TK-21

Elles chantaient des boléros

Pedro Alzuru — 2026-07-29T12:19:00Z

Les deux chapitres précédents, consacrés aux Architectes du rythme et de la fusion (TK-21 n°176) et à la Nouvelle Vague et les Héritages rebelles (TK-21 n°177), nous rendent inévitablement redevables envers leurs prédécesseuses. Les rôles et les transformations que nous observons aujourd'hui n'auraient pas été possibles sans elles. Comme nous le verrons, elles ne se sont pas consacrées exclusivement au chant du boléro ou à la danse de la rumba, mais il est indéniable que cette image a prévalu. En réalité, grâce à leur passion, mais aussi à leur savoir et à leur technique, elles ont posé les fondements des transformations que nous constatons aujourd'hui.

Durant la première moitié du XXᵉ siècle, le boléro était le principal vecteur d'expression émotionnelle et de sophistication harmonique pour les femmes dans la musique latine, constituant un pont idéal vers ce que nous appelons aujourd'hui le jazz latino.

Dans les années 1920 et au début des années 1930, les enregistrements étaient acoustiques ou réalisés avec des microphones à charbon très rudimentaires. À partir de 1940, la qualité sonore s'améliora, permettant à l'accompagnement (pianos, instruments à vent) d'adopter des arrangements plus proches du jazz des big bands, marquant une transition technique.

Presque tous les enregistrements de cette période furent réalisés entre La Havane et Mexico. De nombreux artistes cubains enregistrèrent leurs plus grands succès au Mexique en raison de l'essor des industries cinématographique et radiophonique (XEW) ; cet axe Cuba-Mexique est donc incontournable.

Cette liste s'étend jusqu'aux années 1960 ; une décennie plus tôt, nous avions assisté à la naissance et au développement du filin cubain. Des artistes comme Elena Burke ou la jeune Omara Portuondo (avec le Cuarteto d'Aida) ont commencé à enregistrer précisément à cette époque, où le boléro et le jazz fusionnaient officiellement. On obtient ainsi un mélange fascinant de boléro traditionnel, de filin, de samba-canção brésilienne et d'orchestres de salon flirtant avec le jazz.

Pour Freud, les rêves sont la voie royale vers la compréhension de l'inconscient. À l'écoute de ces chansons, ces boléros interprétés par des artistes nées dans la première moitié du XXᵉ siècle, on peut supposer que leurs paroles et leurs interprétations constituent la voie royale vers la compréhension de la culture populaire latino-américaine de l'époque, ou du moins une approche privilégiée du sentiment amoureux dans cette période, ainsi que du rôle des femmes dans les relations sentimentales. C'est pourquoi le titre « Elles chantaient des boléros » nous a semblé approprié.

Il convient également de souligner le contraste saisissant avec le rôle des femmes dans la performance musicale au cours des décennies suivantes, notamment à l'époque contemporaine, comme on peut le constater dans les épisodes 48 et 49 de notre émission. Sans doute un bon nombre d'artistes chantent-elles encore des boléros, mais en plus elles jouent désormais de tous les instruments, composent, arrangent, dirigent, produisent et remplissent toutes les fonctions nécessaires à la création et à la diffusion de la musique populaire, en particulier ce que nous appelons le jazz latino. Nous vous invitons à observer ces différences.

Antonia del Carmen Peregrino Álvarez (Veracruz, 2 novembre 1912 – Mexico, 19 novembre 1982), connue sous le nom de Toña la Negra [1], était une chanteuse et actrice mexicaine. Elle était célèbre pour ses interprétations de boléros et de chansons tropicales du compositeur Agustín Lara, qui la considérait comme « la plus grande chanteuse de tous les temps » pour son « style très personnel », « la puissance de son expression et la qualité veloutée de sa voix exceptionnelle ».
Antonia Peregrino est née à Veracruz, dans le quartier de La Huaca. Son père, Timoteo Peregrino Reyes, jouait de la guitare. Sa mère, Daría Álvarez Campos, chantait lors des réunions de famille. Son grand-père paternel, Severo Peregrino, était haïtien et avait émigré au Mexique au XIXᵉ siècle.
En 1927, elle était déjà mariée à Guillermo Cházaro Ahumada, qui l'emmena à Mexico avec leur premier enfant, âgé de seulement quarante jours.
Le 16 juillet 1929, elle fit ses débuts au cabaret El Retiro, où elle se produisit pendant une saison sous le nom de La Peregrina (La Pèlerine). Elle y rencontra Emilio Azcárraga Vidaurreta et Enrique Contel, qui la surnommèrent Toña la Negra (Toña la Noire). Elle commença à se faire connaître grâce à son interprétation de la chanson « Enamorada » d'Agustín Lara, qui composa également pour elle des chansons telles que « Lamento Jarocho », « Veracruz », « Noche criolla », « Oración Caribe », « Palmera », « La clave azul » et « La cumbancha », qu'ils présentèrent ensemble dans une revue musicale au Teatro Esperanza.
Sa voix, plutôt grave, au timbre velouté et rond, et sa technique vocale impeccable, sont devenues sa marque de fabrique. Azcárraga l'intègre à la troupe de la station de radio XEW, où elle se produit tantôt avec Lara, tantôt avec l'orchestre d'Alfredo Girón. Ses enregistrements pour RCA Victor constituent l'un des plus précieux héritages musicaux de l'histoire du boléro. En 1936, elle enregistre son premier single pour ce label, avec deux chansons de Mario Ruiz Suárez : « Bongó » et « El Cacahuatero ». Elle enregistre aussi plusieurs albums, dont Caleidoscopio musical avec Toña la Negra, Noche criolla, Vol. II, et La sensación jarocha, Vol. III. Au milieu des années 1960, elle signa un contrat d'exclusivité avec Discos Orfeón, label avec lequel elle enregistra ses derniers albums. Sa musique fut enregistrée sur plus de 75 disques vinyles.
Le vendredi 19 novembre, 1982, elle décéda d'une crise cardiaque à l'âge de 70 ans.
1 Piensa en mi [2] (Agustin Lara y Maria Teresa Lara,1935), Toña La Negra, album Toña La Negra Interpreta A Agustin Lara (Vol. I), 1964 (1935).

Orquesta Anacaona Fondé en 1932, cet orchestre entièrement féminin, fondé à La Havane au début des années 1930 par Concepción « Cuchito » Castro Zaldarriaga et ses sœurs, a défié les préjugés en prouvant que les femmes pouvaient exceller dans le son et le jazz. Le groupe a connu un succès mondial, se produisant à Paris en 1938 aux côtés de Django Reinhardt. Véritable institution, l'orchestre a accueilli des voix comme Celia Cruz ou Omara Portuondo. Après avoir dominé les cabarets cubains et le cinéma mexicain, le groupe s'est renouvelé en 1989 sous une nouvelle direction, restant actif après plus de 90 ans d'histoire, un record de longévité unique.
La formation de l'orchestre a eu lieu durant l'ère Machado, période marquée par la fermeture des universités et la crise politique, contraignant Cuchito Castro à abandonner ses études et son projet d'ouvrir un cabinet dentaire. Elle choisit alors une autre voie en proposant la création d'un sextuor féminin pour concurrencer le son, musique alors dominée par les hommes. L'orchestre a entretenu des liens musicaux étroits avec des artistes cubains de renom, notamment Ignacio Piñeiro et Lázaro Herrera du Septeto Nacional. Graciela, dont le frère Machito a posé les fondements du latin jazz, a été la chanteuse principale d'Anacaona pendant une décennie.
Le groupe porte le nom de la reine taïno Anacaona. Le sextuor fit sa première apparition officielle en février 1932 au théâtre Payret de La Havane. Se produisant à la radio, rencontrèrent rapidement un public enthousiaste. Anacaona effectua des tournées à Cuba (1933), à Porto Rico (1935), au Mexique (1936), au Panama, en Colombie et au Venezuela (1937). En 1937, le sextuor publia trois disques chez RCA-Victor, alors leader mondial de la musique. Durant l'hiver de la même année, le sextuor Anacaona était la tête d'affiche d'une nouvelle boîte de nuit de Broadway, le « Havana Madrid ». Le groupe fut invité à se produire à la station de radio new-yorkaise de NBC, à l'hôtel Commodore, à l'hôtel Pierre et au Waldorf Astoria, où un spectacle fut donné pour l'anniversaire de Franklin D. Roosevelt. En 1938, le groupe se rendit à Paris avec Alberto Socarrás, surnommé le Magicien de la flûte. Anacaona connut un succès retentissant en tant que groupe de jazz aux Ambassadeurs, sur les Champs-Élysées. Plus tard dans la soirée, alternait avec Django Reinhardt et son Quintette du Hot Club de France au Chez Florence, à Montmartre. Peu avant la Seconde Guerre mondiale, le groupe retourna à Cuba.
Grâce à des concerts à New York et à Paris, Anacaona acquit une renommée internationale. En 1947, le groupe fut la vedette, pendant deux saisons, du spectacle musical du Casino Nacional de La Havane, sous la direction du compositeur cubain Ernesto Lecuona. Anacaona fit ses débuts au cinéma dans le film A La Habana me Voy (À La Havane je vais). Le groupe apparut également dans plusieurs autres films mexicains aux côtés de la star de cinéma et danseur de rumba Ninón Sevilla. Des chanteuses populaires telles que Celia Cruz, Omara Portuondo (Buena Vista Social Club), Haydée Portuondo, Moraima Secada et Dominica Verges rejoignirent Anacaona dans les années 1940 et 1950.
Se produisant comme un orchestre de variétés jouant du mambo, du cha-cha-cha et du latin jazz, Anacaona effectua une tournée en Amérique du Sud en 1958 et se produisit à la radio et à la télévision, ainsi que dans des théâtres au Brésil, en Uruguay, en Argentine et au Chili. Entre-temps, les révolutionnaires menés par Fidel Castro avaient pris le pouvoir lorsque le groupe revint à Cuba.
2 Después que sufras [3] (Marcelino Guerra y Alberto Blanco) album Septeto Anacaona & Ciro Rimac 1936-1937, 1993.

Les Sœurs Águila, duo mexicain formé par Esperanza et Paz Águila, 1910 et 1913, elles incarnent l'âge d'or de la radio XEW dès 1933. Bien que rattachées au genre ranchera et romantique, leur approche a bénéficié de l'enseignement de mentors comme Gonzalo Curiel, qui a sophistiqué leur présence harmonique. Elles ont interprété les plus grands compositeurs de l'époque, devenant une référence nationale au Mexique. Leur capacité à fusionner la tradition populaire et une élégance urbaine, soutenue par des arrangements orchestraux modernes, en fait des pionnières du duo vocal féminin sophistiqué en Amérique latine.
Les sœurs Águila, originaires de Jalisco, formaient un duo composé de María Esperanza, née en 1910, et María Paz, née en 1913, également connues sous le nom d'Águila Villalobos. Nées dans le quartier d'Analco à Guadalajara, elles manifestèrent dès leur plus jeune âge un intérêt pour le chant, et il était fréquent de les voir interpréter des duos de chansons populaires lors des réunions de famille. Comme d'autres talents de Jalisco, elles furent révélées par la station de radio XED, où elles se firent connaître et débutèrent une carrière qui les mena à une place de choix dans la musique romantique. En 1928, Antonio Moreto devint leur premier mentor et professeur, les conseillant et les accompagnant au piano pour tous leurs concerts à Guadalajara. Les années 1931 et 1932 furent une période charnière dans leur carrière. Leur style fut très bien accueilli, et c'est précisément en 1932 qu'Esperanza et Paz, âgées respectivement de 22 et 19 ans, furent invitées à participer à une représentation spéciale au Teatro Degollado, où elles furent accompagnées au piano par Gonzalo Curiel. Fin 1933, elles firent leurs débuts à la radio sur la puissante station XEW, dirigée par le Maestro Max Urbán. [4]
3 Vereda tropical [5] (Gonzalo Curiel Barba, 1938), Hermanas Aguila, album 50 Exitos, 1964 (1938).

Avelina Landín (Mexico, 10 novembre 1919 – ibid., 21 février 1991), Figure incontournable du boléro mexicain, Avelina a débuté sa carrière en duo avec sa sœur María Luisa avant de s'imposer comme soliste vedette de la radio XEW. Sa voix d'une grande clarté a marqué les ondes, notamment au sein du duo Las Dos Estrellas. Bien qu'elle ait mis sa carrière entre parenthèses pour son mariage, son retour a confirmé son statut de grande dame de la chanson romantique. Sa trajectoire internationale, incluant des tournées en Europe et aux Antilles, témoigne de l'universalité de son style, mêlant émotion pure et rigueur technique.
Avelina Landín Rodríguez était une chanteuse mexicaine, considérée comme « l'une des grandes et indubitables voix du boléro mexicain ». Née à Mexico d'Irineo Landín Jáuregui et de Magdalena Rodríguez Moreno. Ses parents étaient tous deux d'excellents chanteurs, mais toujours en privé, car Don Irineo n'aimait pas l'idée d'avoir un artiste dans la famille. Avelina et María Luisa Landín avaient un frère qui a choisi de suivre les traces de Don Irineo : tailleur.
Avelina a commencé sa carrière artistique avec sa sœur María Luisa dans les années 1930. Ils ont d'abord joué sous le nom de Pirita y Jade et plus tard sous le nom de Hermanas Landín (Landín Sisters). Ensemble, elles enregistrèrent plusieurs singles pour RCA Victor et Peerless, rencontrant un succès radiophonique considérable, notamment sur les ondes de la station XEQ. Avelina mit fin à sa carrière musicale lorsqu'elle épousa Ángel Zempoaltecatl Ortega le 20 janvier 1941, et María Luisa entama une carrière solo.
Lorsqu'elle reprit sa carrière des années plus tard, Avelina, en tant qu'artiste solo, occupa une place de choix au sein du label XEW et enregistra ses succès pour RCA Victor.
María Luisa Landín (Mexico, 9 octobre 1921 – Mexico, 20 juin 2014), surnommée la « Reine du Boléro », elle est l'une des voix les plus poignantes du Mexique. Après des débuts avec sa sœur Avelina, elle explose en solo en 1941 avec le succès « Hay que saber perder » (Il faut savoir perdre). Collaboratrice du compositeur Rafael Hernández, elle a su insuffler une profondeur émotionnelle unique à ses interprétations, lui valant le titre de « La Voix de l'âme ». Sa carrière, marquée par des records de vente chez RCA et des tournées triomphales, a fait d'elle une icône radiophonique indétrônable de l'âge d'or du boléro latino-américain.
María Luisa Landín Rodríguez était surnommée la Reine du Boléro.
Les deux sœurs chantaient chez elles et lors de fêtes, et, jeunes femmes, en 1936, elles firent leurs premières apparitions professionnelles sur les ondes des stations de radio XEYZ et XEFO à Mexico. En 1938, elles signèrent un contrat d'exclusivité avec la station de radio XEQ, ce qui engendra une rivalité artistique avec les sœurs Águila, qu'elles présentaient comme « Le meilleur duo d'Amérique ». Pendant quelques années, Avelina et María Luisa chantèrent ensemble.
En 1942, elles se séparèrent car Avelina épousa le Mexicain Ángel Zempoalteca Ortega (1925-1970), qui l'empêcha de poursuivre sa carrière. Dès lors, María Luisa forma un trio avec les sœurs Emma et Aurora del Mar, puis chanta en duo avec le ténor Néstor Mesta Chaires. Elle participa également à d'autres émissions de radio, où elle rencontra et travailla avec le musicien et compositeur portoricain Rafael Hernández Marín, surnommé El Jibarito, qui connaîtra plus tard une grande renommée comme compositeur de boléros. En 1941, María Luisa enregistra une version du célèbre boléro « Hay que saber perder » (du compositeur Abel Domínguez, originaire du Chiapas), sur un disque 78 tours au studio d'enregistrement de la maison de disques RCA. Le disque connut un immense succès et battit des records de vente. En 1942, elle enregistra sa première chanson originale, « Canción del alma », accompagnée par l'orchestre du compositeur du boléro, Rafael Hernández Marín.
Déjà chanteuse à succès, María Luisa Landín effectua de nombreuses tournées, non seulement au Mexique, mais aussi à l'étranger. En 1940, elle fit sa première tournée professionnelle à La Havane, à Cuba, et se produisit des années plus tard dans plusieurs pays d'Amérique du Sud. En 1949, à son retour de tournée, elle rejoignit la radio XEW, engagée comme vedette pour l'émission « Le Miracle des Chansons ». Landín était présentée comme « La Voix qui touche le cœur » ou « La Voix de l'âme ».
4 Yo no se lo que me pasa [6] (Fernando Mulens), album Los exitos de las Hermanas Landin, 1966 (1942).

Elisa Soteldo (25 juillet 1922, Barquisimeto – 22 janvier 2016, Miami), musicienne vénézuélienne polyvalente, elle fut la première femme à intégrer un orchestre professionnel dans son pays en 1941. Pianiste, chanteuse et pédagogue, elle a navigué entre le jazz et la musique populaire, chantant en cinq langues. Elle a marqué l'histoire culturelle du Venezuela en fondant l'école « Las Voces Blancas », formant des générations d'artistes. Mariée successivement à des figures majeures comme Aldemaro Romero et Chucho Sanoja, elle a incarné une modernité artistique audacieuse, mêlant exigence technique du piano et passion pour la transmission pédagogique.
Elisa Soteldo était une chanteuse, pianiste et pédagogue musicale vénézuélienne. Fille du musicien et pédagogue musical Rafael Soteldo et de la pianiste Angela de Soteldo, elle reçut une formation musicale de ses parents, tout comme ses frères et sœurs Rafael Horacio, Antonio María, Salvador Manuel et Carmen. Elle étudia également avec Blanca Estrella Méscoli. En 1941, elle devint la première femme membre d'un orchestre vénézuélien, l'Orchestre Luis Alfonzo Larrain.
Elle joua du jazz, apparut dans le film Barlovento et se produisit au théâtre et à la radio au Venezuela, aux États-Unis, à Porto Rico et en République dominicaine. Elle chantait en anglais, en français, en italien et en portugais. En 1967, elle fonda Las Voces Blancas de Elisa Soteldo, une école de musique, de chant et d'art dramatique. Aldemaro Romero a composé la chanson Mi melancolía pour elle.
Soteldo s'est mariée quatre fois, d'abord avec le chef d'orchestre Luis Alfonzo Larraín, dont sont nés le musicien Federico Larraín et la danseuse Keyla Alfonzo ; puis avec le compositeur et chef d'orchestre Aldemaro Romero, avec qui elle a eu la chanteuse Elaiza Romero ; enfin avec Chucho Sanoja, avec qui elle a eu une fille, Chuchito Sanoja ; et enfin avec le trompettiste Mario Fernández, avec qui elle a eu l'actrice et chanteuse Liz Fernández.
5 Again [7] (Lionel Newman, Dorcas Cochran, 1948), Elisa Soteldo, Orquesta Luis Alfonso Larrain, enregistrement live, 1945.

Graciela Pérez Grillo (23 août 1915 – 7 avril 2010), surnommée la Première Dame du Latin Jazz, Graciela fut la voix emblématique de l'orchestre Anacaona avant de conquérir New York. En 1943, elle rejoint son frère adoptif Machito et le génial Mario Bauzá pour diriger les Afro-Cubans, fusionnant définitivement le bebop et les rythmes cubains. Durant plus de trente ans, elle a régné sur le Palladium Ballroom, devenant une icône de la scène cosmopolite. Son talent pour l'improvisation et sa présence scénique ont brisé les barrières de genre dans un milieu alors très masculin, lui valant une reconnaissance éternelle jusqu'à son décès en 2010.
Felipa Graciela Pérez y Gutiérrez, plus connue sous le nom de Graciela, était une chanteuse cubaine de musique cubaine et de jazz latin.
Graciela est née à La Havane, à Cuba, et a grandi dans le quartier afro-cubain de Jesús María. Dans les années 1930 et 1940, elle a été la chanteuse principale de l'Orquesta Anacaona, un ensemble entièrement féminin, avant de quitter Cuba pour les États-Unis. Elle s'est produite dans le monde entier, enregistrant et partageant la scène avec son frère aîné adoptif, Frank Grillo (dit Machito), qui l'a encouragée à chanter. Ils ont joué aux côtés de Mario Bauzá (fondateur du jazz afro-cubain) au sein de l'orchestre Machito and the Afro-Cubans.
En 1943, elle fut appelée à New York par Mario Bauzá, suite à la mobilisation de Machito dans l'armée. Elle intégra l'orchestre comme chanteuse principale jusqu'au retour de Machito en 1944, et dès lors, tous trois partagèrent la scène jusqu'à leur séparation en 1975. Pendant trente-deux ans, ils sillonnèrent les États-Unis et le monde entier, se produisant notamment au Palladium Ballroom de 1946 à sa fermeture en 1966. Outre le Palladium, ils se produisaient chaque année au Royal Roost, au Birdland, au Park Palace, au Corso et à l'Apollo Theater pour une série de concerts d'une semaine. Graciela et l'orchestre se produisaient également chaque année à Hollywood, et plus précisément au Crescendo. Graciela et son groupe étaient aussi les favoris du disc-jockey Symphony Sid Torin, qui les invitait plusieurs fois par an dans son émission hebdomadaire. Ils furent également les têtes d'affiche estivales du Concord Resort Hotel, dans les montagnes Catskills, pendant plus de vingt ans.
Ils ont enregistré des albums dont les titres les plus connus incluent Esta es Graciela, Íntimo y Sentimental et Esa Soy Yo, Yo Soy Así. En 2006, elle a reçu le prix Chico O'Farrill pour l'ensemble de sa carrière, décerné par Latin Jazz USA. À sa mort à New York en 2010, à l'âge de 94 ans, elle était considérée comme la Première Dame du Latin Jazz.
6 Cosas del alma [8] (Pepe Delgado, 1950 ?), Graciela Perez Grillo, album Graciela Machito and his Orchestra, 1961 (1952).

Olga Guillot (Santiago de Cuba, 9 octobre 1922 - Miami, États-Unis, 12 juillet 2010), incontestée Reine du Boléro, cette artiste cubaine a transformé le genre par son interprétation dramatique. Découverte en 1945, elle s'est exilée au Mexique puis aux États-Unis, devenant la première artiste latine à se produire au Carnegie Hall en 1964. Sa version espagnole de Stormy Weather témoigne de ses affinités avec le jazz. Amie proche de Celia Cruz et pionnière de la scène internationale, elle a enregistré plus de cinquante albums et partagé la scène avec Frank Sinatra et Sarah Vaughan, restant une figure de proue de la culture cubaine en exil.
Olga Guillot était une chanteuse cubaine d'origine catalane. Elle était surnommée la reine du boléro.
Enfant, elle partit pour La Havane où elle reçut une formation musicale. Après avoir intégré le duo Hermanitas Guillot et le quatuor Siboney, elle entama sa carrière de soliste en 1945. Élue meilleure chanteuse de Cuba en 1946 – la première d'une longue série de récompenses –, sa renommée devint internationale dans les années qui suivirent, grâce à ses interprétations brillantes de boléros tels que « Mienteme » ou « Tú me acostumbraste ». Forte de ce succès, elle joua dans quelques films, dont Venus de fuego (1949) de Jaime Salvador et Música de ayer (1958) de Juan de Orduña.
Après le triomphe de la révolution cubaine, elle s'exila en 1961 et s'installa au Mexique. Elle fut la première artiste hispanique à se produire au Carnegie Hall de New York (1964) et, pendant de nombreuses décennies, elle fit des tournées à travers le monde, mais elle ne put jamais retourner à Cuba, l'un de ses plus grands désirs.
7 Tu me acostumbraste [9] (Frank Dominguez, 1952), Olga Guillot, album Reina del bolero vol.2, 1957.

Abbe Lane née Abigail Francine Lassman le 14 décembre 1932 dans le quartier de Brooklyn dans la ville de New York. Chanteuse et actrice américaine, elle fut la muse et l'épouse de Xavier Cugat, Le roi du mambo. Sa carrière est intimement liée à la diffusion des rythmes latins (cha-cha-cha, rumba) aux États-Unis et en Europe durant les années 1950. Véritable icône de glamour, elle a tourné de nombreux films en Italie et aux USA, incarnant souvent la chanteuse de cabaret fatale. Son mélange de sensualité et de talent pour les rythmes tropicaux lui a valu une étoile sur le Hollywood Walk of Fame, symbolisant l'aspect spectaculaire de la fusion latine-jazz.
Abbe Lane possède une étoile sur le Walk of Fame d'Hollywood pour l'ensemble de sa carrière.
Née dans une famille juive de Brooklyn en 1932, Abbe Lane commence sa carrière enfant dans les théâtres de Broadway. Elle intègre la troupe du musicien catalan d'inspiration cubaine Xavier Cugat au début des années 1950 et l'épouse en 1952. L'influence de Cugat se fait sentir dans la production musicale de Lane, composée principalement de rythmes latino-américains, tels que le mambo, le cha-cha-cha ou la rumba.
En parallèle à sa carrière de chanteuse et de danseuse dans la troupe de Cugat, elle commence une carrière d'actrice qui la verra travailler aux États-Unis et en Europe, principalement en Italie.
En 1964, elle divorce de Cugat et s'installe aux États-Unis. Elle se retire peu à peu du cinéma au profit de la télévision. Elle apparaît régulièrement sur les chaînes télévisées américaines comme invitée des émissions les plus populaires du moment, côtoyant les animateurs Red Skelton, Dean Martin, Ed Sullivan, Jackie Gleason ou Jack Benny. Elle joue également quelques rôles dans des épisodes de séries télévisées.
Pour sa carrière, elle reçoit une étoile sur le Walk of Fame d'Hollywood en 1961.
8 Noche de Ronda [10] (Agustin Lara, 1935), Abbe Lane-Tito Puente & His Orchestra, album Be Mine Tonight, 1957.

Le Cuarteto d'Aida Fondé en 1952 par la pianiste Aida Diestro, ce quatuor vocal féminin est le pilier du mouvement Filín à Cuba, une fusion audacieuse entre jazz et boléro. Composé initialement d'Elena Burke, Moraima Secada et des sœurs Portuondo (Omara et Haydee), le groupe a révolutionné les harmonies vocales de l'île en intégrant des structures complexes inspirées du jazz américain. Bien qu'elles n'aient enregistré qu'un seul album original, leur influence sur les cabarets de La Havane fut immense. De ce noyau légendaire, seule Omara Portuondo poursuit aujourd'hui une carrière internationale, ravivée par l'épopée du Buena Vista Social Club.
Le Cuarteto d'Aida était un célèbre ensemble vocal féminin cubain. Il fut fondé en 1952 par la pianiste Aida Diestro (1924-1973). Trois jeunes chanteuses talentueuses – Elena Burke, Omara Portuondo et sa sœur Haydee Portuondo – présentèrent à Diestro l'idée de ce quatuor, qui devait initialement inclure un chanteur. Convaincue de la qualité sonore du quatuor, Diestro remplaça ce dernier par une autre femme, Moraima Secada. De ce groupe originel, seule Omara est encore vivante et se produit aujourd'hui. Sa carrière, alors en perte de vitesse, connut un regain de popularité grâce à son intégration au Buena Vista Club, un groupe réunissant d'anciens musiciens tombés dans l'oubli, tant auprès du public que du gouvernement qui contrôlait l'industrie musicale.
Le Cuarteto d'Aida s'inscrivait dans le mouvement musical cubain d'après-guerre, fusionnant jazz et boléro, connu sous le nom de feeling ou filín, qui a renouvelé les harmonies et les paroles traditionnelles de la musique de l'île. Le quatuor pouvait interpréter pratiquement tous les types de chansons, des standards comme « Ebb Tide » de Maxwell à la guaracha et à la rumba, bien que le boléro fût au cœur de leur style. Le groupe était diffusé à la radio, participait à de nombreuses émissions de télévision et se produisait dans tous les grands cabarets de La Havane et à l'étranger. Ils ont également effectué des tournées dans de nombreux pays avant et après la révolution cubaine de 1959. Étonnamment, le groupe original n'a enregistré qu'un seul album.
9 Ya no me quieres [11] (Maria Grever 1940 ?), album El Original Cuarteto D'Aida Con El Maestro Chico O'Farrill, 1957.

Omara Portuondo (née le 29 octobre 1930), Surnommée La novia del Feeling (La Fiancée du Feeling), Omara est une légende vivante. De ses débuts comme danseuse au Tropicana à son rôle central dans le Cuarteto d'Aida, elle a exploré tous les genres, du jazz au son cubano. Sa carrière a connu un rayonnement planétaire à partir de 1996 grâce au Buena Vista Social Club. Multiple lauréate des Grammy Awards, elle est reconnue pour sa versatilité et sa longévité exceptionnelle. Elle incarne aujourd'hui l'âme de Cuba, mêlant l'élégance du jazz à la profondeur des racines afro-cubaines sur les scènes du monde entier.
Omara Portuondo Peláez est une chanteuse et danseuse cubaine. Membre fondatrice du célèbre groupe vocal Cuarteto d'Aida, elle a collaboré avec de nombreux musiciens cubains de renom au cours de sa longue carrière. Bien que principalement connue pour ses interprétations de boléros, elle a enregistré dans un large éventail de styles, du jazz au son cubano. Depuis 1996, elle fait partie du projet Buena Vista Social Club, avec lequel elle a effectué de nombreuses tournées et enregistré plusieurs albums. Née le 29 octobre 1930 dans le quartier de Cayo Hueso à La Havane, Omara Portuondo avait trois sœurs. Sa mère, Esperanza Peláez, issue d'une riche famille d'origine espagnole, avait fait scandale en s'enfuyant avec Bartolo Portuondo, un joueur de baseball professionnel noir, et en l'épousant. Omara a rejoint la troupe de danse du Cabaret Tropicana en 1950, suivant les traces de sa sœur aînée, Haydee. Elle a également dansé avec les Mulatas de Fuego au théâtre Radiocentro, ainsi que dans d'autres troupes de danse. Les deux sœurs chantaient aussi pour leurs proches et se produisaient dans des clubs havanais. En 1947, Portuondo et Haydee rejoignent le Loquibambia Swing, un groupe formé par le pianiste aveugle Frank Emilio Flynn. De 1952 à 1953, elle chante pour l'Orquesta Anacaona, et plus tard en 1953, les deux sœurs intègrent (avec Elena Burke et Moraima Secada) le groupe vocal Cuarteto d'Aida, formé et dirigé par la pianiste Aida Diestro. Le groupe connaît un succès considérable, effectuant des tournées aux États-Unis, se produisant avec Nat King Cole au Tropicana et enregistrant un album en 1957 pour RCA Victor. En 1958, le pianiste et compositeur Julio Gutiérrez invite Portuondo à chanter pour son ensemble dans une série d'enregistrements de jazz et de musique cubaine pour le label Velvet. Il en résulte Magia, un ensemble d'enregistrements faisant le lien avec Negra, son premier album solo. Haydee a quitté le Cuarteto d'Aida en 1961 pour aller vivre aux États-Unis, et Omara a continué à chanter avec le quatuor jusqu'en 1967.
10 Llanto de luna [12] (Julio Gutierrez 1942), Omara Portuondo, album Magia Negra, 1958.

Elena Burke 1928-2002, Surnommée Señora Sentimiento, Elena Burke est l'une des voix les plus sophistiquées de Cuba. Membre fondatrice du Cuarteto d'Aida, elle a ensuite mené une carrière solo brillante, s'imposant comme la muse du mouvement filín. Accompagnée par les plus grands, de Pérez Prado à l'Orquesta Aragón, elle possédait une technique vocale capable de transformer n'importe quelle mélodie en une expérience émotionnelle intense. Sa capacité à naviguer entre le boléro romantique et les influences jazz a fait d'elle une icône des cabarets de La Havane, respectée pour sa sincérité absolue.
Elena Burke (née Romana Elena Burgues Gonzalez le 28 février 1928 à La Havane, Cuba – décédée le 9 juin 2002 à La Havane, Cuba) était une chanteuse cubaine vénérée et populaire, interprète de boléros et de ballades romantiques.
Elle a débuté sa carrière à la radio dans les années 1940, puis a collaboré avec des ensembles plus restreints et s'est produite dans des cabarets, accompagnée au piano par Dámaso Pérez Prado. En 1948, elle a accompagné les danseuses cubaines connues sous le nom de Las Mulatas de Fuego (Les Mulates de Feu) à Mexico, où elle a joué dans le film Salón México, réalisé par Indio Fernández. En 1952, la pianiste et arrangeuse Aida Diestro a fondé le quatuor vocal Cuarteto d'Aida. Après avoir acquis une certaine notoriété, elle se lance en solo. À l'époque de la Révolution cubaine, Elena Burke était une artiste solo de premier plan, se produisant dans d'élégants cabarets de La Havane. Sa voix semblait gagner en puissance avec l'âge, sa technique subtile et sophistiquée conférant à chaque chanson une profondeur émotionnelle intense. Au fil des ans, elle a collaboré avec les plus grands orchestres de danse cubains. En 1978, elle se produisit avec l'Orquesta Aragón) au Lincoln Center de New York, où elle fut acclamée. Bien qu'elle interprétât principalement des boléros et des sons cubains classiques, ses versions étaient originales, soutenues par des musiciens et des arrangements de premier ordre. Elle est la mère de Malena Burke et la grand-mère de Lena, également chanteuses cubaines de renom.
11 Añorado encuentro [13] (Giraldo Piloto - Alberto Vera, 1955), Elena Burke, album El bolero cubano (remastered) CD 1, 2019 (1959).

Eydie Gormé (née Edith Gormezano ; 16 août 1928 – 10 août 2013)née Edith Gormezano ; 16 août 1928 – 10 août 2013), Chanteuse américaine d'origine séfarade, elle a brillamment réussi le pont entre la pop anglo-saxonne et le monde latin. Célèbre pour son duo avec son mari Steve Lawrence, elle a acquis une renommée éternelle dans le monde hispanique grâce à ses collaborations avec le Trio Los Panchos. Son album Amor est un classique du boléro-jazz. Récompensée par des Grammy et Emmy Awards, elle a su interpréter le swing et la bossa nova avec une aisance rare, devenant une ambassadrice culturelle majeure entre les États-Unis et l'Amérique latine.
Elle a connu un succès notable dans les genres pop, latin et jazz. Elle a chanté en solo et en duo avec son mari, Steve Lawrence, sous le nom de Steve and Eydie, sur des albums et à la télévision. Elle s'est également produite à Broadway et à Las Vegas et a occasionnellement fait du théâtre. Née dans le Bronx, à New York, Gormé a commencé sa carrière en chantant dans un groupe le week-end tout en travaillant comme traductrice. Elle s'est fait connaître après son passage dans l'émission de radio Cita Con Eydie et avoir changé son nom pour une prononciation plus facile. La carrière de Gormé a décollé au début des années 1950, en commençant par un passage de deux mois suivi d'un an avec le groupe de Tex Beneke. Elle a signé avec Coral Records en 1952, sortant son premier single, et a ensuite rejoint The Tonight Show, où elle a rencontré Lawrence. Le duo connut un grand succès avec les tubes « Too Close for Comfort » et « Blame It on the Bossa Nova », et Gormé connut également le succès en solo, recevant plusieurs nominations et remportant des Grammy Awards. Son mariage avec Lawrence en 1957 marqua le début d'une collaboration personnelle et professionnelle de longue date, célébrée par des émissions spéciales télévisées primées aux Emmy Awards et des prestations aux côtés de stars telles que Frank Sinatra. Gormé était réputée pour ses enregistrements en espagnol, notamment avec le Trio Los Panchos, qui consolidèrent sa renommée internationale.
12 Cuando vuelva a tu lado [14] (Maria Grever 1934), album Eydie Gormé y Los Panchos, 1964.

Fredesvinda García Valdés (Camagüey, 1935 – San Juan, Porto Rico, 31 juillet 1961, infarctus aigu du myocarde), plus connue sous le nom de Freddy, elle était une chanteuse cubaine. Née à Céspedes, petite ville de la province de Camagüey, à Cuba, dans une famille modeste de paysans, elle chantait a cappella dans les clubs de La Havane et enregistra un unique album avant de succomber à une crise cardiaque. Son poids (plus de 150 kilos) conférait à sa voix une sonorité particulière et androgyne. Elle interprétait presque exclusivement des boléros et d'autres chansons. Fredesvinda García est un personnage fascinant, une femme à la voix grave qui était cuisinière et qui a fini par enregistrer un chef-d'œuvre de jazz-boléro.
À l'âge de 12 ans, elle s'installe à La Havane et devient cuisinière pour la famille Bengochea (Arturo Bengochea était le président de la ligue cubaine de baseball professionnel). Rapidement, elle commence à chanter le soir au Bar Celeste, à l'angle des rues Humboldt et Infanta, un lieu de rencontre pour les artistes. Le directeur de l'Hôtel Capri la remarque et l'engage. Elle a débuté au Cabaret Capri avec l'orchestre de Rafael Somavilla, dans la revue Pimienta y Sal, aux côtés d'autres chanteurs, danseurs et d'un quatuor dirigé par le pianiste Carlos Faxas. Freddy a participé à plusieurs émissions de télévision, notamment Jueves de Partagas (1959), dont elle garde un souvenir ému. Dans cette émission, elle partageait l'affiche avec Benny Moré et Celia Cruz.
Freddy s'est rendue au Venezuela, puis au Mexique, avec une troupe dirigée par le danseur et chorégraphe Roderyco Neyra (Rodney). De là, elle a voyagé à Miami et à Porto Rico. Elle a décroché plusieurs contrats et a été invitée à la télévision de San Juan.
Freddy apparaît sous le nom d'Estrella Rodríguez dans le roman de Guillermo Cabrera Infante, Tres tristes tigres (1966), qui relate les nuits havanaises précédant la révolution de janvier 1959. Des extraits de ce roman, où Freddy tient un rôle important, ont été publiés ultérieurement sous le titre Ella cantaba boleros. Il apparaît également comme personnage dans le roman de Daína Chaviano, La isla de los amores infinitos (2006).
Son unique album, La voz del sentimiento, a été réédité sous le titre Ella cantaba boleros, d'après l'œuvre de Guillermo Cabrera Infante. Il a été enregistré en 1960 pour le label Puchito Records (référence Puchito MLP 552). Humberto Suárez a réalisé les arrangements et dirigé l'orchestre.
13 Debí llorar [15] (Giraldo Piloto - Alberto Vera 1957), Fredesvinda García, album La voz del sentimiento, 1960.

