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Le jardin comme lieu de rêverie

Olga Caldas et Pauline Lisowski — 2022-02-27T11:17:47Z

Dans son jardin, espace intime, atelier en plein air, Olga Caldas retrouve le plaisir de se fondre parmi la végétation gardée à l'état presque sauvage ainsi que celui de se souvenir de moments passés dans d'autres lieux où ressentir l'énergie des plantes.

Ce lieu, œuvre de la nature et de l'artiste constitue un espace de jeu pour ses créations artistiques.

« Entre passé et avenir, le jardin reste suspendu : ce présent doux et lent, presque éternel, ce temps autre. » [1]

Les photographies d'Olga Caldas racontent le passage des saisons, le renouveau, l'attente vers la contemplation de nouvelles floraisons.

La mise en scène est la première étape de son travail photographique. Au fil des transformations du jardin, des objets, un lit en fer forgé et des végétaux deviennent les éléments d'un décor. L'artiste dialogue avec les plantes, dont elle prend soin et qu'elle laisse se développer librement.

Ces espèces à la fois cultivées et sauvages enveloppent le corps d'Olga Caldas dans sa série de photographies intitulée L'éphémère.

Comme dans un conte ou dans un rêve, notre perception est troublée. Pris dans un cocon, ce corps féminin semble se protéger et trouver dans la nature des fragments auxquels se raccrocher.

Songeur, endormi, reposé, il est à la fois entouré de ce voile blanc et habillé de presque rien pour accueillir diverses sensations au contact de la nature. Parfois, les végétaux le recouvrent. Ce vêtement la relie à son jardin, telle une seconde peau qui la rend légère.

Une métamorphose s'opère.

« Le cocon est la preuve que la métamorphose est avant tout la relation que nous avons avec nous-même » [2], cette phrase d'Emanuele Coccia fait écho aux mouvements du corps dissimulé par ce voile. Fée ou princesse, cette apparition féminine cherche son chemin à travers les plantes.

L'atmosphère nocturne de cette série photographique procure des sensations ambiguës, un basculement de l'enchantement vers la crainte d'être seule sans lumière.

Avec une part d'insouciance retrouvée dans ce lieu de contemplation, Olga Caldas joue avec les feuillages qui bougent légèrement au gré du vent. Ce qui suggère une tentative de s'ancrer au sol et une volonté de se laisser porter par les mouvements de ce phénomène naturel.

Les contrastes noir et blanc renforcent la dramaturgie des scènes. De même, l'obscurité trouble notre perception du jardin.

Les fleurs inspirent également l'artiste à composer des natures mortes où le végétal exprime la fugacité de la vie, qu'on tente malgré tout de figer et de préserver.

À partir de quatrains dédiés à la rose, écrits par Sarah Jalabert [3], elle réunit un ensemble
d'images poétiques dans lesquelles cette fleur incarne le symbole de l'amour, de la pureté et de la fragilité.

Tout un chacun entretient avec le bouquet de fleurs une histoire particulière, un lien affectif avec une personne qui l'aurait offert... La fleur, comme « la Madeleine de Proust », fait surgir des souvenirs et des émotions.

Dans certaines images, la rose caresse le corps, telle une délicate attention. Dans d'autres, le cœur de la fleur est révélé avec tous ses détails, comme si elle était dans l'attente d'être butinée. Elle traverse les photographies de l'artiste comme un repère de son attachement à la nature, lieu de ressourcement, d'émerveillement et source inépuisable d'inspiration.

Les quatrains résonnent en nous comme des pensées, des sensations, des expériences de contact avec cette fleur charnelle, que l'on considère comme éternelle.

Qui n'a pas songé à maintenir la rose dans un état éclatant de vie ?
Regardons ces fleurs d'une grande fraicheur, leur splendeur nous remplit de joie.

Des paysages et des corps songeurs rythment également les mots de l'écrivaine : une invitation à cheminer d'une photographie à une strophe du poème. Ce qui rappelle l'expérience d'une promenade dans un jardin durant laquelle notre regard est incité à circuler pour cueillir des fleurs et y humer leur doux parfum.

Entre ces beautés naturelles photographiées et les quelques lignes qui les rythment, deux regards sensibles se rencontrent.

Olga Caldas poursuit ses créations croisées avec Marie Morel. Une complicité s'instaure entre les deux artistes si bien que l'univers onirique d'Olga se retrouve dans la série Le Climat des Rêves de Marie et Olga, titre donné par le critique d'art Gilbert Lascault [4].

Dans ses ateliers, et alentours, Marie se livre aisément à toutes sortes d'expériences tactiles au contact d'éléments naturels, avec lesquels elle fait corps. L'artiste peintre, devenue modèle, en parfaite confiance avec la photographe, se laisse guider avec grâce et ses poses semblent être prises sur le vif.

Les photomontages d'Olga Caldas créent des va-et-vient entre intérieur et extérieur, entre le monde de l'artiste et le sien, entre le lieu du travail artistique et celui où vivre une expérience de joie au contact d'une nature familière et protectrice.

Telles des images d'un scénario, ces prises de vue ouvrent de multiples pistes pour s'imaginer toutes sortes d'histoires. Les mots, les personnes, les végétaux font surgir une infinité de dialogues, de relations et de correspondances.

Par leurs textures et la puissance des noir et blanc qu'elles donnent à voir, ses photographies sont semblables, à s'y méprendre, à des dessins, des gravures, des peintures.

Ainsi, les séries photographiques d'Olga Caldas nous transportent dans un monde intemporel, à la fois éphémère et éternel, paradis perdu et paradis retrouvé.

Puis, à l'occasion d'expositions, elle crée un environnement où les visiteurs sont conviés à se connecter avec une nature jardinée, tel un prolongement de son propre jardin.

