TK-21

TK-21 Le projet éditorial

Comité de rédaction et La rédaction — 2026-02-22T12:26:32Z

TK-21 LaRevue est une revue en ligne produisant 11 publications par an, consacré à l'analyse critique des pratiques artistiques contemporaines, de la photographie, du cinéma et des formes visuelles émergentes. Chaque publication propose des articles originaux et signés, des entretiens et des présentations d'artistes commentées.

Depuis 15 ans, nous déplions et mettons en relation les pratiques liées aux images et aux appareils de toutes sortes avec leurs effets rétroactifs sur nos comportements et notre psychisme.

Nous creusons le sillon de la mutation qu'engendre au cœur de notre histoire cette nouvelle donne technique, psychique, culturelle.

Nous suivons les nouvelles formes — lignes de failles, jeux d'enveloppement, de recouvrement, déchirures, connexions improbables — que prend le conflit transhistorique entre mots et images, ce jeu aux effets imprévisibles au cœur du vivant.

Nous cherchons à dessiner les cartes qui permettront de relier les féeries souvent mortelles du « dehors » aux fêlures souvent tragiques du « dedans », retrouvant les unes dans les autres, les traces des autres au creux des unes, indéfiniment.

Nous cherchons à décrypter la vie devenant spectrale, la réalité devenant surface, les ombres devenant réelles, les passions déchirant le voile de nos croyances, et nos croyances renaissant sans cesse de leurs cendres.

Nous ne cessons de voir la ressemblance s'épuiser dans les aspérités de la violence et de la haine. Nous la multiplions à l'infini et découvrons que les images ne ressemblent pas aux rêves, elles sont structurées comme les rêves, comme les cauchemars.

Que le monde soit une fiction, qui en doute aujourd'hui ? Que nous puissions inventer et construire des fictions transversales à cette croyance même, la déchirant ou la confirmant, importe peu ici, il n'y a peut-être pas d'autre enjeu. La conscience est un mythe mortel. Il nous faut l'accompagner dans la tombe en même temps que nous inventons une forme renouvelée de psychisme, c'est-à-dire de connaissance et de vie.

Moyen-Orient dans TK-21

Comité de rédaction et Martial Verdier — 2023-11-01T13:09:00Z

Des liens à suivre sur le sujet dans TK-21

Dans la base de donnée de TK-21, vous pouvez trouver des articles qui complètent ce thème.

Sur le Qatar :
https://www.tk-21.com/Qatar

Sur le Liban :
https://www.tk-21.com/I-am-folding-the-land-Je-plie-la

Sur l'Iran :
https://www.tk-21.com/Iran

Sur l'Irak :
https://www.tk-21.com/Les-fantomes-en-diaspora-de

Une vie d'interprétation, 2/2 La Résurrection

Comité de rédaction — 2023-05-28T08:58:41Z

Frédéric Boyer publie une nouvelle traduction des Évangiles qui nous permet de rentrer, autant que faire se peut, de plain-pied dans ce monde bouillonnant des premières années de notre ère. Ce monde fut comme "soufflé" par les actes et les interprétations d'un être, unique et radical, tout autant que lié aux autres et compatissant. Ce rabbi nommé Jésus fait partie des rares hommes n'ayant pas écrit et sur les paroles et les actes duquel une tradition de sagesse et de pensée s'est constituée.

Dans ce second volet de notre entretien, Frédéric Boyer aborde des questions essentielles que nous posent ces quatre textes majeurs à partir desquels s'est fondé le christianisme. Pourquoi traduire et traduire encore, est souvent une question que l'on se pose, quels que soient les textes. Les éléments de réponse qui émergent ici ont de quoi nous conforter.
Nous comprenons en effet, ici, d'une part que cela permet de rendre vivant un texte, et d'autre part que retourner à la source même transforme et de revivifier les enjeux portés par ce texte.
Frédéric Boyer nous donne à comprendre la nécessité vitale de son travail qui traverse quelques uns des questions qui ne cessent d'agiter les hommes. La première est celle de la mort à laquelle, ce qui deviendra le christianisme apporte une "réponse" tout à fait neuve, aussi bien vis-à-vis du judaïsme que des croyances en vigueur dans la société romaine.
De la notion d'extase terme utilisé pour rendre compte de la stupeur des femmes devant le tombeau vide, à celle d'absence, terme qui est au cœur du message de Jésus lui-même qui annonce qu'il faudra bientôt faire sans lui, à celle de résurrection, Frédéric Boyer montre comment il a pensé son travaille et comment la traduction joue sur notre approche de ces moments et de ces notions.
La question de l'interprétation et de la vie comme travail à la fois d'introspection, de constitution d'une intériorité, de travail sur la mémoire et finalement de "gestion" de l'attente, voilà ce que nous donnent à penser et à vivre ces quatre textes et que la traduction nouvelle permet de beaucoup mieux appréhender et comprendre.
Angoisse, confession, coup de force de Jean qui fait du logos une sorte de double du dieu, tout conduit à montrer que ces quatre textes vont devenir la référence fondamentale à partir laquelle la question de l'éthique va pour les siècles suivant se déployer. Dans ce cadre, l'un des apports de cette traduction est de "déculpabiliser" ce que la religion chrétienne aura fini par imposer à travers la notion de péché et de montrer que dans ces textes qui sont les seuls à rapporte ce qu'a pu être la vie de ce rabbi Jésus, ce dernier ne cherchait en rien à culpabiliser ceux qu'il aidait, mais au contraire à leur faire appréhender en eux l'existence d'un "manque" qui est à la fois la source de leurs tourments et la porte ouverte sur leur salut.

Stan Neumann, un parcours, une œuvre II/III

Comité de rédaction — 2021-10-31T13:20:00Z

Dans la deuxième partie de l'entretien que nous a accordé Stan Neumann, il aborde à sa manière toujours modeste, toujours exigeante, toujours précise et toujours efficace ce qu'il en est pour lui du travail de réalisateur.

On suit à la fois le chemin qui l'a mené du montage à la réalisation et les voies qu'il parcourt de film en film, chacun répondant à une question qu'il se posait. Que des films soient « de commande » n'a jamais empêché qu'ils les réalise à partir de questions à la fois personnelles et relatives à ce que l'on pourrait appeler le double fond éthique et esthétique qui porte toute entreprise cinématographique digne de ce nom.

Les questions qu'il se pose ne forment jamais directement le sujet de ses films. Le fait de travailler toujours « sur » un sujet (le Paris haussmannien) une figure de l'histoire (Klemperer, Nadar) de la littérature (Seebald), etc., cela lui offre d'être de plain-pied avec ces questions. Celles qu'il se pose, lui, sont relatives à la manière de faire du cinéma. Ainsi la différence entre cinéma de fiction et cinéma documentaire, qui est elle-même l'objet d'un questionnement idéologique fort, ne lui semble pas pertinent. Car comme il le fait remarquer, « tout cinéma est fiction » puisqu'il s'agit toujours à chaque fois d'articuler image et donc, texte et donc mots dits, son et spatialisation non visuelle du contexte. Et plus encore, tout cinéma est fiction car tout filme même documentaire raconte et est donc une fable quel que soit le matériau utilisé.

Ce que Stan Neumann nous permet de comprendre à travers cet entretien, c'est que pour lui un film n'est pas une manière de mettre en scène des idées préexistantes, mais une tentative de comprendre quelque chose sur un sujet en faisant le film. Pour lu un film est un regard porté sur tel ou tel aspect du monde et pas l'imposition d'un « regard » prédéterminé à des spectateurs devenant ainsi réceptacles de la vision d'un autre. Il emmène ceux qui voient ses films dans le voyage qu'il effectue en faisant le film. Filmer c'est tenter de mieux voir le monde de mieux le comprendre.

Et pour cela par exemple, dans le film sur Klemperer et la LTI, il prend acte du fait que pour lui les objets, et c'est ce qu'il film, sont plus porteurs d'humanité que les hommes eux-mêmes.

Et pour échapper à la tentation d'imposer une vision à travers un film au lieu d'accompagner des regards dans la découverte de ce qu'il montre, il ne revient jamais filmer deux fois dans la même zone historique.

Ainsi se dessine au fil de l'entretien néanmoins quelques constantes qui animent ses oeuvres : découvrir, partager, raconter, associer ds fragments narratifs comme autant de petits cailloux, plutôt que de construire des « grandes » narrations, croire au cinéma comme à un medium capable de s'emparer de n'importe quoi, image fixe, texte, livre, parole vive, faire des films réputés au départ « impossibles », bref ! Toujours filmer avec un régime d'intensité maximal !

Le prochain et dernier épisode portera sur son dernier opus, un ensemble de films sur le monde ouvrier.

Ours

Comité de rédaction et La rédaction — 2019-01-27T19:38:12Z

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Belluaires et porchers/Le Cabanon de Prométhée

Comité de rédaction et Léon Bloy † — 2018-10-28T19:34:44Z

On ne le sait pas assez, que Léon Bloy fut le premier à écrire un long éloge des Chants de Maldoror ; n'eût-il écrit que cela qu'il serait déjà un héros universel de la Littérature. Nous donnons ici à relire ce texte, avec cet « avertissement », que nous devons à notre auteur et ami Anton Ljuvjine (auteur de Fantasia, Éd. Tinbad, 2017 — livre ducassien s'il en est) : il y a un lien familial entre les deux auteurs ! C'est dans la biographie d'Isidore Ducasse par Jean-Jacques Lefrère (éd. Fayard, p. 127-128) qu'on apprend que le petit-fils de l'un des dédicataires des Poésies (Auguste Dalmas, « condisciple » d'Isidore), Édouard Delmas, est devenu le gendre de Léon Bloy. Au fond, l'Histoire de la Littérature est un secret de famille (trop) bien gardé !…

Trop de porchers, hélas ! et pas assez de belluaires.

LE CABANON DE PROMÉTHÉE

À GEORGES ROUAULT

Les imaginations mélancoliques ont toujours adoré les ruines. Les employés de la Tristesse et les Comptables de la Douleur ont à peine, quelquefois, d'autres domiciles pour se repaître, pour se propager et pour s'assoupir.
C'est là, surtout, qu'en des songes de suie ou de lumière, leur viennent les péremptoires suggestions d'un Infini persistant, quoique mal famé, dans l'auberge de l'existence où l'on s'accoutume, de plus en plus, à bafouer les éternités.
Il est certain que les très-vieilles pierres, anciennement remuées et taillées par l'homme, dégagent d'immortels effluves de toutes les âmes disparues qu'elles abritèrent autrefois et qui les avaient oxydées de leurs joies ou de leurs douleurs.
La patine des murs tombants fut, à la longue, déterminée par l'haleine des cœurs en travail d'angoisse et par les moites mains qui tremblèrent, en s'y appuyant, au milieu des siècles.
Les yeux même, les pauvres yeux qui les regardèrent si souvent, comme un horizon, avant de s'éteindre à jamais, semblent avoir laissé quelque chose de leurs clartés, calmes ou tragiques, sur ces réflecteurs attentifs de tant de périssables flambeaux.
Et les ruines vont toujours se multipliant, jusqu'à tout combler, sur notre planète sénile qui n'en roule pas moins dans le merveilleux espace, — comme une cinquième roue d'Ézéchiel rebutée du camion des prophéties, — offrant impassiblement aux jours et aux nuits le Dies iræ silencieux de ses implacables poussières.
On en voit de ces reliques de la ténébreuse histoire, qui assument, en quelques pieds carrés, la moisissure de plusieurs empires archi-défunts dont nul peuple ne se souvient et qui font éclater l'insuffisance des savantissimes. Il en est d'autres moins émiettées, moins pilonnées par le temps, qui vocifèrent à leur façon, par leurs fentes, par leurs crevasses et du fond de leurs alcôves de reptiles, l'invalidité des catastrophes ou des épopées d'hier, dont nos mandarins sont à peine mieux informés.
Toutes, en vérité, sont néanmoins, très-puissantes sur le rêveur penché au-dessus du puits de la Mort qui est précisément son âme, — au fond de laquelle chaque atome croulant produit un tonnerre composé des éclats de joie ou des sanglots, des rugissements d'amour ou des ramages de désespoir de plusieurs millions de cousins germains qu'il n'a pas connus, mais dont il répercute, en sa profondeur, la dolente consanguinité.