Le Brésil et le boléro ont entretenu une relation passionnée bien avant la bossa nova. Dans les années 1940 et 1950, on trouvait le samba-canção, cousin brésilien du boléro. Le boléro et la samba-canção s'entremêlent pour créer cette mélancolie sophistiquée du Brésil des années 1950 : dramatique, lent et sentimental. Plusieurs artistes brésiliens l'ont interprété avec brio. Même si le langage peut changer, le sentiment d'avant-garde féminine — les femmes prenant le contrôle du récit du chagrin d'amour — reste le même. Parmi elles, Dolores Durán 1930-1959, compositrice et chanteuse, ses chansons sont des boléros brésiliens emblématiques. Dolores est une figure fondamentale car elle écrivait ses propres chansons (chose rare dans les années 1950). Elle est décédée prématurément en 1959, laissant derrière elle une œuvre courte mais magistrale. Avec sa version de A Noite do Meu Bem (1959), considérée comme le meilleur samba-canção/boléro de l'histoire du Brésil, la boucle est bouclée pour les années 1950.

Dolores Durán, de son vrai nom Adiléia Silva da Rocha, née le 7 juin 1930 et décédée le 24 octobre 1959 à Rio de Janeiro, est une chanteuse et une compositrice brésilienne.
Découverte à l'âge de 10 ans lors d'un concours musical télévisé ((Calouros en Desfile, animé par Ary Barroso), elle entama sa carrière de chanteuse et de comédienne à la radio et à la télévision. À la fin des années 1940, elle prit le pseudonyme de Dolores Duran et commença à présenter des compositions personnelles dans diverses boîtes de nuit de Rio. Le succès qu'elle rencontra la fit remarquer par Radio Nacional, la radio la plus réputée de l'époque, qui l'invita à participer à différentes émissions. Au début des années 1950, elle se joignit aux artistes de l'Hôtel Glória, très renommé.
Dolores Durán écrivit de nombreuses chansons de Música Popular Brasileira, collaborant avec des compositeurs comme Tom Jobim (Por causa de você), alors en début de carrière, ou Chico Anysio (Filha de chico brito). Ses chansons les plus célèbres furent Estrada do Sol, Ideias Erradas, Minha Toada, A Noite do Meu Bem, Castigo et Olha o Tempo Passando. Elle chanta en Uruguay, en Union soviétique, en Chine et à Paris.
Victime d'un rhumatisme articulaire aigu lorsqu'elle était enfant, ce qui lui laissa un souffle au cœur, Dolores Durán subit un infarctus à l'âge de 25 ans, mais négligea de se soigner et continua de consommer tabac et alcool en grandes quantités. Elle décéda précocement à 29 ans d'un nouvel infarctus, probablement favorisé par son mode de vie.
14 A Noite do Meu Bem [16] Dolores Duran, album 78 rpm A Noite do Meu Bem, 1959.

Cet épisode, consacré aux chanteuses de boléro de la première moitié du XXᵉ siècle, s'achève ici. Nous vous invitons cordialement au prochain épisode de C'est du jazz latino.

[1] Sauf mention contraire, les informations biographiques présentées ici sont un résumé des biographies disponibles sur https://en.wikipedia.org/wiki/Main_Page

[2] - Piensa En Mi, Agustín Lara, María Teresa Lara
Si tienes un hondo penar/piensa en mí ;/si tienes ganas de llorar/piensa en mí./Ya ves que venero/tu imagen divina,/tu párvula boca/que siendo tan niña,/me enseñó a besar./Piensa en mí/cuando beses,/cuando llores/también piensa en mí./Cuando quieras/quitarme la vida,/no la quiero para nada,/para nada me sirve sin ti.
Pense à moi, Agustín Lara, Maria Teresa Lara
Si tu as une profonde tristesse,/pense à moi ;/si tu as envie de pleurer,/pense à moi./Tu vois /comme je vénère/ton image divine,/ta petite bouche/qui, si jeune,/m'a appris à embrasser./Pense à moi/quand tu embrasses,/quand tu pleures,/pense à moi aussi./Quand tu voudras/me prendre la vie,/je n'en veux à rien,/elle ne me sert à rien sans toi.

[3] Después que sufras, Septeto Anacaona 1936-37 Después que sufras este cruel tormento /oirás el lamento /de mi corazón (bis)/He de enamorarte, he de conquistarte/para que comprendas /lo que sufro yo/Vas a suplicarme /y querrás matarme/cuando te domine/esta gran pasión/Y después que sufras este cruel tormento/oirás el lamento /de mi corazón /Ya tu sabrás/lo que es amor/Ya tu sabrás/lo que es amor/Después que sufras este cruel tormento/Tu sabrás /lo que es amor/Ya tu sabrás/Lo que es amor.
Après avoir souffert, Sextet Anacaona 1936-37
Après avoir enduré ce cruel tourment,/tu entendras la lamentation/de mon cœur (deux fois)/Je dois te faire tomber amoureux, je dois te conquérir/pour que tu comprennes/ce que je souffre/
Tu me supplieras/et tu voudras me tuer/quand cette grande passion te submergera/Et après avoir enduré ce cruel tourment,/tu entendras la lamentation/de mon cœur/Alors tu sauras/ce qu'est l'amour/Alors tu sauras/ce qu'est l'amour/Après avoir enduré ce cruel tourment,/tu sauras/ce qu'est l'amour/Alors tu sauras/ce qu'est l'amour

[4] http://mediateca.inah.gob.mx/

[5] Vereda Tropical, Gonzalo Curiel Barba
Voy por la vereda tropical/La noche plena de quietud/Con su perfume de humedad/En la brisa que viene del mar/Se oye el rumor de una canción/Canción de amor y de piedad/Con ella fui/Noche tras noche, hasta el mar/Para besar su boca fresca de amor/Y me juró quererme más y más/Y no olvidar jamás/Aquella noche junto al mar/Hoy solo me queda recordar/Mis ojos mueren de llorar/Y el alma muere de esperar/¿Por qué se fue ?/Tú la dejaste ir, vereda tropical/Hazla volver a mí/Quiero besar su boca/Otra vez junto al mar/Vereda tropical.
Sentier Tropical, Gonzalo Curiel Barba
Je marche sur le sentier tropical/La nuit est d'un calme absolu/Avec son parfum d'humidité/
Dans la brise marine/J'entends le murmure d'une chanson/Une chanson d'amour et de pitié/
Avec elle, j'allais/Nuit après nuit, à la mer/Pour embrasser ses lèvres, encore embaumées d'amour/Et elle a juré de m'aimer toujours plus/Et de ne jamais oublier/Cette nuit au bord de la mer/Aujourd'hui, il ne me reste que le souvenir/Mes yeux se noient de larmes/Et mon âme se meurt d'attente/Pourquoi est-elle partie ?/Tu l'as laissée partir, sentier tropical/Fais-la revenir/Je veux l'embrasser à nouveau/Au bord de la mer/Sentier tropical.Vereda Tropical, Gonzalo Curiel Barba.

[6] Yo no sé lo que me pasa, Fernando Mulens
Yo no sé qué me pasa/Cuando estoy a tu lado/Que si tu no me besas/Y yo no te beso/Me muero de amor/Ay, yo no sé qué me pasa/Cuando estoy a tu lado/Que me pongo muy triste/Muy triste me pongo/Si dices que no/Mañana es tarde /Para querernos/Mañana es tarde/Quiéreme hoy/La vida es corta/Y hay que vivirla/La vida es corta/Dame tu amor/Ay, no sé qué me pasa/Cuando estoy a tu lado/Que si tu no me besas/Y yo no te beso/Me muero de amor
Je ne sais pas ce qui m'arrive, Fernando Mulens
Je ne sais pas ce qui m'arrive/Quand je suis à tes côtés/Si tu ne m'embrasses pas/Et que je ne t'embrasse pas/Je mourrai d'amour/Oh, je ne sais pas ce qui m'arrive/Quand je suis à tes côtés
Je suis si triste/Je suis si triste/Si tu dis non/Demain, il sera trop tard/Pour que nous nous aimions/Demain, il sera trop tard/Aimez-moi aujourd'hui/La vie est courte/Et nous devons la vivre/La vie est courte/Donne-moi ton amour/Oh, je ne sais pas ce qui m'arrive/Quand je suis à tes côtés/Si tu ne m'embrasses pas/Et que je ne t'embrasse pas/Je mourrai d'amour

[7] Again, Lyrics : Dorcas Cochran, Música : Lionel Newman
Again, this couldn't happen Again./This is that once in a lifetime. This is the thrill divine./
What's more, this never happened before./Though I have prayed for a lifetime/That such as you would suddenly be mine./Mine to hold as I'm holding you now and yet never so near,/What matters, dear, for when/This does not happen Again./We'll have this moment forever/But never, never, Again.
Encore, Parole : Dorcas Cochran, Musique : Lionel Newman
Encore une fois, cela ne pouvait plus se reproduire./C'est un moment unique. C'est un frisson divin./De plus, cela ne s'était jamais produit /auparavant./Bien que j'aie prié toute ma vie/Pour que quelqu'un comme toi devienne soudainement mien./À moi de te serrer dans mes bras comme je te serre maintenant, et pourtant jamais aussi près de moi,/Qu'importe, mon amour, car quand/Cela ne se reproduira plus./Nous garderons ce moment pour toujours/Mais plus jamais, jamais.

[8] Cosas del Alma, autor Pepe Delgado
Sobre todas las cosas del mundo/No hay nada/Primero que tu/Y aunque a ti/Te parezca/mentira,/Las cosas del alma,/Despiertan dormidas/Cada instante, que paso a tu lado/Se impregna/mi vida de ti/Y a pesar, de esas cosas tan grandes/Tu sigues,/dudando de mi/Que culpa tengo yo,/de haber nacido así/inerte la expresión en mi/Dios solo sabe,/que en mi sentimiento/Hay cosas del alma,/de mí, para ti/Sobre todas las cosas del mundo/No hay nada, primero que tu/Y a pesar, de esas cosas tan grandes/Tu sigues, dudando de mi
Les Choses de l'Âme, Auteur : Pepe Delgado
Par-dessus tout au monde, rien ne se présente/avant toi./Et même si cela te paraît incroyable,
les choses de l'âme/s'éveillent de leur sommeil./Chaque instant passé à tes côtés,/ma vie s'imprègne de toi./Et malgré tout cela,/tu continues de douter de moi./Quelle est ma faute
d'être né ainsi, le visage inexpressif ?/Dieu seul sait/qu'en mes sentiments,/il y a des choses de l'âme,/de moi, pour toi./Par-dessus tout au monde, rien ne se présente/avant toi./Et malgré tout cela,/tu continues de douter de moi.

[9] - Tú Me Acostumbraste, Frank Domínguez
Tú me acostumbraste/A todas esas cosas/Y tú me enseñaste/Que son maravillosas/Sutil llegaste a mí/Como la tentación/Llenando de inquietud/Mi corazón/Yo no concebía/Cómo se quería/En tu mundo raro/Y por ti aprendí/Por eso me pregunto/Al ver que me olvidaste/Por qué no me enseñaste/Cómo se vive sin ti/Yo no concebía/Cómo se quería/En tu mundo raro/Y por ti aprendí/Por eso me pregunto/Al ver que me olvidaste/Por qué no me enseñaste/Cómo se vive sin ti
Tu m'y as habitué, Frank Domínguez
Tu m'y as habitué/À toutes ces choses/Et tu m'as appris/Qu'elles sont merveilleuses/Subtilement, tu es venue à moi/Comme une tentation/Remplissant mon cœur d'inquiétude/Je ne comprenais pas/Comment aimer/Dans ton monde étrange/Et j'ai appris de toi/C'est pourquoi je me demande/Maintenant que tu m'as oublié/Pourquoi ne m'as-tu pas appris/À vivre sans toi/Je ne comprenais pas/Comment aimer/Dans ton monde étrange/Et j'ai appris de toi/C'est pourquoi je me demande/Maintenant que tu m'as oublié/Pourquoi ne m'as-tu pas appris/À vivre sans toi

[10] Noche de ronda, Agustín Lara
Noche de ronda/Qué triste pasa/Qué triste cruza/Por mi balcón/Noche de ronda/Cómo me hiere/Cómo lastima/Mi corazón/Luna que se quiebra/Sobre la tiniebla/De mi soledad/A dónde vas/Dime si esta noche/Tú te vas de ronda/Como ella se fue/Con quién está/Dile que la quiero/Dile que me muero/De tanto esperar/Que vuelva ya/Que las rondas/No son buenas/Que hacen daño/Que dan penas/Que se acaba/Por llorar/Dile que la quiero/Dile que me muero/De tanto esperar/Que vuelva ya/Que las rondas/No son buenas/Que hacen daño/Que dan penas/Que se acaba/Por llorar
Nuit de la Sérénade, Agustín Lara
Nuit de la Sérénade/Comme elle passe tristement/Comme elle traverse tristement/Par mon balcon/Nuit de la Sérénade/Comme elle me blesse/Comme elle me fait mal/À mon cœur/Lune qui se brise/Sur les ténèbres/De ma solitude/Où vas-tu ?/Dis-moi si ce soir/Tu vas faire la sérénade/Comme elle est partie/Avec qui est-elle ?/Dis-lui que je l'aime/Dis-lui que je meurs/D'avoir attendu si longtemps/Qu'elle revienne maintenant/Que les sérénades/Ne sont pas bonnes/Qu'elles font du mal/Qu'elles apportent du chagrin/Qu'elles finissent/Par les larmes/Dis-lui que je l'aime/Dis-lui que je meurs/D'avoir attendu si longtemps/Qu'elle revienne maintenant/Que les sérénades/Ne sont pas bonnes/Qu'elles font du mal/Qu'elles apportent du chagrin/Qu'elles finissent/Par les larmes

[11] Ya No Me Quieres, María Grever
Tuyo soy/Y siempre lo seré/Un día dijiste/Tembloroso de pasión/Di por qué/Con tu silencio cruel/Ahora pretendes destrozar/Nuestra ilusión/Ya no te acuerdas de mí/Ya no me quieres/Y por no hacerme sufrir/Callar prefieres/Si has encontrado una nueva ilusión/No me lo niegues/Y nunca trates de fingirme amor/Porque me hieres/Yo por estar junto a ti/No sé qué diera/Y por besarte otra vez/La vida entera/Quiero fundir en la llama de amor/Nuestros dos seres/Más no te acuerdas de mí/Ya no me quieres
Tu ne m'aimes plus, María Grever
Je suis à toi/Et je le serai toujours/Un jour, tu as dit/Tremblant de passion/Dis-moi pourquoi/Avec ton silence cruel/Maintenant, tu veux détruire/Notre rêve/Tu ne te souviens plus de moi/Tu ne m'aimes plus/Et pour m'épargner la douleur/Tu préfères te taire/Si tu as trouvé un nouvel amour/Ne me le cache pas/Et n'essaie jamais de feindre l'amour pour moi/Car tu me blesses/Être avec toi/Je ne sais pas ce que je donnerais/Et t'embrasser encore/Toute ma vie/Je veux fondre dans la flamme de l'amour/Nos deux êtres/Mais tu ne te souviens plus de moi/Tu ne m'aimes plus

[12] Llanto de luna, Julio Gutiérrez
Llanto de luna en la noche sin besos/de mi decepción ;/sombra de pena, silencio de olvido
que tiene mi hoy ;/llaga de amor que no puede sanar/si me faltas tú ;/ebria canción de amargura
que murmura el mar./¿Cómo borrar esta larga tristeza/que deja tu adiós ?/¿Cómo poder olvidarte si dentro,/muy dentro estás tú ?/¿Cómo vivir así en esta soledad/tan llena de ansiedad de ti ?
Larmes au clair de lune, Julio Gutiérrez
Des larmes au clair de lune dans la nuit sans baisers/de ma déception ;/l'ombre du chagrin, le silence de l'oubli/qui imprègnent mon présent ;/une blessure d'amour qui ne peut guérir/si tu n'es pas là ;/un chant d'amertume ivre/murmuré par la mer./Comment effacer cette longue tristesse/laissée par tes adieux ?/Comment t'oublier si tu es/au plus profond de moi ?/Comment vivre ainsi dans cette solitude/si pleine de désir pour toi ?/

[13] Añorado Encuentro, Alberto Vera Morua, Giraldo Felix Piloto Bea.
Aunque lejos estemos tú y yo/Siempre unido estará nuestro amor/Añorando tan solo el momento/De estrecharnos con loca y tenaz pasión/Ni siquiera logre imaginar/Me quisieras lo mismo que yo/Aunque siempre en mi pecho callara/La inquietud que al tus ojos mirar/Me ahogaran/Hoy rompo las cadenas del silencio/Logro decirte que te quiero/Que tú eres todo lo que anhelo/Volveremos a vernos los dos/Trataremos el tiempo borrar/No tendremos en cuenta razones/Que no sean las de nuestros corazones/Hoy rompo las cadenas del silencio/Logro decirte que te quiero/Que tú eres todo lo que anhelo/Volveremos a vernos los dos/Trataremos el tiempo borrar/No tendremos en cuenta razones/Que no sean las de nuestros corazones
Retrouvailles tant espérées, Alberto Vera Morua, Giraldo Felix Piloto Bea
Bien que la distance nous sépare,/Notre amour restera à jamais uni,/N'aspirant qu'à l'instant présent/Pour nous enlacer avec une passion sauvage et tenace./Je n'aurais jamais pu imaginer
Que tu m'aimes autant que je t'aime./Malgré le silence qui régnait toujours dans mon cœur,
L'angoisse qui, lorsque je plongeais mon regard dans le tien,/m'envahissait./Aujourd'hui, je brise les chaînes du silence./Je parviens enfin à te dire que je t'aime./Que tu es tout ce que je désire./Nous nous reverrons./Nous tenterons d'effacer le temps./Nous ne considérerons aucune autre raison/Que celle de nos cœurs./Aujourd'hui, je brise les chaînes du silence./Je parviens enfin à te dire que je t'aime./Que tu es tout ce que je désire./Nous nous reverrons./Nous tenterons d'effacer le temps. Nous ne prendrons en compte aucune autre raison/que celle de notre cœur.

[14] Cuando Vuelva a Tu Lado, María Grever, 1944
Cuando vuelva a tu lado/No me niegues tus besos/Que el amor que te he dado/No podrás olvidar/No me preguntes nada/Que nada he de explicarte/Que el beso que negaste/Ya no lo puedes dar/Cuando vuelva a tu lado/Y estés solo contigo/Las cosas que te digo/No repitas jamás, por compasión/Une tu labio al mío/Y estréchame en tus brazos/Y cuenta los latidos
De nuestro corazón
Quand je reviendrai à tes côtés, Maria Grever, 1944
Quand je reviendrai à tes côtés/Ne me refuse pas tes baisers/Pour l'amour que je t'ai donné/Tu ne pourras jamais l'oublier/Ne me demande rien/Car je n'ai rien à expliquer/Pour le baiser que tu as refusé/Tu ne peux plus le donner/Quand je reviendrai à tes côtés/Et que tu seras seul avec toi-même/Les choses que je te dis/Ne les répète jamais, par compassion/Joigne tes lèvres aux miennes/Et serre-moi dans tes bras/Et compte les battements/De nos cœurs

[15] - Debi llorar, (Giraldo Piloto - Alberto Vera)
Debí llorar y ya ves,/casi siento placer/debí llorar de dolor,/por vergüenza tal vez./Debí sufrir el bochorno/de tu insensatez/pero ya ves apenas estoy triste solo./Y este sufrir sin razón/en fugaz padecer/yo concebí tu traición/como un simple revés./De que jamás podrás saber/cuanto cariño soy capaz de ofrecer./Debí llorar/pero pensé/¿por qué ?
J'aurais dû pleurer, (Giraldo Piloto - Alberto Vera)
J'aurais dû pleurer, et voyez-vous,/j'éprouve presque du plaisir./J'aurais dû pleurer de douleur,
peut-être de honte./J'aurais dû souffrir de l'embarras/de votre folie,/mais voyez-vous, je ne suis presque plus triste./Et cette souffrance sans raison,/dans une agonie passagère,/j'ai perçu votre trahison/comme un simple revers./Que vous ne saurez jamais/toute l'affection dont je suis capable./J'aurais dû pleurer,/mais je me suis demandé,/pourquoi ?

[16] A Noite do Meu Bem, Dolores Duran
Hoje eu quero a rosa mais linda que houver/E a primeira estrela que vier/Para enfeitar a noite do meu bem/Hoje eu quero paz de criança dormindo/E abandono de flores se abrindo/Para enfeitar a noite do meu bem/Quero a alegria de um barco voltando/Quero ternura de mãos se encontrando/Para enfeitar a noite do meu bem/Ah, eu quero o amor/O amor mais profundo/Eu quero toda beleza do mundo/Para enfeitar a noite do meu bem/Quero a alegria de um barco voltando/Quero ternura de mãos se encontrando/Para enfeitar a noite do meu bem/Ah, como este bem demorou a chegar/Eu já nem sei se terei no olhar/Toda pureza que quero lhe dar
La Nuit de mon Bien-Aimé, Dolores Duran
Ce soir, je veux la plus belle rose qui soit/Et la première étoile qui apparaît/Pour embellir la nuit de mon bien-aimé/Ce soir, je veux la paix d'un enfant endormi/Et l'abandon des fleurs qui s'épanouissent/Pour embellir la nuit de mon bien-aimé/Je veux la joie d'un bateau qui rentre/Je veux la tendresse de mains qui se rencontrent/Pour embellir la nuit de mon bien-aimé/Ah, je veux l'amour/L'amour le plus profond/Je veux toute la beauté du monde/Pour embellir la nuit de mon bien-aimé/Je veux la joie d'un bateau qui rentre/Je veux la tendresse de mains qui se rencontrent/Pour embellir la nuit de mon bien-aimé/Ah, comme cet être aimé a mis du temps à arriver/Je ne sais même pas si mon regard portera/Toute la pureté que je veux lui offrir

C'est du jazz latino 50 (Elles 3) Elles chantaient des boléros
Un espace pour l'écoute, la danse et le plaisir…

1 Piensa en mi (Agustin Lara y Maria Teresa Lara, 1935), Toña La Negra, album Toña La Negra Interpreta A Agustin Lara (Vol. I), 1964 (1935).
2 Después que sufras, (Marcelino Guerra y Alberto Blanco) album Septeto Anacaona & Ciro Rimac 1936-1937, 1993.
3 Vereda tropical (Gonzalo Curiel Barba, 1938), Hermanas Aguila, album 50 Exitos,1964 (1938).
4 Yo no se lo que me pasa (Fernando Mulens), album Los exitos de las Hermanas Landin, 1966 (1942).
5 Again (Lionel Newman, Dorcas Cochran, 1948), Elisa Soteldo, Orquesta Luis Alfonso Larrain, enregistrement live, 1945.
6 Cosas del alma (Pepe Delgado, 1950 ?), Graciela Perez Grillo, album Graciela Machito and his Orchestra, 1961 (1952).
7 Tu me acostumbraste (Frank Dominguez, 1952), Olga Guillot, album Reina del bolero vol.2, 1957.
8 Noche de Ronda (Agustin Lara, 1935), Abbe Lane-Tito Puente & His Orchestra, album Be Mine Tonight, 1957.
9 Ya no me quieres (Maria Grever 1940 ?), album El Original Cuarteto D'Aida Con El Maestro Chico O'Farrill, 1957.
10 Llanto de luna (Julio Gutierrez 1942), Omara Portuondo, album Magia Negra, 1958.
11 Añorado encuentro (Giraldo Piloto - Alberto Vera, 1955), Elena Burke, album îCD 1, 2019 (1959).
12 Cuando vuelva a tu lado (Maria Grever 1934), album Eydie Gormé y Los Panchos, 1964.
13 Debi llorar (Giraldo Piloto - Alberto Vera 1957), Fredesvinda García, álbum La voz del sentimiento, 1960.
14 A Noite do Meu Bem, Dolores Duran, album 78 rpm A Noite do Meu Bem, 1959.

C'est du jazz latino, épisode 49 (Elles 2)

Pedro Alzuru — 2026-07-04T16:30:00Z

Les femmes dont il est question ici partagent presque toutes un point commun : l'exil choisi ou forcé (Toronto, Houston, Miami, NYC, Suisse…). Elles ne se contentent pas de jouer leur musique, elles créent des « petites patries sonores » là où elles s'installent.
Ces dernières protagonistes mettent en lumière une « nouvelle garde » incroyable : des femmes nées dans les années 1980 et 1990 qui, tout en respectant l'héritage de leurs parents, ont propulsé des sons dans l'ère du hip-hop, de l'électronique et du jazz moderne.

Dans les deux épisodes « Elles », nous observons l'évolution des femmes latines, ainsi que celle des femmes qui, sans être latines, s'identifient à cette culture, et comment notre perception d'elles a également changé. Ces artistes sont des artistes au sens le plus large du terme ; elles excellent non seulement dans la pratique d'un ou plusieurs instruments, mais sont aussi parolièress, arrangeuses, cheffes d'orchestre, fondatrices et leaders de groupes, historiennes, promotrices de la musique et de la culture latines, chercheuses, professeures d'université et productrices. Elles excellent dans des instruments qui, jusqu'à récemment, étaient considérés comme exclusivement masculins : les percussions, les instruments à vent et les cordes. Elles continuent de chanter des chansons d'amour – et pourquoi pas ? – mais il faut y ajouter tout ce qui a été mentionné précédemment.

Cette image persistera probablement encore un certain temps, limitée par le stéréotype de la femme latine créé au début du XXᵉ siècle, avec des figures comme Carmen Miranda et Joséphine Baker, et par l'image de la chanteuse de boléro dépendante de l'affection et de la protection masculine, coiffée de fruits, se déhanchant et menant une vie « débridée ». Voici pourtant la puissante réalité de ces femmes qui révolutionnent le jazz latino, aussi tenaces que puissent être ces images.

Et elles ont accompli tout cela avec une grande intelligence. De même que les musiciens se rencontrent, surmontant les malentendus, le colonialisme, le racisme et toutes sortes de ressentiments nés de l'histoire tumultueuse de la « rencontre » des trois continents bordant l'Atlantique ; les femmes au sein de groupes musicaux ont progressivement appris à nouer un partenariat mutuellement bénéfique avec les hommes, déconstruisant leurs peurs et leurs préjugés, et prouvant ainsi que la musique nous la créons ensembles.
Deuxième épisode du programme dédié à Elles, cette foi aux héritières et révolutionnaires, la nouvelle garde qui fusionne les genres avec une liberté totale.

Yilian Cañizares (1983), violoniste et chanteuse cubano-suisse, Yilian possède un don rare : elle joue et chante simultanément des lignes complexes. Sa musique est une invocation où le jazz contemporain rencontre les rituels Yoruba et la précision classique apprise en Europe. Installée en Suisse, elle collabore avec des maîtres comme Omar Sosa et Chucho Valdés, créant une œuvre spirituelle et cosmopolite.
Son approche est un parfait équilibre : un mélange de santería afro-cubaine, de rigueur classique européenne et de jazz contemporain. Son style musical, empreint d'une dimension cosmopolite, captive le public des festivals européens. Elle incarne la diaspora intellectuelle cubaine. Son album Aguas con Omar Sosa est un joyau de jazz spirituel. La formation d'un trio, entre Sosa et Canizares, avec l'intégration du percussionniste vénézuélien Gustavo Ovalles, produit des merveilles - comme nous le verrons ici.
Née à La Havane, Yilian Cañizares a commencé l'étude du violon dans sa ville natale, suivant la tradition la plus rigoureuse de l'école russe de violon. À seulement 14 ans, elle a obtenu une bourse pour étudier à Caracas, et en 2000, elle s'est installée en Suisse pour terminer ses études au Conservatoire de Fribourg. Peu après, les principaux orchestres de la région ont commencé à la contacter, et une fois installée à Lausanne, elle a collaboré avec divers ensembles pendant six ans. En Suisse, elle a exploré le jazz et a décidé d'emprunter une nouvelle voie musicale, intégrant le chant à sa carrière d'artiste professionnelle. C'est durant cette période qu'elle a décidé de former un quartet avec des musiciens d'Allemagne, du Venezuela et de Suisse (et plus tard de Cuba), et le groupe Ochumare était né. Six mois seulement après sa formation, en 2008, le groupe a remporté le Concours du Festival de Jazz de Montreux. Dès lors, sa carrière n'a cessé de progresser. Ces dernières années, elle a partagé la scène avec Ibrahim Maalouf, Omar Sosa, Youn Sun Nah, Richard Bona, Chucho Valdés, Roberto Fonseca, Dhafer Youssef, l'Orchestre de Chambre de Lausanne et El Comité. Elle est également professeure de violon à l'École de jazz et de musique actuelle de Lausanne (EJMA).
Le succès de ses albums Ochumare, autoproduit et sorti en 2013, suivi d'Invocación, produit par Alê Siqueira, a conforté sa réputation d'artiste novatrice, capable d'explorer et de transcender les frontières musicales. Elle a été nommée « révélation de l'année » par l'hebdomadaire français Le Nouvel Observateur pour sa remarquable virtuosité et son charisme de chanteuse et de violoniste. « Ma musique reflète la richesse et le mélange des cultures que je porte en moi et représente qui je suis : une femme, une Cubaine, une musicienne et une citoyenne du monde », a déclaré l'artiste.
Son deuxième album, Invocación, a atteint le sommet du classement Qobuz – World Music et a ensuite été réédité en édition Deluxe.
Aguas, l'album produit en collaboration avec Omar Sosa, accompagné par sa compatriote Inor Sotolongo aux percussions, est sorti en octobre 2018. Le 15 novembre 2019, son nouvel album Erzulie est sorti, avec sa nouvelle formation, Yilian Cañizares & The Maroons, et dédié à la déesse haïtienne de l'amour et de la liberté, enregistré à La Nouvelle-Orléans,
Son style reflète la variété de ses influences, avec des touches de jazz, de musique classique et de musique cubaine, laissant une large place à l'improvisation. Le magazine français Les Inrockuptibles décrit une orchestration jazz mêlée à des percussions rituelles yoruba. Elle chante en espagnol, en yoruba et en français.
1 Aguas Trio, Omar Sosa(p) Yilian Cañizares(vln) Gustavo Ovalles(per), video 2018.10.4. Good Music Parlor Special Edition.

Camila Meza (1985), guitariste et chanteuse chilienne installée à New York, elle est l'une des rares artistes à être aussi respectée pour son jeu de guitare (influencé par George Benson) que pour sa voix de soprano. Avec son Nectar Orchestra, elle crée des textures oniriques qui mêlent le jazz moderne et le folklore sud-américain. Elle représente cette nouvelle garde new-yorkaise qui refuse de choisir entre virtuosité technique et émotion pure.
Elle n'est pas seulement chanteuse de jazz ; elle est aussi l'une des guitaristes les plus impressionnantes de la scène new-yorkaise actuelle. Son projet, The Nectar Orchestra, mêle quatuors à cordes et jazz, offrant une interprétation de musique de chambre aux musiques folkloriques chiliennes et latino-américaines.
Elle brise l'idée reçue selon laquelle les femmes dans le jazz latino ne sont que des chanteuses ou des figures de proue ; elle s'affirme par ses compositions et son jeu de guitare virtuose.
Musicalement inspirée par des guitaristes de jazz tels que George Benson et Pat Metheny, et influencée par la musique et le folklore sud-américains, Camila Meza a d'abord étudié avec Jorge Vidal et Jorge Díaz. Se tournant de plus en plus vers Claudia Acuña à partir du milieu des années 2000, elle a évolué sur la scène jazz de sa ville natale, où son premier enregistrement, avec Giovanni Cultrera, Espinoza y Cia (Navidad en Jazz), est sorti en 2005. En 2007, elle a présenté son premier album, Skylark (Stateside).
En 2009, Camila Meza s'est installée à New York pour étudier la guitare à la New School avec Peter Bernstein, Vic Juris et Steve Cardenas. Depuis, elle a également travaillé sur la scène jazz new-yorkaise avec Ryan Keberle (Into the Zone, 2014), Lucas Pino et Fabian Almazan, et dirige son propre octet de jazz, The Nectar Orchestra. Elle a enregistré pour Sunnyside Records l'album Traces (2016, avec Shai Maestro, Matt Penman, Kendrick Scott, Bashiri Johnson, Jody Redhage et Sachal Vasandani), chante en espagnol et en anglais, et a remporté deux Independent Music Awards : celui du Meilleur album de musique contemporaine pour adultes et celui de la Meilleure chanson latine (« Para Volar »).
En 2017, le Camila Meza Quartet s'est produit au Festival Jazzahead. L'année suivante, elle a fait venir Gina Schwarz à Vienne dans le cadre de son projet (Pannonica, Porgy & Bess. Meza a été nommée dans la catégorie « Guitare et chanteuse » comme « Révélation de l'année » par les critiques du magazine Down Beat en 2018.
Nate Chinen a décrit la voix de Meza comme « une combinaison séduisante de légèreté et de profondeur […] qui se marie à merveille avec le tumulte agile d'un groupe de renommée mondiale » dans le New York Times.
2 Kallfu, Camila Meza and The Nectar Orchestra, album Ambar, 2019.

Daniela Padrón (1987) Violoniste vénézuélienne basée à Miami, elle a réussi le pari fou de faire dialoguer Jean-Sébastien Bach avec les rythmes des plaines vénézuéliennes (Bach to Venezuela). Multi-nommée aux Latin Grammys, elle a remporté le prix en 2025 avec l'album Joropango. Ancienne membre du groupe Gaêlica, elle navigue avec une aisance déconcertante entre le rock, la world music et le répertoire académique.
Son expérience de musicienne, englobant les genres académiques, folk, rock et jazz, lui permet d'évoluer avec maîtrise dans le domaine qui les réunit tous : le jazz latino. En ce sens, nous ne doutions pas qu'il nous offrirait de nouveaux joyaux.
Daniela Padrón (Caracas, 20 mai 1987) est une violoniste, arrangeuse, professeure et compositrice vénézuélienne installée aux États-Unis.
Daniela Padrón a commencé sa formation musicale à l'École de musique expérimentale Manuel Alberto López de sa ville natale. Bien qu'elle ait étudié le piano et le violon durant cette période, elle s'est finalement consacrée à ce dernier. Adolescente, elle intègre un groupe de rock, une expérience qui, selon elle, lui permet de mettre en valeur son talent dans un contexte différent et la conduit à être invitée à jouer du violon avec le groupe vénézuélien Gaêlica. En tant que membre de ce groupe, elle reçoit en 2013 sa première nomination aux Latin Grammy Awards dans la catégorie Meilleur album folk pour son travail sur l'album Luz, una navidad celta en Venezuela (Lumière, un Noël celtique au Venezuela).
En 2012, elle décide de s'installer aux États-Unis. Installée à Miami, elle dirige d'abord un orchestre d'enfants et travaille comme professeure de musique. Au milieu des années 2010, elle retrouve le musicien César Muñoz et fait son retour sur la scène musicale. En 2016, elle sort son premier album solo, intitulé Bach to Venezuela, qui propose des compositions de Johann Sebastian Bach revisitées avec des rythmes vénézuéliens.
Après avoir partagé la scène avec des artistes tels que Willie Colón, Soledad Bravo, Cristian Benítez et Frank Quintero, il a enregistré en 2022 l'album Ella avec la pianiste et arrangeuse cubaine Glenda del E, produit par Julio Bagué et Larry Coll. L'album a reçu une nomination aux Latin Grammy Awards pour le meilleur album instrumental.
3 Popurrí de Merengues, Daniela Padrón, album Daniela Padron + 58, 2020.

Yissy García (1987) Véritable prodige de la batterie, Yissy est la fille de Bernardo García (cofondateur d'Irakere). Après avoir fait ses armes avec les groupes féminin Anacaona et Maqueque, elle a lancé Yissy & Bandancha, un projet pionnier qui fusionne le jazz avec des rythmes urbains. Elle représente l'élite de la nouvelle scène cubaine, collaborant aussi bien avec Omara Portuondo qu'avec Jane Bunnett (gagnant un prix Juno au passage). Elle est l'une des rares artistes à avoir réussi le pari du financement participatif pour son album Última Noticia, prouvant son esprit entrepreneurial autant que musical.
Sa connaissance approfondie de la tradition et son audace en matière d'innovation déconstruisent l'opposition apparente entre les deux.
La batteuse et compositrice Yissy García est l'une des artistes les plus respectées de la nouvelle génération particulièrement prometteuse de musiciens cubains. Considérée comme la percussionniste la plus en vue de l'île et l'une de ses interprètes les plus dynamiques et novatrices, elle excelle dans l'art de fusionner percussions et batterie, puisant son inspiration dans la musique folklorique et populaire cubaine, ainsi que dans le jazz et le funk contemporains.
Yissy García s'est produite sur de nombreuses scènes, tant au niveau national qu'international (États-Unis, Canada, Japon, Australie, France, Espagne, Argentine, Chili, Uruguay), et a collaboré avec des artistes de renom tels que Dave Matthews, Esperanza Spalding, Joshua Bell, Omara Portuondo et Carlos Varela. Le magazine Tom Tom (trimestriel new-yorkais consacré aux percussions féminines) l'a décrite comme la réponse cubaine à Terri Lyne Carrington, et Jazz Times comme « une étoile montante ». Depuis 2012, elle dirige Bandancha, un quintette très novateur qui mêle jazz latin, funk, hip-hop et musique cubaine. Leur premier album, Última Noticia (2015), a été salué par la critique.
García et son groupe se sont produits dans certaines des salles les plus prestigieuses des États-Unis, notamment lors d'une session mémorable au Tiny Desk Concert de NPR (mai 2018), ainsi qu'au Lincoln Center, au Kennedy Center, au Los Angeles Music Center et au SXSW à Austin, au Texas.
García est également membre du célèbre groupe féminin Maqueque, composé de huit musiciennes et fondé par la saxophoniste canadienne Jane Bunnett. Maqueque a remporté le prix Juno du meilleur album de jazz de groupe de l'année (2014) avec son premier CD, Jane Bunnett and Maqueque. Leur album Oddara (2017) a reçu une nouvelle reconnaissance, étant nominé aux Grammy Awards dans la catégorie Meilleur album de jazz latin.
Elle a récemment restructuré Bandancha, abandonnant le DJing au profit de percussions cubaines plus traditionnelles, et a présenté leur nouveau son au prestigieux festival Circulart 2018 (marché de la musique indépendante latino-américaine).
Deux singles (« Arroz con mango » et « Arrollando ») sont prévus et un EP de nouveaux titres sortira début 2019. [1]
4 Mr. Miller, Yissy Garcia & Bandancha, album Ultima Noticia, 2018.