Se promener parmi la végétation, y éprouver un retour à la l'oisiveté de l'enfance, au loisir et laisser venir des visions troublées de la réalité ou des sensations parfois oubliées, ces expériences à apprécier pleinement se révèlent poétiquement dans les images d'Olga Caldas : une invitation à la rêverie.

Pauline Lisowski, Paris février 2022

[1] Marco Martella, revue Jardins, Editions du Sandre. p. 5 écrit Marco Martella.

[2] Emanuele Coccia, Métamorphoses, Bibliothèques Rivages

[3] « Quatrains de la Rose » - Sarah Jalabert & Olga Caldas, livre à paraitre en avril 2022 aux éditions Unicité

[4] Préface de Gilbert Lascault du livre Miroir du temps - Olga Caldas, éditions Regard - nov. 2021

Instagram : hJps ://www.instagram.com/olga_caldas/
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LIVRES
• « Quatrains de la Rose »
Sarah Jalabert - quatrains & Olga Caldas - photographies Editions Unicité, à paraître en avril 2022
• « Miroir du temps » - Olga Caldas Les mondes de Marie Morel Editions Regard, nov. 2021
• « Noces d'or »
Nouvelle de Dominique Maisons - photographies Olga Caldas d'après la série L'Ephémère. à paraître

Les jardins de la paix

Pauline Lisowski — 2021-01-30T15:40:21Z

Le jardin est depuis longtemps un lieu qui reflète une pensée et invite à un moment de pause et d'attention. Cet espace renvoie au besoin d'être au plus près du vivant et convoque la vie, le souvenir et l'espoir d'un renouveau.

De quelle manière le jardin peut-il répondre à l'enjeu du devoir de mémoire ? Comment cet espace invite-t-il à apaiser la souffrance d'un événement douloureux qui a marqué de nombreux pays ?

Associé à la Mission du Centenaire de la Première Guerre Mondiale, le label de création, art & jardins | Hauts-de-France, déjà chargé de la coordination du festival Art, Ville et Paysage situé dans les hortillonnages à Amiens, depuis 2018, met en place un nouveau réseau de jardins situés à proximité des sites de mémoire de la guerre 14-18. Suite à un appel à projet, les équipes constituées de paysagistes, d'architectes... proposent des jardins ayant chacun une histoire et témoignant d'une particularité de cette période qui a marqué nos paysages. Depuis le début, ce projet est financé en grande partie par la région.

Dans les Hauts-de-France, territoire extrêmement meurtri par la 1ère et la 2nde Guerre Mondiale, les amateurs de jardins peuvent apprécier un parcours paysager des plus singuliers et prendre conscience que la nature est un trésor à préserver. Les paysagistes ont conçu des jardins en l'honneur des lieux de mémoire qui ponctuent un itinéraire cheminant à travers plusieurs villes et sites de cette grande région marquée par les traces de la première guerre mondiale. Le jardin, cette œuvre d'art vivante dont il faut prendre soin constitue un parfait symbole pour suggérer la paix et le renouveau d'un monde d'entraide entre les peuples. Les créateurs donnent de manière sensible un regain d'espoir pour appréhender autrement cette période qui a bouleversé certains territoires encore blessés. Chaque jardin implique pour celui qui s'y intéresse d'emprunter un chemin balisé par des monuments ou autres marqueurs de cet événement tragique qui a modifié l'environnement paysager. En se promenant, nous découvrons au fur et à mesure la topographie ébranlée, trouée dont certains accès peuvent susciter la crainte.

Le jardin convoque le renouveau, l'espoir de futures relations apaisées entres les nations et le respect d'autrui. Les paysagistes de différents pays offrent chacun leur perception du jardin comme lieu du souvenir et de l'avenir. L'inscription de l'art et de la création dans les territoires a une portée politique. « Ce projet d'itinéraire est l'indispensable célébration de la rencontre et de l'avenir en complément du parcours mémoriaux et cimetières de la grande guerre. » explique Gilles Brusset qui a co-conçu le jardin Le troisième train à Compiègne. La région se dote d'un nouveau circuit de découverte où au tourisme de mémoire s'ajoute celui des jardins contemporains.

Chaque équipe de paysagistes a d'abord ressenti le lieu, compris son enjeu, son passé et a proposé un projet en tenant compte de la charge émotionnelle que procurerait le jardin. Les différents sens y sont convoqués et plutôt qu'une approche directe de cet épisode de l'histoire, il s'agit d'éprouver par l'expérience des couleurs, des formes, des odeurs qui appellent un monde teinté de bienveillance, de temps pour les autres, pour les vivants et les non vivants. Ce projet révèle également les relations qui s'entretiennent au travers d'une passion pour le jardin et la création paysagère.

De plus, cet itinéraire paysager convoque nos manières d'aborder le jardin comme lieu de découvertes, d'observation et de relation de son corps à la nature. En découvrant progressivement chaque site, nous abordons autrement ce territoire qui fut le théâtre d'affrontements et dont l'environnement est aujourd'hui le témoin. La végétation a recouvert le sol tout de même modifié par les traces de cette période sombre de l'histoire. « Le jardin donne une beauté à ce cycle de la vie. Il représente un concentré de nature maîtrisée. On peut en contempler ce qu'il y a de plus beau. » affirme Gilbert Fillinger, directeur d'art & jardins. Des chemins nous guident et nous mènent à prendre une posture d'humilité et d'incitation au recueillement en ces lieux. Chaque jardin redessine une manière d'apprécier un site qui invite au silence et à un moment de réflexion. « Le jardin est un vecteur de guérison » précise également Gilbert Fillinger.

À Compiègne, pour le jardin du 3e train, Gilles Brusset a proposé de nouveaux tracés, sentiers et une sculpture, en écho aux deux trains dans lesquels ont été signés respectivement l'Armistice du 11 novembre 1918 et la reddition de 1940. Ce jardin conçu par l'équipe Francesca Liggieri + Gilles Brusset + Marc Blume offre un lieu de repos et des promenades sinueuses.