⁂

Il est une autre sorte de ruines, un peu plus curieuses, vraiment, que toutes les ruines fameuses de l'Orient ou de l'Occident qui font bramer les poètes et blanchir les archéologues.
Celles-là, nul ne les explore, le monde ignore jusqu'à leur existence et la sollicitude réclamière des guides ne les signale jamais à l'attention des crevants d'ennui qui font voiturer leurs carcasses pleines de dégoût sur l'épine dorsale du globe.
Qu'on se figure, par exemple, un être merveilleusement doué, un homme du génie poétique le plus incontestable et le plus puissant, un magique cerveau peuplé de lumières, comme une basilique à la Chandeleur ; — qu'on veuille bien se le représenter sous cette image, aux trois quarts détruit par l'ouragan de quelque effroyable douleur ; détruit sans espoir de restauration, décoiffé de ses voûtes, ébranlé dans ses plus profondes assises, vacillant sur les jarrets de ses contreforts, tapissé de son porche à son maître autel du sang d'un peuple écrasé ; ouvert à tous les affronts des souffles et de la rafale, envahi par les tourbillons et les fantômes de la nuit ; mais éclairé vaguement encore, pour la durée d'un instant, par quelques derniers et désespérés luminaires qui agonisent, ainsi que des âmes, sous le grondement victorieux des orgues de la tempête.
Tout à l'heure, ce sera fini à jamais. Les ténèbres folâtreront avec les ténèbres. Ce qui tient encore croulera sans gloire dans l'obscurité sans pardon et le souvenir seulement de ce tabernacle de prières, subsistera dans la pensée de quelques dévots éperdus que la main des Vierges invisibles qui protègent les chrétiens en péril de mort aura soutirés à la catastrophe.
C'est donc une ruine humaine complète que j'ai décidé d'offrir aux mélancoliques, aux saturés de mélancolie, car il n'est point ici d'occasion de ravissement pour les touristes joyeux de la Curiosité ordinaire.
L'inouï, l'affolant, le très-monstrueux poète inconnu dont voici, tout au plus, la trace calcinée, eut cette effroyable aventure de se survivre à lui-même, juste assez de temps pour assister au sac de sa tête et au rongement de ses flancs par un prodigieux vautour, qu'il avait sacrilègement engendré de la Substance des Cieux, sans la permission du Seigneur.

⁂

Dans une sorte de roman, intitulé le Désespéré, publié en 1887 et tout de suite raturé, autant qu'il était possible, par le silence hostile de la presse entière, j'avais écrit incidemment les quelques lignes qu'on va lire, avec l'espoir, longtemps déçu, de suggérer à un éditeur quelconque l'idée généreuse d'une réimpression.
« L'un des signes les moins douteux de cet acculement des âmes modernes à l'extrémité de tout, c'est la récente intrusion en France d'un monstre de livre, presque inconnu encore quoique publié en Belgique depuis dix ans : les Chants de Maldoror, par le comte de Lautréamont, (?) œuvre tout à fait sans analogue et probablement appelée à retentir. L'auteur est mort dans un cabanon et c'est tout ce qu'on sait de lui.
« Il est difficile de décider si le mot monstre est ici suffisant. Cela ressemble à quelque effroyable polymorphe sous-marin qu'une tempête surprenante aurait lancé sur le rivage, après avoir saboulé le fond de l'Océan.
« La gueule même de l'Imprécation demeure béante et silencieuse au conspect de ce visiteur, et les sataniques litanies des Fleurs du Mal prennent subitement, par comparaison, comme un certain air d'anodine bondieuserie.
« Ce n'est plus la Bonne Nouvelle de la Mort dont parlait Herzen, c'est quelque chose qui pourrait s'appeler la Bonne Nouvelle de la Damnation. Quant à la forme littéraire, il n'y en a pas. C'est de la lave liquide. C'est insensé, noir et dévorant.
« Mais ne semble-t-il pas à ceux qui l'ont lue, que cette diffamation inouïe de la Providence exhale, par anticipation, — avec l'inégalable autorité d'une Prophétie, — l'ultime clameur imminente de la conscience humaine devant son Juge ?… »
Il paraît aujourd'hui que cet avertissement n'a pas été inutile et qu'une édition nouvelle, enfin se prépare. L'affaire, je crois, sera bonne. En tout cas, c'est une expérience des plus curieuses. Cet extraordinaire poème en prose devenu presque rarissime et connu seulement de quelques artistes qui se le passent, avec force recommandations, de mains en mains, va tomber précisément dans l'axe de la plus active cogitation des âmes profondes en cette fin de siècle.
Le scandale sera grand peut-être et, ma foi ! tant mieux. L'Évangile n'enseigne-t-il pas que le scandale est nécessaire ?
Quant au danger de la contagion, je ne puis y croire. C'est un aliéné qui parle, le plus déplorable, le plus déchirant des aliénés et l'immense pitié mélangée d'indicible horreur qu'il inspire, doit être, pour la raison, le plus efficace des prophylactiques. « Le désespoir porté assez loin, dit Carlyle, complète le cercle et redevient une sorte d'espérance ardente et féconde. »
Exceptionnellement, je croirais plutôt à la pédagogie salutaire de cette douleur sans mesure, de ce pianto de la haine infiniment désolée. Si les pessimistes bien étranges de l'indifférence absolue, qui ne sont tout juste, en fin de compte, que les optimistes du néant, daignaient, un instant, concéder l'hypothèse du bien moral, on pourrait leur dire que ce n'est pas tout à fait un rêve de supposer à l'extrême abomination d'une vraie face tangible de réprouvé, la puissance de précipiter certains hommes à la vertu par l'effet d'une transcendante peur.

⁂

En lisant les Chants de Maldoror, je n'ai pu me défendre à chaque page, d'une singulière impression. L'auteur me faisait penser à un noble homme s'éveillant au milieu de la nuit dans le lit banal d'une immonde prostituée, toute ivresse finie, se sentant à sa merci, complétement nu, glacé de dégoût, agonisant de tristesse et forcé d'attendre le jour.
« Il n'essaie pas de se rendormir. Il sort lentement, l'un après l'autre, ses membres hors de sa couche. Il va réchauffer sa peau glacée aux tisons rallumés de la cheminée. Sa chemise seule recouvre son corps. Il cherche des yeux la carafe de cristal afin d'humecter son palais desséché. Il ouvre les contrevents de la fenêtre. Il s'appuie sur le rebord. Il contemple la lune qui verse, sur sa poitrine, un cône de rayons extatiques, où palpitent, comme des phalènes, des atomes d'argent d'une douceur ineffable. Il attend que le crépuscule du matin vienne apporter, par le changement de décors, un dérisoire soulagement à son cœur bouleversé. »
N'est-ce rien qu'une telle suggestion procurée par un désespéré sans larmes qui porte refroidir son cœur hors de la maison, sous un ciel polaire, au fond d'un sale et ténébreux jardin, dans le voisinage d'un puant retrait ; pour le rapporter quand il ne palpitera plus, afin d'être en état de sophistiquer sa douleur par l'ironie pacifique du parfait blasphème ?
« Je rêvais, dit-il, que j'étais entré dans le corps d'un pourceau, qu'il ne m'était pas facile d'en sortir, et que je vautrais mes poils dans les marécages les plus fangeux. Était-ce comme une récompense ? Objet de mes vœux, je n'appartenais plus à l'humanité ! Pour moi, j'entendis l'interprétation ainsi, et j'en éprouvai une joie plus que profonde. Cependant, je recherchais activement quel acte de vertu j'avais accompli pour mériter, de la part de la Providence, cette insigne faveur…
« Mais, qui connaît ses besoins intimes ou la cause de ses joies pestilentielles ? La métamorphose ne parut jamais à mes yeux que comme le haut et magnanime retentissement d'un bonheur parfait, que j'attendais depuis longtemps. Il était enfin venu, le jour où je fus un pourceau ! J'essayais mes dents sur l'écorce des arbres ; mon groin, je le contemplais avec délice ! Il ne me restait plus la moindre parcelle de divinité : je sus élever mon âme jusqu'à l'excessive hauteur de cette volupté ineffable… »
L'obsession continuelle de ce malheureux Lautréamont, — évidemment un pseudonyme, — est en effet, le blasphème. S'il est misanthrope, c'est qu'il se souvient que l'homme est à la ressemblance de Dieu.
Le blasphème est une denrée littéraire devenue assez peu précieuse. Notre époque l'a beaucoup aimé, depuis le blasphème aristocratique de Baudelaire jusqu'au blasphème truand de Richepin. Toutes les familles en demandent. Mais la qualité de celui-là est unique parce qu'il est proféré par un pauvre fou de chagrin qui ne regarde pas le public.
Son auditoire, ce sont ses propres membres lamentables. C'est à son foie malade qu'il s'adresse, à ses poumons, à sa bile extravasée, à ses tristes pieds, à ses moites mains, à son phallus pollué, aux cheveux hérissés de sa tête perdue d'effroi.
Il paraît leur dire, à ces témoins, comme le Prométhée d'Eschyle aux Océanides : « Voyez de quelles iniquités je souffre ! » en pensant au Dieu qu'il accuse.
L'effet d'ensemble est terrible au delà de toute expression et d'une beauté panique surprenante. Je n'étais pas tout à fait exact en disant qu'il n'y a pas de forme littéraire. Le style des Chants de Maldoror est une sorte de poncif configuré à la divaguante passion d'un dément. L'originalité serait nulle sans le paroxysme très-particulier d'un certain accent qui doit étonner certain démon et que je n'avais encore trouvé dans aucune littérature.
Mais cet accent-là qui fait ressembler chaque phrase à une louve enragée courant de ses pattes agiles et silencieuses à la rencontre d'un voyageur, est à lui seul une originalité si démesurée, si formidable qu'à la lecture, on sent battre ses artères et vibrer son âme jusqu'au tremblement, jusqu'à la dislocation ?