Linda Briceño (Ella Bric), (1988) Trompettiste, chanteuse et productrice, elle est entrée dans l'histoire en 2018 en devenant la première femme à remporter le prix de « Productrice de l'année » aux Latin Grammys. Formée à El Sistema au Venezuela, elle a été adoubée par Wynton Marsalis pour sa maturité musicale exceptionnelle. Sous son alter-ego Ella Bric, elle repousse les limites de la production pop-jazz moderne.
Voici l'appréciation de Marsalis : « Elle possède un excellent sens du rythme et une sonorité remarquable, mais surtout, elle a une compréhension profonde des concepts et des idées musicales. Son jeu est d'une profondeur incroyable. On l'a ou on ne l'a pas, et il est très rare qu'une personne aussi jeune le possède à ce point. »
À seulement 24 ans, Linda possède déjà un palmarès impressionnant, fruit de nombreuses années d'expérience : trompettiste, chanteuse, directrice de big band et compositrice. Wynton Marsalis, musicien de renom et directeur musical du Jazz at Lincoln Center, exprime son admiration pour Linda : « Elle possède un sens aigu du rythme et une sonorité exceptionnelle, mais surtout, elle a une compréhension profonde des concepts et des idées musicales. Son jeu est d'une profondeur incroyable. C'est un don inné, et il est très rare qu'une personne aussi jeune le possède à ce point. » Le talent de Linda dépasse toutefois le cadre de sa carrière musicale et la propulse vers un rôle de leader social. En 2012, le Forum économique mondial l'a nommée « Young Global Shaper » en reconnaissance de son travail de musicienne et d'entrepreneuse visant à développer des stratégies d'autonomisation pour les jeunes artistes, notamment les musiciens, afin qu'ils puissent faire valoir leurs droits en tant qu'individus créatifs et en tant que collectif en Amérique latine. À 10 ans, Linda participe à sa première production musicale en studio, Tocando Tierra, produite par le label aujourd'hui disparu Latin World. Elle y partage le studio avec des artistes tels qu'Alex Acuña, Paquito D'Rivera, Armando Manzanero, Béla Fleck, Don Grusin, Abraham Laboriel, Ary Barroso, Pedro Esutache et Roger Nichols, entre autres. Elle est la plus jeune artiste de l'enregistrement. En 2010 et 2011, elle est invitée à plusieurs reprises à se produire en soliste avec l'Orchestre symphonique de Miami et l'Orchestre Simón Bolívar, sous la direction d'Arturo Sandoval et de Paquito de Rivera. En 2012, elle fait une apparition spéciale avec le Jazz at Lincoln Center Orchestra, sous la direction de Wynton Marsalis, devenant ainsi la première Vénézuélienne à jouer avec ce célèbre orchestre. Pour son premier album, elle a été nominée dans plusieurs académies dans la catégorie « Meilleure nouvelle artiste ». [2]
5 11, Linda Briceño Ft Ella Bric & The Hidden Figures, single, 2018.

Nella (Marianella Rojas) (1989) Originaire de l'île de Margarita, Nella a conquis le monde avec une voix imprégnée de « fioritures » andalouses et de folklore vénézuélien. Propulsée par le producteur Javier Limón et le film Everybody Knows, elle a remporté le Latin Grammy de la « Meilleure nouvelle artiste » en 2019. Son style est une fusion unique entre la mer des Caraïbes et le flamenco espagnol.
En otra vida, est le troisième album de l'artiste vénézuélienne, une œuvre qui nous plonge dans un univers de talent exceptionnel, porté par un concept créatif à la fois original et savoureux. Nella rend hommage aux grands noms de la musique latino-américaine à travers des reprises de chansons emblématiques, s'entourant d'artistes de différentes générations, notamment des compositrices.
Marianella Rojas (née le 3 novembre 1989), connue sous le nom de Nella, est une chanteuse vénézuélienne originaire de Porlamar, sur l'île Margarita, au Venezuela.
Rojas est diplômée du Berklee College of Music et a remporté un Latin Grammy Award dans la catégorie « Meilleure nouvelle artiste » en 2019. Le single « Voy », extrait de son premier album créé en collaboration avec Javier Limón, a été sélectionné parmi les 54 meilleures chansons de 2019 par le New York Times. Début 2020, elle a signé avec le label Sony Music Latin et a sorti son deuxième album studio, *Doce margaritas*, en 2021.
Elle a quitté son île natale pour Caracas, le Canada et les États-Unis afin de poursuivre des études musicales. Elle est diplômée du Berklee College of Music, où elle a rencontré le compositeur, musicien et producteur Javier Limón. Admiratrice de la chanteuse Buika, elle a également commencé à interpréter de la musique andalouse.
En 2018, elle a été invitée à chanter et à jouer dans le film « Everybody Knows » du réalisateur iranien oscarisé Asghar Farhadi. Elle y a interprété plusieurs chansons composées spécialement pour le film par Limón. Sa voix a également résonné au Festival de Cannes, le film ayant été choisi pour l'ouverture de l'événement.
L'année suivante, elle a entrepris la tournée mondiale « Me Llaman Nella », présentant un nouveau spectacle mêlant musique du film « Everybody Knows » et chants folkloriques vénézuéliens. Sa tournée l'a menée sur les scènes du Venezuela, du Panama, du Mexique, des États-Unis, d'Espagne et d'Angleterre.
En 2019, elle s'est produite lors de la cérémonie des Latin Grammy Awards avec Alejandro Sanz, Greecy et Aitana, et a remporté le prix de la Révélation de l'année.
Son premier album rencontre un succès international et son premier single, « Voy », est sélectionné parmi les 54 meilleures chansons de 2019 par le New York Times. Quelques mois plus tard, elle se produit au John F. Kennedy Center for the Performing Arts à Washington D.C., à l'occasion du Mois de l'héritage hispanique de 2019, où elle rend hommage à la force du peuple vénézuélien.
En mars 2020, Nella signa avec Sony Music Latin. Elle sortit son deuxième album, Doce Margaritas, en 2021. On y retrouve les voix de Pedro Capó et du groupe C4 Trío.
En avril 2024, elle sortit une reprise de la chanson « Cien Años » d'Omara Portuondo, en collaboration avec le chanteur dominicain Yendry. Ce titre a servi de premier single extrait de son troisième album studio, *En Otra Vida*, sorti un mois plus tard, en mai 2024. L'album comprend dix reprises, dont *Con los Años Que Me Quedan* de Gloria Estefan, *Me Voy* de Julieta Venegas et *Te Espero Sentada* de Shakira. Outre Yendry, Nella collabore avec Paula Arenas, GALE, maye et Nicole Zignago.
Sa musique mêle le folklore de son pays natal à des sonorités contemporaines et à une forte influence andalouse, le tout interprété avec un style vocal personnel et expressif.
6 Como la Marea, Nella & C4 Trío, album Doce Margaritas, 2021.

Ibeyi (Lisa-Kaindé & Naomi Díaz) (1994), sœurs jumelles, si leur mère, Maya Dagnino, est née en France d'un père vénézuélien et d'une mère tunisienne, leur père était le percussionniste cubain Anga Díaz, membre du groupe Buena Vista Social Club. Leur musique est une expérience spirituelle où les chants ancestraux en langue yoruba rencontrent la soul, le R&B et le hip-hop. Naomi assure le rythme (cajón, batá) tandis que Lisa-Kaindé est au piano et au chant. Leur univers mystique, qui rend hommage à la Santería, a séduit jusqu'à Beyoncé (apparition dans Lemonade). Elles incarnent une modernité chorale et percutante, traitant de sujets profonds comme le racisme et l'identité.
Ibeyi (Lisa-Kaindé et Naomi Díaz), bien que leur musique penche davantage vers le downtempo et la néo-soul, leur utilisation du cajón et des chants yoruba dans un contexte moderne constitue une forme de « jazz spirituel latin » qui captive le public.
Ibeyi est un groupe de musique électronique formé en 2013 à Paris. Il s'agit du projet des sœurs franco-cubaines Lisa-Kaindé et Naomi Díaz. Leur nom, Ibeyi, signifie « Jumelles » en yoruba. Elles sont les filles du célèbre percussionniste cubain Miguel Angá Díaz. Influencées par les cultures cubaine et française, leur musique mêle électro et trip-hop, créant un son à la fois altruiste et moderne. Ibeyi est considéré comme un groupe culte. Leurs chansons sont en yoruba, en anglais et en espagnol.
Elles ont connu le succès avec des singles tels que « Ghosts », « River » et « Stranger/Lover », et ont sorti leur premier album éponyme en 2015.
Le duo est influencé par des artistes comme Kate Bush, The Roots, James Blake et Nina Simone. Leurs textes explorent les thèmes de la Santería et du syncrétisme.
7 River, Ibeyi (Lisa-Kaindé & Naomi Díaz), album Ibeyi, 2015.

Andrea Motis (1995) Révélée très jeune au sein du Sant Andreu Jazz Band de Barcelone, Andrea est une multi-instrumentiste (trompette, sax) et chanteuse à la voix cristalline. À seulement 15 ans, elle enregistrait déjà ses premiers standards. Sa carrière a pris une dimension internationale avec son album chez Impulse ! (Emotional Dance) et des collaborations prestigieuses avec Yo-Yo Ma. Elle chante avec une aisance déconcertante en catalan, anglais et portugais, mêlant la rigueur du swing à la douceur de la bossa nova.
Andrea Motis (née le 9 mai 1995) est une trompettiste, chanteuse, saxophoniste et compositrice de jazz espagnole qui chante en catalan, espagnol, portugais et anglais.
Dès l'âge de sept ans, Motis a suivi une formation musicale à l'École municipale de musique de San Andreu (Barcelone). En 2007, à douze ans, elle a commencé à jouer dans le Sant Andreu Jazz Band, dirigé par le professeur et musicien Joan Chamorro.
En 2010, à quinze ans, elle a enregistré un album de standards de jazz, « Joan Chamorro Presents Andrea Motis », avec la participation de Bobby Gordon. En 2012, elle a enregistré un deuxième album, « Feeling Good ».
Du 1er au 4 novembre 2015, Motis (trompette, saxophone, chant), Chamorro (basse, saxophone ténor) et Josep Traver (guitare) ont assuré la première partie de l'Orquesta Buena Vista Social Club lors de leurs concerts de la tournée « Adiós » à Boston et à New York. Lors de ces concerts, Omara Portuondo a interprété « Dos Gardenias » en rappel, en duo avec Motis.
Motis a fait ses débuts chez une grande maison de disques avec l'album « Emotional Dance » (Impulse !, 2017). En 2019, elle a sorti « Do outro lado do azul », un album composé de chansons brésiliennes et de ses propres compositions.
En 2021, Motis, Mike Mossman et le WDR Big Band Cologne ont produit « Colors & Shadows ». « Loopholes » (2022) est un album du quintette éponyme que Motis codirige avec son mari, Christoph Mallinger, chordophone de jazz autrichien.
8 Matilda, Andrea Motis, album Emotional Dance, 2016.

Rita Payés (1999) Également issue de l'école de Joan Chamorro, Rita Payés a fait du trombone un instrument d'une sensualité rare. Sa voix, qualifiée d'« angélique » par NPR, et son jeu de trombone se marient parfaitement dans des répertoires allant du jazz à la bossa nova. Elle travaille souvent en famille, notamment avec sa mère guitariste Elisabeth Roma. Son album Como la piel (2021) l'a imposée comme une compositrice incontournable, capable de faire pleurer son public par la profondeur de ses interprétations.
Rita Payés Roma (née en 1999) est une tromboniste, chanteuse et compositrice espagnole de jazz et de bossa nova. Rita Payés est née à Vilassar de Mar dans une famille de musiciens. Sa mère, Elisabeth Roma, est guitariste classique, et son père et son frère sont trompettistes. Elle est diplômée de trombone jazz de l'Escola Superior de Música de Catalunya.
À l'âge de treize ans, Rita Payés intègre le Sant Andreu Jazz Band, dirigé par Joan Chamorro, où elle commence à chanter aux côtés d'Andrea Motis, Magalí Datzira, Alba Armengou et Eva Fernandez. À quinze ans, elle sort son premier album.
En 2019, Payés sort Imagina, en collaboration avec sa mère. Toutes deux partent en tournée en Europe pour promouvoir l'album. En collaboration avec le pianiste italien Massimo Faraò, Payés enregistre deux albums à New York en 2019 : My Ideal avec Scott Hamilton et In New York.
Le 16 avril 2021, Payés sort son album Como la piel, fruit d'une nouvelle collaboration avec sa mère, Roma, son compagnon, Pol Batlle, et ses frères Eudald et Pere. L'album est élu meilleur album latin de l'année 2021 par NPR Music. Le titre Nunca vas a comprender, une composition originale, est plébiscité par l'équipe de NPR Music, qui qualifie sa voix d'« angélique ». Deux mois plus tard, elle reçoit le prix Alícia 2021, décerné par l'Académie catalane de musique, qui récompense les jeunes talents.
En juin 2021, Payés et Roma ont présenté leur répertoire au JazzBaltica de Timmendorfer Strand, en Allemagne, lors d'un concert qui a impressionné la critique Angela Ballhorn par leur jeu simple et touchant. Au cours de cet été, ils ont également donné un concert au festival de jazz INNtöne dans l'Innviertel, en Autriche, qui a ensuite été diffusé par la station de radio autrichienne Ö1.
En août, Payés a rencontré le WDR Big Band pour deux concerts intitulés « Le trombone espagnol » à Cologne. Aux studios ColorsxStudios de Berlin, en Allemagne, Payés et Batlle ont enregistré leur nouveau single « Vida » dans le cadre de l'émission A Colors Show.
Lors de la 36ᵉ cérémonie des Goya à Valence en 2022, Payés a interprété « Te venero » avec C. Tangana lors d'une émission télévisée en direct sur Radiotelevisión Española. Son troisième album studio, De camino al camino, est sorti dans le monde entier le 12 juillet 2024.
9 El Marabino (Antonio Lauro), Rita Payés et Elisabeth Roma, album Como la piel, 2021.

Grâce à ces femmes exceptionnelles, les frontières entre le jazz, la pop, la musique classique et les traditions folkloriques s'estompent, non pas pour se fondre dans un mélange indistinct, mais pour donner naissance à une nouvelle synthèse : le jazz latino.
Nous espérons que cet épisode vous a plu et vous invitons à nous rejoindre dans le prochain C'est du jazz latino.

[1] https://www.gonbops.com/artists/yissy-garcia/

[2] http://www.lindabriceno.com/#bio

La Nouvelle Vague et les Héritages rebelles

1 Aguas Trio, Omar Sosa(p) Yilian Cañizares(vln) Gustavo Ovalles(per), video 2018.10.4. Good Music Parlor Special Edition, album Aguas, 2026.
2 Kallfu, Camila Meza and The Nectar Orchestra, album Ambar, 2019.
3 Popurrí de Merengues, Daniela Padrón, album Daniela Padron + 58
4 Mr. Miller, Yissy Garcia & Bandancha, album Ultima Noticia, 2018.
5 11, Linda Briceño Ft Ella Bric & The Hidden Figures, single, 2018.
6 Como la Marea, Nella & C4 Trío, album Doce Margaritas, 2021.
7 River, Ibeyi (Lisa-Kaindé & Naomi Díaz), album Ibeyi, 2015.
8 Matilda, Andrea Motis, album Emotional Dance, 2016.
9 El Marabino (Antonio Lauro), Rita Payés y Elisabeth Roma, album Como la piel, 2021.

C'est du jazz latino 48

Pedro Alzuru — 2026-05-30T18:09:13Z

Dans notre programme, nous avons exploré différents pays et instruments, et il nous faudra, à un moment donné, nous consacrer à des groupes spécifiques. Cependant, une question me semble urgente, compte tenu de ce que nous avons déjà accompli : la place des musiciennes dans le jazz latino, tant dans son histoire que dans sa scène actuelle. Ce n'est pas que nous ne leur ayons pas fait de place, mais leur présence devient de plus en plus cruciale au sein du genre.

Pendant des décennies, l'histoire du jazz latino a été racontée presque exclusivement d'un point de vue masculin. Pourtant, les femmes n'ont pas seulement été présentes, elles ont aussi joué un rôle fondamental dans l'élaboration de ce genre musical, passant du rôle de chanteuses à celui de dirigeantes d'ensembles, de pianistes et batteuses à la direction musicale. Nous vous présentons ici deux épisodes consacrés aux musiciennes incontournables du jazz latino contemporain.

Ces femmes sont passées du statut d'invitées à celui de directrices musicales qui définissent le son des groupes. Avec elles, nous explorons un territoire fascinant où le jazz latino dépasse la simple clave pour s'enrichir d'une texture plus vaste : jazz folk, avant-garde latine, néoboléro ou jazz de chambre sud-américain. Nous sommes face à des protagonistes qui élargissent les horizons de la musique latine et du jazz, apportant une sophistication sonore remarquable, notamment pour un public international sensible à l'éclectisme.

Ces artistes évoluent aux frontières de l'avant-garde et de l'expérimentation ; elles ne se contentent pas de jouer du jazz latino ; ils inventent de nouveaux langages où la racine latine donne le rythme, mais où l'essence même réside dans l'improvisation. Avec elles, nous comprenons que le jazz latino n'est pas qu'un simple rythme ; c'est une façon d'appréhender le monde à travers n'importe quel instrument, à travers le groupe, à travers la musique.

Dans ce programme et le suivant, nous souhaitons illustrer la transmission intergénérationnelle, la migration et la fusion des sonorités entre les continents bordant l'Atlantique. Deux heures de programmation que nous diviserons en deux thèmes : le premier sera consacré aux architectes du rythme, celles qui ont posé les fondements techniques et théoriques, et le second, le mois prochain, à l'avant-garde, à celles qui repoussent les limites du genre.

Maria Marquez, 1951, Chanteuse vénézuélienne installée en Californie, Maria Marquez incarne une fusion sensuelle entre le boléro, le jazz et la world music. Formée à Berklee, elle s'est imposée sur la scène de San Francisco en revisitant les chants de travail traditionnels (comme le célèbre « Canto de Pilon ») avec des arrangements électroniques et jazz. Son style, souvent comparé à celui d'Astrud Gilberto, se caractérise par une élégance intimiste et une grande richesse harmonique. Productrice méticuleuse, elle collabore avec le percussionniste John Santos pour créer des ponts entre la nostalgie de Caracas et la modernité du jazz de la côte ouest. Ses collaborations avec les musiciens Vytas Brenner et Frank Harris ont également joué un rôle très important dans sa carrière.
Elle a débuté sa carrière musicale adolescente, en chantant en duo avec l'auteur-compositeur-interprète Vytas Brenner à la fin des années 1960 et au début des années 1970, dans son Venezuela natal.
À la fin des années 1970, Brenner allait devenir une figure majeure du rock et de la pop vénézuéliens, fusionnant ces genres musicaux avec le folklore vénézuélien. Vytas est devenu la principale influence de Maria lorsqu'elle a été impressionnée par la facilité avec laquelle il mélangeait la musique folklorique vénézuélienne à des éléments électroniques et modernes. Cette influence l'a profondément marquée ; un événement particulièrement marquant fut l'écoute, ensemble, d'un enregistrement de femmes chantant des mélodies envoûtantes tout en pilant du maïs – le Canto de Pilon.
Au sein du duo Vytas et Maria Fernanda (son nom complet), elle est apparue à la télévision nationale et a participé au deuxième Festival de l'Onda Nueva à Caracas, dirigé par Aldemaro Romero, l'un des plus grands compositeurs de musique populaire vénézuélienne et créateur du style Onda Nueva. Maria est diplômée du Berklee College of Music, où elle a étudié la composition, l'arrangement et la musique de film pendant cinq ans. En 1982, elle obtient son diplôme de musique professionnelle à Berklee et s'installe à San Francisco.
Peu après son arrivée dans la région de la baie, Maria commence à jouer avec la guitariste Joyce Cooling. Cette collaboration enrichissante lui ouvre les portes du jazz et de la musique brésilienne. C'est également à cette époque qu'elle noue une longue amitié et collaboration avec le percussionniste John Santos, une amitié qui donnera lieu à de nombreux moments mémorables sur scène et en studio.
Toujours en 1985, Maria forme une autre alliance qui s'avérera très fructueuse avec le virtuose de la musique électronique, multi-instrumentiste et producteur Frank Harris. Avec Frank, elle a enregistré deux chansons folkloriques vénézuéliennes, « Canto del Pilon » (traditionnelle) et « Campesina » de Juan Vicente Torrealba. Ensemble, ils ont co-arrangé et co-produit ces deux titres mémorables qui allaient s'inscrire dans le tourbillon d'un nouveau mouvement du début des années 1980 : la World Music.
Cet enregistrement a suscité un vif intérêt et les chansons ont figuré sur plusieurs compilations de musique du monde : Potatoes (San Francisco, Ralph Records), All Ears (Los Angeles, ROM Records) et Border Crossings (Israël, Hed Arzi Records). [1]
1 Canto Del Pilón Frank Harris & María Márquez, Canto Del Pilon 45 rpm 1985.

Sheila E. (Sheila Escovedo) [2], 1957, Percussionniste prodige et fille de Pete Escovedo, Sheila E. a grandi dans une famille de musiciens d'élite. Protégée de Tito Puente et collaboratrice légendaire de Prince, elle a fusionné le funk, la pop et les rythmes latins pour devenir une superstar mondiale avec des titres comme « The Glamorous Life ». Au-delà de son image de sex-symbol des années 80, c'est une musicienne virtuose qui a brisé les plafonds de verre pour les femmes batteuses. Survivante d'abus sexuels, elle utilise aujourd'hui sa notoriété pour lutter contre la maltraitance infantile via sa fondation Elevate Hope, tout en continuant de collaborer avec les plus grands noms de la musique.
Bien qu'elle soit surtout connue pour sa collaboration avec Prince, ses racines sont profondément ancrées dans le jazz latino. Sa maîtrise des timbales et des congas est légendaire.
Sheila Cecilia Escovedo (Oakland, 12 décembre 1957), est une batteuse et chanteuse américaine. Elle a grandi dans la région de la baie de San Francisco. Aînée d'une famille de quatre enfants, elle est la fille de Pete, percussionniste de Carlos Santana, et de Juanita Escovedo. Dès son plus jeune âge, elle a côtoyé des musiciens de renom : ses oncles (Coke, Alejandro et Mario Escovedo) travaillaient également dans l'industrie musicale, et son parrain était Tito Puente. À cinq ans, elle se produisait déjà aux côtés de son père, et à dix-sept ans, elle collaborait avec des artistes tels que Billy Cobham, Lionel Richie, Diana Ross, Marvin Gaye et Natalie Cole. Cependant, à l'âge de cinq ans, elle a été victime d'abus sexuels de la part d'un voisin. Sheila Escovedo n'a révélé cette expérience qu'en 2015, lors de la publication de son autobiographie.
En 1977, elle sortit son premier album avec son père, Solo Two. En 1978, à la fin d'un concert, elle rencontra Prince, qui, impressionné par son talent artistique, l'aborda et lui annonça une future collaboration, qui se concrétisa quelques années plus tard. Durant cette période, elle sortit deux albums et participa aux tournées de l'artiste de Minneapolis, d'abord en première partie (Purple Rain), puis comme membre à part entière du groupe après la séparation de The Revolution.
Sheila E., cependant, ne se limitait pas à faire partie de l'entourage de Prince. Elle a joué dans le film de Michael Shultz, Krush Groove, véritable manifeste de la culture hip-hop à l'aube de sa popularité. La chanteuse est également passée du funk-soul au rap, s'essayant même au breakdance.
En 1985, elle a participé à USA for Africa aux côtés de 44 autres stars de la pop, sous la direction artistique de Quincy Jones. Ce n'était que le début d'un long engagement dans le travail social, qui, les années suivantes, la verra lutter contre la maltraitance infantile et fonder la fondation Elevate Hope en 2001.
Après la fin de sa collaboration et d'une brève relation avec Prince en 1989, elle se lance dans une carrière solo, toutefois freinée par des problèmes physiques aux membres supérieurs, aux épaules et aux jambes, causés par sa posture lors de nombreux concerts.
Après sa convalescence, elle collabore avec de nombreux artistes, dont Beyoncé, Phil Collins et Ringo Starr. En 2006, elle se produit aux Brit Awards. L'année suivante, elle se réconcilia définitivement avec Prince, une relation qui dura jusqu'à sa mort en 2016.
2 Anacaona, Sheila Escovedo & Friends, album Bailar Instrumentals, 2025.

Cindy Blackman Santana, 1959, Batteuse virtuose naviguant entre le jazz et le rock, Cindy Blackman s'est fait connaître mondialement en accompagnant Lenny Kravitz pendant plus d'une décennie. Formée par Alan Dawson et profondément influencée par Tony Williams, elle possède un jeu puissant et technique qui lui a valu d'être classée parmi les meilleurs batteurs de l'histoire par Rolling Stone. Depuis 2010, elle est un pilier de l'orchestre de Carlos Santana, qu'elle a épousé sur scène. Sa spiritualité (foi bahá'íe) et sa maîtrise des polyrythmies font d'elle une figure centrale de la fusion moderne, capable de diriger ses propres ensembles de jazz tout en remplissant des stades.
Sa collaboration avec Santana n'éclipse en rien sa carrière ; c'est la rencontre de deux musiciens expérimentés, où chacun donne le meilleur de lui-même.
Cynthia Marie « Cindy » Blackman est née le 18 novembre 1959 à Yellow Springs, dans l'Ohio, aux États-Unis. Sa mère et sa grand-mère jouaient de la musique classique, et son oncle était vibraphoniste. Lors d'une fête, elle a été impressionnée par le batteur du groupe et, à l'âge de trois ans, elle a demandé une batterie. Finalement, à sept ans, elle a reçu une batterie jouet.
Elle a commencé ses études à la Hartt School of Music de l'Université de Hartford et s'est intéressée au jazz grâce à la collection de disques de son père. Elle a acquis sa première batterie professionnelle à l'âge de 14 ans.
Après son arrivée à New York en 1982, suite à ses études au Berklee College of Music de Boston auprès d'Alan Dawson, elle fut prise sous l'aile d'Art Blakey à l'âge de 23 ans. Elle le considère comme son plus grand maître, bien qu'elle n'ait jamais reçu de cours formels de sa part. Leur relation était si profonde que Blakey l'appelait « sa fille ». Elle a également étudié auprès d'autres grands noms tels qu'Elvin Jones, Tony Williams et Max Roach.
À New York, elle commença à travailler comme artiste de rue avec Wallace Roney, son compagnon de l'époque. De cette période, elle se souvient : « Nous avions une voiture que mon frère m'avait donnée, un énorme pick-up Ford. Nous n'avions pas d'appartement. Mais nous transportions nos affaires dans cette voiture », ce qui les obligeait à alterner leurs heures de sommeil et le temps passé dans la voiture, de peur de se faire voler leurs biens, notamment leurs instruments. Ils commencèrent également à jouer dans de petits bars, mais toujours sans domicile fixe.
Elle s'est progressivement fait un nom, mais c'est en 1993, lorsqu'elle a reçu un appel de Lenny Kravitz à Los Angeles, que sa carrière a véritablement décollé. Leur premier grand succès ensemble fut la chanson et le clip de « Are You Gonna Go My Way ». Ce qui devait être une collaboration de deux semaines s'est transformé en une collaboration de 18 ans au sein du groupe du musicien.
À la fin des années 1990, elle a enregistré avec son propre groupe, Telepathy, et ils ont sorti la vidéo pédagogique Multiplicity en 1997. « Pour moi, le jazz est la forme de musique la plus aboutie, de par la créativité qu'il exige », déclare Blackman.
Elle a enregistré plusieurs albums de jazz sous son nom et a collaboré avec Pharoah Sanders, Sonny Simmons, Ron Carter, Sam Rivers, Cassandra Wilson, Angela Bofill, Buckethead, Bill Laswell et Joe Henderson. Blackman est mariée au célèbre guitariste Carlos Santana depuis décembre 2010.
3 Everybody's Dancin', Cindy Blackman Santana, album Give the Drummer Some 2020.

Rebeca Mauleón, 1962, pianiste, auteure et pédagogue de premier plan, elle est une autorité mondiale en matière de salsa et de jazz afro-caribéen. Son ouvrage Salsa Guidebook est devenu la « bible » des musiciens du genre. Au cours de sa carrière, elle a collaboré avec des légendes telles que Tito Puente, Carlos Santana et Cachao. En plus de ses albums solo acclamés, elle est une cheffe d'orchestre dynamique et la directrice pédagogique de SFJAZZ. Son style « viscéral » au piano et son expertise musicologique font d'elle une passerelle indispensable entre la tradition caribéenne et l'enseignement académique du jazz aux États-Unis.
Américaine d'origine latine, elle est bien plus qu'une simple interprète : elle est la pédagogue du genre. Sans elle, une grande partie de la théorie actuelle du jazz latino n'aurait jamais été documentée.
Mauleón est née à Santa Monica, en Californie. Elle a débuté sa carrière professionnelle à l'adolescence comme interprète et artiste d'enregistrement, collaborant avec de nombreux musiciens de divers genres musicaux. Elle a écrit plusieurs textes et articles sur l'histoire des musiques latines et caribéennes, dont le Salsa Guidebook.
Depuis le début de la vingtaine, elle s'est produite et a enregistré avec des figures emblématiques des scènes latine et jazz, notamment Tito Puente, Carlos Santana, Cachao, le joueur de congues Carlos « Patato » Valdés, Armando Peraza, Giovanni Hidalgo, Joe Henderson, Sheila E., Steve Winwood, Michael Nesmith et bien d'autres. Elle est également l'une des rares femmes à diriger des orchestres de jazz afro-caribéen.
Ses albums solo – Round Trip, Latin Fire et Descarga en California – ont figuré dans le top 10 des classements de l'industrie musicale latine. Elle s'est produite dans de nombreux festivals de musique nationaux et internationaux, notamment le Women in Jazz Festival au Kennedy Center de Washington D.C., ainsi que les festivals de jazz de Monterey et de San Francisco.
Directrice musicale de l'ensemble Planet Drum de Mickey Hart, Mauleón a donné des concerts à travers les États-Unis, notamment à Woodstock en 1999. En 2001, elle a reçu le prix Meet the Composer New Residencies Award et a également été boursière du Sundance Composers.
Elle est professeure de musique latino-américaine, caribéenne et de jazz, ainsi que de composition, et a enseigné dans plusieurs universités à travers le monde. Elle a également été consultante musicologique pour National Geographic. Mauleón a été nommée directrice pédagogique de SFJAZZ en 2011.
Le style puissant de Rebeca au piano et sa direction musicale dynamique ont été qualifiés de « viscéral » (Billboard Magazine) et de « fougueuse » (Utne Reader). La critique l'a saluée comme « l'une des cheffes d'orchestre les plus en vogue de la musique latine actuelle » (Allmusic).
4 Serenata Rítmica, Rebeca Mauleón, album Descarga En California, 2006 .

Luciana Souza, (São Paulo, 14 juin 1966), formée à Berklee, Luciana Souza est l'une des chanteuses de jazz les plus respectées de sa génération. Nommée plusieurs fois aux Grammy Awards, elle excelle dans l'art du duo voix-guitare, explorant les racines brésiliennes avec une précision et une clarté émotionnelle rare. Sa polyvalence lui permet de briller aussi bien dans le répertoire classique que dans le jazz contemporain ou les hommages intimistes, comme son projet sur Chet Baker. Pour elle, la musique est une question de contraste et de silence, une philosophie qu'elle partage sur scène avec le guitariste Romero Lubambo.
Si le Brésil était un monde à part, en fait il ne l'est pas, Luciana serais le lien avec les autres mondes. Lauréate de Grammy Awards, elle a collaboré avec Herbie Hancock. Son talent pour chanter sans paroles (comme s'il s'agissait d'un instrument à part entière) élève le jazz brésilien au rang d'art quasi transcendantal.
Luciana Souza est une chanteuse et compositrice de jazz brésilienne. Fille de la poétesse Tereza Souza et du chanteur, compositeur et guitariste Walter Santos, elle a grandi à São Paulo. Elle est titulaire d'une licence en composition de jazz du Berklee College of Music de Boston et d'un master du New England Conservatory of Music.
Elle a débuté sa carrière à l'âge de trois ans en enregistrant des jingles publicitaires. Elle a également travaillé dans le domaine de la musique classique européenne. Se concentrant sur le répertoire brésilien, elle le réinterprète sur les albums Brazilian Duos (2001) et Duos 2 (2005), deux albums voix-guitare. Son album suivant, Norte e sul/North and South (2003), réunit des classiques brésiliens et américains.
Elle a été nommée trois fois aux Grammy Awards dans la catégorie Meilleure chanteuse de jazz, en 2002, 2003 et 2005. Elle a joué et enregistré avec des musiciens et compositeurs de jazz de renom. Elle enseigne actuellement à la Manhattan School of Music. Elle est mariée au producteur de musique Larry Klein. Elle a enregistré un duo avec Walter Becker en 2008 pour l'album Circus Money, produit par Larry Klein.
En 2012, la chanteuse a sorti Duos III, un album de standards brésiliens accompagnés à la guitare, à propos duquel elle déclare : « C'est le son avec lequel j'ai grandi et celui dans lequel je me sens le plus à l'aise. La beauté de la voix et de la guitare réside dans le fait qu'il s'agit de deux instruments acoustiques. On dispose d'une multitude de possibilités sonores, mais aussi du silence. Et je trouve cela intéressant ; il faut tenir compte de ce vide. Je pense que c'est fondamental en musique, car c'est le contraste. »
Sur son album suivant, elle s'est attaquée à l'interprétation des chansons de Chet Baker, accompagnée par un trio. Cet album, The Book of Chet, également sorti en 2012, lui a valu une nomination aux Grammy Awards dans la catégorie Meilleur album vocal de jazz. Souza dit de la musique de Chet : Elle vous oblige à vous y plonger. Elle suspend tout. Elle invite à l'immobilité, comme la belle poésie, et C'était une âme profondément tourmentée. Beaucoup d'entre nous le sommes, même si nous ne sommes peut-être pas aussi perdus. Et lorsqu'il chante, il révèle cette vulnérabilité, cette fragilité qui sommeille en chacun de nous. Pour moi, cela évoque quelque chose de très particulier : la souffrance de celui qui transmet le message, son expérience de l'amour, de la perte, et de tout ce qui se trouve entre les deux.
Elle se produit presque toujours avec le guitariste Romero Lubambo.
5 Sim ou Não, Luciana Souza, album Storytellers, 2020.

Anat Cohen, 1975, Clarinettiste et saxophoniste d'origine israélienne basée à New York, Anat Cohen est la « Reine de la clarinette » moderne, élue meilleure instrumentiste par les critiques de DownBeat depuis plus d'une décennie. Elle a su intégrer les influences du choro brésilien et des rythmes latins à son langage jazz, créant un son chaleureux et virtuose. Nommée plusieurs fois aux Grammy Awards, elle dirige le Anat Cohen Tentet et collabore fréquemment avec ses frères. Sa capacité à faire de la clarinette un instrument central du jazz contemporain, avec une joie expressive contagieuse, a revitalisé l'image de cet instrument sur la scène internationale.
Bien qu'israélienne, elle est considérée comme l'une des plus grandes interprètes de choro (précurseur du jazz au Brésil) à la clarinette. Son talent pour l'improvisation sur des rythmes sud-américains est stupéfiant.
Anat Cohen (Tel Aviv, 1975) est une clarinettiste, saxophoniste et cheffe d'orchestre israélienne installée à New York. Anat Cohen a commencé par jouer de la clarinette et du saxophone, et en 1996, elle intègre le Berklee College of Music. Elle a également enregistré avec ses frères Avishai Cohen (trompette) et Yuval Cohen (saxophones alto et soprano).
Son premier album, Place & Time, avec la participation de Jason Lindner, Ben Street, Jeff Ballard et Avishai Cohen, est sorti en 2005 chez Anzic Records. Son dernier album, Luminosa, avec la participation de Jason Lindner, Joe Martin, Daniel Freedman et d'autres invités, est sorti en 2015, également chez Anzic Records.
Anat Cohen se produit régulièrement et a participé à de nombreux festivals de jazz prestigieux. En 2007, elle a remporté les prix « Révélation de l'année » et « Clarinettiste de l'année » décernés par la Jazz Journalists Association. Elle a également été élue Clarinettiste de l'année de 2008 à 2011. De 2012 à 2015, elle a été nommée « Multi-instrumentiste à vent de l'année » par la Jazz Journalists Association. Elle a reçu de nombreux prix Down Beat dans différentes catégories, notamment la première place dans la catégorie « Révélation » pour les saxophones ténor et soprano et la clarinette. Le 12 juillet 2013, elle a reçu le prix Paul Acket du North Sea Jazz Festival Rotterdam, remis par la Fondation BNP.
6 Mumurando, Anat Cohen and Trio Brasileiro, album (Alegria da Casa, 2016.

Sofia Rei, 1976, Mezzo-soprano argentine basée à New York, elle est une figure de proue du jazz expérimental. Collaboratrice de John Zorn et Bobby McFerrin, elle utilise l'électronique pour triturer les formes folkloriques d'Amérique du Sud (Argentine, Pérou, Colombie). Elle est également une pédagogue influente au Berklee College of Music.
Elle explore les frontières du folklore sud-américain (chacarera, zamba argentine, rythmes andins) à travers des boucles, des sonorités électroniques et une technique vocale jazz impeccable. Ses collaborations témoignent de son engagement envers l'avant-garde. Elle fait le lien entre le jazz new-yorkais et le cœur profond des Andes.
Sofia Eugenia Koutsovitis, connue sous le nom de Sofia Rei, est une chanteuse, compositrice, productrice et pédagogue argentine. Mezzo-soprano de formation classique, elle puise son inspiration dans les musiques folkloriques sud-américaines, le jazz, la pop, la musique classique contemporaine et la musique électronique. Chantant en espagnol, en anglais et en portugais, sa voix a été décrite par le Boston Globe comme possédant « une voix ample et voluptueuse, une maîtrise parfaite des rythmes latino-américains et une connaissance encyclopédique des formes folkloriques d'Argentine, du Pérou, de Colombie et d'Uruguay ». Née et élevée à Buenos Aires, elle réside à New York depuis 2005.
Deux de ses albums ont remporté l'Independent Music Award du meilleur album dans la catégorie World Beat. Elle a collaboré avec John Zorn, Bobby McFerrin, Marc Ribot et Maria Schneider.
Elle est cofondatrice d'El Colectivo Sur, un collectif artistique new-yorkais qui vise à promouvoir la musique sud-américaine et à rassembler des communautés diverses. Elle organise son programme phare, le New York City South American Music Festival. Elle enseigne aux Global Initiatives du Berklee College of Music, y compris le programme itinérant Berklee Latino dirigé par Oscar Stagnaro et Javier Limón.
7 La Llorona, Sofia Rei, album De Tierra y Oro, 2011.