Les jardins reflètent chacun une esthétique paysagère et proposent un lieu où contempler, penser et se promener.

À termes, l'équipe d'Art et Jardins travaillera sur toute la ligne de front allant jusqu'au Grand Est pour créer un itinéraire d'une trentaine de jardins représentant nombreux pays. Cette poursuite de l'aventure paysagère est financée par le ministère des Armées.

Le jardin, lieu de mémoire et symbole de l'union entre des pays
Hauts-de-France
https://www.artetjardins-hdf.com/directory-project/jardins-de-la-paix/

Délice de Nicolas Tourte

Pauline Lisowski — 2020-11-02T11:52:13Z

Cette sculpture pour un parc à Chevilly Larue s'inscrit dans une dynamique de commandes publiques d'œuvres qui deviennent des marqueurs du paysage urbain tout en portant un message. Nicolas Tourte offre aux habitants et riverains une pièce qui à la fois s'inscrit comme point d'intérêt dans un parc pour être contemplée de loin et dont l'aspect se modifie selon le contexte météorologique.

Chevilly Larue est une des villes qui accorde une grande importance à l'Agenda 21 [1]. Dans le cadre de sa politique engagée en faveur du développement durable, avec notamment l'objectif n°8 de ce programme « Faire de l'espace public un lieu de vie, de rencontre, et de nature » et en s'appuyant sur la fiche action n°16 « Créer des zones artistiques dans les rues », la commune a proposé un appel à projet à destination des artistes intitulé « L'empreinte écologique de l'art ». Ils étaient invités à répondre à celui-ci en proposant une œuvre dont l'enjeu était d'inciter un changement de regard sur le changement climatique tout en utilisant des matériaux écologiques et durables. Nicolas Tourte, le lauréat, y trouve l'occasion de poursuivre son exploration artistique de la ville à la suite de la création de son installation in situ pour l'exposition « Métamorphoses du quotidien » à la Maison des arts plastiques Rosa Bonheur [2]. Il avait installé une sculpture-architecture qui prenait appui sur une fenêtre-hublot de l'espace d'exposition. Celle-ci créait à la fois un point de vue telle une jumelle sur l'extérieur et était support à une projection vidéo cyclique nous emmenant vers un univers cosmique.

Le cercle et les notions de cycle et d'infini caractérisent l'ensemble de sa pratique artistique. Nicolas Tourte voit dans la forme circulaire un symbole du temps et de la vie comme éternel recommencement. Sa sculpture Délice a pour origine son enquête du site proposé par la ville et une attention envers la circulation du regard du visiteur et promeneur. Elle est visible de loin et nous invite à descendre dans le parc et à continuer la balade.

L'artiste a choisi l'acier corten, un matériau entièrement recyclable à l'infini et durable dans le temps. Si son œuvre paraît forte et comme un signal, elle est en devenir. Située volontairement dans un bassin de rétention d'eau, elle n'est complète qu'une fois inondée. Un miroir d'eau accueillera ses reflets durant certaines périodes de l'année. Telle une roue, elle fait écho à l'éternel retour à la terre. Nous individus, nous ne faisons que passer. Délice évoque à la fois une boucle temporelle et le caractère éphémère de nos vies. Les flèches en creux suggèrent un futur proche et nous mettent en garde contre les effets des bouleversements climatiques. Celles-ci indiquent également des directions à suivre allant dans un sens infini. N'y-a-t-il pas là l'image d'un changement qui n'en finit pas et d'un processus naturel, un renouveau perpétuel ? Cette œuvre combine à la fois l'idée du jeu et celle d'une action qui ne s'arrête jamais. Elle contient des références multiples qui nécessitent qu'on s'y intéresse pour les découvrir.

Cette sculpture s'inscrit dans une dynamique de commandes publiques d'œuvres qui deviennent des marqueurs du paysage urbain tout en portant un message. Nicolas Tourte offre aux habitants et riverains une pièce qui à la fois s'inscrit comme point d'intérêt dans un parc pour être contemplée de loin et dont l'aspect se modifie selon le contexte météorologique. Elle met en évidence les variations du temps et ce que certaines conditions climatiques produisent sur notre environnement. Elle parle d'une problématique qui nous touche tout en nous laissant libres d'y voir d'autres histoires. Tel serait le rôle de l'art, nous convier à une expérience sensible et faire naître des réflexions. L'artiste a su tirer parti des contraintes de l'appel à projet pour faire naître cette forme qui poursuit ses recherches esthétiques et plastiques. Les habitants se sont déjà appropriés cette œuvre que l'on attend maintenant découvrir sous un autre jour.

[1] Un programme local d'actions en faveur du développement durable.

[2] Exposition collective à la Maison de arts plastiques Rosa Bonheur avec les artistes
Nicolas Tourte \ Julie Legrand \ Laurence Nicola \ Marie Denis \ Hélène Muheim \ Eudes Menichetti \ Angèle Guerre \ Éloïse Van der Heyden \ Katia Bourdarel \ Laurent Debraux \ Laurent Pernot \ Laure Tixier \ Carolein Smit \ Amandine Gollé \ Lionel Sabatté \ Laurence Gossart \ Luc Doerflinger \ Yves Helbert \ Maylis Turtaut, Commissariat : Pauline Lisowski avec la collaboration de Fabienne Leloup. Collaboration artistique : Marie Denis, du 6 mars au 11 avril 2020 puis du 7 septembre au 3 octobre 2020.

D'après nature

Pauline Lisowski — 2019-12-02T21:43:24Z

Marc Didou invité à porter son regard sur le domaine de Trevarez présente un ensemble d'œuvres réalisées entre 2013 et 2017 qui traitent toutes de l'idée de nature.