⁂

Le signe incontestable du grand poète, c'est l'inconscience prophétique, la troublante faculté de proférer par-dessus les hommes et le temps, des paroles inouïes dont il ignore lui-même la portée. Cela, c'est la mystérieuse estampille de l'Esprit-Saint sur des fronts sacrés ou profanes.
Quelque ridicule qu'il puisse être, aujourd'hui, de découvrir un grand poète inconnu et de le découvrir dans un hôpital de fous, je me vois forcé de déclarer, en conscience, que je suis certain d'en avoir fait la trouvaille.
Je sais bien que cette cloche sublime qui devait sonner les tocsins et les victoires, fut, presque aussitôt après son baptême, fêlée par le tonnerre, et ce fut un malheur immense pour tous ceux que les voix du ciel peuvent consoler.
Mais parfois, j'ignore comment, cette blessée rendait encore des sons divins, qu'ils fussent graves ou mélancoliques, et cela suffisait bien pour qu'on devinât l'enthousiasme d'amour que ses carillons glorieux auraient suscité.
« Je suis fils de l'homme et de la femme, d'après ce qu'on m'a dit. Cela m'étonne… Je croyais être davantage ! » Pascal est brûlant de gloire pour avoir dit de moindres paroles et j'en ai recueilli plus d'une dans ce livre incohérent et merveilleux qui ressemble au palais d'un roi persan qu'une flétrissante cohue de crocodiles et d'hippopotames aurait saccagé.
Il est impossible de donner l'idée précise d'une œuvre aussi anormale sans multiplier les citations au delà de ce que semble permettre l'esthétique judicieuse de la mise en pages. Mais cela, c'est du diamant, du diamant noir et toute consigne altière doit tomber, je suppose, en présence d'une telle aubaine.
Écoutez les chiens dans la nuit, ces terribles chiens homériques « aboyant tour à tour, soit comme un enfant qui crie de faim, soit comme un chat blessé au ventre au-dessus d'un toit, soit comme une femme qui va enfanter, soit comme un moribond atteint de la peste à l'hôpital, soit comme une jeune fille qui chante un air sublime ; — contre les étoiles au nord, contre les étoiles à l'est, contre les étoiles au sud, contre les étoiles à l'ouest ; contre la lune ; contre les montagnes, semblables au loin à des roches géantes, gisantes dans l'obscurité ; — contre l'air froid qu'ils aspirent à pleins poumons, qui rend l'intérieur de leurs narines rouge et brûlant ; contre le silence de la nuit ; contre les chouettes dont le vol oblique leur rase le museau, emportant un rat ou une grenouille dans le bec, nourriture vivante, douce pour les petits ; — contre les lièvres qui disparaissent en un clin d'œil ; contre le voleur, qui s'enfuit, au galop de son cheval, après avoir commis un crime ; contre les serpents, remuant les bruyères, qui leur font trembler la peau, grincer des dents ; — contre leurs propres aboiements, qui leur font peur à eux-mêmes ; contre les crapauds, qu'ils broient d'un coup sec de mâchoires (pourquoi se sont-ils éloignés du marais ?) ; contre les arbres, dont les feuilles, mollement bercées, sont autant de mystères qu'ils ne comprennent pas, qu'ils veulent découvrir avec leurs yeux fixes, intelligents ; — contre les araignées suspendues entre leurs longues pattes, qui grimpent sur les arbres pour se sauver ; contre les corbeaux, qui n'ont pas trouvé de quoi manger pendant la journée, et qui s'en reviennent au gîte, l'aile fatiguée ; — contre les rochers du rivage ; contre les feux, qui paraissent aux mâts des navires invisibles ; contre le bruit sourd des vagues ; contre les grands poissons, qui, nageant, montrent leur dos noir, puis s'enfoncent dans l'abîme ; — et contre l'homme qui les rend esclaves !…
« Un jour, avec des yeux vitreux, ma mère me dit : « Lorsque tu seras dans ton lit, que tu entendras les aboiements des chiens dans la campagne, cache-toi sous ta couverture, ne tourne pas en dérision ce qu'ils font : ils ont une soif insatiable de l'infini, comme moi, comme le reste des humains, à la figure pâle et longue »… Moi, comme les chiens, j'éprouve le besoin de l'infini… Je ne puis contenter ce besoin ! »

⁂

Les six livres de ce long poème d'ironie diabolique et d'imprécations sont assez souvent traversés de ces magnifiques éclairs et, jusqu'aux invectives immondes ou atroces que le maniaque décoche contre Dieu ou contre les hommes — à cause de Dieu, — gardent la trace profonde, malgré tout, d'une ancienne adoration foudroyée.
Je soupçonne cet infortuné de n'avoir été qu'un blasphémateur par amour, exactement, je le suppose, comme il devint un insensé. Après tout, cette haine enragée du Créateur, de l'Éternel, du Tout-Puissant, ainsi qu'il s'exprime, est assez vague dans son objet, puisqu'il ne touche jamais aux Symboles.
Cela même est passablement étrange. Il ne saurait y avoir de blasphème aussi longtemps qu'on ne s'attaque pas à la Croix. Le théologien le plus bête pourrait en donner la raison plausible. On ne peut faire souffrir l'Impassible qu'en dressant la Croix et on ne peut le déshonorer qu'en avilissant ce Signe essentiel de l'exaltation de son Verbe.
Or, ce frénétique, cet écumant contre Dieu n'en dit pas un mot. Il a l'air de l'ignorer, d'une ignorance surnaturelle.
Il reçoit, un jour, les admonitions d'un crapaud mourant qui part pour l'éternité afin d'implorer le pardon de son disciple et qui l'exhorte à montrer enfin son essence divine qu'il a cachée jusqu'alors. Dieu sait ce que pouvait représenter un tel batracien à ce malheureux esprit.
Ailleurs, c'est un hermaphrodite, « image sacrée de l'innocence des anges, » pour lequel il prend la résolution de prier chaque jour. Ailleurs encore, c'est une lampe d'église qui éclaire le « chenil du Créateur » et dont la lueur d'oraison, éclatante pour lui comme vingt incendies, le transporte de désespoir.
Sans aucun doute, cette âme cloîtrée dans l'exécration d'une formule abstraite, portait la peine infernale d'un immense amour que nul symbole de lumière n'avait éclairé. Il nous apprend, au surplus, qu'il était mathématicien.
La Prostitution sous toutes ses formes est une idée fixe qui escorte habituellement, dans son livre, l'idée du Seigneur, comme un corollaire suit un axiome. Les très-rares individus capables de sentir le profond mystère évoqué par ce mot de Prostitution, pourront lire avec un étonnement sans bornes, en déplorant l'extinction de ce Lucifer, le poème incroyable de la page 15.
« J'ai fait un pacte avec la prostitution, afin de semer le désordre dans les familles… Hélas ! hélas ! s'écria la belle femme nue, les hommes, un jour, me rendront justice ; je ne t'en dis pas davantage. Laisse-moi partir pour aller cacher au fond de la mer ma tristesse infinie. Il n'y a que toi et les monstres hideux qui grouillent dans ces noirs abîmes qui ne me méprisent pas. » Qu'on le prenne comme on voudra, ce chapitre m'a totalement confondu !

⁂

Je n'ai jamais lu les aliénistes et la science physiologique ne m'a jamais allaité. Me sera-t-il pourtant interdit de supposer chez un tel homme frappé de folie, une sorte de lucidité à rebours qui le fasse presque infaillible, qui lui donne même, parfois, des allures de profond oracle dans l'antiphrase coutumière de ses ironies ou de ses fureurs, quand il veut exprimer la dominante passion de son esprit fourvoyé ? Il me semble que cette hypothèse hardie ne s'élève pas sensiblement au-dessus d'une modeste lapalissade.
L'auteur, — quel qu'il fût, — des Chants de Maldoror, nous apprend qu'il était mathématicien et même Montévidéen, ce qui paraît impliquer une mathématique supérieure. Il y revient plusieurs fois. Il parle de la face grave de la géométrie que réjouit la forme sphérique de l'Océan ; il parle aussi, dans un bien étrange poème dithyrambique de l'arithmétique et de l'algèbre, « dont les savantes leçons, plus douces que le miel, filtrèrent dans son cœur comme une onde rafraîchissante ».
Il affirme que celui qui ne les a pas connues « mériterait l'épreuve des plus grands supplices ». — « La fin des siècles, dit-il, verra encore, debout sur les ruines des temps, vos chiffres cabalistiques, vos équations laconiques et vos lignes sculpturales siéger à la droite vengeresse du Tout-Puissant, tandis que les étoiles s'enfonceront avec désespoir, comme des trombes, dans l'éternité d'une nuit horrible et universelle, et que l'humanité grimaçante, songera à faire ses comptes avec le jugement dernier. »
La catastrophe inconnue qui fit de cet homme un insensé a dû, par conséquent, le frapper au centre même des exactes préoccupations de sa science, et sa rage folle contre Dieu a dû être, nécessairement, une rage mathématique.
C'est une vision de tristesse presque infinie que celle de ce glorieux esprit visiblement fait pour s'assimiler la lumière des constellations, entravé au début de son envol, scellé, cadenassé dans une idée fixe, immortellement atroce et s'efforçant, avec la logique bizarre des aliénés, avec les ressources d'une science précise, de construire une hélice descendante pour fuir des cieux implacables vers des antipodes impossibles.
A-t-il fallu qu'il adorât la Beauté, ce poète englouti dans les ténèbres, pour l'insulter avec tant de soin, pour s'ingénier, comme il le fait, tout le long de son livre, à en dénaturer les formules ! Le besoin perpétuel de pervertir le sens du Beau, dénonciateur de sa chute, est en lui comme une effroyable diastole de son nouveau cœur.
« — Le grand-duc de Virginie, beau comme un mémoire sur la courbe que décrit un chien en courant après son maître… Le vautour des agneaux, beau comme la loi de l'arrêt de développement de la poitrine chez les adultes dont la propension à la croissance n'est pas en rapport avec la quantité de molécules que leur organisme s'assimile… Le scarabée, beau comme le tremblement des mains dans l'alcoolisme… L'adolescent, beau comme la rétractilité des serres des oiseaux rapaces ; ou encore comme l'incertitude des mouvements musculaires dans les plaies des parties molles de la région cervicale postérieure ; ou plutôt comme ce piège à rats perpétuel, toujours retendu par l'animal pris, qui peut prendre seul des rongeurs indéfiniment et fonctionner même caché sous la paille ; et surtout, comme la rencontre fortuite sur une table de dissection d'une machine à coudre et d'un parapluie… »
Il y en a d'autres encore, que leur superfine abomination rend impossibles à citer.