Clarice Assad, 1978, Compositrice nommée aux Grammy Awards, pianiste et chanteuse, Clarice Assad est une force créative sans frontières. Elle mêle classique, jazz et world music avec une inventivité fascinante. Au-delà de ses 70 compositions pour des institutions comme le Carnegie Hall, elle s'engage socialement à travers son programme pédagogique VOXploration, qui explore la voix et l'improvisation. Polyglotte et polyvalente, elle collabore avec des artistes de tous horizons (Bobby McFerrin, Yo-Yo Ma), utilisant la musique comme un outil de connexion humaine et de justice sociale, tout en restant l'une des voix les plus originales du Brésil contemporain.
Fille de Sergio Assad (des célèbres Frères Assad), elle est une pianiste, arrangeuse et compositrice au talent exceptionnel. Sa spécialité est la musique classique contemporaine. Elle peut diriger un orchestre symphonique puis se lancer dans un jazz brésilien endiablé.
Clarice Assad, née Clarice Vasconcelos da Cunha Assad Simão (née le 9 février 1978 à Rio de Janeiro), est une chanteuse, compositrice, orchestratrice et arrangeuse brésilienne-américaine.
Influencée par la culture populaire brésilienne, le romantisme, les musiques du monde et le jazz, elle est l'une des compositrices brésiliennes les plus jouées de sa génération. Elle est issue d'une famille de musiciens : son père, le guitariste Sergio Assad, son oncle, le guitariste Odair Assad, et sa tante, l'auteure-compositrice-interprète Badi Assad.
Clarice Assad se produit professionnellement depuis l'âge de sept ans. Elle est titulaire d'une licence de musique du Chicago Musical College et d'un master de composition de l'Université du Michigan. Elle a été nommée aux Latin Grammy Awards en 2009.
8 Nada Será Como Antes, Clarice Assad, album Window to the World, 2022.

Anne Paceo, 1984, Batteuse et compositrice française, Anne Paceo a grandi en Côte d'Ivoire, ce qui a forgé son approche organique et chantante du rythme. Triple lauréate des Victoires du Jazz, elle dirige des groupes aux noms évocateurs (Circles, Bright Shadows). Sa batterie ne se contente pas de marquer le temps ; elle raconte des histoires, fusionnant jazz, pop et musiques du monde dans une esthétique lumineuse et sans frontières.
Bien que son style soit un amalgame de nombreuses influences, cette batteuse française a exploré des rythmes du monde entier et collaboré avec des musiciens qui intègrent la syncope latine et africaine au jazz français contemporain.
En 1994, elle commence sa carrière de batteuse en France et, en 1998, elle joue avec Stéphane Kochoyan au festival Les Enfants du Jazz à Barcelonnette. Les années suivantes, elle collabore avec des artistes tels que Kenny Garrett, Ravi Coltrane et Dianne Reeves. Au début des années 2000, elle part en tournée avec différents groupes de funk, soul, jazz et rock, et en 2003, elle étudie avec Sunny Murray. À partir de 2005, elle joue dans le groupe du guitariste Christian Escoudé, participant à ses albums Catalogne et Joue Brassens : Au bois de mon cœur (2011).
À partir de 2005, Paceo étudie au Conservatoire de Paris. En 2008, elle sort son premier album avec son trio Triphase, sur le label Laborie Jazz, et se produit ensuite dans des festivals comme Jazz à Vienne et Jazzahead. En 2010, elle part en tournée avec l'European Jazz Orchestra et, en 2011, elle joue au festival Traumzeit de Duisbourg.
En 2012, Paceo a travaillé avec son propre quintette, composé d'Antonin-Tri Hoang, Pierre Perchaud, Leonardo Montana et Stéphane Kerecki, puis, à partir de 2016, avec le quartet Circles. En 2020, ce groupe comprenait Julien Lourau (saxophone ténor), Isabel Sörling (chant) et Tony Paeleman (piano) au New York Winter Fest. Depuis 2019, elle tourne principalement avec son sextet Bright Shadows. Elle a également participé à des projets tels que Myanmar Meets Europe, qui a donné lieu à l'album live Fables of Shwedagon, et avec le Norrbotten Big Band.
En 2006, elle a remporté plusieurs concours de jeunes musiciens, dont le premier prix avec son groupe Triphase lors du Festival Saint-Germain-des-Prés. En 2009, elle a reçu le Django d'Or en tant que « nouveau talent musical ». En 2011, elle a reçu le prix Les Victoires du Jazz dans la catégorie « Révélation française de l'année » (Prix Frank Ténot) ; en 2016 et 2019, elle a été « Artiste de l'année » aux Victoires du Jazz.
9 Calle Silencio, Anne Paceo, album Bright Shadows, 2019.

[1] http://mariamarquez.com/about-maria/

[2] Sauf mention contraire, les informations biographiques présentées ici sont un résumé des biographies disponibles sur https://en.wikipedia.org/wiki/Main_Page

C'est du jazz latino, épisode 48 (Elles 1)
Un espace pour l'écoute, la danse et le plaisir…
Architectes du rythme et de la fusion

1 Canto Del Pilón Frank Harris & María Márquez, Canto Del Pilon 45 rpm, 1985.
2 Anacaona, Sheila Escovedo & Friends, album Bailar Instrumentals, 2025.
3 Everybody's Dancin', Cindy Blackman, Santana, album Give the Drummer Some, 2020.
4 Serenata Rítmica, Rebeca Mauleón, album Descarga En California, 2006 .
5 Sim ou Não, Luciana Souza, álbum Storytellers, 2020.
6 Mumurando, Anat Cohen and Trio Brasileiro, album Alegria da Casa, 2016.
7 La Llorona, Sofia Rei, album De Tierra y Oro, 2011.
8 Nada Será Como Antes, Clarice Assad, album Window to the World, 2022.
9 Calle Silencio, Anne Paceo, album Bright Shadows, 2019.

C'est du jazz latino, épisode 47

Pedro Alzuru — 2026-05-03T17:50:56Z

Le cas de l'Angleterre, et plus particulièrement de Londres, est unique : le jazz latino au Royaume-Uni est né et s'est développé dans les clubs et grâce à la culture DJ. Aujourd'hui, cette scène dynamique est marquée par l'acid jazz, la collection de vinyles et un riche héritage caribéen issu du Commonwealth.

On pourrait résumer l'histoire du jazz latino en Angleterre par le passage « des bals de salon à la révolution acid jazz ». L'histoire britannique des rythmes latinos n'est pas nouvelle, mais sa fusion avec le jazz revêt un caractère résolument cosmopolite et urbain.

Parmi ses précurseurs, remontant aux années 1940, il convient de souligner le travail de pionnier d'Edmundo Ros. Bien que sa musique fût davantage destinée au grand public (musique de bal et de danse), ce musicien trinidadien, de nationalité britannique et vénézuélienne, installé à Londres, fut celui qui introduisit les rythmes caribéens dans la haute société britannique des années 1950 ; il prépara le public à les découvrir.

Un facteur décisif fut le lien avec le Commonwealth. Après la Seconde Guerre mondiale, l'arrivée d'immigrants des Antilles britanniques amena des musiciens familiers du calypso et des rythmes afro-caribéens, qui commencèrent à se mêler aux musiciens de jazz locaux dans des clubs comme le légendaire Ronnie Scott's.
Ainsi, nous arrivons à ce que l'on peut appeler son âge d'or, l'émergence de l'acid jazz dans les années 1980 et 1990. Ce fut un tournant. Dans les années 1980, Londres connut une véritable explosion musicale : des DJ de jazz (comme Gilles Peterson) commencèrent à passer des disques de jazz latino des années 1960 (notamment de labels comme Fania et Tico) dans les boîtes de nuit. Cela créa une demande pour des groupes capables de jouer ce son énergique et dansant. Plusieurs figures clés émergèrent dans ce domaine :

– Snowboy & The Latin Section : mené par Mark Cotgrove (Snowboy), ce groupe est sans doute le plus important groupe de jazz latino d'Europe. Snowboy, percussionniste et DJ, s'est consacré à recréer le jazz afro-cubain le plus authentique, imprégné de l'énergie frénétique typique des clubs londoniens.
– Roberto Pla, percussionniste colombien arrivé à Londres dans les années 70, il est considéré comme le parrain de la salsa et du latin jazz au Royaume-Uni. Il a fondé la Latin Jazz Academy, et son orchestre a formé la quasi-totalité des musiciens de la scène actuelle.
– Alex Wilson, pianiste et arrangeur de renommée internationale, a fusionné le jazz latino avec des éléments de musique classique, de gospel et de musique africaine. Son album Inglaterra est un jalon de la scène.
– Incognito, piliers de l'acid jazz et du Brit-funk, a toujours intégré une solide section rythmique latine et des harmonies bossa nova à sa musique, sous l'impulsion de son leader, Jean-Paul « Bluey » Maunick.
– Robin Jones & King Salsa, groupe fondamental qui a contribué à poser les bases du latin jazz dans les clubs londoniens pendant des décennies. Le porte-étendard du cubop britannique a maintenu vivante la flamme du jazz afro-latin grâce à une précision technique étonnante et une approche résolument dansante.

Aujourd'hui, Londres connaît l'une des plus importantes révolutions jazzistiques au monde. Cette nouvelle génération (dont beaucoup sont issus de la diaspora africaine et caribéenne) ne pratique pas le jazz latino comme un genre à part ; il est inscrit dans son ADN.

Ezra Collective en est le parfait exemple. Ce groupe fusionne avec naturel afrobeat, jazz, hip-hop et rythmes latins, remportant le prestigieux Mercury Prize et popularisant ces rythmes.
Nubya Garcia et Moses Boyd, bien que leurs projets relèvent du jazz contemporain, utilisent constamment des percussions afro-cubaines et caribéennes, reflétant l'identité multiculturelle de Londres.
En Angleterre, le jazz latino n'est pas né dans les conservatoires, mais sur les pistes de danse. C'est un genre qui doit sa survie autant aux DJs et aux collectionneurs de vinyles qu'aux musiciens, ce qui lui confère une énergie beaucoup plus urbaine et électrisante qu'ailleurs. Le lien entre l'acid jazz et le jazz latino est l'un des plus fascinants de la musique moderne, brisant l'idée que le jazz se limite à une écoute solennelle et passive. À Londres, l'acid jazz a permis au jazz latino de retrouver sa vocation première : la dance.

Dans ce premier épisode consacré au jazz latino en Angleterre, il nous faut, comme dans les précédents, revenir brièvement sur son histoire avant d'aborder le présent.

Edmundo William Ros [1] (Port of Spain, Trinité-et-Tobago, Antilles britanniques, 7 décembre 1910 – Alicante, Espagne, 21 octobre 2011) était un musicien, chanteur et chef d'orchestre, internationalement reconnu pour sa fusion de musiques latino-américaines traditionnelles et modernes. Dans le monde anglophone, on le surnommais parfois le « King of Latin American music. »
Edmundo Ros était le fils de Luisa Urquart, une institutrice vénézuélienne d'origine africaine, et de William Hope-Ross, écossais de naissance, il possédait la double nationalité vénézuélienne et britannique. Ses parents se séparèrent lorsqu'il était très jeune et, en 1927, il s'installa avec sa mère à Caracas, au Venezuela, où il intégra l'École de musique et de déclamation de l'Académie des Beaux-Arts, sous la direction du Maestro Vicente Emilio Sojo. Durant cette période, en pleine dictature du général Juan Vicente Gómez, son intérêt pour la musique s'éveilla lorsqu'il rejoignit la fanfare militaire de Caracas, où il joua de l'euphonium pendant environ quatre ans, et des timbales au sein du tout nouvel Orchestre symphonique vénézuélien, également fondé par le Maestro Sojo. En juin 1937, grâce à une bourse du gouvernement du général Eleazar López Contreras, il partit pour Londres, en Angleterre, afin d'étudier la musique classique et la composition à la Royal Academy of Music. Il revint rapidement à la musique populaire.
En 1939, il forma son propre groupe de rumba, dans le style des Lecuona Cuban Boys d'Armando Oréfiche. En 1941, il se fait connaître avec la chanson The Children of Buddha, enregistrée par Parlophone, et se produit régulièrement à l'élégant club Coconut Grove de Regent Street, fréquenté par de nombreux membres de la haute société et de la famille royale, dont la princesse Elizabeth de Windsor. Durant les deux dernières années de la Seconde Guerre mondiale, les officiers alliés préfèrent la musique de Ros à celle des grands orchestres de Tommy Dorsey ou de Glenn Miller, qui se produisent fréquemment à Londres.
Dès 1946, il possède un club, une école de danse, une maison de disques et une agence artistique. Son orchestre compte alors seize musiciens et il est souvent invité au palais de Buckingham. Son album The Wedding Samba se vend à trois millions d'exemplaires en 1949.
En 1951, il rachète le club Coconut Grove et le rebaptise Edmundo Ros Dinner and Supper Club. L'établissement devient populaire pour son ambiance et sa musique, qui rivalisent avec celles de groupes émergents comme les Beatles et les Rolling Stones, jusqu'à sa fermeture en 1965, la fréquentation ayant chuté suite à la légalisation des casinos à Londres.
En 1975 (à 65 ans), il prit sa retraite et s'installa à Jávea, dans la province d'Alicante en Espagne.
Le 8 janvier 1994, il donna son dernier concert public. Il fut décoré de l'Ordre de l'Empire britannique par Sa Majesté la reine Élisabeth II lors de la promotion de l'an 2000. Il mourut à l'âge de 100 ans le 21 octobre 2011.
1 Summertime, Edmundo Ros & His Orchestra, album Broadway Cha cha, 1960.

George Shearing (Londres, 13 août 1919 – 14 février 2011) était un pianiste et compositeur de jazz anglais. Son style musical embrassait les genres pré-hard bop : swing, bop et cool jazz ; il s'est également aventuré de manière significative dans le jazz latino. Fidèle à une approche traditionnelle du jazz, Shearing a dirigé l'un des groupes de jazz les plus populaires des années 1950 et jusqu'au milieu des années 1960 : un quintette original composé de piano, vibraphone, guitare électrique, basse et batterie.
Le style de Shearing (qu'il appelait « mains liées », basé sur des accords parallèles) a été influencé par le travail du pianiste Milt Buckner avec le groupe du vibraphoniste Lionel Hampton, par la section de saxophones de l'orchestre de Glenn Miller et par le King Cole Trio. On perçoit également l'influence de grands pianistes de boogie-woogie et de musiciens classiques tels que Fats Waller, Earl Hines, Teddy Wilson, Erroll Garner, Art Tatum et Bud Powell. Bien entendu, il a aussi été très admiré et suivi par de nombreux musiciens.
Dans les années 1950, il créa le célèbre style Shearing Block, qui consistait à jouer la mélodie par blocs harmoniques. La note mélodique était accompagnée par les trois autres notes de l'accord à la main droite, tandis que la main gauche doublait la mélodie.
Shearing contribua également à l'essor des petits ensembles de jazz afro-cubain dans les années 1950. C'est ainsi que Cal Tjader fit ses débuts dans le jazz latino en jouant avec Shearing, qui comptait parmi ses musiciens des joueurs de congas tels que Mongo Santamaría, Willie Bobo et Armando Peraza.
En tant que compositeur, Shearing est surtout connu pour les standards « Lullaby of Birdland », « Conception » et « Consternation ». George Shearing fut également l'un des accompagnateurs les plus réputés du chanteur Mel Tormé.
2. Mambo With Me, The George Shearing Quintet, album Latin Escapade, 1957.

Kenny Graham (né Kenneth Thomas Skingle le 19 juillet 1924 à Londres ; décédé le 17 février 1997 à Londres) était un musicien de jazz britannique (saxophone, clarinette, flûte, arrangeur) et compositeur, l'un des pionniers du jazz moderne dans les îles Britanniques. Il explora les rythmes afro-cubains dès son plus jeune âge et composa parfois dans un style proche de celui de Duke Ellington.
Enfant, Graham joua d'abord du banjo, puis se concentra sur le saxophone en do majeur et le saxophone. Il jouait du saxophone alto avant de passer au ténor. Il étudia le génie civil avant de rejoindre le Reub's Sunshine Band. En 1942, il travailla dans l'orchestre de Billy Smith et, plus tard, sous le pseudonyme de « Tex Kershaw », joua avec Johnny Claes dans une tentative infructueuse d'échapper au service militaire. Après quatre ans dans l'armée, il joua avec Jiver Hutchinson, Ken Turner (1946), Nat Temple (1947), Roy Dexter, le Feldman Club Band (1947), et avec Fred Stanley et Nat Gonella (1948). Il joua ensuite avec Ronnie Pleydell, Russ Allen, Victor Feldman (1949), Roy Bradley et Harry Klein (1950). En avril 1950, il fonda les Afro-Cubists, avec lesquels il partit en tournée et enregistra plusieurs albums salués par la critique. Malgré leur succès artistique, le groupe ne fut pas initialement viable financièrement. Il joua donc dans d'autres formations, notamment (au saxophone baryton) avec Jack Parnell ; Il réalisa également des arrangements pour Ted Heath et Humphrey Lyttelton. Malade, il fut dans l'incapacité de se produire à partir de 1958. Il composa alors de plus en plus de pièces pour Lyttelton, telles que « One Day I Met an African », « Adagio for David » et « No Lady, No Tears ». Il dirigea également des séances d'enregistrement pour Big Bill Broonzy et Josh White. Dans les années 1960, il commença à travailler comme compositeur de musique de film ; certaines de ses œuvres furent utilisées dans la série télévisée « Bob l'éponge ». Il composa la suite orchestrale « Les Travaux d'Hercule » pour la BBC. Par la suite, il se retira définitivement de la musique.
3 Piña Colada, Kenny Graham's Afro-Cubists, album Mango Walk-Pina Colada, 1951.

Victor Stanley Feldman (Edgware, Angleterre ; 7 avril 1934 – Woodland Hills, Los Angeles, Californie ; 12 mai 1987) était un multi-instrumentiste de jazz anglais, jouant du piano, du vibraphone, de la batterie et des percussions.
Il a commencé sa carrière professionnelle dès son plus jeune âge et s'est rapidement fait un nom sur la scène jazz britannique. Feldman a émigré aux États-Unis au milieu des années 1950, où il a continué à travailler dans le jazz et comme musicien de studio avec divers artistes pop et rock.
Feldman est né à Edgware le 7 avril 1934. Enfant prodige, il s'est fait remarquer dès l'âge de sept ans, étant « découvert ». Il était issu d'une famille de musiciens. Son père fonda le Feldman Swing Club à Londres en 1942, où il mit en valeur les talents de ses enfants. Feldman commença à se produire très jeune : De 1941 à 1947, il joua de la batterie dans un trio avec ses frères ; à neuf ans, il commença le piano et, à quatorze ans, le vibraphone. Il apparut dans des films tels que King Arthur Was a Gentleman (1942) et Royal Theater (1943). En 1944, il fut présenté lors d'un concert du Glenn Miller Band sous le nom de Krupa Kid, en référence au batteur Gene Krupa. Il joua également dans la comédie musicale Piccadilly Hayride.
Son professeur de batterie, Carlo Krahmer, l'encouragea à jouer du vibraphone. En tant que vibraphoniste, il joua dans le sextet de Ralph Sharon, puis dans l'orchestre de Roy Fox. Son style au vibraphone était clairement influencé par Milt Jackson. Feldman était un percussionniste remarquable, mais c'est en tant que pianiste et vibraphoniste qu'il excellait véritablement. Avant de quitter le Royaume-Uni pour travailler aux États-Unis, Feldman a enregistré avec l'orchestre et le quintette de Ronnie Scott de 1954 à 1955, participant ainsi au lancement de la carrière d'autres musiciens de jazz britanniques importants, tels que Phil Seamen et Hank Shaw. En 1955, il a émigré aux États-Unis et a décroché son premier emploi au sein du groupe de Woody Herman Herd. Les années suivantes, il a continué à faire des allers-retours entre le Royaume-Uni et les États-Unis. Il a ensuite brièvement joué avec Buddy DeFranco. Dès 1958, il dirigeait son propre groupe sur la côte ouest américaine, avec notamment le légendaire bassiste Scott LaFaro. La même année, il a enregistré l'album The Arrival of Victor Feldman, avec LaFaro et Stan Levey à la batterie. Il a enregistré avec de nombreux musiciens de jazz de l'époque, dont Benny Goodman, George Shearing, Cannonball Adderley et Miles Davis. Avec Davis, il a joué du piano sur l'album Seven Steps to Heaven (1963), qui comprend des performances mémorables ainsi que ses propres compositions. Miles Davis a invité Feldman à rejoindre son groupe en exclusivité, mais Feldman a décliné l'offre, préférant la stabilité du travail en studio aux tournées. Sa collaboration avec Shelly Manne sur Black Hawk (1959) illustre parfaitement son apport distinctif aux solistes, un élément clé du hard bop.
En 1957, Feldman s'est installé définitivement à Los Angeles, se spécialisant comme musicien de studio dans l'industrie du disque. Il a collaboré avec de nombreux artistes, dont Frank Zappa en 1967, Steely Dan et Joni Mitchell dans les années 1970, et Tom Waits et Joe Walsh dans les années 1980. On peut largement entendre son style au vibraphone sur la bande originale de l'émission télévisée The Music of Peter Gunn, avec une musique d'Henry Mancini.
Feldman est décédé à son domicile de Los Angeles. À 53 ans, suite à une crise d'asthme.
4 Poinciana, Víctor Feldman, album Latinsville !, 1959.

Robin Jones, figure emblématique de l'histoire de la samba au Royaume-Uni (né Ernest Robin Jones à Pune, en Inde, le 4 novembre 1934 – décédé le 3 juillet 2019), fut l'un des pionniers les plus influents des musiques afro-latines au Royaume-Uni.
Il fut l'un des premiers membres de la London School of Samba. Il donna son premier concert à Covent Garden en avril 1984 et participa la même année au premier défilé historique du carnaval de Notting Hill. Il fut le lien entre la LSS et les débuts de la musique latine au Royaume-Uni dans les années 1980. Il était percussionniste, choriste, compositeur et professeur, et membre du Roy Young Band en 1971 et 1972. Avec ce groupe, il a accompagné Chuck Berry sur l'enregistrement live de « My Ding-a-Ling », qui a atteint la première place des charts des deux côtés de l'Atlantique. On le retrouvait souvent comme musicien de studio aux studios Top of the Pops à Londres, où était diffusée l'émission télévisée hebdomadaire à succès.
Il était le leader et fondateur du sextet King Salsa, dont le son mêlait salsa, musique latine et jazz. Il a sorti plusieurs albums, dont Latin Underground, Afro-Cuban Sounds et Latin Jazz : Denga/El Maja.
En tant que musicien de studio, il a enregistré avec de nombreux artistes et a participé à plusieurs enregistrements de M People, Dr. John, Pet Shop Boys, Matt Bianco, Basia, Miriam Stockley et Elton John. À partir des années 1980, il a enseigné à de jeunes percussionnistes et, malgré plusieurs crises cardiaques et une opération, il est remonté sur scène. [2]
5 Denga, Robin Jones, album Latin Jazz : Denga and El Maja, 2011.

Roberto Pla (né le 13 février 1947) est un percussionniste et chef d'orchestre colombien installé à Londres. Timbalero de formation, il est reconnu pour sa contribution à la scène musicale latine au Royaume-Uni. Il a notamment tourné avec Carlos « Patato » Valdés, Alfredo Rodríguez et Adalberto Santiago.
Roberto Pla est né à Barranquilla, sur la côte atlantique nord de la Colombie, une région tropicale riche en musique et en folklore. Enfant, il a étudié les percussions avec Pompilio Rodríguez, alors l'un des percussionnistes les plus réputés du pays. En 1964, il s'installe à Bogotá, la capitale, et devient musicien de studio très demandé, collaborant avec certains des meilleurs orchestres. Entre 1968 et 1978, il joue de la batterie avec l'Orchestre de Lucho Bermúdez, le big band phare de Colombie et une véritable institution nationale, avec lequel il effectue des tournées en Amérique latine et aux États-Unis, enregistre de nombreux albums et apparaît chaque semaine à la télévision colombienne.
En 1979, Pla quitte la Colombie pour New York, où il devient percussionniste de studio spécialisé dans la salsa, travaillant notamment avec l'Orquesta La Tradición. En 1980, attiré par la scène pop européenne, il s'installe à Londres. En 1984, il est l'un des membres fondateurs de la London School of Samba, la première école de samba créée au Royaume-Uni. En 1986, Roberto Pla a fondé son propre orchestre de 12 musiciens de renom, le Roberto Pla Latin Ensemble, qui s'est depuis produit à de nombreuses reprises dans des festivals européens et des émissions de télévision. Parmi les artistes avec lesquels il a joué et tourné figurent le groupe pop espagnol Radio Futura et les géants du rock Motörhead (avec lesquels il a fait une apparition dans le film « Eat the Rich »). Durant l'été 1993, il a tourné en Europe avec le groupe de rap US 3 (Blue Note Records), le chanteur des Fania All Stars, Adalberto Santiago, et Azuquita. En 1998, il a tourné en Europe avec Sidestepper et les Newyorican Poets. En 2010, Pla a collaboré avec le Jazz at the Lincoln Center Orchestra, dirigé par Wynton Marsalis, au Barbican Centre de Londres.
En 1996, le groupe a participé à la tournée Salsa Legends, avec notamment Azuquita comme chanteur invité, ainsi qu'Alfredo Rodríguez au piano, Justo Almario au saxophone ténor et Steve Turre au trombone. Parmi les autres musiciens latins que le Latin Ensemble a accompagnés au Royaume-Uni et en Europe, on compte Cheo Feliciano, Marvin Santiago, Tito Allen, Pedro Arroyo et Tito Gómez.
En avril 2012, le groupe a célébré son 25e anniversaire par un concert à l'Assembly Hall d'Islington et a remporté son premier prix LUKAS pour l'ensemble de sa carrière et sa contribution à la communauté latine au Royaume-Uni. En juin 2013, Roberto Pla et son Latin Ensemble étaient en tête d'affiche de la scène « Glasto Latino » du festival de Glastonbury et ont remporté leur deuxième prix LUKAS du « Concert de l'année » au printemps 2014. En août 2017, Roberto Pla s'est produit au Royal Albert Hall en tant qu'invité spécial de l'émission « BBC Prom 57 : Swing No Fin », dirigée par Claire Teal et Guy Barker.
6 Finlandson, Roberto Pla And His Latin Ensemble, album Right On Time !, 1995.

Roger Beaujolais, né Roger Downham le 22 novembre 1952 à Harrogate, dans le Yorkshire, en Angleterre, est un musicien autodidacte. Il débute son parcours musical au piano et à la batterie, jouant brièvement cette dernière dans un groupe de rock. Passionné par de nombreux musiciens de jazz jouant de divers instruments, il ne commence à s'intéresser sérieusement au vibraphone qu'à 24 ans. À 28 ans, il donne son premier concert avec cet instrument et, depuis 1973, il se consacre pleinement à la musique professionnelle. L'un de ses premiers groupes est le Beaujolais Band, qui propose un mélange captivant de salsa et de bop, à l'apogée du hard bop. Depuis, on l'a régulièrement entendu diriger son propre quintette et le groupe d'acid jazz Vibraphonic, ainsi que co-diriger le quartet Theo Travis/Roger Beaujolais. Il a également collaboré fréquemment avec le groupe de jump jive populaire Chevalier Brothers, qu'il a cofondé au début des années 1980. Parmi les autres membres du groupe figuraient Ray Gelato (saxophone), Maurice Chevalier (guitare), Clark Kent (basse) et John Piper (batterie). Avec ce groupe, Beaujolais a enregistré et tourné à l'international tout au long des années 1980, se produisant dans de nombreux festivals de jazz majeurs. Parmi les nombreux musiciens et groupes avec lesquels Beaujolais a joué et enregistré, on compte des artistes de jazz contemporain, de musique latine et de pop tels que Robin Aspland, Butterfield 8, Guy Chambers, Winston Clifford, Mary Coughlan, D-Influence, Simon Thorpe, Roland Perrin, Fairground Attraction, 4 Hero, Slim Gaillard, Ed Motta, Mark Nevin, Tommaso Starace, Mark Lockheart, Minika Green, Tony Rémy, Pete Lewinson, Davide Mantovani, Kirsty MacColl, Dave Lewis, Jim Hart, Masami Tsuchiya, Robert Plant et Paul Weller. Il a également participé aux rééditions des albums « Spirit Level » et « Great Spirit » de Tim Richards. Parallèlement à son activité de musicien, Beaujolais a enseigné le vibraphone jazz au Trinity College of Music de Londres. [3]
7 Ain't No Sunshine, Roger Beaujolais and The Beaujolais Band, album Mind How You Go, 1990.

Benn Clatworthy, né à Hastings en 1955 et ayant grandi dans le sud de Londres, est un saxophoniste ténor et le petit-fils de Gertrude Lawrence, vedette de la scène des années 1930. À dix-neuf ans, il commence à étudier avec Ronnie Scott, qui le recommande au Berklee College of Music de Boston. Installé à Los Angeles, Clatworthy est une figure incontournable des clubs de la ville depuis vingt ans et a collaboré avec des artistes tels que Cedar Walton, Lionel Hampton, Johnny « Hammond » Smith et Jimmy Cleveland. Son dernier album, Let's Face the Music (Maestro, 2000), illustre parfaitement sa philosophie : « Si la musique ne suscite pas d'émotions, elle n'a que peu de valeur. »
Ben Clatworthy, saxophoniste ténor de jazz moderne véritablement impressionnant, s'est fait connaître grâce au regretté Ronnie Scott. Bien que britannique, Ben réside actuellement en Californie, où il s'est imposé comme un talent de premier plan. Si toutes ces années à Los Angeles semblent avoir peu influencé son élocution, son jeu de saxophone ténor a acquis de fortes caractéristiques américaines, notamment un son personnel et incisif, ainsi qu'une vaste palette émotionnelle allant de la tendresse d'une ballade à des torrents d'agressivité maîtrisée à une vitesse vertigineuse. (Chris Lee)
… « Dispersant les notes dans la salle avec une éloquence délicieusement sèche et incisive, à une vitesse fulgurante. » (John Fordham)
Figure incontournable des clubs de Los Angeles depuis 1980, Ben Clatworthy a d'abord été fortement influencé par John Coltrane à la fin des années 1950, mais il a adouci son son et l'a parfois rapproché de celui de Warne Marsh, avec des accents de Sonny Rollins. Il a fait ses débuts discographiques en 1990 avec l'album Thanks Horace (sur lequel figure également la pianiste Cecilia Coleman) chez Discovery, et en 1995, il a sorti While My Lady Sleeps sur son propre label (avec Cedar Walton en invité). [4]
8 Bossa Mia, Benn Clatworthy, album Clatworthy Music, 2010.

Dave Betts, né en 1957, a collaboré avec de nombreux musiciens, de Peter Gabriel au pianiste de jazz Jason Rebello, et avec des compositeurs de renom tels que David Fanshawe (African Sanctus). Son style unique lui permet de jouer simultanément de plusieurs instruments de percussion, et ses performances en direct sont empreintes d'énergie et de multiples couches de rythmes latinos. Betts s'est forgé une réputation grâce à ses interprétations rythmiquement riches et énergiques qui repoussent les limites du jazz contemporain. Parallèlement à sa carrière artistique, il est également un pédagogue respecté, enseignant les percussions dans des institutions prestigieuses du Royaume-Uni, telles que le King's College de Taunton et la Sherborne School.
Le Dave Betts Quintet, quintette de jazz latin et de funk, a été formé en 2000 pour mettre en valeur les compositions originales du batteur Dave Betts. Le groupe navigue avec aisance entre musique latine, jazz et funk, privilégiant des rythmes entraînants, des solos captivants et des mélodies accessibles. Ils ont quatre albums à leur actif, dont un album live enregistré au Ronnie Scott's. Leur cinquième album, These Times, sorti au printemps 2015, met en vedette le saxophoniste ténor australien Brandon Allen. [5]
9 Alhambra, Dave Betts Quintet, album Straight Ahead, 2010.

Snowboy, né le 3 juillet 1961, est un musicien de jazz, critique musical et percussionniste. Snowboy (littéralement « le garçon des neiges ») est le nom de scène de Mark Cotgrove, mixeur et musicien de jazz latino. DJ depuis l'âge de 17 ans, il fut DJ résident au Goldmine, un club qui diffusait de la musique noire : jazz, funk et soul, après sa période Latin Fusion. Il s'acheta alors des congas.
Musicien autodidacte, Mark utilise le nom de scène Snowboy, un personnage de West Side Story qu'il interprétait avec une troupe de théâtre amateur à l'âge de 18 ans. Il sortit son premier single, un morceau go-go funk avec une face B rap, When Snowboy's Rocking the Mike.
Il collabora ensuite avec Chris Sutton, sortant trois singles et un album chez Polydor, mais sans grand succès. Snowboy s'associa plus tard au musicien tex-mex Flaco Jiménez et sortit un single de latin jazz, « Mambo Teresa ». Il sortit également un single solo, « Ritmo Snowbo », avec en face B une reprise du standard de jazz « A Night in Tunisia » interprétée par Jackson Sloan (dont le premier album avait été produit par Snowboy).
Son professeur de percussions l'engagea comme percussionniste au sein du groupe King Salsa. Le pianiste n'était autre que Danny White, du groupe Matt Bianco, où sa compagne Basia chantait. Il enregistra et partit en tournée avec Matt Bianco et Basia, après quoi cette dernière lança une carrière solo internationale. Le groupe Coldcut contacta Snowboy pour leur single « Stop This Crazy Thing ». Il découvrit la chanteuse Lisa Stansfield, membre de Coldcut, et devint son percussionniste en studio et sur scène.
En 1988, avec son projet acid jazz The Freedom Principle, Snowboy sortit House of Latin, un morceau de latin house qui se classa dans les charts dance britanniques. Il sortit également un album solo, Ritmo Snowbo. Il accompagna le James Taylor Quartet et le chanteur Noel McKoy sur leurs deux singles solo, dont « Give Me The Sunshine », qui atteignit la 51ᵉ place des charts britanniques. Snowboy a sorti deux albums solo, Descarga Mambito et Somethings Coming, en 1994, qui ont atteint la 11ᵉ place du classement UK Independent Hit-Parade.
En 2008, il a sorti l'album Comunicación. Il a fondé le groupe funk The Perceptions, qui a sorti l'album Introducing… The Perceptions. Il a également collaboré au magazine Blues and Soul et, en 2008, a publié le livre From Jazz Funk & Fusion to Acid Jazz –The History of the UK Jazz Dance Scene Snowboy figure dans le *Who's Who of Latin Music*. [6]
10 In the Wee Small Hours of the Morning, Snowboy & The Latin Section, album Descarga Mambito, 2013.

[1] Sauf mention contraire, les informations biographiques présentées ici sont un résumé des biographies disponibles sur https://en.wikipedia.org/wiki/Main_Page

[2] https://www.feenotes.com/database/artists/jones-robin/
https://londonschoolofsamba.co.uk/tribute/robin-jones/

[3] https://www.jazzmusicarchives.com/artist/roger-beaujolais

[4] https://www.jazzmusicarchives.com/artist/benn-clatworthy

[5] https://www.jazzmusicarchives.com/artist/dave-betts

[6] www.snowboy.info

C'est du jazz latino, épisode 47 (Angleterre)
Un espace pour l'écoute, la danse et le plaisir…

1 Summertime, Edmundo Ros & His Orchestra, album Broadway Cha cha, 1960.
2. Mambo With Me, The George Shearing Quintet, album Latin Escapade, 1957.
3 Piña Colada, Kenny Graham's Afro-Cubists, album Mango Walk-Pina Colada, 1951.
4 Poinciana, Víctor Feldman, album Latinsville !, 1959.
5 Denga, Robin Jones, album Latin Jazz : Denga and El Maja, 2011.
6 Finlandson, Roberto Pla And His Latin Ensemble, album Right On Time !, 1995.
7 Ain't No Sunshine, Roger Beaujolais and The Beaujolais Band, album Mind How You Go, 1990.
8 Bossa Mia, Benn Clatworthy, album Clatworthy Music, 2010.
9 Alhambra, Dave Betts Quintet, album Straight Ahead, 2010.
10 In the Wee Small Hours of the Morning, Snowboy & The Latin Section, album Descarga Mambito, 2013.

C'est du jazz latino 46

Pedro Alzuru — 2026-04-04T08:00:00Z

Au Canada, le jazz latino a prospéré grâce au multiculturalisme, à l'immigration caribéenne et latino-américaine et, surtout, à une collaboration profonde et soutenue avec Cuba. Le jazz latino canadien se définit par son authenticité rythmique et par la présence d'artistes qui ont consacré des décennies à l'immersion culturelle, créant ainsi un pont musical direct avec Cuba. Les grandes villes — Toronto et Montréal — servent de centres de production et de distribution, dynamisées par des communautés diversifiées et le prestige international d'événements comme le Festival international de jazz de Montréal.

Alors que le cubop a émergé aux États-Unis dans les années 1940, fruit d'une rencontre de talents à New York, au Canada, le genre s'est formalisé beaucoup plus tard (principalement à partir des années 1980) par un processus d'immersion et de collaboration. La présence d'importantes communautés d'origine caribéenne (Cuba, Jamaïque, Trinité-et-Tobago) et sud-américaine (Colombie, Chili, Venezuela, etc.) dans des villes comme Toronto a fait du groove et de la syncope des éléments naturels de la scène musicale locale. Le Festival de Jazz de Montréal attire non seulement les plus grands noms internationaux du jazz latino, mais sert également de vitrine aux musiciens canadiens et aux immigrants latino-américains pour présenter leurs projets de fusion à un large public.