Ces douze sculptures, installations constituent pour lui une seule et même œuvre. Les différents espaces intérieurs et extérieurs l'ont incité à les positionner en relation avec des éléments de l'architecture. Pour certaines, il a inséré des bois issus du parc. L'artiste utilise des matériaux issus de l'industrie pétrolière, leur donne un nouvel usage, en choisissant de faire basculer notre regard. « Tout mon intérêt consiste à travailler et à transformer cette matière artificielle chargée d'anthropologie, pour essayer d'ouvrir des correspondances invisibles en résonance de leur origine oubliée, la nature. » précise l'artiste. Ses œuvres jouent sur des liens formels entre le monde de l'homme, du travail, des traces d'un passé sur des objets et les formes naturelles. Chez lui, l'industriel, la rigueur et le poids des matières s'entrelacent avec la fluidité et l'organicité. L'artiste retourne l'objet industriel pour lui donner une nouvelle peau, comme si l'altération pouvait offrir une seconde vie.

Petrolum reversus 1 — Marc Didou

Dans le parc, Petroleum reversus I attire notre regard : Deux éléments couchés, en équilibre, provoquent une ambiguïté entre le matériau industriel et l'écorce d'un arbre. Marc Didou renverse l'intérieur vers l'extérieur et donne ainsi une autre histoire aux éléments qui ont subi l'érosion.

L'artiste a pris soin de nous amener à regarder différents endroits du domaine. Ses œuvres nous invitent à porter notre attention sur son architecture et sur son histoire. Il affirme vouloir « investir l'ensemble du parc de manière à ce que la pensée se déroule par stations successives, en harmonie avec le cheminement et le rythme d'un promeneur, de son temps et de l'espace qu'il traverse [1] ». Ses sculptures et installations nous conduisent étape par étape à contempler la diversité du décor du château, à s'interroger sur sa spécificité et à poursuivre une enquête, des fouilles.

Marc Didou investit son corps dans la fabrication de ses sculptures. Elles reflètent le poids de ses matériaux, celui du temps de ses nombreux gestes.

Dans les anciennes écuries au décor remarquable, l'artiste propose des œuvres qui répondent à l'espace et convoquent un territoire archéologique. Son installation Petroleum reversus II prend corps à partir d'une fosse à partir de laquelle s'extrait un segment d'oléoduc. Une sensation de légèreté en opposition à ces éléments naît en contemplant ses sculptures. En tournant autour, on peut y voir des formes organiques voire animales.

Arbre de transmission — Marc Didou

Avec Arbre de transmission, il retourne des pièces mécaniques pour faire apparaître une écorce. Son installation Contresols convoque le rapport à la terre et au feu. Des récipients contiennent une lumière, en écho au processus d'extraction. Cette œuvre habite une des pièces des grandes écuries et fait surgir des traces d'une présence.

Une série de photographies documente son travail et témoigne de ses gestes de sculpteur, recherche des matériaux, découpe au chalumeau, assemblage par soudure...

Marc Didou a collaboré avec la nature et a ancré son exposition dans une cohabitation avec le vivant. Il redonne un usage à un arbre qui fut abattu et transmet alors la mémoire du domaine. Les éléments sont souvent couchés dans ses œuvres, en équilibre, en tension. Ses pièces convoquent le temps d'une métamorphose, d'un renouveau. « C'est la transformation qui m'importe. Mais il est vrai que dans cette série d'œuvres, j'ai souvent usé de la juxtaposition entre l'élément de départ (brut ou manufacturé) et sa forme actuelle (transformée). La genèse devient plus tangible ; c'est un raccourci qui force l'observateur à reconstruire les étapes. » explique-t-il.

Labours et rebours — Marc Didou

Chaque sculpture par son emplacement guide notre cheminement. L'installation Pipeline fossilis II composée de cinq éléments suggère une clairière. Elle fait référence aux alignements de pierres dressées en cercle tandis que les pierres sur lesquelles les pièces sculptées reposent font écho à celles du château.

Labours et rebours met en tension un arbre coupé avec des branches, poutres, éléments d'architecture. Marc Didou met en évidence une temporalité des matières liées à la construction. La notion de travail, de force, de puissance et de fragilité des éléments est au cœur de sa démarche. Dans le parc, ses œuvres prennent une nouvelle vie et la végétation les traverse leur donnant une nouvelle naissance.

Carbon steel pipe — Marc Didou

Avec Carbon steel pipe, un arbre vient se greffer à un banc. A l'intérieur, on y découvre une accumulation de charbons trouvés dans les caves du château. Cette installation invite à une pause face à un chêne.

Dans le prolongement de ces relations avec l'architecture, Chassé-croisé présente un arbre, cette fois, debout, position rare, chez l'artiste, ce qui crée un lien visuel avec les tours du château. Elle élève notre regard vers le ciel.

Marc Didou a également choisi l'emplacement de ses sculptures en fonction de la présence des autres œuvres d'artistes contemporains. Le long d'un parterre enherbé, l'installation Contreciels est composée d'anciens concasseurs de pierres métamorphosés en puits qui accueille l'idée de l'eau, très présente dans le parc. Dans le même alignement que le bassin long et étroit où Shigeko Hirakawa a installé des boules d'eau, cette œuvre nous invite à descendre vers le jardin à l'anglaise et alors à découvrir une fontaine sur laquelle Eva Jospin a conçu une proposition artistique discrète, en relation avec les matières qui se modifient au fil du temps.

Après nature — Marc Didou

A la fin du parcours, dans la salle du château où sont dévoilées les traces du bombardement qui a marqué le bâtiment, Après Nature, au ras du sol, s'apparente à une mue. Marc Didou a également doré une poutre provenant du pin de Monterey abattu dans le parc suite à une tempête. Ce recouvrement, telle une réparation rappelle le décor fastueux du domaine.

