure Jaumouillé : laure.jaumouille@gmail.com
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Expérimentations en art, politique et commissariat d'exposition.