La figure incontournable de l'histoire du jazz latino canadien est sans conteste la saxophoniste et flûtiste canadienne Jane Bunnett. Dès les années 1980, elle a commencé à se rendre fréquemment à Cuba, tissant des liens de collaboration indéfectibles avec les musiciens de l'île. Son engagement dépassait la simple adoption des rythmes ; elle est devenue une fervente défenseure et mécène de la musique cubaine. Son travail de fond a non seulement popularisé le cubop et le son au Canada, mais a aussi contribué au lancement de la carrière internationale de nombreux musiciens cubains. Son approche met l'accent sur l'authenticité des percussions et l'intégration mélodique du jazz moderne. Le jazz latin au Canada est riche et se caractérise par une grande diversité, allant du cubop pur à la fusion du jazz avec des genres sud-américains (andins, vénézuéliens).

Jane Bunnett a été nommée à plusieurs reprises aux Grammy Awards et aux prix Juno. Ses projets Spirits of Havana ont été déterminants, offrant une fusion profonde de rumba, de musique yoruba et de jazz. Son projet le plus récent, Maqueque, est un groupe cubain entièrement féminin qui allie la tradition afro-cubaine au jazz d'avant-garde, témoignant de l'engagement constant de Bunnett envers la nouvelle génération cubaine. Hilario Durán, pianiste d'origine cubaine, est une figure incontournable de la scène canadienne. Depuis son arrivée dans les années 1990, sa virtuosité a rehaussé le niveau du Cubop à Toronto, où il dirige des big bands et des orchestres. Il apporte la touche technique cubaine qui complète l'immersion culturelle de Bunnett. Eliana Cuevas, chanteuse vénézuélienne installé à Toronto, illustre la diversité de la fusion. Sa musique mêle le jazz au folklore vénézuélien et aux rythmes sud-américains, créant un son qui transcende la tradition caribéenne. Le pianiste de renom Oscar Peterson est une figure emblématique du jazz canadien traditionnel, mais il a exploré le jazz brésilien à différentes étapes de sa carrière, témoignant de la perméabilité du genre depuis les premières générations de musiciens canadiens.

L'album Spirits of Havana (1991), de Jane Bunnett & Spirits of Havana, est une œuvre fondatrice. Il a établi le modèle de la collaboration culturelle entre musiciens canadiens et cubains et représente un jalon du cubop au Canada. Plus tard, son album Alegre (2003), a consolidé cette relation. Cet album, nominé aux Grammy Awards, illustre la maturité de cette fusion, avec une orchestration grandiose et des rythmes complexes.

L'œuvre d'Hilario Duran, New Danzon (2005), met en lumière la sophistication technique du piano cubain au sein du big band canadien. Quant à Vientos y Mareas (2014) d'Eliana Cuevas, il s'agit d'un jazz latin sud-américain. Il illustre la fusion qui incorpore les rythmes andins et vénézuéliens à l'improvisation jazz moderne. La scène canadienne du jazz latino est dynamique et se caractérise par son modèle de collaboration culturelle directe. Le Canada s'est appuyé sur des figures comme Jane Bunnett pour établir un lien organique et durable avec les racines rythmiques les plus authentiques de la musique cubaine, créant ainsi un héritage de grande qualité et de renommée internationale.

Outre des figures centrales comme Jane Bunnett et le pianiste Hilario Durán, la scène canadienne du latin jazz est riche et diversifiée, notamment à Toronto et à Montréal. Luis Mario Ochoa, guitariste, chanteur et compositeur cubano-canadien, est un musicien très influent à Toronto. Son travail vise à perpétuer la tradition du son et du cubop avec une sensibilité moderne, à la tête du groupe Cimarrón. Amanda Martinez, chanteuse et compositrice canadienne d'origine mexicaine et sud-américaine, fusionne les rythmes latino-américains (comme le boléro et le son) avec une sensibilité pop et jazz moderne. Paco Luviano, bassiste acoustique et électrique, Mexicain-Canadien, est un bassiste très respecté et recherché, pilier des sections rythmiques de nombreux groupes de jazz latino et de jazz mainstream importants au Canada. Oscar Hernández (et le Spanish Harlem Orchestra), pianiste et chef d'orchestre, bien que basé aux États-Unis, exerce une influence considérable, notamment grâce à ses prestations dans les festivals canadiens. Plusieurs musiciens canadiens ont collaboré avec lui, apportant les sonorités de la salsa dura et du salsa-jazz à la scène musicale.

Ces musiciens reflètent la diversité du genre au Canada, allant du cubop traditionnel au jazz influencé par la musique populaire latino-américaine.

Oscar Emmanuel Peterson [1] (Montréal, 15 août 1925 – Mississauga, 23 décembre 2007) était un pianiste de jazz canadien. Virtuose du piano de grand talent, il était surnommé par Duke Ellington le « maharajah du clavier » et figure parmi les pianistes les plus prolifiques de l'histoire de la musique afro-américaine. Peterson a également écrit de nombreux recueils d'exercices de jazz pour jeunes pianistes et était un compositeur de talent. Sa technique pianistique unique et étonnante, alliée à un swing puissant, le rendait immédiatement reconnaissable dans tous les contextes.
En 1949, Peterson se rendit aux États-Unis où il se produisit lors d'un concert organisé par l'impresario de jazz Norman Granz au Carnegie Hall de New York. Il resta associé à Granz pendant la majeure partie de sa carrière, parcourant le monde avec la troupe All-Stars Jazz at the Philharmonic de Granz et enregistrant de nombreux disques pour le label Pablo Records de Granz. Sa discographie, très riche, débute à la fin des années 1940 et le présente dans les années 1950 et 1960 aux côtés de figures emblématiques du jazz telles qu'Ella Fitzgerald, Lester Young, Anita O'Day, Stan Getz, Coleman Hawkins et Louis Armstrong.
Après ses célèbres enregistrements de 1956 avec Louis Armstrong et Ella Fitzgerald, il forme en 1958 le Oscar Peterson Trio avec Ray Brown à la basse et Ed Thigpen à la batterie . À partir de 1973, il est rejoint par le bassiste danois Niels-Henning Ørsted Pedersen, puis, à partir de 1974, par les batteurs Martin Drew et Bobby Durham, à diverses reprises des années 1960 aux années 1990. Après avoir été un sideman très demandé sur de nombreux enregistrements dans les années 1950, il s'est taillé une place de choix dans l'histoire du jazz. En 1997, il a reçu un Grammy pour l'ensemble de sa carrière et a été intronisé au International Jazz Hall of Fame, confirmant ainsi qu'il est toujours considéré comme l'un des plus grands musiciens de jazz de tous les temps. Oscar Peterson est décédé à Mississauga le 23 décembre 2007 des suites d'une insuffisance rénale.
1 Manha De Carnaval, Oscar Peterson, album Soul Español, 1966.

Hilario Durán (né en 1953 à La Havane), pianiste de jazz cubano-canadien. Durán a étudié au Conservatoire Amadeo Roldán de La Havane, où il a suivi des cours de tumbao avec Evaristo Aparicio, de composition et de direction d'orchestre avec Germán Pifferrer, et d'orchestration avec Guillermo Barreto. Dans les années 1970, il a formé le groupe Los D'Siempre, qui fusionnait des éléments traditionnels cubains avec ceux du jazz moderne. Il a été membre du groupe d'Arturo Sandoval de 1981 à 1990. Il a également collaboré avec l'Orchestre des Nations Unies de Dizzy Gillespie et avec Michel Legrand. En 1990, il a formé un nouveau groupe, Perspectiva, et a effectué des tournées en Amérique centrale et en Europe. À partir de 1995, il a travaillé comme artiste solo à Toronto, au Canada, et tout au long de sa carrière, il a collaboré avec des artistes de renom tels que Tata Güines, Changuito, Horacio « El Negro » Hernández, Jorge Reyes, Roberto Occhipinti, Larry Cramer, John Patitucci, Michael Brecker, Regina Carter, Dave Valentín, Juan Pablo Torres, John Benítez, Dafnis Prieto, Hugh Pantano, Carlos « Patato » Valdés, Lenny Andrade, Quartetto Gelato, Jane Bunnett et le Gryphon Trio.
Durán a été nominé aux prix Juno en 2002, 2005, 2006 et 2007, remportant le prix en 2005 pour Nuevo Danzón et en 2007 pour From The Heart, un album également nominé aux Grammy Awards.
2 Pacá por Juanito, Hilario Duran and his Latin Jazz Big Band, album Cry Me a River, 2023.

Jane Bunnett (née le 22 octobre 1955 à Toronto, en Ontario), musicienne de jazz canadienne (flûte traversière, saxophone soprano). Elle a d'abord étudié le piano classique, puis s'est tournée vers la flûte traversière Boehm suite à une tendinite. Durant ses études de jazz à l'Université York de Toronto, elle s'est également mise au saxophone soprano (qu'elle a perfectionné auprès de Steve Lacy).
Elle a vécu à Paris avec son mari, le trompettiste Larry Cramer, de 1992 à 1995, où elle a également joué avec Claudine François. En 1989, elle a enregistré un album en duo à succès avec Don Pullen. Cramer, Pullen, Jeanne Lee et Sheila Jordan ont contribué à son album, The Water is Wide.
Elle s'est de plus en plus intéressée à la musique cubaine, initialement grâce à ses vacances sur l'île. Déjà sur l'album Spirits of Havana (1991), elle explore avec intensité et crédibilité diverses traditions afro-américaines et leurs représentants contemporains. Depuis 2014, elle a enregistré plusieurs albums avec l'ensemble féminin cubain Maqueque, qu'elle a fondé avec la chanteuse Daymé Arocena. Maqueque signifie « esprit d'une jeune fille » dans un ancien dialecte afro-cubain.
Depuis 2001, les productions de Bunnett ont été nominées pour plusieurs Grammy et Juno Awards. Son album Jane Bunnett and Maqueque a remporté le Juno Award/Album jazz de l'année Groupe en 2015. En 2004, elle a remporté le prix « Étoile montante » du Down Beat Critics' Poll pour la flûte. Bunnett a été décorée de l'Ordre du Canada en 2004. En 2006, elle a reçu un doctorat honorifique de l'Université Queen's (Kingston). Elle a déjà une discographie de plus de vingt titres.
3 Human Race, Jane Bunnett and Maqueque, album Playing With Fire, 2023.

Audrey Ochoa, 1956, tromboniste et compositrice de jazz basée à Edmonton, en Alberta. Le père d'Ochoa, Romeo, est un trompettiste philippin qui a joué avec Tommy Banks et l'Orchestre symphonique d'Edmonton ; sa mère, Phyllis, joue de l'accordéon. Ochoa a étudié la musique et l'éducation à l'Université de l'Alberta et enseigne actuellement la musique en sixième année.
Le deuxième album d'Ochoa, Afterthought, sorti en 2017, a remporté le Prix de musique d'Edmonton en 2018. En 2020, elle a sorti son troisième album, Frankenhorn. Son album The Head of a Mouse, sorti en 2023, a été nominé pour le prix Juno 2025 de l'album solo de jazz de l'année. Ochoa est également l'une des chefs du Canadian Ska Orchestra.
Elle s'ait produit avec le North Texas State One O'Clock Big Band aux côtés de maîtres du jazz comme Chris Potter et Marcus Miller. Cela lui a valu des invitations à jouer en Caroline du Nord, dans l'Utah et dans l'État de Washington avec d'autres ensembles universitaires, et Ochoa a arrangé des œuvres originales pour big band afin de saisir ces opportunités. Deux concerts à l'un des festivals les plus populaires de Rochester, dans l'État de New York, sur la scène extérieure principale du festival de Montréal, le trio d'Ochoa (avec Mike Lent et Sandro Dominelli) a joué devant des milliers de fans réceptifs, invité au festival Jazz Ahead de Brême, en Allemagne.
L'esprit créatif d'Ochoa s'épanouit dans des grooves et des styles variés. Le titre de son troisième album, Frankenhorn, reflète l'évolution de son concept au cours des trois dernières années, passant d'un projet modeste à un projet plus ambitieux. La tromboniste se lance dans des solos exceptionnels, capturant au passage une série d'ambiances évocatrices. [2]
4 The Head Of A Mouse, Audrey Ochoa, album The Head Of A Mouse, 2023.

Luis « El Pana » Tovar (1960 ?), est un percussionniste vénézuélien nominé aux prix JUNO. Depuis son arrivée en Alberta il y a 19 ans, il a marqué de son empreinte la scène musicale de l'Ouest canadien, fort de 29 ans d'expérience professionnelle dans la percussion d'instruments de musiques du monde.
Quel que soit le genre musical ou les collaborations, Luis apporte une énergie unique et une dynamique positive sur scène ou en studio, puisant dans ses racines vénézuéliennes et afro-caribéennes pour s'investir pleinement dans chaque projet. Il a joué un rôle de premier plan au sein de divers groupes musicaux locaux, tels que le Esteban Herrera Quintet, Montuno West, Perpie Nwa Olisa, Notas de 4, The Grandstand Show et Decidedly Jazz Danceworks. De plus, il a participé au spectacle « Sistema Nervioso » de DJD l'an dernier.
Fin 2023, Luis a marqué une étape importante de sa carrière en produisant l'album Luz du chanteur vénézuélien Arturo Marc. Cette expérience lui a permis de collaborer avec deux joueurs de cuatro de renom, lauréats d'un Grammy Award : Héctor Molina et Jorge Glem. Cette collaboration a enrichi son parcours et consolidé sa position de producteur de musique reconnu sur la scène internationale. Luis a également collaboré avec d'autres artistes de renommée internationale tels qu'Oscar D. León, Willie Colón, Johnny Reid et Gil Coldstein.
Sa mission dépasse le simple cadre musical ; Luis aspire à partager son talent avec la communauté et à promouvoir l'unité au Canada grâce à ses performances et ses collaborations. Il aime transmettre son expérience et ses connaissances à la nouvelle génération de musiciens, témoignant ainsi de sa polyvalence et de son engagement à explorer divers styles et projets musicaux. [3]
5 Moliendo Café, Luis Tovar , album Back To My Roots, 2024.

Miguel De Armas, (1970 ?), est un pianiste et compositeur de jazz polyvalent. Il tisse des influences jazz, cubaines et américaines avec un éclectisme fascinant. Né à La Havane, Miguel a étudié au Conservatoire Amadeo Roldan et a obtenu une licence en percussions cubaines à l'Instituto Superior de Arte.
En 1988, il a cofondé le célèbre groupe NG La Banda Orchestra avec José Luis Cortés et d'autres musiciens cubains prestigieux. Pendant plus de dix ans, il a tourné avec ce groupe à travers le monde et s'est produit dans des festivals de jazz de renommée internationale tels que North Sea, Montreux, Nice, Nantes, Normandia, Couleur Café, Barranquijazz et le Festival du film de Rio de Janeiro, entre autres. Il a collaboré avec Ivan Lins, Clark Terry, Tania Maria, Chico Freeman, Dave Valentin, Sammy Figueroa, Robbie Ammen, Gilberto Gil et Ermeto Pascual.
Miguel a aujourd'hui étendu ses talents musicaux à Ottawa, au Canada, qu'il considère comme sa ville d'adoption.
6 Rumba on Kent St. Miguel de Armas & The Ottawa Latin Jazz Orchestra, album From Me To You, 2023.

Bassiste et compositeur primé, Rubim de Toledo (1972), allie les influences de son héritage brésilien à son attachement à la tradition jazz pour créer une approche musicale rafraîchissante et exaltante. Avec une palette musicale internationale, s'inspirant d'influences latines, caribéennes, africaines, jazz et contemporaines, Rubim allie improvisation et traditionalisme avant-gardiste.
En 2021, Rubim a remporté le Western Canadian Music Award (WCMA) dans la catégorie Artiste instrumental de l'année, s'ajoutant à ses distinctions, dont celle d'Artiste jazz de l'année aux WCMA en 2018. La même année, il a été nominé pour le prix d'Artiste mondial de l'année, témoignant de l'universalité de sa voix musicale.
À dix-sept ans, Rubim a débuté sa carrière professionnelle à Edmonton, se produisant avec les légendes du jazz albertain Tommy Banks, PJ Perry et Clarence Big Miller. Depuis, il est devenu un sideman très recherché et un leader d'orchestre prolifique, publiant sept albums de compositions originales et s'imposant comme un artiste musical reconnu de l'Ouest canadien.
En tant que bassiste, Rubim a eu la chance d'accompagner de nombreux artistes internationaux. Sa polyvalence musicale est soulignée par ses collaborations avec des genres et des artistes variés, témoignant d'une expérience approfondie qui enrichit son expression artistique. Il est également membre fondateur des groupes latins albertains Montuno West, Bomba et Maracujah et est fréquemment directeur musical de Decidedly Jazz Danceworks de Calgary depuis 2006. De plus, il est chef des départements de performance et de basse à l'Université MacEwan d'Edmonton, où il encourage la prochaine génération de talents musicaux.
7 Danza para los difuntos, Rubim de Toledo, album The Drip, 2023.

Montuno West. Avec des membres basés à Edmonton, Calgary et Vancouver, le groupe illustre l'esprit collaboratif et multiculturel de la pratique artistique canadienne.
L'ensemble réunit des artistes de renommée internationale issus de divers horizons culturels. Israel Toto Berriel (Cuba) est un maître du folklore afro-cubain et ancien membre de Los Muñequitos de Matanzas, lauréat d'un Grammy. Chris Andrew (Canada) est l'un des pianistes de jazz les plus acclamés de l'Ouest canadien, reconnu pour sa maîtrise du jazz latino et moderne. Raul Tabera (Cuba) et Luis Tovar (Venezuela) sont des percussionnistes latinos de premier plan au Canada, dont le travail allie traditions folkloriques et performances contemporaines. Rubim de Toledo (Brésil/Canada), bassiste et compositeur primé, explore les intersections du jazz, des styles latinos et d'autres styles internationaux. Cette fusion des perspectives canadiennes, cubaines, vénézuéliennes et brésiliennes définit l'identité unique du groupe, enrichissant leur musique d'une connaissance culturelle approfondie et d'une expérience vécue.
Le premier enregistrement de Montuno West a remporté le Calgary Music Award 2019 de l'enregistrement mondial de l'année et une nomination pour le prix de l'artiste mondial de l'année aux Western Canadian Music Awards, sans doute l'un des projets musicaux internationaux les plus captivants du Canada.
En novembre 2024, Montuno West a sorti son deuxième album, Raíces. L'engagement du groupe envers l'excellence artistique, le dialogue culturel et la collaboration régionale en a fait un acteur incontournable du jazz et des musiques du monde au Canada. Leur travail célèbre les traditions diasporiques tout en proposant une vision moderne et inclusive des musiques latines, folkloriques, jazz et internationales, qui trouve un écho auprès de tous les publics.
8 Luna Nueva, Montuno West, album Raíces, 2024.

Eliana Cuevas, 1980, chanteuse de jazz vénézuélienne-canadienne dont la musique mêle jazz et musique latine. Elle est surtout connue pour son album Golpes y Flores, pour lequel elle a remporté le Canadian Folk Music Award de l'artiste solo de l'année lors de sa 14ᵉ édition en 2018. Née et élevée à Caracas, au Venezuela, elle a déménagé au Canada en 1996 et vit actuellement à Toronto, en Ontario. Sa discographie : Cohesion (2002), Ventura (2004), Vidas (2007), Luna Llena (2009), Espejo (2013), Golpes y Flores (2017), et, plus récemment, El Curruchá (2021).
Grâce à ses années de tournées à travers le monde et le Canada, et à ses collaborations avec des artistes lauréats de prix Juno et Grammy, Eliana Cuevas est devenue une auteure-compositrice-interprète et chef d'orchestre accomplie, dont la palette de compositions et de paroles est infinie. Parmi ses distinctions, on compte le Canadian National Jazz Award de l'artiste de jazz latin de l'année, deux Toronto Independent Music Awards pour la meilleure artiste de musique du monde, un Independent Music Award du meilleur album latin et le prix de l'artiste solo mondial de l'année aux Canadian Folk Music Awards.
Sur son dernier album, El Curruchá, avec la participation du légendaire et regretté Aquiles Báez, Eliana Cuevas renoue avec ses racines latino-américaines, offrant un hommage nostalgique à la musique qui l'a bercée en grandissant au Venezuela, son pays natal. Le résultat est une performance magnifiquement intimiste, tour à tour enjouée et profondément émouvante, agrémentée d'une virtuosité à la guitare et au chant. [4]
9 A Tear On The Ground, Eliana Cuevas, album Golpes y Flores, 2018.

Ceci conclut notre épisode consacré au jazz latino au Canada, un pays où la présence de femmes et de migrants latino-américains confère à ce genre musical son caractère distinctif, tout en honorant son histoire. Ce fut un plaisir de partager ce moment avec vous, et nous espérons vous retrouver dans un prochain épisode.

[1] Sauf mention contraire, les informations biographiques présentées ici sont un résumé des biographies disponibles sur https://en.wikipedia.org/wiki/Main_Page

[2] https://edmontonjournal.com/entertainment/music/audrey-ochoa-little-miss-higgins-stretch-evolve-to-take-their-musical-roots-beyond-borders

[3] https://chronographrecords.com/2024/05/24/luis-tovar-releases-dance-inspire-ep-storm-with-sabrina-naz/

[4] https://elianacuevas.com/site/about-sle/

C'est du jazz latino 46 (Canada)
Un espace pour l'écoute, la danse et le plaisir…
1 Manha De Carnaval, Oscar Peterson, album Soul Español, 1966.
2 Pacá por Juanito, Hilario Duran and his Latin Jazz Big Band, album Cry Me a River, 2023.
3 Human Race, Jane Bunnett and Maqueque, album Playing With Fire, 2023.
4 The Head Of A Mouse, Audrey Ochoa, album The Head Of A Mouse, 2023.
5 Moliendo Café, Luis Tovar Back To My Roots, 2024.
6 Rumba on Kent St. Miguel de Armas & The Ottawa Latin Jazz Orchestra, album From Me To You, 2023.
7 Danza para los difuntos, Rubim de Toledo, album The Drip, 2023.
8 Luna Nueva, Montuno West, album Raíces, 2024.
9 A Tear On The Ground, Eliana Cuevas, album Golpes y Flores, 2018.

C'est du jazz latino 45

Pedro Alzuru — 2026-03-01T11:54:40Z

Nous avons exploré le jazz latino à travers ses origines, par pays, par instrument. Aujourd'hui, nous revenons au thème des pays, en nous concentrant sur le jazz latino italien. L'histoire du jazz latino en Italie est un sujet particulièrement intéressant, car son développement ne s'est pas fait par le biais d'une immigration caribéenne massive comme aux États-Unis, mais plutôt grâce à une fascination culturelle, aux bandes originales de films et au travail de producteurs et de DJ.

Le latin jazz italien possède une identité unique, souvent marquée par l'élégance mélodique de la bossa nova et la complexité rythmique du cubop, le tout imprégné d'une sensibilité harmonique proche du jazz européen moderne et de la musique de film.

La musique afro-cubaine et la samba/bossa nova sont arrivées en Italie par deux voies principales : Au début des années 1960, l'essor de la bossa nova (suite au succès de Stan Getz et João Gilberto) a immédiatement captivé l'imagination des compositeurs italiens. La première manifestation majeure de fusion latine n'est pas venue des grands orchestres de jazz, mais des bandes originales de films. Des compositeurs légendaires comme Piero Piccioni, Armando Trovajoli et, dans une moindre mesure, Ennio Morricone, ont introduit des rythmes de samba et des éléments jazz-latinos dans leurs partitions pour des comédies, des thrillers et des films d'espionnage. Cette musique, sophistiquée et mélodique, était fortement influencée par la côte ouest américaine.

Cette première phase se caractérisait par un son plus proche de la musique d'ambiance ou lounge que du Cubop pur et dur. Des compilations comme Metti Una Bossa A Cena (produites plus tard par des labels italiens) témoignent de la richesse de ce courant de jazz latino cinématographique. La redécouverte et la formalisation du genre doivent beaucoup à des maisons de disques comme Schema Records (et ses filiales comme Rearward), qui se sont consacrées à la sauvegarde de la musique de film et à la production d'une nouvelle musique inspirée par l'acid jazz et le latin funk.

Figure clé de ce processus, Gerardo Frisina a non seulement sauvé des enregistrements oubliés, mais est également devenu lui-même interprète. Son œuvre fusionne le jazz, le funk et les rythmes cubains avec une approche moderne.

À partir des années 1990 et 2000, les musiciens italiens se sont davantage investis dans l'étude des rythmes afro-cubains authentiques, se rendant à Cuba et développant des projets spécifiques de cubop et de salsa-jazz.

Le jazz latino italien contemporain se caractérise par sa technicité, la qualité de ses arrangements et la diversité des sous-genres latins qu'il explore (du tango au cubop pur). Parmi ses plus importants interprètes : Fabrizio Bosso (trompette), considéré comme l'un des meilleurs trompettistes de jazz italiens, a consacré d'importants projets à la fusion. Son projet Latin Mood illustre la manière dont le jazz italien moderne intègre des arrangements sophistiqués aux rythmes du tumbao et de la salsa. Fabio Furia (bandonéon), bien que sa spécialité soit le tango-jazz, illustre dans son œuvre (comme sur son album A los maestros) la passion italienne pour la musique du Río de la Plata, fusionnée à l'improvisation jazz, et y apporte une sensibilité mélancolique. Adriano Clemente (compositeur/multi-instrumentiste) a consacré des albums entiers, tels que Havana Blue (2017) et Cuban Fires (2018), enregistrés avec des musiciens cubains de renom, à l'exploration du jazz latino et du cubop, témoignant d'une profonde connaissance des racines rythmiques. Danilo Rea, pianiste d'une immense polyvalence, bien que son répertoire embrasse de nombreux styles, ses incursions dans le jazz brésilien et sa maîtrise de la syncope attestent de l'influence durable du genre.

Quelques albums et œuvres représentatifs du jazz latino en Italie : Metti Una Bossa A Cena, compilation d'artistes variés (Piero Piccioni, Morricone, etc.) ; Bossa Nova Cinematografica, un album essentiel pour comprendre les racines easy listening et bossa nova du jazz latino italien des débuts ; Ad Lib (2001), Gerardo Frisina, cet album illustre comment le producteur devient artiste, fusionnant les rythmes afro-cubains avec l'esthétique moderne du club jazz ; Brezza di mare, de Fabrizio Bosso, représente la phase contemporaine du genre, avec des arrangements complexes et une virtuosité à la trompette sur des rythmes puissants ; Havana Blue (2017) et (Cuban Firres (2018), d'Adriano Clemente, sont des projets enregistrés à Cuba qui soulignent la recherche d'authenticité rythmique par les musiciens italiens modernes.
En Italie, le latin jazz se distingue par son caractère à la fois issu de l'appropriation et la sophistication. Né dans les studios de cinéma et revitalisé par la culture club et l'acid jazz, il est aujourd'hui cultivé par des musiciens qui abordent la fusion avec une rigueur technique et un grand respect des motifs rythmiques, tout en conservant un lien vibrant avec ses racines latines.

Pino Presti, pseudonyme de Giuseppe Prestipino Giarritta, né à Milan, en Italie, le 23 août 1943, est un chef d'orchestre, arrangeur, bassiste, compositeur, producteur de musique. Également artiste martial, il a obtenu le 5ᵉ dan de karaté Shotokan en 1987.

Il a été l'un des premiers musiciens italiens, à l'âge de 17 ans, à s'intéresser à la basse électrique, devenant en peu de temps l'un des interprètes les plus représentatifs et des plus demandés. Sa manière novatrice de jouer, l'élaboration harmonique qui lui venait de l'étude du piano, la capacité d'aborder - sans frontières stylistiques - la pop, le jazz, le funk et la musique latine, lui ont permis de collaborer avec des artistes de la musique italienne et internationale : Mina, Gerry Mulligan, Astor Piazzolla, Quincy Jones, Shirley Bassey, Wilson Pickett, Maynard Ferguson, Stéphane Grappelli, Shirley Bunnie Foy, Aldemaro Romero, Tullio De Piscopo, etc.
Tout aussi significative, sa carrière en tant qu'arrangeur et chef d'orchestre, commencé en 1971 aux côtés de Mina, pour laquelle il a contribué à la réalisation de chapitres importants de sa discographie. Il est internationalement reconnu comme l'un des grands noms de la musique italienne [1].
1 Sunny, Pino Presti, album 1^st Round, 1976.

Adriano Clemente, (né à Lecce en 1958 et élevé à Naples) est un compositeur, auteur-compositeur-interprète et multi-instrumentiste, connu pour sa carrière éclectique mêlant jazz, musique minimaliste et traditions musicales du monde. Autodidacte dans son enfance à la guitare et au piano, sa curiosité l'a conduit à étudier diverses cultures musicales tout au long de sa vie.
En 1974, il commence à mettre en musique des poèmes de William Blake, donne son premier concert à Naples en 1978 et forme un groupe à Rome en 1979. Au début des années 1980, il passe plusieurs mois en Inde et au Népal à étudier la musique hindoustani (styles vocaux sarod et khyal). Plus tard, en 1991, il retourne en Inde pour étudier le style vocal dhrupad.
Sa carrière discographique débute en 1996 avec la sortie de Akashmani : Across the Sky, un album minimaliste influencé par Terry Riley et Steve Reich. À la fin des années 1990, il fonde le Trio Vajra, explorant le sarod et le santur.
Le XXIᵉ siècle marque son immersion dans le jazz : il commence à étudier le piano jazz en 2000 et le saxophone soprano en 2010. En 2011, il fonde l'Akashmani Jazz Ensemble pour interpréter ses compositions originales et se produire dans divers lieux de la région de l'Amiata, en Toscane.
Clemente développe ensuite une fascination pour le jazz latino, étudiant les rythmes vénézuéliens et cubains. Cette passion se matérialise par une trilogie d'albums : Havana Blue (2017), Cuban Fires (2018), tous deux enregistrés avec des musiciens cubains de renom comme Alejandro Falcón, et (The Coltrane Suite and Other Impressions (2023).
En 2015, il a enregistré sa Suite Mingus avec un groupe italien de renom, et pour sa Suite Coltrane (2023), il a collaboré avec des légendes internationales du jazz comme le saxophoniste David Murray et le batteur Hamid Drake. Clemente réside dans la région d'Amiata, en Toscane, et travaille également comme traducteur de textes tibétains.
2 Havana Blue, Adriano Clemente, album Havana Blue, 2017.

Paolo Fresu (né à Berchidda, le 10 février 1961) est un trompettiste, compositeur, flugelhorniste et écrivain. Commence ses études musicales à l'âge de onze ans avec l'orchestre Bernardo De Muro à Berchidda, où il reçoit sa première formation théorique et technique, préparatoire à ses études au conservatoire. Après s'être installé à Sassari, il fréquente le Conservatoire Luigi Canepa et découvre ce qui deviendra sa passion principale : le jazz. En 1982, il débute sa carrière professionnelle en enregistrant pour la RAI sous la direction de Bruno Tommaso et en participant aux séminaires Siena Jazz. Il termine ensuite ses études au Conservatoire Giovanni da Palestrina de Cagliari, où il obtient son diplôme de trompette en 1984 auprès du Maestro Enzo Morandini. Il poursuit sa carrière musicale en se consacrant à des projets mixtes de jazz, de musiques ethniques, de musiques du monde, contemporaine, pop, ancienne. Au fil des ans, il a collaboré avec, entre autres, Alice, Farafina, Trilok Gurtu, Michael Nyman, Negramaro, Evan Parker, Gunther Schuller, Stadio, Ornella Vanoni et Peter Gabriel.
Depuis 1988, dans sa ville natale de Berchidda, il organise et dirige Time in Jazz, un festival annuel de jazz qui a acquis une renommée internationale au fil du temps. Paolo Fresu a également été directeur artistique des (Nuoro Jazz Seminars de 1989 à 2013 et du Festival de jazz de Bergame de 2009 à 2011. En 2010, il a fondé le label Tŭk Music. Il a été l'invité de grands ensembles tels que le Grande Orchestra Italiana, l'Orchestre National de Jazz de France (ONJ), l'Orchestre de la Radio Allemande de Hambourg (NDR), l'Orchestre Instabile Italien, l'Orchestre de l'Auditorium Parco della Musica (PJMO), l'Orchestre Symphonique de la Rai, l'Orchestre des Arènes de Vérone et I Virtuosi Italiani.
Dans cette version de El dia que me quieras nous avons : voix Tosca ; trompette Paolo Fresu ; bugle, effets, bandonéon, Daniele Di Bonaventura.
3 El dia que me quieras, Paolo Fresu, album Tango Macondo, 2021.

Massimo Faraò (né le 16 mars 1965 à Gênes) pianiste de jazz. A étudié avec Flavio Crivelli et travaillé avec des formations locales. En 1983, il se rend pour la première fois aux États-Unis, où il joue avec Red Holloway et Albert 'Tootie' Heath.
Dans les années 1990, il travaille entre autres avec Tony Scott, Adrian Mears, Johannes Enders, Jesse Davis et Franco Ambrosetti, dont il a contribué aux albums Enja Grazie Italia et Light Breeze.
Il a également joué dans le Nat Adderley Quintet lors d'une tournée européenne. En 1993, il enregistre son premier album For Me pour Splasc(h) ; ses coéquipiers inclus le trompettiste Flavio Boltro et le bassiste Dado Moroni. L'album Ciao Baby (sur Monad) a suivi en 1995.
En 2001, il est membre du quartet d'Archie Shepp (avec Wayne Dockery et Bobby Durham) ; de 2001 à 2005, Faraò a été directeur artistique du département jazz du label Azzurra Music. En 2003, il se produit au Jazz Piano Festival de Lucerne. En 2006, il enregistre un album de compositions d'Ennio Morricone. En 2007, il part en tournée en Europe et aux États-Unis en trio avec Joey DeFrancesco.
4 South Seas, Massimo Farao, album Blue Bossa, 2017.

Latin Jazz Experience est un trio de latin jazz né de la vision musicale évolutive du pianiste et compositeur colombien Hamlet Fiorilli. Après une période de changement personnel, Fiorilli a ressenti le besoin de réorienter sa musique, ce qui a abouti à la création de ce projet en Europe.
Né à Bogotá, Hamlet Fiorilli s'est installé en Italie où il a étudié la composition, la direction de chœur et le cor français au conservatoire, ainsi que l'arrangement jazz. Bien qu'il n'ait suivi des cours de piano que pendant un an, il a poursuivi son développement musical par autodidacte et par instinct. Avant de former le trio, il a beaucoup travaillé sur les scènes pop-rock et salsa en Italie et réside désormais en Autriche, où il est un musicien indépendant actif sur la scène latin jazz.
Le trio initial s'est consolidé avec le batteur brésilien Luis André Carneiro de Oliveira et le bassiste autrichien Max Ranzinger. Plus tard, le bassiste autrichien Wolfram Derschmidt a rejoint la formation, donnant naissance au trio actuel. Wolfram Derschmidt, originaire de Wels, en Autriche, est un bassiste très recherché, formé à l'Université de Graz. Musicien de jazz reconnu, il compte d'importantes collaborations internationales, ayant joué avec des personnalités telles qu'Art Farmer, Toots Thielemans, David Murray et Gregory Porter.
Le percussionniste Luis André Carneiro de Oliveira, né à Rio Claro, au Brésil, a étudié à la célèbre université UNICAMP avant de s'installer en Autriche pour obtenir son master de jazz au KUG (Graz). Il est l'un des batteurs les plus prisés de la scène autrichienne, se produisant dans des festivals à travers l'Europe.
Le trio a sorti son dernier album, Susurros (Murmures) en 2022, leur troisième album studio et leur premier en trio. La musique, entièrement composée par Fiorilli, est intime, réfléchie et énergique, fusionnant les rythmes folkloriques et traditionnels d'Amérique du Sud (principalement la Colombie, Cuba et le Brésil) avec une perspective personnelle de mélodies inspirées, marquant une nouvelle direction pour le groupe. [2]
5 Siguiendo pa'lante, Latin Jazz Experience, Hamlet Fiorilli, album Pa'lante, 2021.

Maurizio Brunod, c'est un guitariste et compositeur bien connu d'Italie. Musicien polyvalent et éclectique, il collabore avec de nombreux solistes et ensembles d'horizons divers. Ses projets s'étendent du jazz à la musique latine, de l'électronique à l'avant-garde, et il accorde une attention particulière à un projet de guitare solo de longue date. Ses influences incluent la musique classique et le jazz, ainsi que le rock ethnique et progressif. Sa discographie compte 33 albums, dont 6 pour guitare. Il a été élu meilleur guitariste italien lors de nombreux sondages, tels que les Jazz It Awards et Musica Jazz. Il a également participé à de nombreuses collaborations saluées par la critique avec des musiciens de jazz et des artistes du monde latin, tels qu'Enrico Rava et Miroslav Vitous. Il a traduit des séminaires de Scott Henderson et Ferenc Stnetberger. De nombreuses émissions de radio et de télévision l'ont présenté ou ont diffusé sa musique, notamment Fahrenheit, Rai 3, Otto e mezzo La 7, Battiti, Radio Montecarlo et Rai Stereonotte. Il a également accordé des interviews à des magazines musicaux internationaux et italiens. Il a participé à de nombreux festivals importants en Europe, en Russie et en Amérique : Artisan Guitar Show, Universi Jazz Valladolid, Jvc en Russie, Beograd jazz Festival en Serbie, (Smeltedighelen, Alliance Française, Chur Festival en Suisse, Palais des congrès de Lomé, Novara Jazz, Palais des congrès de Lomé au Togo. Et en Italie : Madame Guitar, Musica sulle bocche, Galliate Guitar Master, EuroJazz Festival Ivrea, Padova jazz Festival, Atelier della Musica, Latino Americando, Un Paese a 6 corde, Casa del jazz, Udine Jazz, Sud Tirol jazz Fest, Clusone jazz festival, Extra festival, Jazz Groove, Acoustic Francia Corta, La fabbrica del jazz, CHAMOISic 2017, Torino Jazz Festival, Iseo Jazz Festival, Sile Jazz, Fano Jazz Festival, GLB Sound Jazz Festival, Teate Winter Festival, Novara Jazz. Il a publié une méthode de guitare incluant fingerpicking.net (éd. Curci) et collabore au magazine Chitarra Acustica. [3]
6 Giocolieri, Maurizio Brunod Quintet, album Gingembre Band, 2015.