⁂

On parle beaucoup de la littérature vécue, des livres vécus. La plupart des romanciers contemporains nous donnent ainsi à flairer leurs petites affaires de cœur. Je veux me persuader que ce barbarisme finira par tomber dans le ridicule.
Mais si l'on y tient absolument, quel livre, je le demande, quel roman moderne, quelle autobiographie mâtinée de fiction, pourrait être plus vécue que les lamentations et les hurlements de ce supplicié dont l'âme est aveugle, dont la mémoire est éteinte, qui ne sait plus s'il y a quelqu'un pour l'entendre, qui ne gémit sur lui-même que pour lui-même et qui ne s'interrompt de vociférer son désespoir que pour sibiler sa douleur ?
L'intensité de cette flamme qui va mourir est positivement effrayante et les contorsions littéraires des historiographes de nos plates mœurs, semblent peu de chose, en vérité, à côté du tragique portentueux de ce désorbité de l'Amour et de la Lumière.
Car, c'est un vrai fou, hélas ! un vrai fou qui sent sa folie, qui s'arrête subitement de nous raconter sa soif d'un monde infini, pour exhaler ce cri déchirant : « Qui donc sur la tête me donne des coups de barre de fer comme un marteau frappant l'enclume ? » C'est un fou comme il ne s'en était jamais vu, qui aurait pu devenir l'un des pus grands poètes du monde, qui s'en doutait assurément et qui s'est éteint dans le plus affreux des sépulcres, avant d'avoir eu le temps qui fut accordé au Tasse, bien moins inspiré que lui, d'enfanter son œuvre.
Il succomba, comme Satan, pour avoir « vaincu l'Espérance ». Cher grand homme avorté ! Pauvre rastaquouère sublime ! « C'est quelqu'un, dit-il, en parlant de lui-même, qui a des chagrins épouvantables ! » Et c'est tout ce qu'il nous révèle de son passé. On dirait même qu'il le cache avec toute la ruse compliquée d'un aliéné simulateur et larron.
Dans l'espoir de fuir, son imagination éperdue le précipite aux métamorphoses. Il se rappelle « avoir vécu un demi-siècle, sous la forme de requin, dans les courants sous-marins qui longent les côtes de l'Afrique » ; il se reconnaît un visage d'hyène ; il a de longs entretiens avec « le frère de la sangsue » et « le poulpe au regard de soie, dont l'âme est inséparable de la sienne, qui est le plus beau des habitants du globe terrestre et qui commande à un sérail de quatre cents ventouses ».
Enfin, il adresse à ses lecteurs exécrés d'avance, — si le Tout-Puissant qu'il vomit lui permet d'en avoir un jour, — cette encyclique recommandation par laquelle j'ai voulu finir :
« — Adieu, vieillard, et pense à moi si tu m'a lu. Toi, jeune homme, ne te désespère point ; car tu as un ami dans le vampire, malgré ton opinion contraire. En comptant l'acarus sarcopte qui produit la gale, tu auras deux amis. »

1er septembre 1890.

Les Cahiers de Tinbad n°6
Au sommaire un dossier "BLOY" avec des textes de :
Guillaume Basquin, Claire Fourier — Sur L'âme de Napoléon de Léon Bloy
Jean-Marie Apostolidès — Léon Bloy et Guy Debord : destins croisés
Cyril Huot — Léon Bloy. J'aime / J'aime pas

Éditeur : EDITIONS TINBAD
Date de parution : 12/09/2018
ISBN : 9791096415144
Nombre de pages : 128
Prix : 15.00€
En librairie
À commander également chez Pollen :
http://www.pollen-difpop.com/A-81107-les-cahiers-de-tinbad-n-6.aspx#.W6Dq_i17HVo

Texte de Bloy sur Ducasse : https://fr.wikisource.org/wiki/Belluaires_et_porchers/Le_Cabanon_de_Prométhée

Pour une pensée des sentiments

Comité de rédaction — 2018-09-26T16:16:58Z

Alexander Kluge est écrivain, cinéaste, homme de télévision. C'est l'une des figures majeures de la scène intellectuelle et créatrice allemande, toutes générations confondues. Il publie chez P.O.L. le deuxième volume de son œuvre immense intitulée Chronique des sentiments, II, L'inquiétance du temps.

Prolégomènes à une « année Kluge » dans TK-21 LaRevue

Alexander Kluge va connaître entre septembre 2018 et juin 2019 une actualité particulièrement chargée en France. Cela a déjà commencé à Toulouse, se poursuit à Paris en septembre, à Arles à l'automne pour une exposition Ensor – Kluge, encore à Paris pour plusieurs événements que nous présenterons en temps et heure, pour se clore par une semaine en juin à Cerisy-la-Salle avec un colloque qui sera consacré à son œuvre.

TK-21 LaRevue a décidé de s'associer à cette année Kluge afin de faire connaître cette œuvre multiple, car se déployant au moins entre cinéma et littérature à parts égales, hors normes par l'immensité des œuvres et l'innovation dont elles sont porteuses et terriblement en phase avec nos préoccupations les plus concrètes comme les plus intimes.

Qui parle ?

Car c'est nous qui sommes les véritables sujets de ces histoires qui s'égrènent comme des fragments le long de cette route qui ressemble à une spirale sans fin et qu'on nomme la vie ou l'histoire ou encore la pensée.

Ce sont nos préoccupations les plus intimes qui sont diffractées à travers ces milliers de pages racontant des histoires parfois si singulières qu'on n'ose à peine croire qu'elles sont vraies. Pourtant, à leur lecture on pressent qu'elles nous disent quelque chose de ce corps pensant et sentant que nous sommes, en nous révélant comment nos vies se nourrissent d'une sève provenant de racines si anciennes, si profondes que nous ignorons qu'elles sont encore actives.

Ces chroniques racontent d'une manière qui ne ressemble pas à celle qui prévaut dans ces romans qui plongent dans le cœur de cire des morts-vivants de pacotille auxquels ils s'adressent des couteaux à la lame bien trop émoussée pour faire autre chose que de touiller la soupe du malheur pour faire oublier qu'il serait possible de penser autrement, de se voir autrement, de vivre autrement, l'aventure incroyable de la vie.

Ici, dans ces Chroniques des sentiments, il en va tout autrement. Nous sommes plongés dans une forme de narration qui, on le comprend vite, fait exploser le cadre romanesque, l'élargissant au point de faire de tout élément de la vie un événement s'inscrivant dans l'histoire, où se croisent toutes les histoires, celles des passions comme des raisons, celles des corps comme des images, celles des consciences comme des rêves.

C'est bien, selon la formule de Musil, une nouvelle manière de penser qui s'invite dans ces pages ou plutôt qui s'y invente. Accepter de se plonger dans ces milliers de pages, c'est devenir un esquif sur un fleuve dont parfois les rives semblent si proches qu'on pourrait les toucher et parfois si lointaines qu'on se croit en pleine mer. Le voyage est sans fin car il est aussi sans commencement identifiable. Mais on peut voir se multiplier les commencements et les arrêts, les étapes et les suspens, les avancées et les conclusions souvent brutales.

Le fleuve sur lequel nous naviguons est à l'évidence celui de la vie, à condition de comprendre que la vie, ici, est ce qui en nous s'ouvre à plus intense et plus immense que ce que nous pouvons en percevoir, en imaginer, en penser. De plus, il faut bien en convenir, ce fleuve ne coule pas dans une seule direction, mais par moments il coule à l'envers, par moments semble stagner, à d'autres moments encore, lorsqu'il semble avancer, on ne peut dire dans quelle direction cela se fait.

On se souvient que la pensée historique se déployait selon une conception finalement linéaire du temps pensé comme irréversible et marqué par des césures aussi radicales que celle de la disparition d'un monde, d'une ville, d'un état de choses.

Cette vision héraclitéenne du temps, celle du fleuve dans lequel on ne se baigne jamais deux fois, n'est pas celle d'Alexander Kluge qui, lui, semble plutôt faire du temps une entité vivante qu'il appréhende, peut-être comme un fleuve, mais un fleuve qu'il faudrait regarder à la fois de ses bords et du ciel, dont il faudrait étudier les ramifications et les méandres, analyser la carte et la peau, écouter la voix et les cris. Il faudrait aussi tenter de le comprendre comme une entité constituée de strates si nombreuses qu'elles se déchirent et se mêlent à chaque instant indépendamment de nos illusions et de nos croyances, de nos idées et de nos attentes.

En fait, ce fleuve est composé de toutes ces lignes de forces et c'est d'accepter qu'elles s'entrelacent et se combattent parfois sur des micro-segments de vie, parfois dans des batailles titanesques, qui le rend si passionnant. Une telle posture nous contraint à abandonner nos idées reçues et c'est sans doute l'effet le plus radical que peut produire sur son lecteur ce livre incommensurable.

Qu'est-ce que le sentiment ?

Que peut bien signifier le mot sentiment tel qu'il apparaît dans ce titre, Chronique des sentiments, un titre qui connaît à l'heure actuelle deux sous-titres, Histoire de base pour le livre I et Inquiétance du temps pour le livre II ?
Dans le livre I on peut lire p. 849 ceci : « À qui appartiennent les sentiments ? Peut-on les concevoir dans les frontières du MOI ou du SOI ? Sont-ils marqués dans les secteurs de la vie sexuelle, masculins, féminins ? Montaigne, le philosophe, dit que les sentiments ne sauraient déplacer les montagnes. Pourtant ils peuvent traverser sans efforts les frontières corporelles entre masculin et féminin, leur appartenance sexuelle est même indéfinie, comme celle des anges. »

C'est à une tout autre conception de ce « moi » que nous convie Alexander Kluge, une conception de la subjectivité comme processus réversible de subjectivation qui nous conduit à la fois à être attentif à tout ce qui nous échappe d'ordinaire, à tout ce qui, produit par nous ou présent dans la nature, interagit avec nous, et à tout ce qui traverse le temps et la matière et donc nos corps et notre pensée de manière incessante, comme le font les neutrinos par exemple, sans que nous puissions jamais « en avoir conscience ».

Le tout premier texte du Livre I se termine ainsi : « Les êtres humains ne sont pas les seuls à avoir des cours de vie, les choses aussi : les vêtements, le travail, les habitudes et les attentes. Pour les êtres humains, les cours de vie sont leur demeure, quand la crise sévit au dehors. Tous les cours de vie réunis forment une écriture invisible. Ils ne se vivent jamais seuls. Ils existent en groupes, en générations, en états, en réseaux. Ils aiment les chemins de traverse et les voies de recours ; les cours des vies sont des bêtes attelées entre elles. » (op cit., p. 45)

Il faudra donc, dans les notes sur ces deux ouvrages qui se poursuivront dans les mois à venir, non seulement tenter de comprendre ce que sont les sentiments, mais tenter de comprendre ce qu'il en est de notre si chère conscience et de son adjuvant irascible, le temps.

En effet, lors de notre première rencontre qui donna lieu à l'entretien publié ici dans les numéros 66 et 67, la discussion permit, sans que cela ait pu être préparé et anticipé, de faire venir sur le devant de la scène de la parole, la figure de Julian Jaynes.

La surprise fut grande de voir que non seulement cet auteur et son livre culte La naissance de la conscience dans l'effondrement de l'esprit était connu de lui mais qu'il lui portait, ce qui est vraiment plus rare, une attention respectueuse. Seul Burroughs semble avoir à ce jour porté un tel intérêt aux thèses de cet ouvrage, on peut le vérifier dans les deux volumes de ses essais, qui pourtant permet de comprendre, enfin, à la fois ce que purent être les hommes d'avant l'écriture et la conscience telle que nous croyons la connaître, et ce que purent être les dieux !
Cette surprise prend une tout autre consistance à la lecture du Livre II (p. 208 et ss.) dans lequel Jaynes est non seulement mentionné mais où certaines de ses thèses sont présentées.

On comprend alors que l'un des enjeux de cette œuvre protéiforme est bien de se lancer dans l'ouverture ce qu'il nomme page 180 un « chantier émotionnel », autrement dit, dans une remise en question de la forme de la conscience classique et dans la mise en évidence d'un nouveau type de psychisme.
Le sentiment est le nom de l'élément qui rend possible cette opération. On pourrait ici faire un clin d'œil vers la fonction de l'enzyme telle que la décrit Robert Musil dans son roman L'homme sans qualités.