Ainsi, ses œuvres s'inscrivent dans l'histoire du domaine et dans une relation à la nature. Elles nous engagent à percevoir autrement la dichotomie entre naturel et artificiel, entre rigidité et fluidité, entre intervention de l'homme et travail de la nature. Elles répondent à l'architecture, au décor, au passé et aux nouveaux usages de ce lieu qui conserve en lui des traces d'une occupation récente. Marc Didou nous invite à relire ce lieu dont les recherches sont encore en cours. Ses œuvres seraient des indices d'une nature qui conserve la mémoire du lieu, indice du temps.

Chassé croisé — Marc Didou

[1] Entretien avec Marc Didou, le 9 septembre 2019.

jusqu'au 30 octobre 2019
Exposition de Marc Didou
Chemins du patrimoine en Finistère
Domaine de Trévarez
29520 — Saint-Goazec

Frontispice : Petrolum reversus — Marc Didou — © Philippe Robin

Perce-voir un lieu

Agnès Prévost , Jean-Pierre Brazs et Pauline Lisowski — 2019-01-28T21:44:00Z

La rencontre d'un lieu est pour Jean-Pierre Brazs et Agnès Prévost le point de départ d'expérimentations artistiques et géographiques. Tous deux explorent un endroit choisi dans une quête de rencontres, d'observations et d'attention à des traces, signes des relations et des passages d'êtres vivants. Depuis juin 2018, ils travaillent ainsi de façon parallèle dans deux régions très éloignées l'une de l'autre en suivant le désir commun de les « Perce-voir ».

Et ce mot est lui aussi choisi. Leur démarche poursuit le basculement de la conception courante du paysage (qui n'est qu'un système de représentation) vers une pratique (praxis) des territoires impliquant expérience et apprentissage. Elle se fonde sur l'expérience de ressentis, d'émotions, de relations physiques, qui nécessitent du temps long, pour créer une mémoire.

Comment rendre compte des caractéristiques d'un territoire, qui par définition prend en compte la pluralité du vivant qui l'occupe ? Et comment définir la spécificité d'une pratique artistique liée à un territoire ?

Pour répondre à cette question, Jean-Pierre Brazs et Agnès Prévost mènent diversement une enquête qui prend le temps de l'arpentage pour faire remonter à la surface des éléments qui témoignent du lieu en tant que lieu vécu.

Jean-Pierre Brazs a vu dans le Mont Salève, site emblématique du paysage du Genevois, un terrain de recherches, d'expériences et de construction de récits. Si au départ, sa pratique consistait non pas à introduire une « œuvre » dans un lieu mais à y intervenir à partir de points de vue précis pour en modifier la perception, il privilégie désormais une attention aux marques, traces, empreintes (volontaires ou involontaires) abandonnés dans les territoires. Une façon d'en sonder les profondeurs. Selon l'artiste, « les lieux sont construits, dans le sens où il s'agit de portions d'espace circonscrites et nommées. Ils sont pratiqués, parce qu'ils accueillent les activités de différents êtres vivants, dont les êtres humains. Ces activités peuvent être simultanées (synchronie, superposition dans l'espace) ou successives (diachronie, succession dans le temps). Les activités génèrent des transformations dans le paysage. Ces transformations sont de différentes natures et interviennent à différentes échelles. (Depuis des défrichements, des terrassements, des constructions d'infrastructures ou de bâtiments, des plantations, etc., jusqu'à des interventions infimes, parfois intimes.). Chaque pratique laisse des traces dans le paysage. Elles peuvent être très éphémères ou plus ou moins pérennes. Elles s'ajoutent, à la manière d'un palimpseste, aux traces du passé [1]. » Il a découvert sur le mont Salève des traces de « feux de camp » récents ainsi que de nombreux signes gravés et peints dans les rochers de Faverges. Il a repéré différentes traces qu'il interprète comme des signes pouvant prendre leur autonomie et constituer la matière de futurs récits.

Le territoire des Calanques marseillaises choisi par Agnès Prévost lui impose comme tout lieu sa complexité, au sein de laquelle marches et prises de vue photographiques et dessins permettent une première entrée. « Le lieu est pour moi un inconnu, et il devient sujet d'une rencontre. Telles les strates géologiques, il est ”multicouche”. Cet entremêlement dans l'espace et le temps lui confère une paradoxale illisibilité. Le lieu est un territoire vivant complexe, où histoire naturelle et histoire humaine sont souvent entrelacées. Or il faut à chaque fois en définir les limites subjectives. Vécu, le geste artistique va vers une forme de lisibilité du paysage. Il est le prétexte d'une/des rencontre/s possible/s, (tels d'autres gestes - jardinage, cueillette, chasse…), qui éclairent un peu le lieu. C'est un rituel d'inscription, de révélation - au sens où le révélateur révèle l'image photographique – et de mémoire [2]. » précise l'artiste. Dans les Calanques, elle a travaillé avec un natif des lieux, « passeur » qui lui a transmis des récits personnels aussi bien que collectifs sur ce territoire.

Ces deux artistes reviennent donc régulièrement sur les territoires pour y mener un travail qui s'apparente désormais à celui du géographe ou de l'archéologue. Ils travaillent sur les manières de (perce)voir autrement, au moyen de différents supports, des lieux dont ils s'imprègnent. Et qui finissent par les habiter.

« Je pense que pour un artiste intervenir dans un lieu c'est relier ; c'est donner au fouillis de pierre, de terre et de végétal, la forme d'un tout (provisoire et relatif) mais aussi convoquer le passé, l'ailleurs et l'autre, et donc négocier sa place. C'est par le relevé d'éléments formels, propres à un lieu, puis par leurs traitements par les moyens du dessin (manuel ou numérique), que je cherche à « perce-voir [3] ». témoigne Jean-Pierre Brazs au sujet de sa pratique artistique.