Fabio Gianni, né à Milan en 1970. Diplômé en sciences naturelles. Diplômé en piano jazz au CPM après un cours avec le célèbre pianiste Franco d'Andrea. Études classiques dans sa jeunesse. Collaborations avec : Dirotta su Cuba, Raf, PFM, Ivan Cattaneo, Demo Morselli. Spécialisé dans la musique latine au niveau de la salsa en général, avec des tournois conséquents avec des artistes sud-américains de renom tels que Ray Sepúlveda, Ruben Blades, El Cano Estremera, Ray Ruiz, et bien d'autres.
Sa vaste discographie dans le genre comprend Swing O – Morselli Big Band ; Trio Acústico de Iguazu – Alex Acuña Rubio ; All the Best of Fabio Gianni and the Latin Sound Machine ; Bandolera – Adrian Cisneros & Fabio Gianni ; Grupo Ja Funk Ezio Zingrini ; Guaguamambo – el Timba et Fabio Gianni ; Cuba – Fabio Gianni ; Trio Acústico Iguazu – Funclave. Directeur musical de la comédie musicale à succès I Re Del Mambo. Compositeur de la bande originale du film Absolute Moment avec Dario Fo, Franca Rame et Paolo Rossi. Collaborations et concerts avec de nombreux musiciens de la scène jazz italienne. Cofondateur du Trio Acoustique Iguazu et producteur du CD Rubio avec Alex Acuña (Weather Report). Créateur du projet salsa-soul Latin Sound Machine, dont les chansons sont appréciées dans le monde entier. Compositeur de nombreuses pièces musicales pour des publicités télévisées (dont Dolce & Gabbana). [4]
Dans cette pièce, nous avons le pianiste et arrangeur Fabio Gianni en duo avec le DJ, producteur et musicien Andrea Piombin, plus connu sous le nom d'El Timba.
7 A gozar, El Timba y Fabio Gianni, album Guaguamambo, 2014.

Fabio Furia (Milan, 1971) compositeur, arrangeur et musicien, reconnu pour avoir été le premier professeur de bandonéon dans un conservatoire national de musique en Italie, poste qu'il occupe au Conservatoire G.P. da Palestrina de Cagliari.
Il a commencé ses études musicales en autodidacte à l'âge de sept ans à l'accordéon, puis s'est formé à l'instrument, au solfège et à l'harmonie auprès du professeur Corrado Rojac. À seize ans, il entre au Conservatoire de Cagliari pour étudier la clarinette, où il obtient son diplôme et se perfectionne auprès de personnalités de renommée internationale comme Antony Pay et Alessandro Carbonare.
Parallèlement, Furia se consacre à l'étude du bandonéon auprès de maîtres tels que Juan José Mosalini et Daniel Binelli, et obtient son diplôme du Conservatoire de Gennevilliers à Paris sous la direction de Mosalini.
Sa carrière de concertiste l'a conduit à se produire en soliste dans des salles prestigieuses à travers le monde, notamment la Salle Dvorak de Prague et le Théâtre Bozar de Bruxelles. Il a collaboré avec des musiciens tels qu'Antony Pay, Anna Tifu et Jean Ferrandis.
Dès l'année universitaire 2013/2014, Furia a promu la création du premier et unique cours expérimental de bandonéon et de pratique du tango en Italie, au Conservatoire de Cagliari. Grâce à son initiative, le conservatoire a obtenu en 2018 l'agrément pour le premier diplôme universitaire de musique traditionnelle avec spécialisation en bandonéon, qu'il dirige depuis 2018-2019.
Par ailleurs, Furia a fondé l'Accademia Italiana del Bandoneon en 2017, où il organise des master classes et des concerts. Il collabore au développement de l'enseignement du bandonéon avec les conservatoires d'Avignon (France) et CODARTS de Rotterdam (Pays-Bas) dans le cadre du projet Le giornate europee del bandoneon. En tant qu'interprète, il est soliste au sein du Novafonic Quartet et fait partie de duos remarquables, comme celui avec le guitariste Alessandro Deiana, avec qui il a enregistré l'album A los maestros (2021). Il a également été bandonéoniste soliste et fondateur du Anna Tifu Tango Quartet. Il est directeur artistique de plusieurs associations et a créé des festivals tels que ARTango & Jazz Festival.
8 Milonga del Angel, Fabio Furia, album Fabio Furia in concerto, 2013.

Gerardo Frisina est une figure incontournable de la scène jazz italienne, connu comme mélomane, collectionneur de disques, DJ et producteur. Aux côtés des fondateurs du label Ishtar (Luciano Cantone et Davide Rosa), Frisina a contribué à l'évolution artistique du label.
Il a d'abord contribué à Ishtar en tant que producteur. Son projet inaugural, Neos, en 1997, visait à réinterpréter des œuvres d'artistes aux influences latines, brésiliennes et jazz, en révélant leurs aspects méconnus. La même année, il a également lancé les séries cultes Up et Metti Una Bossa A Cena. Ce dernier rendait hommage à la bossa nova de grands compositeurs de films italiens, tels qu'Ennio Morricone et Piero Piccioni.
En 1998, Frisina a coordonné la réédition des albums du groupe The Cabildo's Three, explorant ainsi l'univers de la library music et des bandes originales jusqu'alors difficiles à trouver. Sa contribution la plus significative en tant que producteur fut la diffusion du son international du Clarke-Boland Big Band. Cette dynamique le conduisit à fonder le label Rearward, dédié à la réédition de chefs-d'œuvre du jazz ancien et contemporain.
Parallèlement à sa collaboration avec Ishtar/Schema, Frisina poursuivit son activité de DJ. En 2001, il se lança dans la musique solo avec son premier album, Ad Lib. Cet album fusionnait le jazz latino et la musique légère avec des influences bossa nova, avec la participation de musiciens de renom comme Andrea Dulbecco et Barbara Casini. L'album transcenda les frontières et des singles comme Descarga captèrent l'attention de DJs légendaires comme Danny Krivit et Jeff Mills, faisant de Frisina une référence internationale. [5]
9 Calle de candela, Gerardo Frisina, album Calle de Candela, 2011.

Avec Calle de Candela (rue du feu) de Gerardo Frisina, nous concluons ce premier épisode consacré au jazz latino en Italie. Nous espérons qu'il vous a plu et vous invitons très cordialement à écouter le prochain épisode.

[1] Sauf mention contraire, les informations biographiques présentées ici sont un résumé des biographies disponibles sur https://en.wikipedia.org/wiki/Main_Page

[2] https://latinjazzexperience.com/meet-the-band/

[3] www.brunod.com

[4] https://lasalsaesmivida.com/fabio-gianni-otra-vez/

[5] https://www.allaboutjazz.com/musicians/gerardo-frisina/#bio-top

C'est du jazz latino, épisode 45 (Italy)

1 Sunny, Pino Presti, album 1^st Round, 1976.
2 Havana blue, Adriano Clemente, album Havana Blue, 2017.
3 El dia que me quieras, Paolo Fresu, album Tango Macondo, 2021.
4 South Seas, Massimo Farao, album Blue Bossa, 2017.
5 Siguiendo pa'lante, Latin Jazz Experience, Hamlet Fiorilli, album Pa'lante, 2021.
6 Giocolieri, Maurizio Brunod Quintet, album Gingembre Band, 2015.
7 A gozar, El Timba y Fabio Gianni, album Guaguamambo, 2014.
8 Milonga del Angel, Fabio Furia, album Fabio Furia in concerto, 2013.
9 Calle de candela, Gerardo Frisina, album Calle de Candela, 2011.

C'est du jazz latino 44

Pedro Alzuru — 2026-02-02T09:50:07Z

Le rôle du piano dans le jazz latino est fascinant car cet instrument fait office de pont unique, répondant aux exigences rythmiques de la musique latine tout en explorant les profondeurs harmoniques du jazz.
Dans la composition de jazz latino, le piano repose immédiatement sur la structure rythmique définie par les percussionnistes — la clave, la basse et les congas). La clave — le motif rythmique qui donne son nom au genre — est l'axe, et le piano remplit les espaces autour de ce point d'ancrage.

Le piano [1], dans le jazz latino, n'est pas seulement un instrument d'harmonie, mais aussi un élément fondamental de la section rythmique. Son rôle est celui d'une dualité constante : il doit être suffisamment percussif pour ancrer le rythme, et simultanément, suffisamment libre et harmoniquement riche pour permettre l'improvisation. La beauté du genre réside dans la manière dont le pianiste gère cette tension.

La contribution latino-américaine à la composition pour piano se caractérise par la création de structures répétitives et fortement syncopées : le montuno cubain en est peut-être l'exemple le plus emblématique. Il s'agit d'une courte phrase mélodique et rythmique répétitive (un ostinato) jouée principalement par la main droite, souvent dans le registre aigu. Sa fonction n'est pas celle d'un vamp de jazz, mais plutôt celle d'une percussion harmonique. Le montuno génère l'énergie et l'atmosphère hypnotique nécessaires à des genres comme le mambo ou le son. Son motif est conçu pour interagir rythmiquement avec la ligne de basse (tumbao).

Le pianiste latino-américain est invité à ne pas jouer « sur » le temps, comme dans le jazz traditionnel. Il doit plutôt jouer dans les espaces ou en marge de la clave. Ceci crée un jeu de tension rythmique essentiel à la fluidité et à la spontanéité de la musique.

Dans le jazz brésilien, la composition requiert du piano des motifs rythmiques plus doux et moins percussifs que le montuno afro-cubain. Le pianiste utilise souvent des harmonies plus complexes pour créer le rythme (choro ou bossa nova), tout en conservant une assise rythmique solide à la main gauche, en interaction avec la batterie et la basse.

Le jazz offre un écrin de sophistication harmonique et formelle sur lequel se déploie le rythme latin : une harmonie enrichie et altérée. Le jazz dote le piano d'une palette harmonique étendue. Le pianiste utilise des accords avec des extensions (neuvièmes, onzièmes, treizièmes) et des altérations (quintes augmentées ou diminuées) peu fréquentes dans la musique latine traditionnelle. Ces harmonies servent à colorer les montunos et à créer une tension avant la résolution d'une phrase. Les compositions de latin jazz adoptent souvent la structure du morceau de jazz (par exemple, la forme AABA à 32 mesures) pour le thème mélodique et son développement, suivis d'un long passage d'improvisation libre sur le montuno ou le groove rythmique.

Jouer du piano dans le latin jazz est un exercice de schizophrénie musicale maîtrisée, où le pianiste doit passer instantanément d'un rôle à l'autre. Dans la section rythmique, la main gauche du pianiste abandonne sa fonction traditionnelle de gratter la basse ou de jouer de larges accords pour endosser le rôle du tumbao de la ligne de basse (parfois en le doublant ou en le complétant), en privilégiant la syncope rythmique au swing mélodique. Les notes ne sont pas tenues ; elles sont attaquées. Le son doit être précis, articulé et rythmique, imitant l'impact d'une batterie ou d'une cloche, ce qui renforce le groove. Le pianiste est constamment à l'écoute du percussionniste pour moduler son montuno. L'objectif est que le piano et le percussionniste sonnent comme une seule entité rythmique.

Lors du solo, le pianiste se transforme en improvisateur de jazz, tout en conservant un ancrage rythmique sous-jacent : le solo est construit à partir des gammes, arpèges et phrases complexes typiques du bebop ou du hard bop (qu'il emprunte au jazz). Le soliste fait preuve de virtuosité, mais souvent avec une articulation rythmique plus marquée et un swing moins prononcé que dans le jazz pur. Le soliste de latin jazz a tendance à intégrer les cellules du montuno ou du mambo à son improvisation, alternant flux mélodique et motifs rythmiques insistants. C'est un dialogue constant entre mélodie et rythme. Même lorsqu'il se contente d'accompagner, le pianiste de jazz latino utilise des harmonies modernes et denses, insufflant la complexité harmonique du jazz à la trame rythmique du groove latino. En conclusion, le pianiste de jazz latino est un jongleur qui doit tenir la clave d'une main tout en lançant des harmonies jazz de l'autre. Son art réside dans une conscience rythmique absolue et dans sa capacité à faire le lien qui empêche le rythme latino et l'harmonie jazz de se séparer.

Norosbaldo Morales[[Les informations biographiques présentées ici sont un résumé des biographies disponibles sur https://en.wikipedia.org/wiki/Main_Page] (4 janvier 1912 – 15 janvier 1964), pianiste et chef d'orchestre, né dans le quartier de Puerta de Tierra à San Juan, à Porto Rico, Morales apprit à jouer de plusieurs instruments dès son enfance. Il joua au Venezuela de 1924 à 1930, avec un conjunto familial dirigé par son père, puis retourna à Porto Rico pour jouer avec Rafaél Muñoz. Il émigra à New York en 1935 et y joua avec Alberto Socarras et Augusto Cohen. En 1939, il fonda avec ses frères Humberto et Eys l'orchestre des frères Morales. Il sortit le morceau Serenata Rίtmica chez Decca Records en 1942, ce qui le propulsa au sommet du monde du mambo et de la rumba ; son groupe rivalisa en popularité avec celui de Machito à New York dans les années 1940. C'est à cette époque que son orchestre jouait pour la discothèque Havana Madrid. Son somptueux album Mambo with Noro, de 1952 est une référence dans la musique latine. Ce classique de la mambo s'inscrit dans la tendance des années 1950 et témoigne de l'influence de Porto Rico sur ce nouveau style.
En 1960, Morales retourne à Porto Rico et joue localement. Il travaille également avec Tito Rodríguez, José Luis Moneró, Chano Pozo, Willie Rosario et Tito Puente.
L'apogée de sa renommée et de sa production discographique est la production de disques de rumba avec son sextuor, après avoir abandonné le big band. Son utilisation du piano, à la fois comme mélodie et comme rythme, est très novatrice à l'époque. « Linda Mujer », « Campanitas de Cristal », « Perfume de Gardenias », « Me Pica La Lengua » et « Silencio », toutes composées par d'autres, comptent parmi ses grands succès.
Il est décédé le 15 décembre 1964 à l'hôpital San Jorge, à San Juan, à l'âge de 53 ans, et a été enterré au Mémorial de Porto Rico (également connu sous le nom de Cementerio Fournier) en Caroline, Porto Rico.
1 Serenata Ritmica, Noro Morales & His Quintet, 1942.

Bebo Valdés, est un pianiste de jazz et compositeur né à Quivicán dans la province de Mayabeque, Cuba, le 9 octobre 1918 et mort à Stockholm le 22 mars 2013. Son œuvre est associée au jazz latino et au jazz afro-cubain, dont il fut l'un des créateurs. Son fils Chucho Valdés est également un pianiste de jazz de renommée internationale.
Petit-fils d'esclave, n'oubliant pas ses racines africaines (et espagnoles par sa mère). « Mon grand-père, esclave, s'était enfui avec un ami en emportant seulement une machette pour se défendre des chiens lancés aux trousses des "nègres marrons". Je sais tout cela par ma grand-mère, morte à 109 ans », confie-t-il à un journaliste en 2005.
Bebo connaît un certain succès dans les années 1940 et les années 1950 en tant que pionnier du jazz afro-cubain. « Je suis de la génération du mambo », explique-t-il, « une musique qu'a créée mon ami le contrebassiste Cachao en 1937, en désarticulant la dernière partie du danzón. Pendant dix ans, cette musique n'a été dansée que par les Noirs. Et puis le chorégraphe cubain Rodney a créé une danse pour Las Mulatas de Fuego, un groupe de six danseuses. Quand elles sont parties au Mexique, la mambo a connu son apothéose. » Il est alors directeur d'un cabaret chic de La Havane, le Tropicana, avant que la révolution castriste n'éclate. C'est un compositeur et chef d'orchestre reconnu. Il accompagne notamment le grand chanteur cubain Benny Moré. Il grave le premier album de jazz cubain en 1952, Con Poco Coco. Il est également le premier à introduire le batá dans ses orchestres. Et il multiplie les rencontres, Sarah Vaughan, Nat King Cole, Woody Herman, Milt Jackson, Dizzy Gillespie, Charlie Parker, Chano Pozo, etc.
Parti vivre au Mexique puis en Suède après la révolution, il se marie dans ce pays nordique au début des années 1970. Pendant quarante ans, il gagne sa vie dans l'anonymat, avec des cours de danse le jour et en œuvrant au piano-bar d'un hôtel chic le soir. Il réapparaît sur la scène internationale à 76 ans, lorsqu'il enregistre en Allemagne avec le saxophoniste Paquito d'Rivera.
Après un long séjour à Stockholm, il vient vivre en Andalousie. Il participe au film de Fernando Trueba, Calle 54 où on le voit notamment jouer en duo avec son fils Chucho. Il enregistre ensuite El arte del sabor (2001) avec Cachao et Patato Valdés, album qui reçoit un Grammy. En 2002, il accompagne le chanteur flamenco Diego el Cigala pour le disque Lágrimas negras, succès international également récompensé par un Grammy. En 2010, il compose la bande originale du film de Fernando Trueba et Javier Mariscal, Chico et Rita. Un autre fils de Bebo Valdés, Rickard, joue dans le groupe de timba suédois, Calle Real.
En février 2013, devant l'aggravation de son état de santé, ses enfants le rapatrient en Suède. Il y meurt quelques mois après Rose-Marie, son épouse.
2 Con poco coco, Bebo Valdés, album Con poco coco, 1952.

Rubén González Fontanills, né à Santa Clara le 26 mai 1919 et mort à La Havane le 8 décembre 2003, est un pianiste cubain, diplômé du conservatoire de Cienfuegos (1934). Entre les années 1940 et sa retraite dans les années 1980, il joue avec les artistes les plus célèbres de Cuba, dont Paulina Álvarez, Arsenio Rodríguez, Orquesta América del 55, Orquesta Riverside et Enrique Jorrín.
À l'âge de six ans, il a déménagé avec sa famille à Encrucijada. Dès son plus jeune âge, il avait un penchant pour l'étude du piano. Il a étudié à Cienfuegos avec le professeur de piano Amparo Rizo. De retour à Santa Clara, il obtient son diplôme d'enseignant primaire, puis il étudie quatre ans de médecine à l'Université de La Havane mais est vite attiré par la musique. Il enregistre avec Arsenio Rodriguez, puis rejoint l'Orquestra de los Hermanos, un groupe au sein duquel figure le percussionniste cubain Mongo Santamaría.
Dans les années 1940 et 1950, il fait partie d'un trio de pianistes virtuoses (avec Luis 'Lili' Martínez et Peruchín) qui aide à créer la base de la mambo en mariant des rythmes africains avec la liberté d'improvisation du jazz. Après une période prolongée au Panama et en Argentine, pendant laquelle il joue avec des musiciens de tango, il revient à La Havane et joue avec de nombreux groupes de cabaret. Entre 1957 et 1961, il a travaillé au Venezuela. Il a voyagé à travers les pays d'Amérique latine. Il a enregistré un LP avec des instrumentaux de piano. Au début des années 1960, Rubén González rejoint l'orchestre d'Enrique Jorrín, l'inventeur du cha-cha-cha, et y reste jusqu'à la mort de Jorrín. Il reprend ensuite la direction de l'orchestre mais, officiellement pour cause d'arthrite, il doit prendre sa retraite.
Après avoir effectivement déjà mis un terme à sa carrière dans les années 1980, il fait un retour en force en 1997 avec l'album Buena Vista Social Club produit par Ry Cooder et le documentaire de 1999 de Wim Wenders du même nom, qu'il réalise également en Europe et aux États-Unis. Avec Ry Cooder, Compay Segundo, Ibrahim Ferrer, Eliades Ochoa et Omara Portuondo. Il sort ensuite (Introducing, Ruben González, puis Indestructible, (Egrem, 1998), Estrellas De Areito, (Eden, 1999), et Chanchullo (2000).
Il donne ses derniers concerts au Mexique et à Cuba en 2002. Il meurt le 8 décembre 2003 dans sa maison de La Havane, à 84 ans.
3 Cumbanchero, Ruben Gonzalez, album Chanchullo, 2008.

Clare Fischer (22 octobre 1928 – 26 janvier 2012) était un claviériste, compositeur, arrangeur et chef d'orchestre américain. Diplômé de l'Université d'État du Michigan (dont il recevrait un doctorat honorifique cinq décennies plus tard), il devint pianiste et arrangeur du groupe vocal Hi-Lo's à la fin des années 1950. Fischer travailla ensuite avec Donald Byrd et Dizzy Gillespie, et se fit connaître pour ses enregistrements de musique latine et de bossa nova dans les années 1960. Il composa le standard de jazz latin « Morning » et le standard de jazz « Pensativa ». Régulièrement cité par le pianiste et compositeur de jazz Herbie Hancock comme une influence majeure (« Je ne serais pas moi sans Clare Fischer »), il a été nommé pour onze Grammy Awards au cours de sa vie, remportant un Grammy pour son album phare, 2+2 (1981), le premier des disques de Fischer à intégrer l'écriture vocale d'ensemble développée pendant ses années Hi-Lo's à sa déjà importante discographie de jazz latin ; c'était également le premier opus enregistré d'une collaboration de trois décennies entre Fischer et son fils Brent. Fischer a également remporté un Grammy à titre posthume pour ¡Ritmo ! (2012) et pour Music for Strings, Percussion and the Rest (2013. À partir du début des années 1970, Fischer s'est lancé dans une carrière parallèle (et beaucoup plus lucrative), devenant finalement un arrangeur très recherché, fournissant des « édulcorants » orchestraux pour des artistes pop et R&B tels que Rufus (avec Chaka Khan), Prince (un client régulier à partir de 1984, et de loin le plus fréquent de Fischer dans la musique pop), Robert Palmer, Paul McCartney, Michael Jackson et bien d'autres.
4 Pensativa, Clare Fischer, album So Danço Samba, 1964.

Gerry Weil (Vienne, 11 août 1939 - Caracas, 16 novembre 2024), est un musicien, avec une carrière importante en tant que pianiste, compositeur, interprète et éducateur. Son œuvre musicale est considérée comme l'une des plus vaillantes au sein du génie jazzistique du Venezuela, il sera catalogué comme « Le maestro du jazz vénézuélien ».
Son premier contact avec la musique (en particulier avec le jazz) a débuté au 6 ou 7 ans, après la victoire des Alliés en Europe, au cours des derniers jours de la Seconde Guerre Mondiale. Le jazz ramené par les troupes nord-américaines a été quelque chose qui a capturé son attention, il a été fasciné par la musique de Glenn Miller et le Swing.
L'éducation musicale du maestro a débuté après son immigration au Venezuela en 1957. À l'âge de 17 ans, il a commencé à recevoir des cours de musique avec Tito Fuentes, Eduardo Cabrera et Rubén Jacpo. Une grande partie de sa formation musicale pour ces moments est autodidacte. Il a ensuite suivi des cours par correspondance avec la prestigieuse université Berklee College of Music. En 1970, il fonde la Bande de Gerry Weil, avec qui édite l'album The Message. En 1972, forme (La Banda Municipal, laquelle mixe musique traditionnelle vénézuélienne avec des rythmes contemporains.
Entre 1974 et 1981, il déménage avec sa famille dans une finca à Mérida. À la fin de cette période, il s'est rendu à Caracas pour finir sa carrière musicale, travaillant également comme professeur de musique. En 1982, accompagné de son groupe, il participe au festival de Jazz de Berlin. Depuis 1983, il se consacre à l'élaboration de sa musique avec des instruments électroniques numériques, en utilisant la technologie MIDI. Il a également été chargé de produire des disques pour María Rivas, Desorden Público et Tulio Chuecos, etc. Il a donné des cours a musiciens tels que Ilan Chester, Otmaro Ruiz, Lorenzo Barriendos, Huáscar Barradas, Pedro Eustache, Prisca Dávila, Luis Perdomo, Silvano Monasterios, Joseph Costi, entre autres.
En 2008, lui a été attribué le Premio Nacional de Música et en 2009 l'Ordre du Mérite de la République d'Autriche. En 2020, il a publié son album Sabana Grande coproduit par Alfredo Guerrero, avec lequel il a remporté le prix Pepsi pour sa chanson « Ananda ». Weil considérait le Venezuela comme sa seconde patrie, et il est là une icône de l'identité nationale contemporaine. Il mort dans la nuit du 16 novembre 2024.
5 Trompo, Metra y Papagayo, Gerry Weil, Pablo Gil, Nene Quintero, album Empatía 2024.

Monty Alexander, né le 6 juin 1944 à Kingston, Jamaïque, est un pianiste de jazz. Son style est marqué par l'influence des rythmes caribéens, ou peut s'inspirer d'Art Tatum, Oscar Peterson, Wynton Kelly, ou Ahmad Jamal. Né de parents mélomanes mais non musiciens, il découvre seul le piano à quatre ans, reçoit ses premières leçons de piano classique à six ans, mais n'en supporte pas la sévérité (coups de règles sur les doigts), se forme donc seul dès l'enfance et opte pour le jazz à quatorze ans.
Deux ans plus tard, il dirige l'orchestre de danse Monty and The Cyclones, avec lequel il se produit dans des clubs de Kingston. Il reçoit les conseils de Wynton Kelly. Il part s'installer avec ses parents à Miami en 1961 puis à New York en 1962 où il se produit au Jilly Rizzo's Jazz Club. Il y accompagne Frank Sinatra, et se lie d'amitié avec le bassiste Ray Brown et le vibraphoniste Milt Jackson. Il enregistre son premier disque Alexander The Great en 1964 en Californie, pour le label Pacific Jazz Records.
II enregistre avec Milt Jackson en 1969, puis, en 1974 avec Ernest Ranglin, puis en Europe la même année, avec Ed Thigpen entre autres. Ses tournées et ses enregistrements européens deviennent habituels ; son choix orchestral aussi : le classique trio, avec quelques échappées récentes vers des combos plus importants et quelques duos. Il accompagne également quelques chanteuses (Ernestine Anderson, Mary Stallings) et d'importants leaders (Dizzy Gillespie, Benny Golson, Jimmy Griffin, Frank Morgan, entre autres).
Son jeu robuste est tout imprégné d'influences tropicales, mais laisse transparaître d'autres influences, toutes plutôt expressionnistes : celles de son premier mentor Wynton Kelly, mais aussi d'Art Tatum, de Gene Harris, d'Ahmad Jamal. Son jazz est facile d'accès, d'un swing joyeux, expansif, sans drame. Il tourne également avec Ernest Ranglin et Sly and Robbie, trois musiciens jamaïcains avec lesquels il donne des concerts alliant jazz et reggae.
6 Well You Needn't (Live at the Paris Philarmonie), album Monty Alexander Wareika Hill Rastamonk Vibrations, 2019.

Papo Lucca (né le 10 avril 1946) est un multi-instrumentiste portoricain reconnu pour ses talents de pianiste. Ses principaux genres musicaux sont la salsa et le latin jazz. Il compte, avec le regretté Charlie Palmieri, parmi les meilleurs pianistes de latin jazz et de salsa. Il est le cofondateur, avec son père Don Enrique « Quique » Lucca Caraballo, du groupe portoricain La Sonora Ponceña. Il a également joué et enregistré avec les Fania All-Stars, Hector Lavoe, Willie Colón, Celia Cruz, Johnny Pacheco, Bobby Valentín, Ismael Quintana, Gloria Estefan, Adalberto Santiago, Andy Montañez, Pablo Milanés et Rubén Blades. C'est également un arrangeur musical reconnu. Grâce à son jeu de piano dynamique et à son approche unique de la salsa, Papo Lucca a propulsé son groupe, La Sonora Ponceña, au premier plan de la musique latine. Héritier du groupe de son père, Lucca a continué d'inspirer La Sonora Ponceña par son jeu innovant. Originaire de Ponce, ville de la côte sud de Porto Rico, il a commencé à étudier à l'École libre de musique de la ville à l'âge de six ans. Outre sa formation en solfège, il a étudié le piano, la clarinette, le saxophone. Un mois après son inscription à l'école, il a interprété un morceau classique sur une radio locale. Parallèlement, Lucca a suivi des cours particuliers avec le pianiste Ramón Fernández. Jouant avec La Sonora Ponceña à huit ans, il a fait ses débuts sur disque trois ans plus tard, lorsque le groupe a accompagné les chanteurs de boléro Felipe Rodriguez et Davilita sur leur album Al Compas De Las Sonoras. À l'âge de quatorze ans, Lucca devient membre officiel de l'orchestre.
Malgré son emploi du temps chargé, il trouve le temps de poursuivre ses études. Diplômé de l'Université de Porto Rico, il poursuit ses études au Conservatoire de musique de Porto Rico. Sa première occasion de révéler son talent se présente en 1976, lorsqu'il coproduit l'album de La Sonora Ponceña, Musical Conquest/Conquista Musical, avec Louie Ramirez. Deux ans plus tard, il produit seul l'album du groupe, Explorando. La même année, il remplace le pianiste Larry Harlow au sein des Fania All-Stars. Il continue de jouer avec le groupe jusqu'au milieu des années 1990.
Lucca atteint son apogée professionnelle en 1979. Avec La Sonora Ponceña, il collabore avec l'influente chanteuse latine Celia Cruz sur l'album La Ceiba, et apparaît avec Cruz dans un documentaire télévisé, Salsa. La même année, il participe à l'album Habana Jam, enregistré avec les Fania All-Stars lors d'un concert à Cuba. Lucca enregistre également un album solo au piano, Latin Jazz, en 1993.
En 2014, Lucca et La Sonora Ponceña se produisent au Lehman Center for the Performing Arts de New York pour célébrer leur 60ᵉ anniversaire.
7 Bombeando, Papo Lucca, album (Latin Jazz, 1993.

Tania Maria (née le 9 mai 1948) est une artiste, chanteuse, compositrice, cheffe d'orchestre et pianiste brésilienne, chantant principalement en portugais ou en anglais. Sa musique est principalement vocale, parfois pop, souvent jazzy, et comprend de la samba, de la bossa, de l'afro-latino, de la pop et du jazz fusion.
Née à São Luís, dans l'État du Maranhão, au Brésil, Tania Maria a commencé le piano à l'âge de sept ans et est devenue cheffe d'orchestre à 13 ans, lorsque son groupe de musiciens professionnels, organisé par son père, a remporté le premier prix d'un concours de musique local.
Elle a ensuite joué dans des bals, des clubs et à la radio. Son père, métallurgiste, guitariste et chanteur talentueux, l'avait encouragée à étudier le piano afin qu'elle puisse participer à ses jam sessions du week-end. C'est là qu'elle s'est imprégnée des rythmes et des mélodies de la samba, du jazz, de la pop et du chorinho brésilien. Depuis, elle n'a jamais travaillé dans un autre groupe. Diplômée en droit, elle s'est mariée jeune et a eu des enfants.
Le premier album de Maria, Apresentamos (Nous Présentons), est sorti au Brésil en 1966, suivi d'Olha Quem Chega (Regardez Qui est là !) en 1971, mais c'est son installation à Paris, en France, en 1974, qui l'a propulsée sur la scène internationale. Lors d'un concert en Australie, sa formidable précision musicale et son esprit libre ont attiré l'attention du regretté guitariste américain Charlie Byrd, qui l'a recommandée à Carl Jefferson, fondateur de Concord Records. L'album Come with Me, sorti en 1983, a marqué le début de sa percée internationale, la chanson-titre devenant un classique des dancefloors des années 1980, fréquemment reprise depuis. Un an plus tard, en 1984, son album Love Explosion contenait le titre Deep Cove View, promu par Robbie Vincent lors de ses émissions soul du dimanche soir sur Radio 1. L'album Made in New York, sorti en 1985, a encore accru sa popularité internationale. Maria a joué dans pratiquement tous les grands festivals de jazz du monde et a participé à d'innombrables émissions de télévision et de radio. Elle a enregistré plus de 25 albums et a été nommée aux Grammy Awards en 1985 dans la catégorie « Meilleure performance vocale jazz féminine ». Elle a joué avec des artistes tels que Steve Gadd, Anthony Jackson, Sammy Figueroa et Eddie Gómez.
8 Come with Me, Tania Maria, album Come with Me, 1983.

Hilton Ruiz (New York, 29 mai 1952 – Teaneck, New Jersey, 6 juin 2006) était un pianiste et compositeur de jazz américain. Il débute comme pianiste à l'âge de 8 ans, avec un concerto pour piano de Mozart. Plus tard, jusqu'à l'âge de 14 ans, il se spécialise dans l'orgue d'église, tout en se formant à la musique latine et au jazz, suivant des cours avec Cedar Walton. Dans les années 1960, il joue avec les orchestres d'Ismael Rivera, Ralph Robles et d'autres. Habitué des clubs de jazz et d'un atelier dirigé par Joe Newman, il rencontre Mary Lou Williams, Roy Haynes, Barry Harris, Roland Hanna et d'autres au début des années 1970, formant un duo stable avec Frank Foster et travaillant avec Clark Terry et Jackie McLean. Plus tard, il accompagne également Freddie Hubbard, Joe Henderson, Sonny Stitt, Art Blakey et Marion Brown, entre autres.
Il a enregistré plusieurs albums avec le groupe de Roland Kirk, dont il est devenu le leader après la mort du saxophoniste. Il a effectué des tournées en Europe et au Japon, avec son propre groupe et ceux de Paquito D'Rivera et Pharoah Sanders. Son premier album en tant que leader a été enregistré en 1975 pour le label SteepleChase. Dans les années 1980, il a joué avec son propre trio et un octuor comprenant, entre autres, Lew Soloff, Steve Turre et Ignacio Berroa, avec lesquels il a connu un succès commercial considérable.
Le style de Ruiz synthétise les influences du free jazz et des pianistes latino-américains, ainsi que celles de McCoy Tyner, sa principale influence.
Il a coécrit un manuel de musique, Jazz and How to Play It. Il a participé à la bande originale de Crimes and Misdemeanors de Woody Allen. Le 19 mai 2006, Ruiz a été retrouvé inconscient sur Bourbon Street à La Nouvelle-Orléans, où il s'était rendu pour tourner un clip vidéo destiné à promouvoir un projet récemment enregistré avec M27 Records au profit des victimes de l'ouragan Katrina, intitulé « Goin' Back to New Orleans ». La police a déposé un rapport indiquant qu'il s'était blessé lors d'une chute accidentelle. Hospitalisé dans le coma, Ruiz est décédé sans avoir repris connaissance une semaine après son 54e anniversaire. Ruiz résidait à Teaneck, dans le New Jersey. Il a été enterré au cimetière Saint-Raymond de New York.
9 Sweet Cherry Pie, Hilton Ruiz, album Songbook, 2003.

Oscar Hernandez (Manhattan, New York, 22 mars 1954) est un musicien, arrangeur et producteur portoricain, principalement spécialisé dans la salsa. Sa famille avait émigré de Porto Rico aux États-Unis dans les années 1940, dans le ghetto du sud du Bronx, à forte densité latino-américaine, à New York. Il fréquentait les clubs où jouaient Ray Barretto, Eddie Palmieri et Richie Ray. Après la mort tragique de son frère d'une overdose, il quitta le ghetto. En 1966, il commença à jouer de la trompette. Deux ans plus tard, quelqu'un offrit un piano à son frère, et il apprit à en jouer.
Oscar Hernandez commença à jouer dans quelques groupes locaux. En 1972, il joua avec Ismael Miranda, puis avec Ray Barretto et les jazzmen Charlie Parker et Dizzy Gillespie. Après six ans avec Barretto, il rejoignit le groupe de Rubén Blades. Hernandez a étudié à la City University de New York, où il a obtenu une licence de musique. Il a joué avec Tito Puente, Celia Cruz, Julio Iglesias, Juan Luis Guerra, Willie Colón et Oscar D'Leon. Il a également produit des albums pour Rubén Blades, Willie Colón, Daniel Ponce, Rafael Dejesus, Eddie Torres et Phil Hernández. Hernandez a fondé et dirigé le Spanish Harlem Orchestra après avoir rencontré Erin Levinson, productrice de disques sous contrat avec Warner Bros. Le groupe a reçu un Grammy Award du « Meilleur album de salsa » en 2002, un Billboard Award de l'« Album de salsa de l'année » en 2003 et un (Grammy du « Meilleur album de salsa » en 2005.
10 The Art of Latin Jazz, Oscar Hernandez et Alma Libre, album The Art of Latin Jazz, 2017.

[1] Le piano est un instrument de musique polyphonique, à clavier, de la famille des cordes frappées. Le son est produit lorsque l'on appuie sur des touches noires ou blanches, grâce à l'action d'un marteau tapant la corde correspondant au placement de la touche et au son désiré. Il comporte 52 touches blanches et 36 touches noires, soit un total de 88 touches. Il y a deux sortes de pianos :
les pianos droits, avec les cordes verticales, intégrant les pianos girafes ;
les pianos à queue, avec les cordes horizontales.
Il existe également des pianos numériques, qui ne possèdent pas de cordes.
Le nom de l'instrument provient d'une abréviation de piano-forte, son ancêtre du XVIIIᵉ siècle, décrit par Scipione Maffei comme un « gravecembalo col piano e forte », c'est-à-dire un clavicorde ayant la possibilité de nuancer en intensité le son directement par la frappe des touches. Jouer progressivement de la nuance piano (doucement) à la nuance forte (fort) n'est pas possible avec des instruments comme le clavecin, l'épinette ou l'orgue. https://fr.wikipedia.org/wiki/Piano

C'est du jazz latino 44 (pianistes)
Un espace pour l'écoute, la danse et le plaisir...

1 Serenata Ritmica, Noro Morales & His Quintet, 1942.
2 Con poco coco, Bebo Valdés, album Con poco coco, 1952.
3 Cumbanchero, Ruben Gonzalez, album Chanchullo, 2008.
4 Pensativa, Clare Fischer, album So Danço Samba, 1964.
5 Trompo, Metra y Papagayo, Gerry Weil, Pablo Gil, Nene Quintero, album Empatía, 2024.
6 Well You Needn't (Live at the Paris Philarmonie), Monty Alexander Wareika Hill Rastamonk, Vibrations, 2019.
7 Bombeando, Papo Lucca, album Latin Jazz, 1993.
8 Come with Me, Tania Maria, album Come with Me, 1983.
9 Sweet Cherry Pie, Hilton Ruiz, album Songbook, 2003.
10 The Art of Latin Jazz, Oscar Hernandez et Alma Libre, album The Art of Latin Jazz, 2017.

C'est du jazz latino 43

Pedro Alzuru — 2025-12-28T12:33:13Z

Le violon, comme la flûte, trouve ses racines dans les charangas cubaines traditionnelles, mais son adoption dans le jazz latino lui a permis d'élargir sa palette sonore. Parmi les caractéristiques de son jeu soulignons : sa sonorité lyrique et expressive, le violon est capable d'une expression mélancolique et lyrique incomparable. Ses solos peuvent être très chantants, avec un vibrato évoquant une émotion profonde, ou d'une incroyable virtuosité. Ses harmonies de section, dans le contexte de grands orchestres ou dans la tradition de la charanga, une section de violons crée des harmonies denses qui confèrent à la musique une richesse orchestrale. Cela ajoute une sophistication rare dans d'autres formats de jazz.