Dans le Livre II au chapitre « Le sentiment de vengeance comme thématique de temps libre », on peut lire ceci : « La classe ouvrière est le sujet de la transformation sociale. » Dans ce cas, elle est également porteuse de la forme concentrée du sentiment protestataire, la vengeance. Avec la subsomption réelle de la classe ouvrière sous le capital, la vengeance en tant que « sentiment humain » disparaît (n'ayant du reste jamais été un sentiment particulièrement humain sous sa forme ancienne), d'où appauvrissement individuel en un sentiment de vengeance, et richesse sociale en esprits vengeurs. Qui fusent à travers la réalité : maux d'estomac, machines qui franchissent des horizons, oubliance, bienveillance. En appendice de la « monstrueuse accumulation de marchandises », une « monstrueuse accumulation de vengeurs. » (op. cit., p. 404-405).

Nous y sommes donc et ici de manière incontournable, dans ce chantier qui voit s'affronter les résidus des forces qui composaient l'histoire, entendons notre croyance en l'histoire et les éléments qui aujourd'hui constituent le paysage de la post-histoire dans lequel nous vivons.

Que ce chantier soit dit « émotionnel » ne peut que nous conduire à nous interroger sur les revers de la raison ou si l'on veut son envers. Et cet envers de la raison n'est pas à chercher de l'autre côté du rideau, mais bien là où nous sommes, sur nous au moins autant qu'en nous, en cette surface qui forme la peau du temps qui apparemment ne mène plus nulle part et sans doute aussi ne mène à rien.

« B. - Mais alors, qu'est-ce qui mène à quelque chose ?
W. - C'est bien ce qu'il convient d'expérimenter. » (Livre II, p. 413)

(à suivre...)

Aux Éditions P.O.L :

Chronique des sentiments, tome II
L'Inquiétance du temps
Alexander Kluge
septembre 2018 – 1184 pages – 39 € – ISBN : 978-2-8180-2070-8
http://www.pol-editeur.com/index.php?spec=livre&ISBN=978-2-8180-2070-8

Chronique des sentiments, tome I
Alexander Kluge
mars 2016 – 1136 pages – 30 € – ISBN : 978-2-8180-1996-2

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Comité de rédaction et La rédaction — 2018-09-19T10:47:24Z

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Corps encore...

Comité de rédaction — 2018-05-31T20:11:34Z

C'est dans un espace patrimonial, l'ancienne usine Cavrois-Mahieu qui porte la mémoire de la production textile de la ville de Roubaix, que les rencontres artistiques Corps, encore... sont organisées.

L'événement, sur trois jours se structure autour d'une exposition présentant 34 artistes (dont une sélection d'artistes-vidéastes par Vidéoformes), des performances et des tables rondes qui feront se répondre durant toute une journée (le samedi 9 juin) des interventions critiques et des conférences performées, mises en espace. Les débats se dérouleront ainsi dans une architecture comme figée dans le temps, les « gamelles » des ouvriers attendant près du comptoir et les portes des vestiaires des hommes et des femmes tout juste refermées.

Corps, encore... propose de penser, à travers des œuvres très variées, sculptures, installations, peintures, dessins, photographies, performances sonores et dansées, conférences performées... toujours, encore, la place et la représentation du corps dans la production artistique contemporaine.

Les révolutions portées par Duchamp sur le regard, Louise Bourgeois sur le lien entre création, subconscient et réactivation des souvenirs, par Artaud sur le cri du corps, par De Kooning sur la sensation, les Actionnistes, Gina Pane sur la mise à l'épreuve et les seuils de tolérance du corps, Carolee Schneeman sur la chair... ne sont que quelques exemples marquants du 20ème siècle qui ont permis et qui permettent d'interroger ce que nous refusons encore souvent de voir quant à notre rapport au corps pulsionnel.

Plus récemment les œuvres de Paul McCarthy, Jan Fabre, Xavier Leroy, Deborah De Robertis, Marina Abramovic, Heather Hansen... témoignent combien les pulsions du corps sont forces de compréhension et de renversement dans l'histoire de l'art : fonctions d'objet et de sujet interchangées, gestes et mouvements du corps devenus objets artistiques et poétiques...

Corps, encore... évoque ainsi à la fois le rapport du corps à sa propre perte et le corps insaisissable, confus, confondu, conscient et inconscient, visible et invisible, présent et fuyant...

P.W./E-Y. L

Programme envisagé sur 3 jours :

Bertrand Gadenne, « L'arborescence », Installation vidéo sonore, loop 2018

Vendredi :

18h30 : Accueil – Présentation du lieu et du Non-lieu
18h45-19h45 : Visite de l'exposition
19h45-20h30 : Pot de vernissage
20h30-21h30 : Intervention performée de Jean-Louis Poitevin : Corps-paysage et Performance d'Eun Young Leepark : Cris-Souffles
22h00 : Clôture de soirée et de vernissage

« Faute d'Eden », détail

Samedi :

10h00-12h15 : Table ronde n° 1- Pulsion -3 interventions – modération Eun Young Leepark
10h00 : Simona Polvani : Démembrement et dépossession de soi, dans la dramaturgie de Gao Xingjian
10h30 : Sylvie Roques : Le corps qui éprouve et s'abîme (1)
11h00 : Bertrand Gadenne : Le Souffle
11h30 : Aurore Heidelberger : La performance qui s'empare des lieux
12h00 : discussion
12h15 : repas
14h00-16h15 : table ronde n° 2- Dévoration -4 interventions – modération Jean Delsaux
14h00 : Pascale Weber : Le corps encore en art-vidéo (présentation programmation Vidéoformes)
14h30 : Jeanne Laurent : Intime invisible, en corps dévorés, les nouveaux paradigmes de l'effondrement anthropophage
15h00 : Diane Watteau : L'artiste ventriloque
15h30 : Valentina Gioia-Levy : Dissociation-Altérité-Réappropriation. Du corps exotique au corps post-exotique
16h00 : discussion
16h15 : pause café
17h00-19h30 : table ronde n° 3- Répulsion -4 interventions – modération Pascale Weber
17h00 : Jean-Louis Poitevin : La honte : un sentiment originaire ?
17h30 : Thierry Destriez (Heure Exquise) : À propos de la performance Chandelier (Steven Cohen)
18h00 : Maria Clark : Entre pulsion et répulsion À fleur de peau
18h30 : Laurence Dervaux : Attraction - Répulsion - Attraction
19h00 : discussion
19h30 : Apéritif -buffet
21h00 : Performance de Hantu+ Bordel Pavelski : Faute d'Eden avec Intervention théorique performée de Sylvie Roques : Le corps qui éprouve et s'abîme (2)

Reed 013 « Gabrielle » Impressions numériques diasec, 40x50 cm

Dimanche :

10h-18h00 : Exposition
14h00 : Performance dansée à partir des sculptures de Rosy le Bars (E-Y. Leepark/A. Halo/P.Weber)
18h00 : décrochage

Cliquer sur l'icone ci-dessous pour accéder à la totalité des informations :

Programme complet en pdf

Liste des artistes et des intervenants invités

Maria Clark

Artiste visuel et chercheuse-doctorante en arts plastiques à l'université de Paris 1 Panthéon-Sorbonne, j'expose et performe en France et à l'étranger depuis 2003. Les mediums que j'utilise sont multiples : installation, art action, pellicule, vidéo, peinture, dessin, écriture… Ma recherche actuelle est axée sur la question du vivant et de sa représentation. J'aborde entre autres les thématiques de la rencontre du modèle et de l'artiste, des différents corps (physique-mental/singulier-pluriel) et de leur relation à l'environnement (intérieur-extérieur). www.mariaclark.net

Entre pulsion et répulsion « À fleur de peau »

Le toucher aurait pour intermédiaire comme un voile d'air autour du corps, une enveloppe qui adhèrerait naturellement à nous, nous propose Aristote dans son Traité de l'âme. Cet « entre » d'air, en contact direct avec notre enveloppe-peau, crée un espace sensible qui nous met en lien avec l'environnement. La peau, cartographie interface, à la fois matière et réseau, imprime, partage, nous place dans une alternance fusion-scission.
Dans cette intervention performative il s'agira de proposer un voyage esthétique et visuel au sein des pensées du tactile afin de rendre au toucher sa place première dans l'organisation des sens.

À fleur de peau

Angélica De Carvalho

Angélica de Carvalho est une artiste brésilienne qui travaille dans la photographie, la vidéo et la performance. Ses œuvres visent à donner corps à des expériences immatérielles à travers des récits non linéaires – ce sont des autoportraits dans un processus d'individuation. Dans l'une de ses œuvres récentes, Carmen, pour l'opéra de Bizet, l'artiste a conçu une projection de vidéo relatant sa rencontre synchroniste avec une graine nomade de l'histoire des gitans. Elle est doctorante à Paris 1 Panthéon-Sorbonne et à l'Université Fédérale de Rio de Janeiro.

« Cassia grandis seed »

Entre blessure et plante, animal et végétal, qu'est-ce qui vient pour moi ou qui vient de moi ? La chair nébuleuse, quand je m'effondre et me réveille dans l'image, je questionne la frontière entre moi et l'autre.

Cassia grandis seed

Laurence Dervaux

Artiste née en Belgique pratiquant l'installation, vidéo, photo, dessin, collage. Présidente de l'option Peinture à l'ESA Académie des Beaux-Arts de Tournai et membre de la commission des Arts de Wallonie.
« Toutes les œuvres de Laurence Dervaux mettent en place un même mode opératoire, la circulation permanente entre deux pôles affectifs : le sentiment de beauté que suggère l'œuvre et la compréhension de leurs significations révélées par les titres. Telle une vanité, ces révélations sont toujours relatives à notre vulnérabilité, à notre fragilité. C'est en effet dans l'expérience de la contemplation que se joue l'œuvre, dans l'exacerbation de cet instant de grâce, de cet équilibre instable né de la rencontre de la naissance et de la mort, de l'attraction et de la répulsion, de la beauté et de l'angoisse. Si les sentiments de beauté et d'effroi se nourrissent en permanence, dans le travail de Laurence Dervaux, c'est moins pour rappeler l'inéluctable échéance de tout corps qu'en exacerber la magie de la présence. » (Extrait d'un texte de Pierre-Olivier Rollin, directeur du musée d'art de la province de Hainaut, Bps 22, Belgique.)
Laurence Dervaux est présente dans diverses collections publiques et privées. http://www.dervaux.be

« La quantité de sang pompée par le cœur humain en une heure et vingt huit minutes ». L'installation est constituée d'un empilement de récipients en verre contenant des liquides rouges. L'ensemble est attirant par sa brillance, ses reflets, ses couleurs, il dégage un sentiment de beauté, de préciosité. L'œuvre s'intitule La quantité de sang pompée par le cœur humain en une heure et vingt-huit minutes. Un glissement s'opère dès lors que le titre est précis, éloquent par son signifiant. Cette couleur rouge qui nous charmait tant, nous faisait vibrer de ses éclats prend alors une autre dimension. Le regard change, nous plonge dans une forme d'ambivalence. Le sang, ce liquide précieux universellement considéré comme le véhicule de la vie, est ici contenu dans des vases clos dans lesquels une infinité de gouttelettes de condensation se forment petit à petit. Cette formation d'eau évoque un monde en perpétuelle évolution, induisant la notion de naissance, de régénération, de vie.

