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La couleur tombée du ciel

Florence Cook et Martin Mc Nulty — 2018-03-31T02:00:00Z

Sur les objets pailletés de Martin Mc Nulty présentés à la Galerie Patricia Dorfmann

Les objets pailletés de Martin Mc Nulty semblent être disposés de manière aléatoire, impossible de dégager une forme, de déceler des invariants, noter des répétitions : une pièce est organique, l'autre géométrique, est phallique ou vulvaire, naturelle ou artificielle, évoque un déchet ou la science-fiction, et un peu tout à la fois. Plutôt que de partir d'un bloc de matière, il retaille d'anciennes sculptures : il scie des cubes de mousse polyuréthane, les assemble, les ponce pour leur donner un aspect géométrique ou biomorphique, les mêle à des bouts de toile froissée. Parfois, il coupe une œuvre ancienne qu'il floque de paillettes : l'intérieur devient l'extérieur, le cœur la surface. Les paillettes, cette poudre discontinue et chatoyante, ajoutent une couche d'instabilité. Les associations de couleur inattendues et racoleuses rappellent la peinture préraphaélite, cette manière anglo-saxonne d'associer le pastel bonbon au noir le plus sombre, la rêverie à la tragédie. On y voit les céramiques de Fontana, dont le vernis redouble l'indécision de forme, et on pense surtout à l'informe selon Bataille, ce qui n'est pas constitué par la pensée mais lui échappe en prenant son origine dans l'inconscient. Les années soixante sont passées par là, et la culture psychédélique a ouvert les portes de la perception ; le LSD a fait exploser de nouvelles associations colorées, festives et incontrôlées.

Placées à même le sol, ces formes semblent encore plus basses, indignes de considération. Aucun socle n'est là pour les individualiser, aucun arrangement pour les mettre en valeur. On a plus affaire à un ensemble de fragments qui vibrent encore de leur explosion, qu'à des sculptures individuelles. Pourtant, c'est aussi une manière d'affirmer une présence, la plus élémentaire : posées, simplement.

S'il y a bien un terme inadapté pour décrire ce que nous voyons, c'est celui d'« œuvre ». Mc Nulty n'aime pas ce qui fait référence au travail, au labeur, ce qui sent la sueur. Il reste en retrait, s'arrête dès que l'objet semble incarner une intention, prendre une direction. Il ne se projette pas, refuse de figer. Le résultat n'est pas prévisible : quel intérêt trouverait-il à faire quelque chose d'attendu ? Même le choix des paillettes est fortuit ; c'est en recevant un stock qu'il s'est mis régulièrement à les employer. Il affirme faire des objets plus que des sculptures. Son travail semble plus s'adresser à un collectionneur qu'à un amateur d'art. Il accumule, comme une roue qui patine dans la boue mais dont les projections génèrent d'improbables monticules. Il n'est cependant pas dans une compulsion aveugle comme le ferait un autiste, car chaque forme, chaque association colorée est très différente de la précédente. Contrairement à ceux qui pratiquent l'art comme une thérapie, Mc Nulty n'explore pas les tréfonds de son inconscient, ne se met pas à nu, mais joue d'un va-et-vient entre retrait de l'artiste et présence forte de l'objet. Il rend impossible une lecture psychanalytique, contrebalançant l'informe par des découpes géométriques, le brillant par le noir sourd, notre perception oscillant entre ces extrêmes.

De fait, le travail de Mc Nulty semble se développer en dehors de ce que l'on considère habituellement être de l'art. Il se réfère souvent à un univers où la « création artistique » n'aurait pas encore sa place. Ces blocs sont des météores couvertes de la poussière des étoiles qu'elles ont traversées, renvoient à un cosmos où l'humain est insignifiant. Mc Nulty s'intéresse aussi à l'art pariétal ; lorsque les premiers dessinateurs et sculpteurs utilisaient les moindres accidents de la roche pour suggérer, en les soulignant à peine, un animal, une figure, un geste.