Le violon [1] s'adapte au rythme, aux rythmes afro-cubains, brésiliens et latins en général. Les violonistes de jazz latino ne se contentent pas de jouer des mélodies, mais peuvent aussi jouer des tumbaos, motifs rythmiques qui s'entremêlent aux percussions et à la basse, conférant au violon un swing unique. Un autre aspect remarquable est sa polyvalence texturale. Il peut sonner doux et aérien dans des ballades ou des chansons lentes, puis se transformer en un instrument vibrant et énergique dans un mambo ou une descarga, utilisant des techniques d'archet pizzicato ou plus agressives.

Pour compléter ces caractéristiques essentielles, le violon constitue un pont entre le classique, la musique populaire et le jazz. Le violon apporte un héritage classique qui fusionne avec l'énergie de la musique populaire latine et la liberté harmonique du jazz, créant un son unique, ni complètement classique, ni complètement traditionnel, ni simplement jazz.
Cet héritage musical diversifié s'inscrit dans la tradition des violonistes latins ou de ceux qui, bien que non latins, ont un style clairement enrichi avec cette tradition. Parmi eux, citons : Alfredo De La Fé, virtuose qui a propulsé le violon au premier plan de la salsa et du latin jazz avec une énergie et une fougue inégalée ; Federico Britos, maestro uruguayen à la sonorité chaleureuse et à l'incroyable polyvalence en jazz et musique latine ; et Omar Puente, violoniste cubain talentueux qui explore la fusion du jazz avec la musique afro-cubaine. Nous ajoutons à notre liste le violoniste vénézuélien Ali Bello, qui navigue entre le classique, le populaire et le jazz avec un style novateur qui embrasse explicitement la charanga.
En bref, la flûte et le violon, ancrés dans la musique traditionnelle cubaine, offrent un contraste sonore et une agilité mélodique qui enrichissent considérablement le tissu du jazz latino. Ce sont des instruments qui non seulement apportent la mélodie, mais interagissent aussi de manière complexe avec le rythme, créant des textures et des émotions qui les rendent véritablement uniques. C'est un plaisir de les voir revivre et explorer par les nouvelles générations de musiciens.

À Porto Rico, l'influence de la charanga cubaine était forte, mais elle était souvent fusionnée avec les sons de la bomba, de la plena et de la salsa locale. On peut citer comme exemples les groupes suivants : Manuel Rivera y Son del Monte et Los Macheteros, Manuel Rivera est un percussionniste portoricain qui a dirigé ce groupe, axé sur le son et la charanga brava. Son travail illustre parfaitement la façon dont la tradition de la charanga a été préservée et réinterprétée à Porto Rico et dans la diaspora.
La charanga dans la salsa portoricaine, bien plus que de simples charangas et bien que les traditions soient anciennes, comme celles de New York, à Porto Rico, l'influence de la flûte et des violons est plus fréquente dans les orchestres de salsa qui ne sont pas strictement des charangas. Par exemple, dans les enregistrements de salseros comme Bobby Valentín ou dans des projets spéciaux recherchant un « son charanga » pour certaines chansons.

Dans la brève histoire présentée ici de ces deux instruments, la flûte et le violon, inextricablement liés à la charanga et que l'on retrouve aujourd'hui dans le latin jazz, quelques considérations s'imposent. La migration des musiciens, nombre de ces groupes ont été formés par des musiciens cubains émigrés à New York ou par des musiciens portoricains et autres, formés sous l'influence directe des sonorités cubaines et des musiciens arrivés de l'île. Par adaptation et fusion, les charangas hors de Cuba ont souvent incorporé des éléments de salsa et de jazz, ce qui les a amenées à évoluer du format purement cubain du danzón et du cha-cha-cha vers un son plus « new-yorkais » ou adapté aux goûts locaux. Le format charanga a voyagé et s'est implanté dans d'autres pays, enrichissant encore davantage le vaste univers de la musique latine.
Parmi les charangas fondées à New York, il faut ajouter l'orchestre Tito Rodríguez. Bien qu'il ne s'agisse pas seulement d'une charanga, jouant d'autres rythmes, la charanga a été pendant un temps la force de son orchestre. Tito Rodríguez est reconnu comme l'un des trois grands du mambo (avec Tito Puente et Machito) et a eu une carrière très diversifiée. Son orchestre s'est aventuré dans le format charanga et a eu un impact significatif lors de la « Pachanga Craze » du début des années 1960. L'époque de la charanga de Tito Rodríguez illustre parfaitement la façon dont les grands chefs d'orchestre new-yorkais, déjà maîtres d'autres formats comme la mambo et le cha-cha-chá, se sont adaptés et ont excellé dans cette nouvelle tendance musicale cubaine qui déferlait sur la ville. Tito Rodríguez, visionnaire et toujours attentif aux tendances musicales, ne pouvait rester à l'écart de l'engouement pour la charanga. À la fin des années 1950 et au début des années 1960, le son des flûtes et des violons de la charanga conquit les salles de danse. Son album de 1961, Charanga Pachanga, est la preuve la plus convaincante de son incursion et de son succès dans ce format. Cet album regorge de cha-cha-cha et de pachangas de style charanga, démontrant sa polyvalence et celle de son orchestre à s'adapter aux instruments à vent et aux percussions typiques des charangas. Des chansons comme « Componte Cundunga » et « El Látigo » de cet album en sont très représentatives.
L'orchestre de Tito Rodríguez ne s'est pas exclusivement consacré à la charanga. Il a continué à interpréter et enregistrer des boléros, des mambos et des guarachas dans son style caractéristique. Cependant, son incursion dans la charanga fut remarquable et fructueuse, contribuant à populariser davantage ce son auprès du public latin de New York et d'ailleurs. Ce fut une période importante de sa prolifique discographie. La capacité de Tito Rodríguez à passer d'un format orchestral et d'un style musical à l'autre, tout en conservant sa qualité et sa touche personnelle, fait partie de ce qui fait de lui une légende. Son expérience de la charanga témoigne de cette polyvalence et de l'évolution constante de la musique latine à New York. Parmi les charangas (ou orchestres ayant fortement adopté le format charanga) fondés et couronnés de succès à New York, elle a joué un rôle important dans l'histoire musicale de cette ville et dans celle de la charanga dans la Grosse Pomme.

Xavier Cugat, [2] (Gérone, 1^er janvier 1900 – Barcelone, 27 octobre 1990), était un musicien et chef d'orchestre espagnol de naissance, cubain d'adoption et américain de formation. Il est considéré comme l'un des artistes ayant le plus influencé la musique populaire nord-américaine avec des sonorités latino-américaines. En tant que chef d'orchestre, il a dirigé plusieurs formations orchestrales, notamment : Xavier Cugat et Charo, Cugat et ses Gigolos, Xavier Cugat et son Orchestre, The Xavier Cugat Orchestra, et son nom figure parmi les célébrités inscrites sur le Hollywood Walk of Fame.
Il émigre très jeune à Cuba avec sa famille. Instinctivement attiré par la musique, il commence à étudier le violon et rejoint l'Orchestre du Théâtre national de La Havane, alors qu'il n'est pas encore adolescent, sous le nom de Francis Cugat.
Le 6 juillet 1915, la famille Cugat s'installe à New York. C'est là que Cugat fait ses débuts dans le monde du spectacle, jouant avec un groupe musical appelé The Gigolos, spécialisé dans le répertoire musical du tango, une danse très populaire à l'époque. Il travaille ensuite comme dessinateur au Los Angeles Times, se spécialisant dans la caricature.
À la fin des années 1920, avec l'avènement du cinéma sonore, il fonde un nouvel orchestre, apparaissant d'abord dans des courts métrages, puis dans des longs métrages. Parallèlement, son orchestre inaugura, en 1931, la saison de l'hôtel Waldorf-Astoria, où il fut une attraction régulière. Il resta directeur de l'orchestre jusqu'en 1949.
Il connut un grand succès en 1940 avec l'enregistrement de la chanson Perfidia, interprétée par Miguelito Valdés, qui devint un standard de la musique lente. Depuis, de nombreux enregistrements de chansons latino-américaines au rythme de la conga et basés sur le tempo de la mambo et du cha-cha-cha suivirent, jusqu'à atteindre le twist de la fin des années cinquante.
1 Misirlou, Xavier Cugat and his orchestra, album Vinilo, 7", 45 rpm, single, 1953.

Federico Britos (1939), né à Montevideo, en Uruguay, Federico a commencé le violon à l'âge de cinq ans. George Boulanger, violoniste roumain, lors d'une tournée en Uruguay, a créé l'une de ses pièces, « Capricho Uruguayo » ; Federico avait alors onze ans. Il a eu l'occasion de rencontrer David Oistracht et Jasha Heifetz et de se produire devant eux chez son professeur, Adolph Bornstein. Tous deux ont convenu qu'il était un musicien doué, capable de jouer aussi bien du classique que du jazz.
Ayant occupé les fonctions de premier violon, de soliste et, plus tard, de premier violon auprès de grands orchestres symphoniques d'Uruguay, du Venezuela, du Pérou, de Cuba et des États-Unis (Miami), Federico a effectué de nombreuses tournées en Amérique et en Europe. Il a ensuite joué avec certains des plus grands musiciens d'Amérique latine, tels qu'Astor Piazzolla, Horacio Salgan, Bola de Nieve, Cachao, João Gilberto, Dorival Caimi, Vinicio de Moraes, Armando Manzanero et Tania Libertad. Il a également eu l'occasion de partager son talent exceptionnel avec Dizzy Gillespie, Dexter Gordon, Duke Ellington, Nat King Cole, Woody Herman, Benny Goodman, Bucky Pizzarelli, Charlie Haden, Ken Peplowski, Eddie Higgins et Charlie Byrd.
Il a également effectué des tournées en Europe avec le Hot Club USA et Franck Vignola.
Compositeur, Federico a écrit et enregistré de nombreuses œuvres pour orchestre, ensemble de chambre, ballet et danse. Il a également composé de la musique pour le cinéma, la télévision et le théâtre. Son inspiration inépuisable n'a d'égale que son talent inépuisable pour l'improvisation. [3]
2 Isla de Flores Federico Britos, album Candombe y jazz, 2002.

Alfredo De La Fé (1954) est un violoniste d'origine cubaine basé à New York. Il a adapté le violon à la musique de danse traditionnelle colombienne, créant ainsi une salsa innovante et des musiques latino-américaines. Premier violoniste soliste à se produire avec un orchestre de salsa, il a effectué plus de trente tournées mondiales, se produisant en concert et participant à plus de 100 albums d'artistes latinos de renom, dont Eddie Palmieri, Tito Puente, Celia Cruz, José Alberto « El Canario », Cheo Feliciano, The Fania All-Stars, Santana et Larry Harlow.
De La Fé commença à étudier le violon au Conservatoire Amadeo Roldán de La Havane en 1962. En 1964, il reçut une bourse pour intégrer le Conservatoire de Varsovie, en Pologne. En 1965, il interpréta des compositions de Mendelssohn et de Tchaïkovski avec l'Orchestre du Metropolitan Opera au Carnegie Hall. Une bourse de Juilliard Arts lui permit de poursuivre ses études. Il lança sa carrière professionnelle à l'âge de 12 ans, passant de la musique classique à la salsa et acceptant une invitation à rejoindre l'orchestre du musicien de charanga José Fajardo en 1966.
En 1972, il rejoint l'orchestre d'Eddie Palmieri. Il y reste cinq ans, avant de s'installer temporairement à San Francisco où il rejoint Santana en 1976. De retour à New York, il rejoint Típica 73 en 1977. Deux ans plus tard, il sort son premier album solo, Alfredo, et est nommé pour trois Grammy Awards. En 1980, De La Fé signe avec Sars All Stars et produit trente-deux albums pour le label latin. Son deuxième album solo, Charanga '80, sort la même année. En 1981, il devient directeur musical du Latin Percussion Jazz Ensemble de Tito Puente. Il reprend sa carrière solo avec l'album Triunfo. Après s'être installé en Colombie en 1983, et sort trois albums – Made in Colombia, Dancing in the Tropics et Alfredo De La Fé Vallenato – à la fin des années 1980.
3 Guajira pa ti, Alfredo De La Fe, album Dancing jazz, 2018.

La musique de David Rimelis, (1960) a touché des vies dans le monde entier. Interprète, compositeur et éducateur, il a influencé jeunes et moins jeunes. Sa voix claire et harmonisée embrasse mélodie, rythme et joie pure ! David a parcouru quatre continents, se produisant au sein de nombreux groupes et en solo. Sa musique a connu un succès bien plus grand. Il est également apparu à la télévision dans diverses situations. Plus récemment, il a commencé à animer une émission pour enfants le samedi matin, « Uncle Dave's Music Party », sur YouTube et Facebook Live. David croit profondément à l'importance de révéler les aspects les plus positifs de l'humanité, et sa musique reflète parfaitement cette perspective. Des orchestres du monde entier ont interprété sa musique, notamment le Boston Pops, le National Symphony, le Baltimore Symphony, le Jazz at Lincoln Center Orchestra, le Detroit Symphony, le San Francisco Symphony, le Louisiana Philharmonic, le Royal Liverpool Philharmonic, le St. Louis Symphony, le Western Australia Symphony, le Minnesota Symphony, l'Atlanta Symphony, le New Jersey Symphony, le New York Pops, le New Jersey Pops Jazz et le Mel Lewis Jazz Orchestra. [4]
4 Feel the fear and do it anyway, David Rimelis, 2023.

Omar Puente (1961) est un violoniste et musicien de jazz d'origine cubaine, vivant actuellement en Angleterre. On le décrit comme « un violoniste classique au cœur battant au rythme cubain, à l'âme africaine et originaire du West Yorkshire ».
Puente est né à Santiago de Cuba en 1961, pendant la révolution cubaine, d'une mère infirmière et d'un père médecin. Il commence le violon à l'âge de cinq ans et étudie à l'école de musique Esteban Salas de Santiago. À 12 ans, il obtient une bourse pour étudier la musique classique à l'Escuela Nacional de Arte de La Havane pendant six ans. Il poursuit ensuite une carrière de musicien classique, termine ses études supérieures à l'Instituto Superior de Arte, puis rejoint l'Orchestre symphonique national de Cuba (NSOC), dont il devient premier violon. Pendant cette période, il s'initie à la musique populaire cubaine et au jazz, auprès de musiciens tels que Chucho Valdes et Arturo Sandoval, et joue dans des clubs. Après avoir quitté le NSOC, il effectue des tournées mondiales avec des formations telles que l'orchestre de José María Vitier et l'Orquesta Enrique Jorrín (avec Ruben Gonzalez du Buena Vista Social Club).
Depuis son installation en Angleterre, Puente enseigne la musique cubaine et le violon jazz au Leeds College of Music, au Trinity College of Music et à la World Heart Beat Music Academy, tout en maintenant des liens avec des musiciens cubains. Il s'est produit avec l'Orchestre des jeunes Simón Bolívar du Venezuela, a composé la musique d'un ballet de Carlos Acosta, s'est produit à Londres avec Nigel Kennedy, Eddie Palmieri et le regretté Tito Puente (aucun lien de parenté), et a collaboré à un projet jazz avec le Royal Philharmonic Orchestra. Parmi les musiciens célèbres avec lesquels il a joué figurent le guitariste John Williams, le pianiste Robert Mitchell, Jools Holland, Kirsty MacColl, Ibrahim Ferrer et Omara Portuondo. Puente est un membre régulier du groupe du saxophoniste Courtney Pine, qui a produit son premier album solo From There to Here (2009).
5 My Mrs, Omar Puente, album From there to here, 2009.

James Sanders (1964), de retour à Chicago en 1989 après avoir obtenu une maîtrise en interprétation à l'université Yale, il se considérait comme un musicien classique. S'il a rapidement décroché une place au Chicago Sinfonietta (place qu'il occupe toujours), une rencontre fortuite avec la légende du violon jazz Johnny Frigo a transformé son approche de la musique à jamais.
Au cours des 30 années suivantes, Sanders a perfectionné ses talents de leader et de collaborateur dans divers contextes : jazz latino, improvisation libre, swing manouche, straight-ahead, blues, third stream et bien d'autres, tout en conservant sa place d'orchestre. Il s'est produit dans le monde entier, notamment lors de grands festivals de jazz en Italie, au Brésil, en Pologne et, bien sûr, à Chicago. Il a fondé l'ensemble de jazz latino James Sanders' Conjunto en 2001. En 2022 et 2023, Conjunto a collaboré avec le Centre culturel Segundo Ruiz Belvis pour créer Stories From the West Side, deux projets alliant musique, danse et récits afin d'explorer les expériences de vie des communautés latinos historiques de Chicago.
En plus de Conjunto, il dirige le Blue Violin Quartet, un ensemble dédié au jazz pur et dur. Il collabore régulièrement avec les membres du collectif AACM de Chicago. Sanders est également membre de l'ensemble musical Cerqua Rivera Dance Theatre, où il a composé des œuvres originales pour la danse. En 2013, il a fondé Proyecto Libre, un ensemble qui puise autant dans l'improvisation libre que dans les traditions afro-latines.
James est toujours violoniste classique et membre du Chicago Sinfonietta depuis 1993. Il a développé un programme d'enseignement des fondamentaux de l'improvisation pour les instrumentistes à cordes de formation classique. Il enseigne et coordonne également le programme d'instruments à cordes du district scolaire d'Arlington Heights, dans l'Illinois et est membre du corps enseignant du Music Institute of Chicago. [5]
5 Latin flow, James Sanders & Conjunto, album Evidencia, 2022.

Gregor Huebner (1967, Stuttgart) est un compositeur, violoniste et pianiste allemand, particulièrement connu pour ses projets jazz. Huebner, qui a grandi au bord du lac de Constance, a étudié le violon à la Hochschule für Musik de Vienne et à la Hochschule für Musik de Stuttgart auprès de Florian Zweiauer et Gerhard Voss après avoir obtenu son diplôme du Spohngymnasium de Ravensburg, ainsi que le piano jazz et la composition. Il a obtenu un master avec mention à la Manhattan School of Music de New York en 1996.
Depuis 1985, Il collabore avec le groupe Tango Five, qui s'est produit aux Expositions universelles de 1992 (Séville) et de 2000 (Hanovre), ainsi qu'aux Jeux olympiques d'Athènes de 2004, et aux festivals de tango de Montevideo et de Buenos Aires en 1998.
Huebner a interprété des pièces de Cecil Taylor avec le Quatuor à cordes Dominic Duval. Entre 1995 et 1999, il a été membre de l'orchestre de chambre Philharmonia Virtuosi. C'est pour cet orchestre qu'il a composé son œuvre orchestrale In Memoriam Bela. Son œuvre New York Stories a été interprétée par l'Orchestre symphonique de Pittsburgh en avril 2004.Depuis 1996, il collabore avec le pianiste de jazz Richie Beirach. Leur album commun Round about Federico Mompou (avec George Mraz) a été nominé aux Grammy Awards dans la catégorie « Meilleur album de jazz latin ». Avec Charlie Mariano et Beirach, il a enregistré l'album lyrique Beauty, et avec la chanteuse Jutta Czurda, il a enregistré des chansons de Kurt Weill. Depuis 2002, Hübner dirige le Gregor Huebner New York NRG Quartet avec Luis Perdomo, Hans Glawischnig et Billy Hart. Il a également été membre des groupes latins new-yorkais Jovenes del Barrio, Son Radical et Eye Contact. Il a également travaillé avec Dianne Reeves et Uri Caine. Avec l'ensemble à cordes Sirius Quartet, qui évolue entre classique et jazz.
6 Gitano Yambu, Gregor Huebner, album El violίn latino vol 2, 2016.

Alί Bello, né au Venezuela, (1975) est devenu l'un des violonistes les plus reconnus et les plus recherchés de la scène new-yorkaise. Il s'est distingué par sa polyvalence dans différents styles de musique latine et de jazz, ainsi que par sa solide formation classique et ses talents d'improvisateur. Alí a débuté sa formation musicale au sein du Système national des orchestres de jeunes du Venezuela, son pays natal. Son éducation musicale a été guidée par de grandes figures de la scène musicale, dont José Antonio Abreu, créateur et fondateur d'El Sistema. M. Abreu est internationalement reconnu comme l'instigateur du programme vénézuélien d'éducation musicale, diffusé à travers le monde, et de l'Orchestre symphonique Simón Bolívar du Venezuela. Il a également été le mentor de plusieurs artistes internationaux, notamment le directeur musical de l'Orchestre philharmonique de Los Angeles, Gustavo Dudamel.
Pour poursuivre sa carrière, Alí a quitté Caracas pour New York. Il s'est immédiatement impliqué activement dans la scène jazz et latine locale, développant ses talents dans les multiples univers musicaux de la ville. Son talent s'étend à de nombreux genres, dont le jazz, la musique classique, la pop, le R&B, la musique du Moyen-Orient, le flamenco et, plus particulièrement, les nombreux styles de musique sud-américaine. [6]
7 Caracas, Alí Bello & The Sweet Wire Band, album Inheritance 2020.

On a beaucoup parlé de la maîtrise du violon de Maureen Choi, 1983, ces dernières années : « C'est la nouvelle grande voix du violon jazz », « Elle chante avec son violon », « C'est un jeune talent incroyable ». Choi est une violoniste unique qui allie avec brio la virtuosité de la musique classique à l'improvisation et aux sonorités et rythmes de la diaspora espagnole.
Maureen est une violoniste de formation classique passionnée de composition et d'improvisation. Depuis 1993, ses performances et collaborations primées ont parcouru plusieurs continents et ont intégré des influences musicales diverses, contribuant toutes à créer son son unique, résolument ancré dans le latin jazz.
Elle a suivi une formation classique à l'université d'État du Michigan, où elle a été initiée au jazz. En 2010, elle a obtenu une bourse pour étudier au Berklee College of Music de Boston, consolidant ainsi sa passion naissante pour le langage et la technique de l'improvisation au violon. Outre ses concerts dans le monde entier, Maureen est actuellement basée à Madrid et enseigne au Berklee College of Music de Valence ainsi qu'à l'Escuela de la Música Creativa de Madrid. Elle est compositrice et leader de son quatuor diversifié, composé de musiciens flamenco-jazz de formation classique.
Son premier album de jazz, Maureen Choi Quartet, 2011, a été salué par la critique sur les radios américaines et dans des publications telles que Jazziz Magazine et Jazz Corner, et est resté dans le Top 50 d'All About Jazz pendant plusieurs mois. Son deuxième album, Ida y Vuelta, a été salué comme « L'un des groupes les plus originaux, intéressants et surprenants de la scène actuelle » (Oscar Gómez), le Maureen Choi Quartet offre une performance live captivante, composée de compositions et d'arrangements originaux de morceaux traditionnels espagnols et latino-américains. [7]
9 Tacones lejanos, Maureen Choi, album Arturo Cardelús : Con Aire de Tango, 2015.

Le violon constitue un pont entre le classique, la musique populaire et le jazz. Le violon apporte un héritage classique qui fusionne avec l'énergie de la musique populaire latine et la liberté harmonique du jazz, créant un son unique. Cet héritage musical diversifié s'inscrit dans la tradition des violonistes latins ou de ceux qui, bien que non latins, ont un style clairement enrichi avec cette tradition. Vous êtes déjà invités pour le prochain épisode.

[1] Le violon est un instrument de musique à cordes frottées. Constitué de 71 pièces de bois (érable, buis, ébène, etc.) collées ou assemblées les unes aux autres. Le violon possède quatre cordes accordées généralement à la quinte, que l'instrumentiste, appelé violoniste, frotte avec un archet ou pince avec l'index ou le pouce (en pizzicato).
Dans les formations de musique classique comme le quatuor à cordes ou l'orchestre symphonique, le violon est l'instrument le plus petit et de tessiture la plus aiguë parmi sa famille ; celle-ci inclut l'alto, le violoncelle et la contrebasse.
Sa création remonte au XVIᵉ siècle. Très vite popularisé, il occupe une place prépondérante dans la musique classique occidentale : de grands compositeurs ont écrit pour cet instrument (concertos, musique de chambre, pièces symphoniques, etc.) voire en jouaient eux-mêmes (Vivaldi, Bach, Mozart, etc.). Des violonistes, compositeurs du XVIIIᵉ siècle tels Niccolo Paganini, Eugène Ysaÿe ou Jean Sibelius au XXᵉ siècle, ont acquis une grande renommée. https://fr.wikipedia.org/wiki/Violon

[2] Sauf mention contraire, les informations biographiques présentées ici sont un résumé des biographies disponibles sur https://en.wikipedia.org/wiki/Main_Page

[3] https://www.allaboutjazz.com/musicians/federico-britos/

[4] https://www.empowerma.com/presskit/dave-rimelis/

[5] https://www.jamessandersviolin.com/about

[6] www.zohomusic.com

[7] https://blujazzakron.com/show/maureen-choi-quartet-latin-jazz-made-in-spain-06-24-2017/

C'est du jazz latino 43 (les violonistes)
Un espace pour l'écoute, la danse et le plaisir...

1 Misirlou, Xavier Cugat and his orchestra, album Vinilo, 7", 45 RPM, Single, 1953.
2 Isla de flores, Federico Britos, album Candombe y jazz, 2002.
3 Guajira pa ti, Alfredo De La Fe, album Dancing jazz, 2018.
4 Feel the fear and do it anyway, David Rimelis, 2023.
5 My Mrs, Omar Puente, album From there to here, 2009.
6 Latin flow, James Sanders & Conjunto, album Evidencia, 2022.
7 Gitano Yambu, Gregor Huebner, album El violίn latino vol 2, 2016.
8 Caracas, Alí Bello & The Sweet Wire Band, album Inheritance 2020.
9 Tacones lejanos, Maureen Choi, album Arturo Cardelús : Con Aire de Tango, 2015.

C'est du jazz latino 42

Pedro Alzuru — 2025-11-30T16:42:02Z

Bien que la flûte et le violon ne soient pas aussi omniprésents dans le jazz latino que les trompettes, les trombones ou la section rythmique, leur présence est historique et, de fait, ils connaissent un regain d'intérêt notable. Ce sont des instruments qui ajoutent une texture très distinctive, tantôt aérienne et agile, tantôt lyrique et nostalgique, ce qui les rend particulièrement attrayants dans ce genre.

La flûte [1] possède un héritage très fort dans la musique cubaine, antillaise et dans le jazz latino. Parmi les caractéristiques de son jeu, on peut souligner l'influence notable de la charanga, son rôle le plus important vient des charangas cubaines et de celles qui, basées sur ce format, se sont répandues à travers les Amériques, dont beaucoup étaient basées à New York dans les années 1950, 1960 et 1970. Dans ce format orchestral, la flûte (généralement la flûte en bois à cinq clés, bien que la flûte traversière moderne soit plus couramment utilisée aujourd'hui) partage le rôle mélodique principal avec le violon. Cela confère à la section des vents un son très doux et élégant. Il convient également de noter son agilité et sa virtuosité, la flûte est un instrument incroyablement agile, qui se traduit par des solos rapides et mélodiques, pleins d'arpèges et de gammes vertigineuses qui peuvent être très impressionnants. Les flûtistes de jazz latino possèdent généralement une technique raffinée pour naviguer dans les rythmes et les harmonies complexes du jazz. Outre la charanga, il convient de noter l'influence de la guaracha et d'autres rythmes et mélodies entraînants : la flûte excelle à jouer des mélodies entraînantes et à improviser dessus avec un phrasé très rythmé et dansant. Ses lignes mélodiques sont souvent chantantes et apportent de la légèreté à l'ensemble. Une autre vertu de la flûte est sa capacité à créer du dialogue et du contraste. Elle peut alterner entre un brillant instrument soliste et un instrument à vent, contrastant avec le son plus « métallique » des trompettes ou des trombones ; son timbre clair ressort facilement.

Un groupe de flûtistes remarquables doit être mentionné, et ce, dans les styles les plus divers : Richard Egües, de l'Orchestre d'Aragon, pionnier absolu de la flûte dans la charanga et influence incontournable ; José Fajardo, figure clé de l'explosion de la charanga à New York et également influence majeure ; Dave Valentín, l'un des flûtistes de latin jazz les plus célèbres de l'histoire, connu pour sa polyvalence et sa sonorité distinctive ; Nestor Torres, autre géant contemporain, fusionne jazz, pop et rythmes latins avec sa flûte ; le vénézuélien Huascar Barradas, qui intègre les genres nationaux de son pays aux traditions caribéenne, latino-américaine et jazz.

Impossible d'aborder l'histoire et le statut actuel de ces deux instruments dans la musique latine et le jazz sans évoquer la forme orchestrale et le rythme de la charanga. La charanga, en tant que forme orchestrale et sonorité distinctive, s'est répandue depuis Cuba, notamment à l'âge d'or du danzón, du cha-cha-cha et du mambo, influençant une grande partie du continent et la diaspora latine aux États-Unis.

Si la forme charanga « pure » (flûte, violons, piano, basse, percussions) est plus fidèle à ses racines cubaines, de nombreux groupes étrangers ont adopté l'essence de la charanga, fusionnant sa sonorité distinctive (notamment la flûte et les violons avec des rythmes latins) avec leurs propres traditions ou avec le jazz, créant ainsi ce que nous connaissons aujourd'hui sous le nom de jazz latino et des sous-genres de la salsa. Certaines charangas et certains groupes fortement influencés par la charanga sont nés et ont survécu dans d'autres pays, principalement aux États-Unis (surtout à New York, qui était un creuset culturel) et à Porto Rico, où l'influence cubaine était massive. Aux États-Unis (principalement à New York) : l'Orquesta Broadway est probablement la charanga la plus célèbre et la plus durable en dehors de Cuba. Fondée à New York en 1962 par les frères Eddy Zervigón (flûte) et Rudy Zervigón (violon et leader) ; l'Orquesta Broadway est devenue un pilier de la scène salsa et jazz latino de la Big Apple. Conservant le format classique de la charanga cubaine, elle a connu une immense popularité, faisant découvrir le cha-cha-cha et le danzón aux nouvelles générations et les fusionnant avec la salsa. Elle a enregistré de nombreux albums et est devenue un incontournable.

Charanga America, fondée à New York, a également connu son apogée dans les années 1970 et 1980, avec l'enregistrement de plusieurs albums. Elle a conservé le format traditionnel de la charanga, en y intégrant le swing new-yorkais. Son tube « Ayúdame San Antonio » est un bon exemple de son style. Charanga 76, bien que de courte durée, était un autre orchestre new-yorkais important des années 1970, combinant le format charanga aux tendances salsa de l'époque. Charanga Sensación, autre groupe new-yorkais de premier plan, a suivi le format charanga et a contribué à la scène salsa. Joe Quijano y Su Conjunto Cachana, bien que n'étant pas un pur charanga, ont été fortement influencés par le format charanga, incluant souvent des flûtes et des violons, et leur musique mambo et pachanga avait cette saveur particulière. Quijano (portoricain) a joué un rôle essentiel dans la popularisation de ces rythmes à New York. (Pacheco y su Charanga, avant les Fania All-Stars, Johnny Pacheco (dominicain) a eu une charanga très réussie dans les années 1960, qui a contribué à l'explosion de la pachanga. Son approche était plus rythmique et dansante, et bien qu'elle ait ensuite évolué vers un format d'ensemble avec trompettes, ses débuts avec la charanga ont été très influents. Eddie Palmieri (à ses débuts et dans certains projets), bien que Palmieri (nuyorican) soit connu pour ses « orchestres de trombone », on le retrouve dès ses débuts avec son groupe La Perfecta et dans certains projets tout au long de sa carrière, où l'on retrouve des influences et des éléments de la charanga, incluant parfois la flûte. Sa capacité à fusionner les genres a toujours été remarquable.

Alberto Socarrás, né à Manzanillo, Cuba, le 19 septembre 1908-(1987), est un flûtiste qui joue du jazz, du merengue, du mambo et du cha-cha-cha. Le jeune Alberto Socarrás, âgé de 7 ans, commence par apprendre la flûte en 1915 avec sa mère Dolores Estacio, et s'initie tout seul au jeu du saxophone en écoutant des disques de Rudy Wiedoeft. Il rejoint ensuite le Conservatoire Provincial de Musique à Santiago de Cuba, puis complètera ses études au Timothy Music Conservatory à New York, obtenant un diplôme équivalant à un doctorat en musique.
The Cuban Jazz Band est fondé en 1922 par Jaime Prats à La Havane. La formation inclut son fils Rodrigo Prats au violon, Alberto Socarrás à la flûte et au saxophone, et Pucho Jiménez au trombone à coulisse. Des travaux récents citent cet ensemble comme étant le tout premier jazz band à Cuba, mais ils furent plusieurs groupes à pouvoir prétendre à ce titre. En 1926, âgé de 18 ans, il décide d'immigrer aux États-Unis où il effectuera toute sa carrière avec une reconnaissance et un succès public, à partir de 1927, il fait la connaissance de Clarence Williams qui l'invite à rejoindre son Clarence Williams Orchestra et le Clarence Williams' Jazz Kings. Durant les quatre années qui suivront, Socarrás enregistre huit pièces musicales où la flûte est prédominante. Son enregistrement du vrai premier solo de flûte jazz dans le titre Have You Ever Felt That Way lui vaudra de rentrer à tout jamais dans l'histoire de la musique jazz noire américaine. Le 5 septembre 1930, Alberto Socarras enregistre pour l'orchestre Walter Bennett's Swamplanders, plusieurs titres dont You Can't Be Mine et Somebody Else's Too. En 1931, de nouvelles sessions d'enregistrement le conduisent à jouer avec le Russell Wooding's Grand Central Red Caps. Socarrás formera par suite en 1937 le Magic Flute Orchestra.
Durant les années cinquante, Socarras fera un retour à ses sources musicales, pour devenir un musicien hors pair de charanga cubaine, de mambo et de cha-cha-cha. Il est décédé à New York le 26 août 1987.
1 Capricho brujo, album Latin Impressions by Alberto Socarrás, 1957.

Richard Egües (né le 26 janvier 1924 à Cruces et mort le 1^er septembre 2006 à La Havane) est un flûtiste cubain. Après avoir appris à jouer du saxophone, de la clarinette et du piano, il décide de se spécialiser dans la flûte dans les années 1940, jugeant que les joueurs de flûtes disposent de plus de temps de récupération durant les représentations. Egües devient le principal représentant du style charanga parmi les flûtistes cubains.
Les groupes de charanga sont composés de voix, de percussions, de cordes ainsi que d'un flûtiste qui se retrouve au centre de cette architecture. Egües exerça de nombreuses années en tant que flûtiste au sein de l'un des plus fameux groupes de musique charanga de Cuba : l'Orquesta Aragon (fondé en 1939). Durant plusieurs années, il ne fit pas partie intégrante du groupe et ne participait que de façon temporaire aux projets musicaux. Mais après le départ en 1954 de Rolando Lozano, alors leader de l'Orquesta Aragon, Egües fut finalement sollicité pour intégrer à part entière le groupe et prendre la place de leader de la composition. Egües reste avec le groupe plus de 30 ans et devient un participant actif du groupe (comme flûtiste, compositeur et interprète). Il meurt des suites d'un accident vasculaire cérébral.
2 Angoa, Richard Egües, album Cuban sessions, 1999.

Herbie Mann, de son vrai nom Herbert Solomon, né le 16 avril 1930 et mort le 1^er juillet 2003, est un flûtiste de jazz américain. Dès la fin des années 1950, Herbie Mann a contribué à faire de la flûte un instrument de jazz. Mann a souvent incorporé dans ses compositions des éléments tirés de la musique africaine, afro-cubaine, d'Europe de l'Est, moyenne-orientale, indienne et brésilienne. Il débute avec l'accordéoniste Mat Mattews et la chanteuse Carmen McRae. Dans les années 1950-60, il joue avec de nombreux jazzmen (Sarah Vaughan, Clifford Brown, Clark Terry, Chet Baker, Bill Evans, Bobby Jaspar.
Précurseur de la world music, il enregistre des albums intégrant des éléments puisés dans les "musiques du monde". On peut l'entendre avec des musiciens brésiliens (Baden Powell, Antônio Carlos Jobim, João Gilberto, Sergio Mendes...), cubains (Carlos "Patato" Valdes, Willie Bobo...), indiens (Vasant Rai...) ou nigérians (Babatunde Olatunji...).
À la fin des années 1960, s'éloignant du jazz et de la bossa nova, il s'oriente vers un jazz fusion mâtiné de rhythm and blues et de musique soul (cf. l'album Memphis Underground avec Larry Coryell, Sonny Sharrock et Roy Ayers). Durant l'été 1969, il se produit au Harlem Cultural Festival. Dans les années 1970, il enregistre même quelques albums dans un style disco et des albums avec la chanteuse Cissy Houston. En 1974, il enregistre un album de style reggae. Dans les années 1980-90, on peut encore l'entendre aussi bien dans des contextes totalement jazz (avec Ron Carter, Phil Woods, Miroslav Vitouš...) que dans des contextes rock ou pop (avec Average White Band, Tonto's Expanding Head Band, Stereolab...). Il meurt à 73 ans, des suites d'un cancer de la prostate.
3 Todos locos, Herbie Mann, album Flautista, 1960.

Johnny Pacheco est un musicien, compositeur, arrangeur, producteur et directeur musical né le 25 mars 1935 à Santiago de los Caballeros, en République dominicaine, et mort le 15 février 2021 à Teaneck, dans l'état américain du New Jersey. Il est considéré comme l'une des figures les plus influentes de la musique latine et caribéenne pour avoir été le cofondateur avec Jerry Masucci du label Fania. Cela a été décisif dans la consolidation de la salsa.
Johnny Pacheco doit sa passion pour la musique à son père, Rafael Azarías Pacheco, clarinettiste et chef de l'orchestre de Santa Cecilia. À onze ans, il émigre à New York avec sa famille. Il apprend à jouer de l'accordéon, du violon, du saxophone et de la clarinette, puis à la Juilliard School des percussions. Il devient un des principaux percussionnistes de son temps. Il joue et enregistre avec les plus importants artistes américains. Après l'apprentissage de la flûte, il est reconnu comme étant l'un des meilleurs flûtistes de son époque.
En 1958, il fait partie de la Charanga Duboney de Charlie Palmieri, avec le chanteur Vitín Avilés. En 1960, il organise son premier et légendaire orchestre, Pacheco y Su Charanga. Son premier album Johnny Pacheco y su Charanga vol. 1, chez Alegre Records, s'est vendu à plus de 100 000 exemplaires la première année, devenant la meilleure vente d'albums du moment. L'album est un classique. En 1964, il sort chez Fania son nouvel album, Cañonazo, qui abandonne la charanga au profit du conjunto.
Découvreur de talents, c'est lui qui donne leur chance à des gens comme Willie Colón, Hector Lavoe, ou encore qui remet sur les rails la carrière de Celia Cruz. C'est également lui qui dirige l'orchestre mythique réunissant tous les talents du label Fania, le Fania All Stars, avec lequel il part en tournée dans le monde entier. Il est nommé neuf fois aux Grammy et obtient dix disques d'or.
Il a démontré sa solidarité avec les victimes de l'ouragan Georges. Il a également participé à un concert pour la lutte contre le SIDA, en novembre 1988 à New York. En juin 1996, Johnny Pacheco est le premier producteur de musique latine à recevoir le NARAS (National Academy of Recording Arts & Sciences) Award à New York. Il meurt le 15 février 2021 à Teaneck, dans le New Jersey.
4 Desafinado, Johnny Pacheco, album Spotlight on Pacheco, vol. 5, 1963.