Agnès Prévost s'intéresse à la notion d'écospécie, un terme proposé par Augustin Berque pour traduire le concept de sumiwake inventé par le naturaliste japonais Imanishi Kinji. L'écospécie désigne le fait que chaque espèce construit son monde au sein de l'Umgebung (le donné terrestre) par un réseau particulier de relations. Ainsi émerge pour Agnès Prévost la nécessité de deviner (Jean-Christophe Bailly) le paysage : « Visibles ou invisibles, multiples et particuliers, déterminants tous l'apparence terrestre que nous connaissons, je me demande donc maintenant comment photographier, perce-voir, ces liens formant ces mondes spécifiques, tissés sous nos regards sans que nous les voyions ? J'aimerais engager un travail de représentation de cet in(fra)visible vital, signifiant […] [4]. »4 Cela dit, Agnès Prévost considère que « perce-voir » est à la fois actif et passif : il ne s'agit pas de projeter mais de faire attention à ce qui se présente devant soi, de le recevoir. Emprunter d'autres points de vue, se mettre à la place des autres êtres vivants pour mieux les comprendre et se relier à eux.

L'art ainsi que les savoirs scientifiques et vernaculaires se croisent au fil des démarches et marches de ces deux artistes. Le lieu qu'ils ont choisi leur offre une diversité d'expériences et d'attentions aux éléments constitutifs du vivant, aussi bien minéraux que végétaux. Tous deux pratiquent la collecte qui leur permet de perce-voir, de faire remonter à la surface ces réalités « invisibles » qui composent un paysage. Jean-Pierre Brazs extrait par le moyen de la photographie des signes qu'il découvre dans le mont Salève. La collecte d'Agnès Prévost se compose de regards, de sons, de perceptions, de dessins, photographies, écrits associés… plus rarement de plantes ou d'objets – fragments d'un tout, traces - prélevés sur place.

Jean-Pierre Brazs et Agnès Prévost révèlent les différentes temporalités que contient un lieu et accordent également une importance aux noms.

Jean-Pierre Brazs utilise un vocabulaire de signes pour construire des récits visuels. Il les nomme « Dits » en référence à l'expression « Lieux dits ». Agnès Prévost, quant à elle, a suivi le passeur qui marche devant elle et lui transmet les histoires qui fondent le terrain qu'elle arpente. Tout comme les noms sont des signes qui nous apprennent l'histoire et la géographie des lieux. « Liés à l'histoire, aux usages, les noms assurent une mémoire collective des relations entre humains et lieux. Ces précieux indices nous ménagent inconsciemment une place dans cette histoire [5]. »5 affirme Agnès Prévost, qui s'intéresse à la manière dont la langue révèle notre rapport au monde.

Ces deux artistes, à, partir de leurs recherches sur place, produisent des comptes-rendus graphiques, photographiques et plastiques.

Jean-Pierre Brazs met en place un processus de travail précis :

Inventaire photographique de signes / transcriptions graphiques primaires / Décomposition en signes élémentaires / Recomposition de façon à obtenir des « signes évocateurs » / Ajout à ce corpus d'autres signes correspondant à des éléments des paysages du Mont Salève : foyer, chemin, rocher, muret, arbre, branche, fagot, barrière, etc. / Utilisation de ce vocabulaire pour construire une réécriture du lieu parcouru (des histoires possibles du Mont Salève) sous la forme de frises proposant un parcours visuel.

C'est par la vidéo, le dessin et par la pratique photographique qu'Agnès Prévost choisit de restituer sa pratique accompagnée de ce paysage à la topographie abrupte. Son film invite à suivre un habitant des Calanques dans sa rencontre familière et érudite avec les différents êtres vivants de ce milieu. Et quoi de mieux également que le support cartographique ou celui du livre pour restituer et mettre en forme leurs explorations de ces lieux vécus, dont ils font le tour pour en donner à voir toute leur richesse.

Les œuvres de ces artistes proposent alors des transpositions historiées de lieux, destinées à s'inscrire dans un nouveau cheminement : celui des lieux de mises en exposition.

Ainsi, Jean-Pierre Brazs et Agnès Prévost soulèvent de quelles manières des lieux sont sources de récits et révèlent la nécessité du temps pour faire émerger différentes strates d'histoire et de signification de celui-ci. Au travers de leur expérience, de leurs allers-retours, du site à l'atelier, ils restituent un chemin qui s'ajoute à celui de la vie de tous ceux qui y ont laissé une trace, qui l'ont façonné et qui continuent de modifier le terrain. Ces artistes vivent intensément le territoire qu'ils ont choisi d'explorer. Ils habitent le lieu tout comme le lieu les habite. Ils mettent en évidence l'écart entre ce que l'on dit de la nature, comment on la façonne et l'expérience qu'on en a. Leur pratique artistique conduit à un changement de notre rapport au paysage. Et « Perce-voir » renvoie aussi à la notion de « sur-vivre » : vivre au-delà, de façon Autre.

Jean-Pierre Brazs, Feux du Mont Salève / septembre 2018

Jean-Pierre Brazs, Les rochers de Faverges

Jean-Pierre Brazs, Le dit des rochers de Faverges / 1(extrait)

Jean-Pierre Brazs, Le dit des rochers de Faverges / 2(extrait)

Jean-Pierre Brazs, Le dit des rochers de Faverges / 3 (extrait)

Agnès Prévost, Quelques paroles des Calanques (film).

Agnès Prévost, Devinement d'un lieu (photos, dessins). Extraits.

[1] Entretien mené avec Jean-Pierre Brazs le 14 novembre 2018.

[2] Entretien mené avec Agnès Prévost le 3 janvier 2019.

[3] Entretien mené avec Jean-Pierre Brazs le 14 novembre 2018.

[4] Entretien mené avec Agnès Prévost le 3 janvier 2019.

[5] Entretien mené avec Agnès Prévost le 3 janvier 2019.

La Petite Collection

Pauline Lisowski — 2018-12-31T16:59:33Z

À l'origine de la Petite Collection, l'artiste Florence Lucas a découvert l'engouement pour la carte postale dans le domaine des arts plastiques.