L'un des premiers titres de l'exposition était « Pagan Fold », que l'on peut traduire par « enclos païen » : le lieu où l'on réunit le troupeau, dans un désordre apparent qui répond en réalité à une logique animale. Le « païen » renvoyait à l'antiquité, lorsque la religion monothéiste n'avait pas organisé les sociétés autour du culte d'un Dieu unique. Ce morcellement trouve un écho dans des philosophies en vogue : l'analyse des sociétés du contrôle par Deleuze, le monde en archipels selon Glissant, la société liquide de Zygmunt Bauman. Elles pointent toutes le refus de se retrouver cantonné dans des structures néo-libérales d'encadrement avec la productivité comme seul horizon. L'inutilité des productions de Mc Nulty est ainsi presque irritante : elles ne décorent pas un mur, encombrent le sol, risquent à chaque instant d'être heurtées, essaiment des paillettes.

Un point de départ de cette série est une petite peinture, « Fairy Feller's Master-stroke ». Son auteur, Richard Dadd, était interné au Bethlem royal hospital, pour avoir tué son père. Alors même que Sigmund Freud n'était pas né, un employé de l'asile, remarquant la qualité picturale des productions du patient, lui passa une commande d'œuvre. Dadd s'attacha aux moindres détails de cette image de féerie qu'il mit neuf ans à peindre, de 1855 à 1864. L'absence de construction de l'espace, la fragmentation, le rapport à l'inconscient et à la folie — mais une folie de l'époque moderne, avant sa définition par la psychanalyse — tout cela ne pouvait qu'inspirer Mc Nulty. Toutefois, alors que Dadd travaillait avec la minutie caractéristique de certains psychotiques, Mc Nulty prend soin de ne rien cerner.

Pourquoi cet apparent détachement ? Difficile de saisir ce que cherche Martin Mc Nulty : fascination pour l'informe ou quête festive ? savants assemblages ou chaos ? esprit Camp ou raffinement esthétique ? joie ou névrose ? Probablement tout à la fois, chez ce funambule de l'indécis. On pourrait lui trouver de multiples parrains : Cy Twombly, Franz West, Eva Hesse, Eugène Leroy, Robert Malaval, Glenn Brown, Tal Coat, Anish Kapoor. L'univers de la science-fiction afflue de toutes parts : ces globes semblent des planètes, les miroitements des poussières d'étoiles. Un passage de la nouvelle La couleur tombée du ciel de H.P. Lovecraft décrit à merveille ce que nous voyons : « sur l'ensemble régnait ce torrent de lumière amorphe, ce mystérieux arc-en-ciel empoisonné issu du puits, bouillonnant, clapotant, scintillant, tâtant le terrain, s'étendant sans cesse en un chromatisme cosmique impossible à identifier ».

Puisque le résultat semble nous dire « surtout je ne m'impose pas », refuse d'être pris pour de l'art, nous pourrions nous interroger sur les causes de sa genèse. Mc Nulty s'inscrit irrésistiblement dans la figure du dandy. Baudelaire, Duchamp ou Warhol, ceux-qui-ont-l'air-de-ne-pas-y-toucher ont posé les fondements de la modernité, changé radicalement notre regard. Sous des abords glitter, Mc Nulty a une attitude radicale, punk, dont la surcharge kitsch nous percute presque violemment. Pourtant, l'enchantement prend le dessus : ces merveilleuses pièces portent la magie de Noël, des échoppes des stations balnéaires où les coquillages nacrés alternent avec les étoiles de mer sur les étalages de fortune. La question du goût pointe son nez : si ces objets nous ravissent autant qu'un bonbon acidulé, ils rayonnent d'une dimension sublime.

Les pièces de Mc Nulty sont des boules de cristal. Elles sondent notre inconscient, inquiètent, ouvrent vers l'inconnu, dans un décor à la fois envoûtant et de pacotille. Vaguement scientifique et presque artistique, elles font divaguer et nous révèlent à nous-même des profondeurs inattendues.

Images de Stéphane Mortier

Galerie Patricia Dorfmann
61, rue de la Verrerie – 75004 – Paris
01 42 77 55 41
galerie@patriciadorfmann.com
www.patriciadorfmann.com
Martin Mc Nulty
La couleur tombée du ciel
Exposition du 10 Mars au 14 avril 2018
Vernissage samedi 10 Mars De 14h à 20h

Patricia Dorfmann tient à remercier tout particulièrement Marie Victoire Poliakoff - Galerie Pixi, Paris.

All the world's a stage

Alexandra Roussopoulos et Martin Mc Nulty — 2018-02-26T14:46:15Z

Pendant vingt ans, nous avons partagé un même espace d'atelier. Formes et couleurs circulaient d'un étage à l'autre imprégnant nos pratiques respectives.