L'installation est conçue comme un château de cartes : chaque vase en soutien un autre. Une architecture d'apparence instable, fragile. La symbolique du sang nous revient en force, puisque en cas de rupture d'équilibre, le liquide va se répandre à l'image d'une blessure mortelle. Et d'une symbolique de vie : le sang contenu, on bascule dans une symbolique de mort : le sang répandu. L'ensemble exprime une beauté fragile. Empilement de 750 réceptacles en verre transparent. Ces contenants sont remplis de 428 litres d'un liquide rouge symbolisant le sang. L'installation est conçue comme un château de cartes : chaque vase en soutien un autre. La symbolique du sang nous revient en force, puisque en cas de rupture d'équilibre, le liquide va se répandre à l'image d'une blessure mortelle.

La quantité de sang pompée par le cœur humain en une heure et vingt-huit minutes, 110 X 340 X 180 cm. Collection de la province de Hainaut

Caroline Hofman

Dans la lignée de l'Arte Povera et de Fluxus, Caroline Hofman réinvente le quotidien par le détournement d'objets usuels ou par le geste graphique. Elle tend ses fils, les brode, les incorpore dans des installations, les dessine, joue sur les motifs jusqu'à glisser une part d'étrangeté dans l'habitude : un tiroir rempli de vieux vêtements devient paysage et l'action de se brosser les dents se transforme en relevé sismographique.
Artiste au parcours atypique, Caroline Hofman a intégré à ses œuvres les connaissances et recherches plastiques issues de sa double formation en design de mode et en arts plastiques : choisi pour sa texture, sa maniabilité et son rendu, le textile devient le matériau privilégié de ses œuvres. Sa capacité à générer de nouveaux espaces permet son détournement, notamment dans les performances, où le textile se mue en paysage, en île, en cocon, en structure autonome.
Nourrie par ses voyages et ses résidences artistiques en France et à l'étranger, l'artiste nous invite à repenser le paysage, ainsi que notre relation à la nature et l'empreinte mémorielle et temporelle que nous y laissons. Collectionneuse d'instants éphémères, Caroline Hofman capture par le dessin ou la photographie ces moments fugaces mais pleins de beautés qui peuplent notre vie quotidienne : un bout de ciel (Terra Nostra), un regard (projet Horus), une habitude (Cartographie de geste).

« Utopie concrète »

« Utopie concrète », 2015. Installation textile. Utopie concrète est une série d'œuvres objets qui s'inscrit dans un champ d'archéologie relationnelle. Des objets sont glanés dans la rue, dans les brocantes ou mes Emmaüs. Une seconde vie leur est donnée grâce à une intervention textile. L'histoire de l'objet se poursuit et renvoie au fantastique ou à la peinture. Ici une paire de lunettes perd sa fonction originelle et devient objet totem. Suspendue, l'œuvre évoque à la fois la présence et l'absence. Utopie concrète interroge le rapport au monde et de façon évidente, le rapport au corps, qui permet d'éprouver un environnement. La fiction et le réel se retrouvent dans l'espace de l'œuvre.

Utopie concrète

Bertrand Gadenne

Bertrand Gadenne a débuté son travail d'artiste à la fin des années 70 par son engagement dans le domaine du cinéma expérimental. À partir de 1983 il a développé un travail de création de dispositifs de projections de diapositive tout en explorant les grandes catégories de la représentation du monde naturel. L'art de Bertrand Gadenne crée par des moyens insolites un émerveillement qui engage le regardeur dans une réflexion sur l'expérience du temps, l'impermanence de l'être, la caducité des choses, l'apparition de l'image. Depuis 1999, il utilise le principe de la projection vidéo afin d'affirmer la prise en compte de l'apparition fictionnelle de l'image en fonction des lieux d'expositions et l'investissement de l'espace public qui devient le théâtre d'étranges apparitions nocturnes.
Bertrand Gadenne a exposé au Centre National de la Photographie à Paris, au Musée des Beaux-Arts d'Arras, à la Galerie Jordan/Saydoux à Berlin, au Musée des Beaux-Arts de Rouen, au Centre d'art contemporain de Liangzhu en Chine.

En concevant des dispositifs lumineux insolites et spécifiques à chacun des éléments naturels (végétal, minéral, animal, etc) dont il suscite l'apparition, il crée des situations empreintes d'un caractère magique et propices à une méditation sur les liens à la fois techniques et poétiques que son œuvre tisse entre « la nature des choses » et le fragile miracle de leur visibilité. La simplicité apparente de ces images survenant telles de véritables apparitions, entre rêve éveillé et matérialisation de l'insolite,images synoptiques et luminescentes, constitue une proposition radicale et passionnante.

Bertrand Gadenne, « L'arborescence », Installation vidéo sonore, loop 2018

Hantu & Bordel Pavelski

Hantu (Weber+Delsaux) est un duo de performers dont le travail traite de la mémoire du corps et des fantômes qu'il porte en lui : pour Hantu le corps est un dispositif doué d'un pouvoir révélateur des flux matériels et immatériels qui le traversent, des forces qui l'habitent, des interactions et des liens impalpables qui s'établissent avec les entités autour de lui : il est en même temps médium et champ d'investigation privilégié. Hantu a présenté son travail au Palais de Tokyo, au Musée de la Nature et de la Chasse (Paris), à la Maréchalerie (Versailles), à l'Institut Repine (St-Pétersbourg), à l'Institut Kesenian (Jakarta), au Musée Kheireddine (Tunis), à Plymouth, Montréal, Taipei… ses films ont été projetés dans des festivals (Laval Virtual, Parigraph, Vidéoformes, Sinon Oui -Essonne…).
Bordel Pavelski est musicien et performer, il a collaboré à plusieurs performances collectives de Hantu ces dernières années.
www.hantu.fr

Hantu(weber+delsaux)avec Bordel Pavelski et intervention de Sylvie Roques.

« Faute d'Éden »

« Faute d'Eden » est le titre d'une performance d'une vingtaine de minutes conçue pour 3 personnes : Pascale Weber, Jean Delsaux (à gauche) et Bordel Pavelski (à droite), ponctuée par l'intervention théorique de Sylvie Roques. Derrière le duo Hantu est projetée une reconstitution d'Adam et Ève chassés du paradis de Masaccio à partir des corps des performeurs qui reprennent les poses des deux personnages. Les performeurs au premier plan portent sur eux des micros reliés à une table de mixage. P.W. et J.D. vont successivement s'observer, tenter d'entrer en communication, renoncer à la rencontre, se battre et s'épuiser. Sur une plateforme qui leur fait face, Bordel Pavelski tentera lui-aussi, par la musique, avec sa guitare électrique d'entrer en communication avec le duo.

« Faute d'Eden » parle d'un espace d'insouciance perdu dans lequel il aurait été aisé de co-exister, d'un temps où les corps inconscients de ce qu'ils sont découvrent leur condition humaine et la part de violence que porte tout exercice d'altérité. Cette violence devient l'expression universelle d'une peur et d'une difficulté à trouver sa place face à celui qui nous accompagne et partage en témoin notre condition.

Performance Faute d'Éden, les images virtuelles

« Faute d'Eden », détail

hantu #13, « La Saignée », Série photographique, 120 X 120 sur Velin, ©Hantu (weber+delsaux) & Bordel Pavelski, 2018

Jacob Kirkegaard

Jacob Kirkegaard est un artiste et compositeur danois qui travaille dans des environnements choisis pour avec soin pour générer des enregistrements qui sont utilisés dans ses compositions, ou combinés avec des prises de vues en vidéo, et des installations spatiales. Ses œuvres révèlent des phénomènes sonores inaudibles et présentent l'écoute comme un moyen d'expérimenter le monde.
www.fonik.dk

« Aion »

Il a enregistré des environnements sonores aussi variés et différents que les vibrations de geysers souterrains, des aurores boréales en Islande, des salles vides à Tchernobyl ou des paysages à Fukushima, des glaciers arctiques se disloquant, et de sons générés par l'oreille interne humaine révélant l'inaudible et l'invisible par des installations présentées dans divers lieux, musées et galeries internationaux.
Dans Aion il nous montre Tchernobyl et des lieux desquels le corps humain s'est exclu lui-même...

Aion

Eun Young Leepark

Elle est artiste plasticienne et chercheuse doctorante (Arts plastiques, Esthétique et Sciences de l'art)à l'Institut ACTE-Université Paris I Panthéon-Sorbonne. Ses recherches explorent les aspects identitaires d'artistes dans un environnement contemporain à travers la performance et la peinture. Elle questionne les actes des artistes liés à la spontanéité et à la pulsion comme ceux de Xavier Le Roy, Antonin Artaud ou Yves Klein, etc.
https://eunyoungleepark.com/

« Cris-souffles », Performance participative durant laquelle les spectateurs seront invités à crier, chuchoter...

« Cris-souffles » est une performance devant une vidéo filmée sur la montagne, les nuages et le ciel. Les performeurs qui sont mêlés avec les publics jouent éventuellement des instruments musicaux (traditionnels coréens) et chantent les récits fragmentaires (murmure, souffle, cri) au fur à mesure de la scène vidéo.

Les chanteurs traditionnels (Pansori- récit chanté) en Corée, montent au sommet de la montagne pour atteindre le niveau du virtuose et entraînent par la force de leur chant le mouvement du regard sur la vue des montagnes et du ciel. il s'agit « d'être chanté, chanter, se faire chant » tout en se déplaçant vers le Ciel pour « être regardé, regarder, se faire regard ».
Ces chants récités font alors hors sens provoquant comme un renversement du sens ou de la vision. Ce projet est inspiré par l'œuvre d'Antonin Artaud. Ce dernier porte en effet l'expression à la limite de la conscience humaine sous les éclairages de la poésie et de la schizophrénie. Deleuze insiste à ce propos sur les Cris-souffles d'Artaud et sur le fait extraordinaire que la corporéité sans organisation se manifeste sur le plan du style par une syntaxe sans articulation. Ainsi ses poésies et ses cris permettent de révéler la « nature nue » avec l'amalgame lexical sans ponctuation.

Le Hors sens provoqué permet-il le renversement d'un regard désirant ? Tel sera l'enjeu artistique de cette performance.

Avec Intervention performée de Jean-Louis Poitevin : Corps-paysage

Proposition d'artistes : Vlavo Victorine, Frank M., Eunhee M. Jiyoung B., Pei Y...

Performance Cris souffles, l'image virtuelle

Extrait de vidéo

Ung Bai Lee

Je suis un coréen né à Yeoncheon, ayant obtenu une licence de sculpture à l'université de Nationale de Séoul puis un master et un doctorat d'arts plastiques à l'université Paris 1. J'ai eu la chance de faire 16 expositions personnelles et 134 expositions collectives tout au long de ma carrière en France, en Corée et en Chine. La plupart de mes œuvres sont donc situées au cœur de différentes villes et nombreuses d'entre elles sont collectionnées par des musées. Je suis d'autre part, professeur à l'université Kookmin et membre du jury des arts publics de Séoul.

« Community » 220x230x190 cm

La ligne serpentine, une matérialisation du geste dans l'espace. Du dessin à l'encre, à la sculpture monumentale dans l'espace public.