Elle invite des artistes à réaliser deux œuvres au format carte postale, deux propositions qui permettent de découvrir la démarche d'un artiste. Cette règle du jeu les incite à développer, repenser leurs techniques ou à utiliser d'autres médiums. Durant la première édition, en décembre 2014, 180 œuvres furent exposées à la galerie White project. La seconde édition fut présentée au salon DDESSIN.

Ce projet permet de repenser notre relation à l'œuvre d'art, de l'unique au multiple ainsi que d'envisager une autre échelle de création. Si les expositions actuelles révèlent un goût pour les grands espaces, le grand format, les œuvres en adéquation avec le lieu, La Petite Collection amènent à envisager autrement la position du spectateur face à l'œuvre.

Chaque année, la Petite Collection s'enrichit de nouvelles propositions. Ce qui offre l'occasion de découvrir entre 80 et 90 artistes, un aperçu riche de la création contemporaine. Pour cette quatrième édition, la galerie Bertrand Grimont a accueilli la Petite Collection du jeudi 6 au samedi 15 décembre 2018. Chaque œuvre y fut vendue à un prix unique. Dans cette exposition, pas de cadre, ni de vitre, nous pouvions nous approcher pour saisir les détails des créations des artistes présentés. La distance à l'œuvre d'art est alors réduite. Aux visiteurs d'apprécier cette miniature et d'aiguiser son regard pour en observer toutes les subtilités, richesse de textures, finesse d'un trait, couleurs, etc ...

Chaque carte vendue est ensuite éditée à 100 exemplaires donnés à l'artiste qui en aura le libre usage. La Petite Collection rend l'art plus abordable. Le désir de constituer sa propre collection est alors facilité. De l'achat, à l'échange au cadeau d'artiste, cette carte postale d'artiste est vouée au voyage.

Pour l'artiste, cette édition est aussi un support de communication de sa pratique et l'amène à déployer de nouvelles manières d'envisager sa pratique artistique. Depuis, plus d'une centaine d'artistes de différents horizons se sont exprimés sur ce format atypique, Juliette Vivier invitée à deux reprises s'est exprimée en dessin, Hélène Muheim a réalisé un paysage miniature et François Réau s'est pris également au défi de proposer un dessin riche en matières laissant apparaître la lumière. Cette année, Laurence Annie Gossart a dessiné des éléments, entre le végétal, des ailes et une chevelure, Danièle Gibrat a composé un collage : dans la carte postale, elle y a condensé ses recherches sur la composition, reconstitution, d'un paysage, Léonard Bourgeois Beaulieu a pu développer ses recherches sur l'image et l'outil photographique, Maud Louvrier s'est servie de ce support pour créer une composition colorée avec sa forme, le Carrond, Luc Doerflinger a pris soin de représenter ses figures qui marquent sa peinture …

Ainsi, petite par la dimension des œuvres produites, la Petite Collection est un projet généreux. Elle renouvelle le champ de la création artistique et du marché de l'art.

La cartographie ou le monde à déchiffrer

Pauline Lisowski — 2018-10-28T19:31:21Z

La cartographie est un objet artistique et scientifique qui ouvre l'imaginaire. La carte, à la fois pour ses caractéristiques plastiques et pour ses usages multiples constitue un support pour les artistes.

De nombreuses expositions ont pour axes la carte de géographie. À la galerie Immix, le commissaire Bruno Dubreuil a effectué un parti pris singulier : réunir des œuvres de six artistes d'univers artistiques bien distincts, travaillant à la fois l'image, la photographie, le dessin et le médium textile. Il a choisi d'offrir aux visiteurs l'opportunité de faire travailler son regard et sa pensée. Si la carte est objet de détournement pour les artistes qui s'en emparent, l'exposition est ici lieu de nouveaux repères et d'un parcours où inventer, par des connexions visuelles, d'autres lectures des œuvres.

Un premier lien qui les rassemble pourrait être le travail de la matière : l'image cartographique comme support pour interroger la représentation du réel.

I. De l'image comme support et matière à transformation pour faire naître un territoire

Brankica Zilovic interroge le pouvoir de la carte comme support pour proposer d'autres façons de voir le monde et d'envisager la possibilité d'un déplacement des frontières. À l'aide du médium textile, que ce soit par le biais de la broderie, du crochet, du tuftage, de la couture ou bien d'autres nombreuses techniques, l'artiste évoque la fragilité et la complexité du monde. Ses cartes composées de fils de laine unissent l'art et l'artisanat. Elles font surgir des récits et des histoires des pays aussi bien personnelles que collectives et en particulier, la Serbie, son pays d'origine. Embrace again, son installation où des fils rouges descendent, détricotés de leur maille, suggère un monde qui se délite. L'artiste précise : « La carte, de ma perspective possède deux fonctions, une dans sa réalité des projections, et une seconde, plus captivante, dans sa force par rapport à l'imaginaire, où la carte devient un prétexte de convoquer, interroger et réinventer le monde sans ses nouveaux concepts et alternatives, comme une chimère, une utopie, et comme une technique de réveil et de prise de conscience collective. [1] » Le fil est vecteur de liens, de passages, de réseaux, de parcours. Nouer ou dénouer convoquent, dans les œuvres textiles de Brankica Zilovic, le besoin de bouger les limites entre les pays et de construire un autre monde.