L'exposition All the world's a stage nous réunit aujourd'hui sous une forme nouvelle et surprenante. Nous avons conçu des saynètes dans lesquelles les sculptures de Martin Mc Nulty, devenues des protagonistes anthropomorphiques, sont accueillies par l'espace mystérieux des peintures d'Alexandra Roussopoulos. De cette rencontre, un monde étrange, grave et léger, silencieux et intrigant, surgit.

Alexandra Roussopoulos et Martin Mc Nulty

Saisis aux confins du jour et de la nuit, posés dans l'angle du ciel de la peinture d'Alexandra Roussopoulos, les objets ruisselants de lumière de Martin Mc Nulty semblent avoir traversé, en les solidifiant, les couleurs de l'éther pour venir se présenter sur la scène d'un petit théâtre en suspens. All the world's a stage, and all the men and women merely players [1]. A travers ce voyage dans un temps sans rupture, la peintre et le sculpteur font naître des paysages célestes, baroques, doux et silencieux. Tout y est contrepoint et fait pour s'accorder – du plat d'un espace qui se plie à l'éclat du totem, du galet, de la pierre de lumière – dans une partition unique. Chaque scène recèle un mystère qui opère autour d'une vision, de la lente progression d'une aube mate dans un ciel originel jusqu'au scintillement des corps polis.

Verticales et suspendues au mur, les peintures d'Alexandra se prolongent en estrades pour recevoir les aérolithes de Martin qui s'y posent en confiance, cadrés par ces vues imprenables sur l'infini. Ou s'y appuient et les habitent avec tenue. Aux profondeurs immatérielles et aux dégradés subtils des aplats de la peinture répondent les sombres phosphorescences des paillettes, l'éclat de la nuit qui aurait pris des formes de bâtons primitifs, de résidus d'étoiles filantes et de gemmes étincelantes. Le spectacle est saisissant et pourtant, comme toujours, son élégance tient à son dispositif léger, mobile et modeste. Fidèles à soi-même, Alexandra Roussopoulos et Martin Mc Nulty rejouent sur la scène de l'art la partition perpétuelle de leur inaltérable connivence.

Marie-Fabienne Aymon

[1] Citation extraite de la pièce de William Shakespeare, As you like it (Comme il vous plaira, acte II, scène 7) 1599. Trad. « Le monde entier est un théâtre, et tous les hommes et les femmes simplement des acteurs ».

"The world's a stage" William Shakespeare
Exposition d'ALEXANDRA ROUSSOPOULOS & de MARTIN MC NULTY
du 07/02/18 au 18/04/18 du mardi au samedi de 14h30 à 19h00

GALERIE PIXI - Marie Victoire Poliakoff
95 rue de Seine 75006 Paris FRANCE
+33 (0)1 43 25 10 12 / galeriepiximarievictoirepoliakoff.com

Les deux amis

Adrien Lécuru , Léa Chauvel-Lévy et Martin Mc Nulty — 2017-09-29T09:19:05Z

Une grange. Des tableaux. Des sculptures. Loin des galeries et du circuit traditionnel du marché de l'art, deux amis et artistes, Adrien Lécuru et Martin Mc Nulty, ont monté une exposition dont la veine socio-politique ouvre un vaste chemin de réflexion.

Adrien Lécuru a peint pendant deux mois durant. Sans nuit, sans sommeil. À la campagne, non loin de sa maison, retiré de toute forme de mondanité, plongé dans les bruits de la nature profonde. Quelques livres comme compagnons de labeur, disposés dans un meuble construit pour l'occasion, pour cette expérience de création intense et autonome. Une revue FMR sur les portraits de Nuno Gonçalves, Tout l'œuvre peint de Fra Angelico, un vieux fascicule sur la Chapelle Sixtine. Et d'autres pages : Les Figures d'Eros de Rodin, Picasso, des ballets au drame, 1917-1926, ou encore une reproduction de l'Adam et Eve de Masaccio. Il a sans doute passé autant de temps à regarder ce qu'il produisait qu'à peindre. Il était dedans, et à l'extérieur de ses toiles. À la fois spectateur d'un monde qui se bâtissait sans lui, et en compagnie de formes et d'idées qui bataillaient et dansaient, logées dans son esprit, toutes prêtes à s'en libérer.