« Community » 220 x 230 x 190 cm

Rosy Le Bars

Artiste-plasticienne résidant à Lille, Rosy Le Bars est diplômée de l'école des Beaux Arts de Nantes (DNSEP design, 2004). Intervenante en arts plastiques, elle anime des ateliers auprès d'enfants, d'adolescents et d'adultes dans diverses structures. Elle obtient en 2016 la bourse d'aide à la création de la DRAC pour la réalisation de pièces en céramique. À l'occasion des 10 ans de l'association Fructôse (Dunkerque) où elle a son atelier, elle participera en septembre prochain au « F Tour », parcours artistique dans la ville.
Rosy Le Bars est engagée dans un travail de sculpture. Des formes organiques émergent au plus proche du ressenti. Au fil des réalisations s'est construit un langage fait de formes qui viennent dans le prolongement du corps. À l'épreuve du matériaux, de l'espace, du corps, l'artiste cherche à les dépasser pour en produire de nouvelles.

« Retour à la mer » résidence à l'Espace Le Carré - juillet 2016 ensemble de 6 pièces textile, silicone, bâche, plâtre, métal

Posées, suspendues, couchées, les sculptures s'organisent dans l'espace dans une nécessité de créer une interaction avec le corps. Des mots et dessins les accompagnent. L'installation est envisagée comme un espace intérieur. Des fragments d'une même histoire s'y organisent dans une tentative de reconstitution.

Chang-Yu Lin

Chang-Yu LIN est peintre et doctorant à Pairs 1 - Panthéon-Sorbonne

« Corps en lévitation »

Le stress pesant de la vie contemporaine étouffe progressivement notre cœur ; il nous est parfois difficile de respirer. Cependant, peut-être ce stress nous permet-il d'avancer vers un avenir meilleur ? Ce poids nous oblige à nous déconnecter pour léviter et nous extraire de la réalité, abandonner tous nos soucis, oublier les limites du corps.

Envol, 2014, huile sur toile, 30 x 30 cm

Jérôme Progin

Plasticien né en 1972 vit à Lille, déployant sa technique autours du dessin, l'image animée, la transformation d'objets et l'installation. Utilisation récurrente du feu et des matériaux qu'on peut lui associer, bois, suie, cendres, papier, cire. Son travail se développe souvent en séries interrogeant avec ironie la mémoire individuelle confronté à la vacuité du désordre du monde.
http://jeromeprogin.blogspot.fr/

« From Hand to End »

Afin de mettre en œuvre cette série, j'ai demandé à Monica Companys (comédienne sourde) de s'exprimer en langue des signes. Une série de mots évoquant à la fois un élément plastique et social ; le lien, la séparation, la rupture, la disparition, ….

Seuls ou combinées, ces extrémités corporelles présentées telles de grandes allumettes évoquent l'absence inspirent à un silence chaotique. L'objet, familier, dérisoire, vidé de son énergie est prêt à être jeté au rebut. Il se contorsionne, victime d'un replis hasardeux et d'un sort éphémère. La combustion ici révèle plus qu'elle ne dissipe. La matière organique, quasi maniériste se trouve générée par l'informe.. Ne subsiste qu'un corps en devenir, une douleur confinée, une question sur sa propre fin.

Série de moulages - plâtre et bois calciné. 90 cm environ l'une.

« From Hand to End » Série de moulages - plâtre et bois calciné, 90 cm environ l'une

REED 013

Issu de la première mouvance punk, REED 013 a subi les influences du surréalisme, du pop art et du situationnisme. Complétant la peinture et le dessin des débuts, ses œuvres intègrent progressivement la photographie, le graphisme et la musique : une vision du monde où se mêlent aux éléments de la modernité ses obsessions psychanalytiques et religieuses et qui pose avant tout la question d'une redéfinition de la perception du réel et du contrôle de celui ci.
Après une série d'expositions de tirages argentiques en noir et blanc, REED 013 développe un concept de photos retraitées par ordinateur. Cette méthode lui permet de réunir sur un même support différentes techniques auparavant difficilement conciliables. « L'image numérique me permet de représenter d'une manière crédible mes problématiques concernant la perception du monde, celle-ci est véhiculée par le corps. Le corps est une allégorie, le désir du corps, la mutation, la modification corporelle sont la base de mon travail actuel. [...] Je ne cherche qu'à trouver des clefs (des symboles) qui ouvriraient des portes [...] qui déplacerait notre écoute tout comme le bouton de radio sur la bande des fréquences... ». 013 veut clairement se situer à la frontière de l'histoire de la photographie (courantes références aux images du début du siècle), de la peinture (surtout symboliste) et des nouvelles technologies qui posent le problème du clonage de l'image.

Reed 013 « Gabrielle » Impressions numériques diasec, 40x50 cm

Sarah Roshem

Née en 1972, vit et travaille à Paris. Céroplasticienne, Sarah Roshem travaille la cire. Dans les années 2000, elle met sa pratique au service d'un laboratoire médical fictionnel, ShR Labo. www.shrlabo.org En 2011, reprenant son patronyme, Sarah Roshem développe un travail de sculpture contemporaine : quittant les questions de la représentation humaine, elle s'intéresse aux objets techniques de l'activité humaine – imaginaires et poétiques – qu'elle met en tension dans l'espace, dans un équilibre de force et de fragilité.

ShR Labo, « CAB »

Sarah Rosem présente depuis les années 2000 son travail sous le pseudonyme de ShR Labo, un laboratoire de recherches et d'expérimentations sur le vivant et son milieu. Elle développe des concepts, des dispositifs immersifs, des œuvres au service du spectateur dans le but de l'aider à aller mieux : ShR Labo takes care of you. Cette démarche reliant la pratique artistique à celle du care conçoit et développe des propositions artistiques expérimentales pour favoriser la mise en place de techniques nouvelles de soutien grâce à l'art. L'art permettrait, dans un souci de l'autre, d'engager – dans une relation de confiance et de partage – des pratiques favorisant le bien être par la relation, l'expérience, la création.

ShR Labo, « CAB », taille réelle avec un visage humain

Nicolas Tourte

Nicolas Tourte est né à Charleville-Mézières, vit à Lille et travaille en tout lieu. Il est représenté par la galerie Laure Roynette / Paris. Ses pratiques s'orientent vers les nouveaux média et s'articulent autour de la notion de cycle et de virtuel.
http://www.nicolastourte.net/

« Corail », 2012 : des corps se bousculent, se heurtent et se meuvent de manière absurde et illogique. Ils perdent toute individualité et évoluent telle une masse informe, organique et décérébrée. Production Musée de Louviers.

« Corail », extrait de vidéo

Thierry Destriez

Il est chargé de la distribution, de la diffusion et de la programmation à Heure Exquise, Centre international pour les arts vidéo spécialisé dans la promotion, la programmation et la préservation d'œuvres d'art vidéo et de vidéos de création.

Valentina Goia-Levy

Valentina Gioia Levy est une curatrice indépendante et professeur en Histoire de l'Art Contemporain et du Design à l'Accademia Italiana, à Rome. En 2007, elle est diplômée en Études asiatiques à l'Université La Sapienza de Rome avec un focus sur l'Art Contemporain Japonais et en 2009 elle est diplômée en Management et Marché de l'Art à l'École E.A.C de Paris.
En 2014, elle a coordonné un programme sur l'art contemporain asiatique pour le Musée national d'art oriental de Rome. Depuis 2014 jusqu'en 2017, elle a créé et dirigé un programme d'art contemporain dans le Festival de Villa Ada à Rome. Entre 2014 et 2015, elle a été curatrice de deux événements collatéraux de la Biennale de Kochi - Muziris (Inde). En 2015, elle à été commissaire invitée de la première édition de Something Else OFF Biennale du Caire (Egypte) et en 2016 elle à été commissaire invitée de la XIIe édition de la Biennale Dak'Art (Sénégal), sous la direction de Simon Njami. En 2016, elle a également été co-commissaire de LAM360, Biennale Land Art Mongolie (Ulan Bator, Mongolie) et co-commissaire de la Biennale Mediations de Poznan (Pologne). Depuis 2017 elle a collaboré avec la plateforme Arts and Globalization autant que commissaire invité dans le cadre de Arts & Globalization Pavilion lors de la 57ème Biennale de Venise et co-commissaire de « Art & Connectography », événement collatéral de la prochaine édition de la Biennale Manifesta12 (Palermo, 2018).

Aurore Heidelberger

Docteure en arts de la scène,
Textes et cultures, équipe interne Praxis et esthétique des arts, Université d'Artois, Chargée d'enseignement, Université catholique de Louvain-la-Neuve.

Jeanne Laurent

Artiste et doctorante à l'ED APESA Paris 1 Panthéon-Sorbonne sous la direction de Pascale Weber. Artiste multimédium et performeur, la recherche de Jeanne Laurent se tourne vers l'empreinte de l'homme dans son environnement, ses traces et lâchers-prises explorant la relation visible/invisible, et cultivant des liens avec le monde en pratiques citoyennes et collaboratives en des espaces de dialogue et de construction, de l'individuel au collectif.
www.jeannelaurent.net

Jean-Louis Poitevin

Jean-Louis Poitevin est écrivain et critique d'art. Docteur en philosophie, il est l'auteur de nombreux livres et articles sur l'art contemporain en particulier et sur la littérature, mais aussi de fictions. De 1998 à 2004 il a dirigé les instituts français de Stuttgart et d'Innsbruck.
Aujourd'hui, écrivain et de critique d'art, outre la rédaction de textes de catalogues et de livres, il fait des conférences en France et à l'étranger et en en Corée particulièrement. Il organise aussi des expositions de photographies et de vidéo. Il a animé de 2005 à 2012 un séminaire privé sur l'image et la post-histoire. Certains de ses textes ou conférences sont accessibles sur le site http://www.tk-21.com, revue en ligne dont il est le fondateur et dans laquelle il publie régulièrement analyses et chroniques et dont il le rédacteur en chef.

Sylvie Roques

Elle est Docteur en Esthétique, Université Paris 8, Sciences et Technologie des Arts, habilitée à diriger des recherches, et Chercheur associé au Centre Edgar Morin. Ses Thèmes de Recherche concernent l'exploration des formes scéniques performatives et leur sens culturel ; histoire du théâtre et des pratiques scéniques, les formes mineures du théâtre populaire (XIXe siècle – XXe siècle) et leur réception ; les « ressentis » de l'acteur et leur valeur anthropologique . Ses Recherches actuelles portent sur les nouveaux dispositifs scéniques, la performance et le théâtre contemporain.

Simona Polvani

Simona Polvani est une artiste-chercheuse. Doctorante à l'ED APESA Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne sous la direction de Pascale Weber. Elle prépare une thèse sur la performativité dans la dramaturgie de Gao Xingjian en cotutelle avec l'Università Alma Mater Studiorum de Bologne, Dipartimento delle Arti. Traductrice de dramaturgie contemporaine francophone et de poésie, elle a traduit et dirigé plusieurs ouvrages de Gao Xingjian en italien. Elle est auteure de pièces et de poèmes. Ces derniers sont au centre de différentes créations sonores et performances, entre autres Passi, Errare è umano (2016, projet en résidence au Château Ephémère, Carrière-sous-Poissy) et Disorientamento, dans le cadre de l'installation vidéo Disorient de Ludivine Allegue (2016, Musée des arts et métiers, Paris). En tant que performer, elle a collaboré avec les artistes Annie Abrahams, Romina De Novellis, Mélanie Perrier, Sakurako, Pascale Weber.

Diane Watteau

Diane Watteau, artiste, maître de conférences à l'Université Paris 1, critique d'art, commissaire d'exposition indépendante. Les représentations autobiographiques et de l'intime dans l'art constituent son champ d'investigations artistique et théorique. Aujourd'hui, elle rend compte d'un épuisement du langage dans la traversée de la réalité dans ses montages vidéographiques. Elle pense le sujet en transit, comme flux, dans un espace intime et politique, en utilisant les mots et les images des autres avec Beckett.