Œuvre de Brankica Zilovic

Valentina Vannelli présente Carte d'Atlantide, une photographie, (tirage jet encre sur papier japonais à partir de négatif), posée en équilibre sur deux tréteaux, qui aurait subi l'effet de l'eau. Il s'agit d'une partie du projet Mémoire d'Atlantide pour lequel l'artiste a expérimenté le support photographique comme un territoire. L'eau a transformé l'image et un nouveau paysage émerge. Dans cette œuvre, aux plages de couleurs fluides, les lignes sont des indices d'une carte. L'artiste s'est inspirée des lectures du Timée et Critias de Platon, dialogues où le philosophe introduit le mythe d'Atlantide, cette île dont le destin est de disparaître dans la mer. Photographie et cartographie, deux systèmes de figuration et de mémoire d'un territoire se rencontrent. La photographie a enregistré différents passages et montre une diversité de strates temporelles. En effet, pour l'artiste « la carte est un document qui permet de “dessiner“ les espaces politiques, économiques et sociaux qui changent le territoire. Si le support photographique est pensé comme un territoire, afin de pouvoir décoder les mutations subies par l'inondation alors, le négatif devient “carte d'un ailleurs“ [2] ». Cette installation convoque la notion de temps, la transformation des territoires et le pouvoir de la carte comme mode de représentation des paysages.

Carte d'Atlantide, tirage jet encre sur papier japonais à partir de négatif, Valentina Vannelli

Un lien s'établit visuellement avec les photographies noire et blanc de Sylvie Bonnot. Ces « Mues » montrent des paysages extrêmes. L'artiste s'intéresse aux îles, ces territoires où les limites entre ciel et terre sont changeantes, ces espaces géographiques qui intriguent également pour toutes les histoires qu'on y rattache. Sylvie Bonnot travaille l'image comme un sculpteur. Elle froisse, puis maroufle son image qui devient une fine, fragile et une délicate matière. Celle-ci, dépliée puis exposée sur mur courbe, dévoile, par les diverses lignes, textures et trame, une topographie d'un territoire. Ces photographies rendent compte des remous et variations que subissent des paysages. « La transformation, transmutation physique et chimique opérée par mon procédé de “mue“ amène une autre notion propre au paysage, une forme de sismographie de la matière et de son contenu, comme si le paysage, le sujet, oscillait au même rythme sa très fine substance quasiment organique [3]. » affirme en effet l'artiste. Ses œuvres témoignent d'une exploration, d'une sensation perçue en parcourant un terrain escarpé.

Mue, Sylvie Bonnot

La notion de peau sur laquelle des formes, des textures et des couleurs laissent apparaître un espace cartographié se découvre dans les portraits d'Isabelle Chapuis. Ses deux photos, issues d'une série (toujours en cours), intitulée Éloge du vivant, témoignent des façons dont le corps humain est considéré selon les cultures. Si la relation à la cartographie ne se lit pas de prime abord, on peut saisir dans ses images, un témoignage de l'identité culturelle de territoire. Pour l'artiste, en effet, la peau est « comme l'expression extérieure d'une cartographie émotionnelle intérieure. Elle est frontière, lisière, zone de rencontre et de contact avec l'extérieur [4]. » Ces photographies proposent, comme des cartes, un signe pour évoquer un territoire. Elles révèlent de quelle manière l'homme est marqué par les territoires qu'il habite et traverse.

Éloge du vivant, photographie d'Isabelle Chapuis

II. Systèmes d'assemblages d'images et modes de pensée

Aux côtés de la carte de géographie, la carte mentale permet de visualiser en images nos pensées. Les artistes brouillent parfois les pistes et leurs œuvres invitent à rentrer en profondeur dans leur processus de création.

Les notions de lien, de connexion, la création d'un système de pensée, processus d'assemblage, traversent les créations de Daphné Le Sergent : des agencements d'images pour témoigner d'une pensée. Son projet, à l'origine des œuvres exposées, présente une collision entre la ligne des cartes anciennes de nos explorateurs européens et la ligne des dessins kali'na (amérindiens en Guyane). L'artiste avait en stock des images, notamment des images des murs du CARMA et de l'ancienne exposition qui s'y tenait. Ses œuvres montrent ici des fragments d'objets bushinenge. Elles procèdent d'une lecture des images, mises en relation, comme des objets à déchiffrer pour saisir un territoire dans sa globalité. Pour l'artiste, « le corps est une carte sur laquelle nous dessinons des limites [5] ». Daphné Le Sergent a opéré un déplacement du statut des images collectées, qui deviennent des symboles, témoins d'un pays.

Installation d'images de Daphné Le Sergent

Les œuvres, telles des cartes mentales, de Camille Sauer nécessitent elles aussi, un travail de compréhension d'un langage. Ses dessins, documents, outils de connaissances et de créations pour l'artiste, ne se donnent pas tout de suite et impliquent une concentration du regard et de l'esprit. Il s'agit d'« une carte mnémotechnique pour comprendre l'ensemble des systèmes qui cohabitent au sein de notre civilisation. C'est comme une sorte de grande encyclopédie [6] ». Ces dessins font écho au procédé de lecture des codes de la carte. Ils renvoient également au système de hiérarchisation pour représenter le monde.

Dessin de Camille Sauer

Ainsi, malgré son titre, cette exposition ne convoque pas uniquement la cartographie mais plutôt interroge les notions de perception et de représentation de l'espace. Elle met en lumière les procédés de transformation, de métamorphose et de composition. Chaque œuvre suscite l'envie de découvrir leur origine et l'histoire qu'elle renferme. Certaines sont d'ailleurs issues d'un projet global, d'une recherche à partir d'un territoire et portent en elles les notions de changement, de déplacement, de mutation du monde. Elles conduisent également le spectateur à faire un voyage mental.

Voir en ligne : http://www.lecorridordelart.com/

[1] Entretien écrit avec Brankica Zilovic le 23 octobre 2018.

[2] Entretien écrit avec Valentina Vannelli le 24 octobre 2018

[3] Entretien écrit avec Sylvie Bonnot le 23 octobre 2018.

[4] Entretien écrit avec Isabelle Chapuis le 23 octobre 2018.

[5] Entretien écrit avec Daphné Le Sergent le 22 octobre 2018.

[6] Entretien écrit avec Camille Sauer le 22 octobre 2018.

Une exposition à découvrir jusqu'au 4 novembre.

Lien vers la galerie Immix
Lien vers le blog le corridor de l'art