« Stations »

Comme s'il n'y avait là d'autre but sinon de peindre nuit et jour, il prit deux axes méthodologiques. Le premier, tracer un degré zéro du paysage, une ligne d'horizon, d'une toile à l'autre. Le second, fabriquer une fresque, celle du jour qui apparaît et se défait, en faisant glisser la lumière d'une toile à une autre.

Un monde est ainsi né, hors du temps, sous forme d'une série de cinq tableaux où chacun figure ce qu'il appelle une « station », un état de la journée ; de la pâle lumière du petit matin, jusqu'à la nuit d'un noir inquiétant et impénétrable.

Le premier tableau est un éveil, primitif. Un couple sans âge qui erre. Aucun regard ne se croise, parce qu'ils cherchent, bras ouverts, que le temps agisse à leur place et que le sens advienne. Le deuxième tableau, plus allégorique met en scène deux personnages en combinaison ; ingénieurs, figures de la science actuelle, et un homme, nu, entité à la tête masquée par un sac. Improbable assemblage sans aucun visage pour regarder le monde. Le troisième tableau est une vision, frappante, d'une masse d'être humains qui sort de terre sans savoir où aller. Faut-il y déceler la Parabole des aveugles ? Celui qui guide, s'il souffre de cécité, ne sait plus mener ceux qui le suivent et les condamne à tomber avec lui. Les sujets des tableaux semblent questionner légitimité du pouvoir et représentativité.

La quatrième toile fait revenir la figure du couple. Elle, nue et fière, n'existe pas, elle est un fantasme. Sculpturale. Ce n'est pas une femme mais une statue, elle est réceptacle, plan sur lequel on projette ce qu'elle n'est pas. Derrière elle, un clochard, hagard et fasciné, pourrait la rêver. À moins que ce ne soit elle. Enfin, dernier tableau, l'ingénieur, celui qui sait et qui maîtrise du haut de son rocher, est sur le point de tomber dans un gouffre. Lumineux gouffre, d'où pourrait certes jaillir des réponses, mais d'une nature trop incertaine pour les certifier et en jurer.

De cette série, il ne reste que des questions ouvertes et la sensation d'une matière uchronique qui nous échappe. L'horizon a beau être clair, il semblerait que la sidération gronde.

Entre les lignes se dessine un monde sans rênes, qui ne maîtrise plus sa monture. Le constat n'est pas tragique, il interroge et pose la question d'une société qui ne sait plus vers qui se tourner. D'où le terme d'húbris donné à l'exposition, en référence à cette période d'excès, de démesure, où l'état de droit semble pour certains avoir disparu pour un état de fait.

« Objets sordides »

Face à cet univers, les sculptures de Martin Mac Nulty déposées et comme échouées au pied d'une terre incertaine, observent. Elles sont petites, modestes, faites de morceaux de chiffon, de serpillères, « d'objets sordides » – si l'on voulait paraphraser Pascal Quignard – dont la valeur symbolique émeut par ce qu'elles semblent toutes crier « Mêdèn agan », rien de trop, maxime de la sagesse grecque ancienne.

Ralentir et trouver le calme d'un temps qui peut se retourner sur lui-même. Toutes ces figures, petits êtres qui rament littéralement pour se construire, s'imposent par leur fragilité, leur innocence et leur veine humble. Certes, elles brillent, car les matériaux englobants utilisés par Mac Nulty sont recouverts de paillettes, de peinture (vinylique ou acrylique), et de pigments phosphorescents, parfois même de poussière de cuivre et d'or, mais à l'intérieur, un univers grouillant et organique est fait de rebus et de pauvreté.

Les deux amis, depuis une langue commune et une même représentation du politique et du social, partagent une gamme chromatique étonnamment proche. Ils parlaient du même monde, tous deux respectivement dans leurs ateliers. Alors ensemble, ils ont trouvé un moyen de poser formellement ce qui résonne : un certain sens de la mesure, interrogeant l'húbris, la fière modernité qui échoue à se penser elle-même, comme avalée par un progrès non réflexif qui ne sait plus dire où il va, ni vers quoi il mène.

Martin Mc Nulty et Adrien Lécuru, Húbris, visite sur rdv jusqu'au 7 octobre au 22, rue de Nemours, Villiers-sous-Grez (06 72 27 39 35 ou residencedenemours@yahoo.com)

Cet article a été publié dans la revue Mouvement de Juillet 2017