Non-Lieu Usine Cavrois-Mahieu
17 Rue Montgolfier-Roubaix
tél : 03 20 80 99 68
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Stack

Comité de rédaction — 2017-12-18T17:22:26Z

J'aime à penser que le processus de création de Pascal Simonet, plus simplement et concrètement, sa manière d'appréhender le réel, relève des rêveries du regardeur solitaire. À l'origine donc, des vagabondages sans raison mais non sans discernement. Regarder, observer, inventorier, sans a priori artistique, notre environnement quotidien, celui que l'on habite, que l'on traverse et que l'on ne voit pas ou plus. Être présent et à bonne distance (simultanément) de ces espaces imbriqués, contaminés, aux frontières incertaines ou abolies ou rien n'est “naturel”, surtout pas les espaces “préservés”. Le “paysage” n'a jamais été une donnée de fait. Il n'existe pas en soi. Il se construit, se défait, change, s'élabore. Les peintres de “Vedute” du XVIIIe siècle témoignent de la chose. Veduta, “la position où tombe la vue”, le langage de la perspective à l'œuvre au service de la représentation fidèle de lieux existants. Référence utile mais qui ne rend pas compte du travail de Pascal Simonet. Son approche subtile implique dans le même mouvement la présence et la mise à distance. L'imprégnation, voire l'infusion, sont ainsi convoquées. Aucune idée préconçue, de prétexte, mais la prescience maîtrisée. La pensée créative (l'inspiration donc) vient ici en marchant. “Le paysage, c'est ce qui se forme dans ma tête, une fois rentré à la maison lorsque j'ai oublié qu'un chat gris a croisé mon chemin, et qu'au fond de l'étang, une bouteille de coca-cola brillait”. L'essentiel se fait ensuite à l'atelier mais jamais de façon univoque. Être tout à la fois spectateur, témoin, acteur, voilà l'enjeu. Pascal Simonet utilise, pratique, en fait tire parti, du dessin, “d'objets” minéraux et végétaux, du mobilier urbain de la photographie... Il met en espace des sculptures et des installations de façon transversale, en se jouant des catégories, avec souvent des préoccupations de peintre particulièrement au niveau de la réflexion sur le cadre. La vidéo également, comme un simple outil.

Dépression au soleil plombant, technique mixte sur toile et panneaux, 200 x 238 x 24 cm, 1992

En mars 2000, à La Valette-du-Var, il fixe une caméra sur la tête d'un cheval, construisant ainsi une image du lieu, par des plans “naturels”, “organiques”, via une caméra, reproduisant un code perspectif hérité du Quattrocento. “Il croit qu'il filme, en fait, c'est Sony qui filme” dirait Godard. Le rapport nature/culture se retrouve ainsi décliné sous ses multiples aspects. In vivo, in situ (dans les multiples interventions de Pascal Simonet à propos des jardins), mais aussi dans les lieux d'expositions plus convenus, pensés et investis de façon réflexive. Un travail en conscience où le souci écologique se retrouve mais dépourvue de toute dimension militante. Aucune contrainte dans ces œuvres ouvertes qui développent l'idée d'une maîtrise à la fois objective, infinie dans le temps et l'espace, mais aussi historique dans sa dimension sociale, humaine, très humaine ! Nous sommes partis d'une simple promenade, d'une perception intuitive. Nous voilà rendus à l'analyse formelle, à l'image artistique qui fait sens, au regard de Pascal Simonet dont les œuvres pertinentes et sensibles suscitent l'échange et l'interrogation via notre faculté d'émerveillement. Il est plus que jamais nécessaire d'accorder toute notre attention aux rêveries de ce promeneur solitaire.

Robert Bonaccorsi
Le 20 août 2017

Pomme d'or 2, L'Offrande Pigment, empreintes végétales, feuille d'argent et feuille d'or sur carton, bois, 80 x 80 cm, 1993 - Coll. commune de Gorbio

Substituer l'art à la nature...

Dans le rapport que j'ai entretenu avec la notion de “nature” depuis le point de vue du siècle des lumières en passant par une rigueur à la fois descriptive et poétique dans l'écriture de Caillois. Effectivement ce sont des choses qui ont nourri mon regard et m'ont permis de voir plus largement la question du paysage contemporain comme de celle de l'univers des formes inaperçues de l'environnement dans lequel on vit aujourd'hui. La morphogenèse qu'elle provienne d'éléments dits de la “nature” ou des actions humaines, échange en effet des schémas étrangement communs qui nourrissent mon approche. En 2010 lors d'une exposition avec Sylvie Maurice que j'avais intitulée : “Nature/Contre-nature” à la “maison de la forêt” de Sivens dans le Tarn, soit un an avant les premières actions de mobilisation contre le projet du barrage de Sivens et quatre ans avant l'occupation du site par les “Zadistes” et la mort tragique du jeune Rémi Fraisse. La série de dessins réalisée pour ce site magnifique et menacé mêlait empreintes végétales et tracés géométriques issues de ces formes. Six ans plus tard, j'ai eu l'opportunité d'exposer cette même série dans “La Cité Radieuse”, Le Corbusier à Marseille et curieusement en observant à nouveau ces travaux sur papier, ceux-ci auraient pu être réalisés dans et pour l'Unité d'Habitation. L'histoire et les temporalités des deux lieux sont manifestement diamétralement opposées, puisque nous avons pour le très beau site naturel de Sivens, un projet d'aménagement destructeur tant du point de vue de la faune, que de la flore et particulièrement diviseur sur le plan humain. De l'autre, à l'issue de la seconde guerre mondiale, un projet visant l'harmonie constructive [1] et humaniste d'un nouvel art de bâtir et de vivre, qui tout en étant largement controversé et critiqué sur le plan politique et architectural, n'en est pas moins aujourd'hui très largement reconnu [2] et pour lequel les habitants aujourd'hui, par leur dynamisme associatif sont sans aucun doute, le meilleur témoignage d'unité rayonnante d'un lieu. De cet enchevêtrement difficilement démêlable de causes et de conséquences, émerge l'union de dualités, de principes contradictoires et en effet tout comme l'énonçait Diderot, il nous faut sans cesse substituer l'art à la nature, pour en bien juger.

Herbularius, jardin expérimental, dimensions variables, d'après le tracé cadastral de lotissements construits sur d'anciens jardins - Domaine de Baudouvin, La Valette-du-Var - Briques vernissées et plantations de simples, 2008 (Détail)

Le jardin d'Éden

J'ai toujours combattu cette idée de nature ex-nihilo. Pour échapper à la condition animale, l'homme a toujours résisté à son environnement. Il s'est inventé un autre réel et paradoxalement aujourd'hui sa sensibilité “écologique” le place en situation de résister à nouveau et de composer avec lui-même.

L'histoire urbaine et humaine, regorge de situations étranges et paradoxales. En 1997 j'ai pu bénéficier d'une résidence d'artiste à Alexandrie et à travers mes pérégrinations, je suis tombé par hasard sur un site de fouilles archéologiques discret au cœur de la ville antique, où l'on pouvait distinguer en coupe, un cimetière Mamelouk superposé aux traces de villas romaines, lequel cimetière était lui-même recouvert par un dépôt d'ordures fait de tessons de poteries et recouvert à son tour d'ordures contemporaines que les habitants continuaient de déposer ou de jeter de leurs fenêtres. Cela peut aujourd'hui heurter les esprits, mais en même temps c'est une réalité crue du paysage urbain, inscrite dans des temporalités successives de l'activité humaine.

Ces contradictions, ces dénis de réalité, cette résistance de l'humain vis-à-vis de son environnement, qui aujourd'hui se mesure à l'échelle de la planète, nous fait souvent oublier la représentation même de ce que nous avons autour de nous, de l'ordre du quotidien, du banal, de l'évident, de l'habituel ou du bruit de fond. L'ensemble de mon travail tend à rendre compte de ça, en dehors de tout critère de jugement, ou d'auto censure. Je me plais à mettre l'accent sur le non visible, qui n'est pas vous l'aurez compris, tout à fait l'invisible.

Ors 1 / Ors 2 / Suite en deux pièces, Empreintes végétales, encre, pyrogravure et mine de plomb sur papier, 75 x 79,5 cm, 2005

Capter le réel...

Je préfère garder de tout ça le souvenir de formes fugaces sans essayer de rentrer dans le détail car c'est souvent inintéressant et surtout comme le dis très bien Alain, nous sommes obligés d'avoir ce regard décentré qui fait qu'on en a une mémoire des formes, des couleurs très parcellaire... Par contre cet aspect fragmentaire peut déclencher un imaginaire assez intéressant. En 1990, j'ai initié un travail basé sur la perception visuelle que j'avais en empruntant certaines voies rapides pour me rendre à l'atelier que j'avais au Cannet. J'ai réalisé des panneaux en fibre de canne de Provence compactée, proches de ceux qui étaient utilisés pour absorber le son des véhicules à proximité des habitations et les ai colorés sur l'envers avec des peintures fluo afin de projeter une sorte d'aura lumineuse autour de ce matériau. J'ai ensuite combiné ça avec des peintures fractales sur toile libre a n d'évoquer les nombreuses taches fantômes multicolores qui persistent devant les yeux quand on a le soleil en face sans protection. Ça participait de moments fugaces que j'avais de ces espaces traversés et d'une mémoire visuelle difficile à cerner, mais en tous cas importante pour moi à représenter.

AT — Acier inox, néon et Pierre brute, 100 x 100 x 100 cm, 2017

La réalité aujourd'hui...

C'est tout à fait juste. Cette question est centrale et bien au-delà du champ artistique, pose effectivement celle de la représentation, à la vue et à l'esprit, du réel pour tout un chacun. Aujourd'hui le réel est bien souvent consommé et décrit dans toutes sortes d'activités de la vie quotidienne et en cela renforcé par la prééminence et la vitesse des médias... mais cette part de réalité est paradoxalement très mal, voire pas du tout représentée, car il y manque sans doute celle de l'invisible que l'artiste se doit de révéler à partir de la complexité du monde. Pour moi le réel a plus à voir avec ce qui échappe au regard et constitue cet invisible à rendre visible. C'est sans doute là aussi que la fiction et la narration sont un préalable à la représentation sensible du réel.

[1] Principe du modulor entre autre basé sur le nombre d'or et la suite de Fibonacci, éléments que l'on retrouve en particulier dans la croissance des arbres et des végétaux.

[2] Le site est inscrit aux monuments historiques et vient de l'être au patrimoine mondial de l'UNESCO.

Stack
Exposition :
du 7 octobre 2017 au 28 janvier 2018
Salles rez-de-jardin, Villa Tamaris centre d'art
83500 La Seyne-sur-Mer
Communauté d'Agglomération Toulon Provence Méditerranée
http://www.villatamaris.fr/

Catalogue :
Tiré à 500 exemplaires dont 100 exemplaires en tirages de tête, signés par les auteurs dans un boîtier contenant les catalogues des deux artistes
ISBN 978-2-37490-020-9
© Les auteurs, Villa Tamaris centre d'art, La Seyne-sur-Mer 2017

Couverture : Sans titre, Empreintes végétales, pastel sec sur papier buvard, 85 x 125 cm, 1997