Hermeto Pascoal (né le 22 juin 1936 à Arapiraca, État d'Alagoas, et mort le 13 septembre 2025 à Rio de Janeiro) est l'un des multi-instrumentistes et musiciens d'avant-garde les plus renommés du Brésil. Il est considéré comme une sommité du jazz brésilien. Pascoal a contribué plus résolument au développement de la musique rythmique contemporaine avec des éléments d'improvisation que de nombreux compositeurs et arrangeurs du milieu jazz.
Hermeto Pascoal est albinos et, tant par son apparence que par son expressivité musicale, est une figure extraordinaire. Il joue de nombreux instruments, dont l'accordéon, le saxophone, la flûte traversière, la guitare, ainsi que divers instruments de percussion et claviers. Au Brésil, on le surnomme « O Bruxo » (le magicien, le sorcier) « car il peut faire de la musique avec tout ce qui l'entoure » De plus, sa modernisation du choro à la fin des années 1960 a donné à la musique brésilienne un élan important et inspiré d'autres artistes.
Hermeto Pascoal a fait ses premières expériences musicales à l'âge de 10 ans avec l'accordéon et la flûte. Il a ensuite fait ses premières apparitions sur scène avec son frère aîné, José Neto Pascoal. En 1950, la famille s'est installée à Recife. Peu après, il a commencé ses premières expériences musicales, à la recherche de nouvelles sonorités, apprenant tous les instruments qui lui tombaient sous la main. Autodidacte, Pascoal mélange différents styles, tels que la musique brésilienne, le jazz et la musique contemporaine
Son album A Música Livre de Hermeto Pascoal (1973), sorti pendant la dictature militaire, devient un album de la contre-culture brésilienne. Sur l'album Slave Mass, il utilise des cochons vivants, tirés par la queue, comme instruments de percussion. Il a enregistré l'album Eu E Eles (1999) en solo avec des dizaines d'instruments différents.
5 Bebê, Hermeto Pascoal, album A mύsica livre de Hermeto Pascoal, 1973.

Justo Pastor Almario Gómez (18 février 1949) est un musicien de jazz latino colombien, flûtiste, saxophoniste et chef d'orchestre basé à Los Angeles. Il fait partie des musiciens recrutés par Mongo Santamaría pour son groupe dans les années 1970, notamment sur l'album Afro–Indio (1975). Né à Sincelejo et résidant à Medellín, Almario est issu d'une tradition musicale familiale et se consacre aux instruments à vent depuis son enfance.
Il a étudié au prestigieux Berklee College of Music de Boston, dans le Massachusetts, avant de rejoindre Mongo Santamaría. Il s'est produit en concert et sur des enregistrements avec son propre groupe. Il travaille avec le batteur Richie García, le bassiste Guillermo Guzmán, le guitariste George Krischke et le pianiste Billy Cantos.
Almario a aussi accompagné Jon Lucien, Frank Foster, Freddie Hubbard et Willie Bobo. Il a également joué dans le groupe funk-jazz Koinonia d'Abraham Laboriel (basse électrique), aux côtés d'Álex Acuña (batterie), Harlan Rogers (claviers) et Bill Maxwell (batterie), et a été invité dans les groupes de Machito, Tito Puente, Cal Tjader et Poncho Sánchez.
Dans les années 90, Almario, de confession chrétienne, a participé à des enregistrements de gospel en direct avec Hosanna Music aux côtés de ses collègues de Koinonia, Abraham Laboriel et Álex Acuña, avec les artistes Don Moen (Worship), Ron Kenoly (Lift Him Up, God is Able et Sing Out) et Lionel Pettersen (Rejoice Africa), où sa virtuosité en soliste, tant à la flûte qu'au saxophone, est particulièrement remarquable. Il a également participé à des enregistrements avec des artistes chrétiens hispanophones tels que Marcos Vidal (Live Praise and Worship), le Res Q Band d'Álvaro López (Por Amor), Alejandro Alonso (Alguien) et bien d'autres. Dans les années 90, il a également enregistré un projet solo de gospel instrumental avec Abraham Laboriel, intitulé Justo y Abraham.
6 Abrazos y besos, Justo Almario, album Family time, 1989.

David Peter Valentin (29 avril 1952 – 8 mars 2017) était un flûtiste de jazz latino d'origine portoricaine. Valentin est né dans le Bronx, à New York. Il a fréquenté la High School of Music & Art. Il a appris les percussions dès son plus jeune âge et, à 10 ans, jouait déjà de la conga et des timbales de manière professionnelle.
Il a suivi les cours d'Hubert Laws, qui est devenu son mentor. Dans les années 1970, Valentin a combiné les styles afro-cubain, brésilien et funk avec le jazz au sein de son ensemble, qui comprenait à plusieurs reprises Bill O'Connell (piano), Lincoln Goines et Ruben Rodriguez (basse), Richie Morales et Robby Ameen batterie), Sammy Figueroa et Giovanni Hidalgo (congas).
Il a été le premier musicien à signer chez GRP Records, un label fondé par Dave Grusin et Larry Rosen spécialisé dans le smooth jazz, le jazz fusion et le jazz-pop-latino. Il a enregistré son premier album avec Ricardo Marrero en 1977. Au fil du temps, il a enregistré avec Noel Pointer, Patti Austin, Lee Ritenour, Chris Connor, David Benoit, Eliane Elias et Nnenna Freelon. Jusqu'en 1979, il était aussi instituteur.
Pendant plusieurs années, Valentin a été directeur musical des Golden Latin Jazz All-Stars de Tito Puente et a également fait des tournées avec le Conjunto Libre de Manny Oquendo. En 2000, il est apparu dans le documentaire Calle 54 avec l'orchestre de Tito Puente.
Pendant sept années consécutives, il a été élu meilleur flûtiste de jazz par les lecteurs du magazine Jazziz. En 1985, il a été nominé aux Grammy Awards du meilleur instrumentiste R&B. En 2003, il a remporté un Grammy pour le projet Caribbean Jazz, un album qu'il a enregistré avec Dave Samuels. Le 8 mars 2017, Valentin est décédé des suites d'un accident vasculaire cérébral et de la maladie de Parkinson dans le Bronx, à l'âge de 64 ans.
7 Smile, Dave Valentin, album Pure Imagination, 2011.

Andrea Brachfeld (née le 3 mai 1954 à Utica, New York) est une musicienne de jazz américaine (flûte traversière, composition). Brachfeld commence le piano à six ans et la flûte à dix ans. Entre 1969 et 1972, elle est diplômée de la High School of Music & Art de Manhattan, où elle joue avec Noel Pointer et Nat Adderley. Elle suit également les ateliers Jazz mobile, où Jimmy Heath est l'un de ses professeurs de flûte. À 16 ans, elle donne ses premiers concerts de jazz. Elle étudie ensuite la flûte à la Manhattan School of Music avec Harold Bennett et Andrew Loyla. Elle prend pareillement des cours particuliers avec Hubert Laws, Eddie Daniels, George Coleman, ainsi qu'avec Lloyd McNeill, élève de Dolphy.
En 1974, elle commence à travailler avec Tipica New York, un groupe de charanga, et d'autres groupes latinos tels que le Benito Sextet, Tipica Ideal et Joe Quijano. Elle a par ailleurs joué avec Tito Puente, Ray Barretto et Machito. En 1976, Brachfeld a participé à l'album éponyme Charanga '76 avec le groupe, suivi de l'album Encore, et est devenue la première femme à jouer de la flûte dans un groupe de charanga aux États-Unis.
Brachfeld a enregistré son premier album, Andrea, en 1978. Un an plus tard, à l'invitation de Renato Capriles, elle s'est rendue au Venezuela, où elle a formé un groupe avec lequel elle a assuré les premières parties de Gary Burton, Chick Corea et Paco de Lucia.
Son album Remembered Dreams est sorti en 2001. D'autres albums ont suivi, dont Beyond Standards, 2006, et Into the World : A Musical Offering, 2008. Sous le nom de Kala Devi, elle a enregistré l'album Songs from the Divine : Spiritual Flute Music for Yoga and Meditation, 2009. En 2014, l'album bop Lady of the Island, 2014 et l'album Lotus Blossom, 2015.
Brachfeld a reçu le prix Louis Armstrong de Jazz Interactions en 1974 pour son excellence. En 2015, elle a été saluée comme la meilleure flûtiste de jazz par le magazine Hot House. Elle a également reçu le prix Prix Chico O'Farrill pour l'ensemble de sa carrière en jazz latino aux États-Unis.
8 Mambo Yo, Andrea Brachfeld, album Into the World : A Musical Offering, 2008.

Néstor Torres (né le 21 avril 1957 à Mayagüez) est un flûtiste de jazz portoricain. Torres, qui a grandi à Porto Rico, a été encouragé musicalement par son père, vibraphoniste, qui l'a présenté très jeune à Cal Tjader, Dave Brubeck et Tito Puente. Après s'être d'abord consacré à la batterie à l'âge de cinq ans, il a changé d'avis à douze ans. Il a commencé à prendre des cours de flûte à l'Escuela Libre de Música, puis a intégré l'Universidad Interamericana de Puerto Rico.
À 18 ans, il a déménagé avec sa famille à New York. Il a d'abord étudié au (Mannes College of Music de New York, puis à Boston au New England Conservatory of Music et au Berklee College of Music jusqu'en 1977. De retour à New York, il a joué avec Puente et Eddie Palmieri, qui l'ont soutenu, mais a également travaillé dans des groupes de charanga comme l'Orchestra Rytmo Africa-Cubana.
Depuis 1981, il enregistre des albums sous son propre nom. La même année, il s'installe à Miami, où il joue dans des groupes de salsa et enseigne dans des universités du sud de la Floride. Son album Morning Ride, sorti en 1990 sur Verve Records, s'est classé parmi les dix meilleures ventes de jazz. Un accident de bateau a d'abord freiné la carrière de Torres ; cependant, d'autres albums ont suivi régulièrement. This Side of Paradise a remporté un Latin Grammy du « Meilleur album instrumental pop » en 2001. L'album live Jazz Flute Traditions contient des reprises de chansons connues pour flûte de jazz.
9 Once Upon A Time In Santo Domingo, Nestor Torres, album Dominican Suite, 2022.

Huáscar Barradas (Maracaibo, État de Zulia, 12 juin 1964) est un musicien, compositeur et producteur vénézuélien spécialisé dans la flûte. À l'âge de neuf ans, il est fasciné par Casse-Noisette de Tchaïkovski. Il commence ses études musicales au Conservatoire José Luis Paz. Il devient ensuite membre fondateur du premier Orchestre national d'enfants du Système d'orchestres d'enfants et de jeunes du Venezuela, mondialement reconnu.
Petit à petit, il développe son talent pour la flûte et commence à interpréter de la musique traditionnelle vénézuélienne à l'Estudiantine de la jeunesse de l'État de Zulia. Ce parcours le mènera à la découverte de la musique populaire et de ses différents courants, explorant des genres aux rythmes caribéens, ainsi que le jazz, la pop et d'autres courants musicaux. À 12 ans, il donne ses premiers concerts en soliste et, à 16 ans, il rejoint un groupe de musique caribéenne. Puis, à 17 ans, le gouvernement régional de Zulia lui offre une bourse et part aux États-Unis.
Lors de son voyage à San Jacinto, au Texas, il remporte le concours du Texas Junior College et, peu après, se rend à New York pour étudier au Brooklyn College avec Bernard Golberg. Il étudie également le jazz au City College de New York avec le bassiste légendaire Ron Carter, et la direction d'orchestre à la Julliard School of Music avec le maestro Vincent la Selva. Il est également invité à des concerts, des pièces de théâtre, des comédies musicales et des opéras.
Après avoir obtenu une licence d'interprétation musicale avec mention, il retourne dans son pays natal, où il travaille comme flûtiste solo à l'Orchestre symphonique de Maracaibo. Peu après, une bourse lui permet d'étudier à l'École de musique de Francfort, en Allemagne.
En 1992, il enregistre son premier album, intitulé Huáscar Barradas Folklore From Venezuela. Après douze ans de travail à l'étranger, il rentre au Venezuela et remporte un concours pour le poste de flûtiste solo à l'Orchestre philharmonique national du Venezuela. Plus tard, il est sélectionné pour rejoindre l'Orchestre symphonique municipal de Caracas. Au cours de sa carrière, il a enregistré 18 albums.
10 Capullito de alhelί, Huascar Barradas, album Latineando, 2006.

Ainsi s'achève notre programme consacré à la flûte dans le jazz latino. Dans l'histoire de la musique latine, qu'il s'agisse de certains genres nationaux ou de leurs diverses fusions, il convient de mentionner un groupe de flûtistes remarquables, aux styles très variés. C'est ce que nous avons tenté de vous présenter aujourd'hui. Nous vous invitons à revenir pour le prochain épisode.

[1] Flûte (ou flute) est un terme générique désignant un instrument de musique à vent dont le son est créé par l'oscillation d'un jet d'air autour d'un biseau droit, en encoche ou en anneau.

Ce souffle peut être dirigé librement par l'instrumentiste dans le cas des flûtes traversières, des instruments de type quena ou encore des flûtes de Pan, ou canalisé par un conduit en étant émis par le musicien lui-même dans le cas des différents types flûtes à bec ou en étant créé par une soufflerie mécanique dans le cas du jeu d'orgue.

Les flûtes sont le plus souvent de forme tubulaire mais parfois globulaire, en graminée, en bois, en os ou en corne, mais aussi en pierre, en terre cuite, en plastique, en métal (or, argent…), en ivoire et même en cristal, la flûte peut être formée d'un ou de plusieurs tuyaux, avec ou sans trous, ou posséder une coulisse.

C'est du jazz latino 42 (les flûtistes)
Un espace pour l'écoute, la danse et le plaisir...

1 Capricho brujo, album Latin Impressions by Alberto Socarrás, 1957.
2 Angoa, Richard Egues, album Cuban sessions, 1999.
3 Todos locos, Herbie Mann, album Flautista, 1960.
4 Desafinado, Johnny Pacheco, album Spotlight on Pacheco, vol. 5, 1963.
5 Bebê, Hermeto Pascoal, album A mύsica livre de Hermeto Pascoal, 1973.
6 Abrazos y besos, Justo Almario, album Family time, 1989.
7 Smile, Dave Valentin, album Pure Imagination, 2011.
8 Mambo Yo, Andrea Brachfeld, album Into the World : A Musical Offering, 2008.
9 Once Upon A Time In Santo Domingo, Nestor Torres, album Dominican Suite, 2022.
10 Capullito de alhelί, Huascar Barradas, album Latineando, 2006.

C'est du jazz latino 41

Pedro Alzuru — 2025-11-02T11:28:55Z

Le jeu du trombone en latin jazz présente des caractéristiques distinctives, fruit à la fois des traditions qui y sont préservées et des innovations que chaque nouvelle génération de musiciens, fidèle à son époque, acquiert naturellement. Du point de vue du mélomane, sans entrer dans les détails techniques de la composition, le trombone en latin jazz est un instrument à la personnalité bien distincte. Ses principales caractéristiques lui confèrent sa saveur unique et le rendent si reconnaissable.

Dans le jazz latino, le trombone [1] joue un rôle primordial, sa sonorité callejera (du faubourg, street) est peut-être sa caractéristique la plus distinctive. Le trombone lui confère un son puissant, épais et parfois légèrement « rauque » (dans le bon sens du terme). Celui-ci contraste avec la brillance des trompettes ou la douceur des violons, conférant à la musique une énergie plus terreuse et locale. Souvent, les sections de trombones (deux, trois, voire quatre) créent une sorte de mur sonore rythmique et mélodique. Ils ne se contentent pas de jouer des mélodies, ils créent aussi des « moñas » (phrases répétitives et entraînantes) qui s'entremêlent au rythme, renforçant l'énergie de la chanson. C'est un son compact et très percutant. On retrouve cette caractéristique dans le célèbre groupe de Machito dans les années 1940, dans celui de Tito Rodriguez quelques années plus tard, et dans les groupes d'Eddie Palmieri jusqu'à aujourd'hui.

Le trombone, grâce à sa coulisse, permet des glissements fluides (glissandos) entre les notes et des chutes dramatiques qui imitent la parole humaine ou une complainte. Cela confère à la salsa une touche très expressive, parfois même enjouée. Dans les sections de mambo, où l'orchestre explose rythmiquement, le trombone déploie une puissance immense. Ses phrases sont généralement puissantes, courtes et rythmiquement précises, contribuant à cette énergie irrésistible pour la danse.

On ne peut pas parler du trombone en salsa sans évoquer Willie Colón. Il l'a propulsée au premier plan, lui donnant une importance qu'elle n'avait pas auparavant, et a largement défini le son bravo et street que nous associons à la salsa dura. Cependant, comme de nombreuses innovations dans ce genre musical, qui s'inscrit dans la continuité des rythmes caribéens popularisés dans les Amériques du début du XXᵉ siècle jusqu'à l'avant-garde du latin jazz actuel, elles s'inscrivent dans une tradition.

En latin jazz, le trombone conserve certaines des caractéristiques de la salsa, mais avec une plus grande flexibilité et une plus grande importance accordée à l'improvisation et à la sophistication harmonique. En termes de polyvalence tonale, le trombone peut sonner puissant et brillant pour percer les cuivres, ou doux et velouté pour les mélodies lyriques et les solos introspectifs. C'est un instrument très expressif. Dans ses solos mélodiques et rythmiques, en latin jazz, le trombone laisse une large place à l'improvisation. Leurs solos peuvent être très mélodiques et chantants, mais aussi rythmiquement complexes, jouant avec la clave et des motifs afro-cubains ou brésiliens.

L'utilisation du slide comme « couleur » est également un facteur important : comme en salsa, les glissandos et les inflexions slide sont des outils expressifs importants qui permettent au tromboniste d'étaler les notes, d'ajouter une touche blues ou plaintive, ou simplement de donner une couleur particulière au phrasé, très jazzy.

Dans la section des cuivres : bien qu'il puisse avoir des moments de prédominance, le trombone y est crucial (avec les trompettes et les saxophones). Il contribue à la richesse des arrangements et des harmonies, apportant souvent « l'embonpoint » ou le « corps » du son global des cuivres.

Dans son dialogue avec les percussions : sa sonorité profonde et sa capacité rythmique lui permettent d'établir un dialogue très étroit avec les percussions (congas, bongos, timbales), créant un « pousser et tirer » essentiel au groove. En bref, tant en salsa qu'en latin jazz, le trombone est un instrument qui apporte puissance, expressivité, une couleur unique et une connexion profonde avec le rythme. C'est la partie la plus difficile de la section des vents, mais avec une capacité surprenante à la mélodie et au lyrisme.

Generoso Jiménez García (1917–2007), était un tromboniste, chef d'orchestre et arrangeur cubain. Il était membre de la Banda Gigante de Beny Moré et collaborait fréquemment avec des musiciens de la scène descarga comme Cachao. Le producteur Nat Chediak a décrit Tojo comme « le père du trombone créole ».
En 1939, il fonda l'Orquesta Rítmica avec le flûtiste Efraín Loyola et le violoniste Gilberto La Rosa. Il resta à Cuba après l'arrivée au pouvoir de Fidel Castro en 1959 et enregistra en 1965 El trombón majadero, considéré comme un classique de la musique cubaine. Il tomba ensuite en disgrâce auprès du gouvernement cubain, arrêta de jouer du trombone et devint vendeur ambulant.
En 2001, il compose, arrange et réalise un nouvel album, Generoso qué bueno toca usted, avec 27 musiciens, dont Paquito D'Rivera et Arturo Sandoval. En 2003, il est autorisé à assister à la cérémonie des Grammy Awards à New York suite à la nomination de l'album dans la catégorie « Meilleur album latin tropical traditionnel ». Quelques mois plus tard, il retourne aux États-Unis et s'installe en Floride. Il reprend le trombone et sa carrière renaît. Son dernier enregistrement est pour l'album 90 Millas de Gloria Estefan, sorti en 2007.
Discographie : Ritmo (1957), El danzón con Generoso y su danzonera (1960), El trombón majadero 1965, Generoso qué bueno toca usted (2001). [2]
1 Trombόn criollo, Generoso Jiménez avec Cachao, album Cuban Jam Sessions, 1957.

« Barry » Rogers (1935–1991), tromboniste américain de jazz et de salsa. Né dans le Bronx, il descendait de familles juives polonaises et a grandi à Spanish Harlem. Sa famille (nom d'origine : Rogenstein) possédait un sens aigu de la musique. Son père et plusieurs de ses oncles chantaient dans la chorale de Joseph Rosenblatt, et sa mère enseignait en Afrique et au Mexique, suscitant son intérêt pour la musique d'autres pays. La mambo et le jazz étaient populaires dans son quartier.
Élève des trombonistes de jazz Jack Teagarden, Lawrence Brown et J. C. Higginbotham, Rogers a commencé à jouer de la musique latine au milieu des années 1950 et y restera étroitement associé dès lors. Il a développé son style en travaillant avec Eddie Palmieri. Willie Colón considérait Rogers comme sa plus grande influence musicale et l'utilisait dans plusieurs de ses productions. Bobby Valentín l'utilisait dans sa chanson El Jíbaro y la Naturaleza, ce qui a valu à Marvin Santiago de le surnommer « El Terror de los Trombones ». Rogers a travaillé avec Israel « Cachao » López, Machito, Manny Oquendo, Celia Cruz, Tito Puente, Cheo Feliciano, Johnny Pacheco, Chino Rodríguez et les Fania All-Stars. Bien que connu comme tromboniste de salsa et musicien de studio, il a collaboré avec des musiciens de jazz, de soul et de pop. Il a été membre fondateur du groupe Dreams avec Michael Brecker, Randy Brecker et Billy Cobham. Il a également travaillé avec George Benson, David Byrne, Ron Carter, Aretha Franklin, Don Grolnick, Bob James, Elton John, Chaka Khan, Bob Moses, Todd Rundgren, Carly Simon, Spyro Gyra, James Taylor et Grover Washington Jr. Le 18 avril 1991, il est retrouvé mort dans son appartement de New York, victime d'une apparente crise cardiaque.
2 Manhá de carnaval, Barry Rogers avec Eddie Palmieri y La Perfecta, album Mozambique, 1964.

José « Joe » Gallardo (né en 1939 à Corpus Christi) est un musicien et compositeur de jazz américain. Il est né à Corpus Christi, au Texas. Son père était professeur de piano et il a suivi des cours auprès de lui dès l'âge de six ans. À quinze ans, il a commencé à étudier la trompette. Entre 1961 et 1963, il a joué dans l'orchestre Stan Kenton et l'orchestre Luis Arcaraz au Mexique, tout en poursuivant ses études de composition. La même année, il s'est installé à Stuttgart, en Allemagne de l'Ouest, où il a travaillé avec Wolfgang Dauner et Fred Braceful. Après avoir effectué son service militaire aux États-Unis, il a commencé à étudier la pédagogie musicale dans sa ville natale jusqu'en 1968. Au cours des années suivantes, il a travaillé avec divers musiciens et chefs d'orchestre, tels que Nelson Riddle, Peggy Lee, Sammy Davis, Peter Ponzol et Abbey Rader.
En 1978, il reçoit un Grammy Award pour sa composition « Amanecer », présenté par Mongo Santamaría. L'année suivante, il s'installe définitivement en Allemagne, se consacrant particulièrement aux styles de jazz latino et moderne, qui lui sont caractéristiques.
En 1990, il rejoint le NDR Big Band comme tromboniste, dont il restera membre permanent jusqu'en 2008, tout en étant professeur à la Hochschule für Musik und Theater de Hambourg. Depuis 1993, il est directeur de l'Orchestre de jazz des jeunes du Schleswig-Holstein.
Discographie : Latino Blue (1979), A Latin Shade of Blue (2001), Latin Jazz Latino (2005).
3 Danzon azul, SWR Big Band and Joe Gallardo, album It is what it is, 2024.

Ed Byrne (né en 1946 à Philadelphie) est un tromboniste, compositeur, arrangeur, auteur et professeur, connu pour ses improvisations jazz, ses compositions originales et ses ouvrages de méthodologie d'improvisation jazz linéaire. Sa discographie comprend plus de 60 enregistrements, dont le Carnegie Hall Concert (album Gerry Mulligan et Chet Baker) et l'album de jazz latin Unfinished Masterpiece d'Eddie Palmieri, récompensé par un Grammy Award en 1974.
Depuis les années 1970, Byrne a joué du trombone comme sideman aux côtés de nombreux artistes de jazz new-yorkais parmi les plus connus (Chet Baker, Joe Henderson, Herbie Hancock, Charlie Mingus, Eddie Palmieri, Willie Colon, Manu Dibango, et bien d'autres). Il apparaît comme sideman et/ou soliste sur plus de 60 enregistrements studio new-yorkais. Il a été nommé meilleur soliste au trombone par le Latin New York Magazine en 1976. Sa composition originale, Fenway Funk, enregistrée par Bobby Paunetto en 1976, a été nominée aux Grammy Awards. Byrne dirige régulièrement ses propres groupes de jazz depuis des décennies. Installé dans le Massachusetts, son quatuor actuel continue de présenter sa musique originale. Two Shades of Blue, son premier album en tant que leader (2000), est un enregistrement studio réunissant le guitariste John Abercrombie, le pianiste Jim McNeely, le bassiste Ron McClure, le batteur Victor Lewis, le percussionniste Milton Cardona et Ed au trombone. (Conquistador) (2012) mettait en vedette son groupe Latin Jazz Evolution.
Byrne a enseigné le jazz à temps plein au Berklee College of Music pendant de nombreuses années et est l'auteur de la série de 17 ouvrages Linear Jazz Improvisation. Il est titulaire d'un doctorat en études de jazz du New England Conservatory of Music.
4 One for Carlos, Ed Byrne, album Conquistador, 2012.

Steve Turre, tromboniste et compositeur de jazz américain. Fils de parents mexicano-américains, il a grandi dans la baie de San Francisco, s'imprégnant de toutes sortes de musiques, du mariachi au blues et au jazz. Après un bref passage au violon, il s'est tourné vers le trombone à l'âge de 10 ans et a commencé à travailler avec des musiciens locaux trois ans plus tard. Étudiant à l'Université d'État de Sacramento, il a rejoint le groupe de salsa de Pete et Coke Escovedo, marquant le début d'une longue carrière où la musique latine allait jouer un rôle important.
En 1972, le légendaire Ray Charles a engagé Turre pour sa tournée, et un an plus tard, Woody Shaw l'a intégré aux Jazz Messengers d'Art Blakey. Il travaille avec Thad Jones et Mel Lewis la même année, avec Woody Shaw en 1974 et avec Chico Hamilton en 1975, ce qui propulse définitivement la carrière de Turre, qui commence à travailler pour certaines des figures les plus importantes du jazz du moment : Dizzy Gillespie, McCoy Tyner, J.J. Johnson, Herbie Hancock et Tito Puente, entre autres. Mais c'est sa rencontre avec Rahsaan Roland Kirk qui marque un tournant radical dans sa vie artistique : ce dernier l'initie à l'étude des coquillages, un instrument qui, dès lors, devient indissociable de la vision musicale du tromboniste.
Dans les années 1980, il participe à l'Orchestre des Nations Unies de Dizzy Gillespie, à la Brass Fantasy de Lester Bowie et à The Timeless All-Starts. En 1984, il rejoint le légendaire Saturday Night Live Band, et lance divers projets sous son propre nom, dont Sanctified Shells, où il transforme la section de vents traditionnelle en un chœur de coquillages. Il sort en 2001 ce que beaucoup considèrent comme son meilleur album à ce jour, TNT (Trombone and Tenor).
5 Smoke gets in your eyes, Steve Turre, album Generations, 2022.

"Willie" Colón, né en 1950 dans le Bronx, d'origine portoricaine, est, depuis le début des années 1960, un pionnier de la salsa, à la fois directeur musical, compositeur, activiste et producteur, chanteur et tromboniste. Il est considéré comme un peintre des visages de son peuple, un artiste qui a reflété dans ses chansons la conscience d'une génération qui exigeait le respect social et qui se battait pour la revendication de ses conditions de vie.
Il commence par étudier la trompette à l'âge de 12 ans puis opte pour le trombone. Willie Colón commence à prendre des leçons de musique et dirige parallèlement un orchestre de 14 musiciens, le Latin Jazz All-Stars. Sa passion musicale, lui vient de sa grand-mère, qui l'a élevé en le berçant aux mélodies du recueil de chansons populaires portoricaines, l'introduisant à la fascination des rythmes typiques du pays. Son premier groupe professionnel comprend une section de deux trombones, en hommage à Mon Rivera et Barry Rogers ses idoles.
En 1967, alors qu'il n'a que 17 ans, il signe avec Fania et enregistre son premier album El Malo. Ses compositions « Jazzy » et « I wish I Had a Watermelon » deviennent vite des tubes. Le décollage de son projet musical est en grande partie dû à sa rencontre avec le chanteur Héctor Lavoe, avec qui il a créé le binôme le plus important en salsa.
Willie Colon introduit dans ses compositions des influences extra-cubaines dans la musique latine et dans le Latin jazz. Il obtient une reconnaissance internationale avec La Murga de Panamá, écrite avec Héctor Lavoe. Ses albums sont appréciés pour leurs influences pluriculturelles. À travers ses compositions qui abordent tous les thèmes, il développe le concept de salsa engagée.
6 The Hustler, Willie Colon, album The Hustler, 1968.

Nommé cinq fois aux Grammy Awards, Wayne Wallace est l'un des représentants les plus respectés de la musique afro-américaine et latino-américaine au monde. Connu pour son utilisation de formes et de styles traditionnels alliés à la musique contemporaine, il a récemment été reconnu par son classement dans les catégories « trombone » et « producteur » du Downbeat Critics Poll.

Arrangeur, pédagogue et compositeur accompli, M. Wallace a composé pour le cinéma et la télévision. Il a également reçu des subventions du Creative Work Fund, du National Endowments for the Arts, de la Fondation Lila Wallace et de la San Francisco Arts Commission. M. Wallace a joué, enregistré et étudié avec des maîtres reconnus des styles afro-latins et du jazz. Cette expérience a fourni à M. Wallace une base solide pour explorer actuellement les croisements de divers styles culturels et concepts rythmiques.

Né en 1952 et élevé à San Francisco, en Californie, Wayne a été très tôt exposé au blues, à la country, au western et au jazz. L'environnement musical fertile de la baie de San Francisco a façonné sa carrière de manière unique. Ses études de musique afro-latine et de jazz l'ont amené à voyager à plusieurs reprises à Cuba, à New York et à Porto Rico. M. Wallace est un enseignant et historien très respecté. Il enseigne actuellement à l'Université d'État de San José, à l'Université Stanford et à la Jazz Scholl de Berkeley. Il anime des conférences, des ateliers et des stages en Amérique et en Europe depuis 1983. Il est actuellement membre du comité consultatif de la San Jose Jazz Society. À la tête de son propre label, Patois Records, Wayne a créé une entreprise unique dont la mission est de développer et de documenter les styles multilingues de la scène musicale de la baie de San Francisco. Patois Records gagne en notoriété dans l'industrie musicale et à l'international. Sous sa direction, le label a publié neuf enregistrements salués par la critique [3].
7 Playa negra, Wayne Wallace Latin jazz quintet, album ! Bien, Bien ! 2009.

Angel R. « Papo » Vázquez (né en 1958 à Philadelphie) est un musicien américain de latin jazz (trombone, arrangement, composition). Soliste au style unique, arrangeur et compositeur, il est considéré comme l'une des figures majeures de la musique latine selon Martin Kunzler.
Vázquez, qui a grandi dans un environnement d'influence portoricaine à Philadelphie et à Vega Baja (Porto Rico), a acquis ses premières expériences musicales au sein d'orchestres scolaires. Il est devenu musicien professionnel à l'âge de treize ans. Encore adolescent, il s'est installé à New York où, au début des années 1970, il a travaillé dans des groupes tels que Conjunto Libre, dans le groupe d'Héctor Lavoe, et avec des stars de la salsa comme Ray Barretto, Celia Cruz, Eddie Palmieri et Willie Colón (Siembra). Il est ensuite devenu membre des Fania All Stars. Il a effectué des tournées en Europe avec l'orchestre de Ray Charles. Dans le domaine du jazz, il a travaillé avec Dizzy Gillespie et son Orchestre des Nations Unies, ainsi qu'avec Frank Foster, Woody Shaw, Mel Lewis, Hilton Ruiz, Dave Valentin et Jerry Gonzalez. Il a été membre des groupes de Tito Puente pendant de nombreuses années. De 1981 à 1985, Vázquez a de nouveau vécu à Porto Rico, où il a cofondé et dirigé le groupe à succès Batacumbele. Durant cette période, il a également travaillé en studio aux États-Unis et participé aux enregistrements primés de Rubén Blades. Il a également contribué aux bandes originales de films tels que The Mambo Kings et Mo' Better Blues (Spike Lee).
En 1991, il a présenté son premier album en tant que leader, (Breakout, suivi de At the Point, Vol. I et Vol. II en 1999/2000. Il a poursuivi son succès avec son groupe Pirates Troubadours & the Mighty Pirate Orchestra ; son album Marooned / Aislad a été nominé aux Grammy Awards en 2009. En 2021, il a sorti l'album The Mighty Pirates Troubadours, Chapter 10 : Breaking Cover (Picaro).
8 NY latin jazz mambo, Papo Vazquez, album Chapter 10 : Breaking cover, 2000.

Gary Valente (né en 1953) est un tromboniste de jazz. Valente est né à Worcester, dans le Massachusetts. Il a commencé à jouer du trombone dès son plus jeune âge, encouragé par son père, qui jouait du même instrument. Dans les années 1970, il a étudié au Conservatoire de musique de Nouvelle-Angleterre avec Jaki Byard et a enregistré avec le Jazz Repertory Orchestra du conservatoire.
Valente est devenu une figure marquante du jazz big band contemporain, au sein de formations dirigées par Carla Bley, Lester Bowie, Chico O'Farrill et George Russell. Il a également joué dans diverses formations plus petites, notamment celles dirigées par Don Byron, Cab Calloway, Charlie Haden, Joe Lovano et Andy Sheppard.
En tant que leader, il avait un petit groupe avec le saxophoniste ténor Bob Hanlon à la fin des années 1980 et a cofondé Slideride avec d'autres trombonistes en 1994. À la fin des années 1990, il a dirigé un quintette avec Lew Soloff.
9 Habana blues, Gary Valente avec Chico O'Farril, album Carambola, 2000.

Concluons ainsi cette émission consacrée au trombone, instrument d'une sonorité profonde dont la capacité rythmique lui permet d'établir un dialogue très étroit avec les percussions (congas, bongos, timbales), créant un jeu de va-et-vient essentiel au rythme. En résumé, tant en salsa qu'en latin jazz, le trombone est un instrument qui offre puissance, expressivité, couleur unique et connexion profonde avec le rythme, mais aussi une capacité mélodique et lyrique surprenante.
Soucieux de vous offrir le meilleur — pour danser, pour écouter, pour cultiver le plaisir de la musique — nous vous invitons à notre prochain épisode, dans lequel nous poursuivrons avec les instruments.

[1] Le trombone est un instrument de musique à vent et à embouchure de la famille des cuivres clairs. Le terme désigne implicitement le trombone à coulisse caractérisé par l'utilisation d'une coulisse télescopique, mais il existe également le trombone à pistons. Le trombone à coulisse est l'un des rares instruments à vent dont la maîtrise ne nécessite pas l'utilisation individuelle des doigts.
Que le trombone soit ténor ou basse, son registre est plus grave que celui d'une trompette. Sa forme allongée courbée comme un S et surtout sa section de tube cylindrique, qui lui donne un son plus brillant, le distingue des euphoniums ou des saxhorns au registre comparable, au son plus feutré dû à leur section de tube conique.
Il est utilisé dans de nombreux genres musicaux, de la musique classique au jazz, en passant par la salsa, le ska, le funk ou la musique militaire ; il est joué dans les orchestres symphoniques, les orchestres d'harmonie, les fanfares, les big bands, les brass bands, etc.
Un joueur de trombone est appelé tromboniste ou, par métonymie, trombone (« le premier trombone de l'orchestre »).
https://fr.wikipedia.org/wiki/Trombone_(instrument)

[2] Les données biographiques résumées ici sont, sauf indication contraire de notre part, tirées des biographies disponibles sur https://en.wikipedia.org/

[3] http://www.walacomusic.com/html/media_quintet.html

C'est du jazz latino 41
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1 Trombόn criollo, Generoso Jiménez García avec Cachao y su ritmo caliente, album Cuban Jam Sessions in Miniature, 1957.
2 Manhá de carnaval, Barry Rogers avec Eddie Palmieri y La Perfecta, album Mozambique, 1964.
3 Danzon azul, SWR Big Band and Joe Gallardo, album It is what it is, 2024
4 One for Carlos, Ed Byrne, album Conquistador, 2012.
5 Smoke gets in your eyes, Steve Turre, album Generations, 2022.
6 The Hustler, Willie Colon, album The Hustler, 1968.
7 Playa negra, Wayne Wallace Latin jazz quintet, album ! Bien, Bien ! 2009.
8 NY latin jazz mambo, Papo Vazquez, album Chapter 10 : Breaking cover, 2000.
9 Habana blues, Gary Valente avec Chico O'Farril, album Carambola, 2000.