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Livre d'artiste “The Place to be”

Étienne Diemert et Julie Chovin — 2021-10-03T15:02:21Z

Julie Chovin, plasticienne basée à Berlin, a publié en mars 2021 un livre d'artiste chez Vexer Verlag. Retour sur un événement éditorial qui condense un projet au long cours.

Le livre de Julie Chovin, sobrement intitulé The Place to be. Nightclubs in Berlin (2013-2020) et publié chez Vexer Verlag, se présente comme une carte géographique pliée de 30 x 12 cm, format éditorial créé spécialement pour ce projet par le studio de graphisme Daniel Rother. Le titre apparaît en gaufrage sur le recto de la couverture, tandis que les noms de l'artiste et de la maison d'édition se retrouvent au verso. Des rabats viennent protéger l'intérieur, dont l'un contient deux courts textes scientifiques de Boris Grésillon et de Séverine Marguin, sur lesquels nous reviendrons. Rappelons que la série The Place to be se déploie en 220 clichés d'entrées de clubs berlinois, pris de jour, de l'extérieur et de manière frontale, en couleur et en 24 x 36, selon un protocole régulier. La mise en pages les superpose deux à deux, en y joignant leurs coordonnées GPS, sur papier brillant. Enfin, la reliure suisse qui a été proposée par le studio de graphisme concourt à transformer ce livre de photographies en livre-objet ou en livre d'artiste que l'on voudra intégrer, au titre d'élément au sein d'un ensemble ouvert, dans sa bibliothèque idéale. Une édition ultérieure et limitée de cet ouvrage s'enrichira d'une carte.

Comment éclosent les livres ? Et, plus particulièrement, comment naissent les recueils, catalogues ou anthologies ? L'édition photographique jouit d'une tradition qui remonte aux origines du médium, comme l'ont mis en évidence Martin Parr et Gerry Badger [1]. L'une des principales fonctions du livre — et le livre d'images n'y échappe pas — est supportée par la reliure : il s'agit de rassembler des feuillets qui, sinon, resteraient épars et seraient emportés par les vents, et de les ordonner suivant une logique et une esthétique propres. La visée de ces deux actions étant de construire un ensemble. Julie Chovin s'est livrée à un tel travail après une campagne photographique de sept ans, réalisée entre 2013 et 2020 et consacrée à un objet exclusif (voir une interview avec l'artiste ici et la description ainsi que le commentaire du projet ici).

De la collection à son auteure

Lors de nos entretiens de 2015, Julie Chovin et moi-même étions tombés d'accord sur le signifiant de « collection » pour désigner le regroupement de tous les clubs. La collection était en quelque sorte la métaphore de la série photographique, qui a acquis ses lettres de noblesse avec le style documentaire [2]. Celui-ci se caractérise par les propriétés suivantes : sérialité, répétition, impersonnalité, absence de lyrisme ou d'emphase, objectalité.

Puisque Julie Chovin habite à Berlin depuis onze ans, il convient d'en passer par les mots de l'allemand : « collection » se dit Sammlung et est apparenté, dans son étymologie, à zusammen (« ensemble ») et à samt (« avec »). On retrouve là les critères d'ensemble et de cohérence qui définissaient plus haut le livre. Le verbe à l'infinitif est sammeln qui renvoie aux synonymes zusammentragen, zusammenbringen, vereinigen, anhäufen : la Sammlung se spécifie d'être une réunion d'objets organisée suivant un désir et qui a pour effet de produire une figure de collectionneur, ici une collectionneuse-plasticienne, d'après l'analyse de Gérard Wajcman dans son lumineux essai Collection [3]. Enfin, l'objet ou la chose en eux-mêmes — « ce qui est collecté ou collectionné » — se déclinent selon divers substantifs, dont les plus fréquents sont das Ding et der Gegenstand.

« Le collectionneur est donc le sujet supposé à la collection comme ensemble, c'est-à-dire comme forme méditée, organisée, pensée. […] La collection n'est pas seulement, pour quelque raison que ce soit, méditée, organisée, pensée : elle est d'abord voulue. Au milieu de la collection, ou circulant entre tous les objets de la collection, ciment subtil, il y a le désir du sujet supposé qu'on appelle le collectionneur [4]. »

Deux ouvertures textuelles

The Place to be. Nightclubs in Berlin (2013-2020) s'enrichit de deux courts commentaires scientifiques de Boris Grésillon et de Séverine Marguin.

Boris Grésillon, géographe et professeur de géographie, a écrit un ouvrage sur l'underground dans les années 1990, à Berlin : Berlin, métropole culturelle, paru chez Belin, en 2002. Il signe ici « Quand le off devient in : petite chronique de la techno berlinoise » et montre comment les clubs et la musique techno, d'abord symboles de la contre-culture, sont devenus partie intégrante d'un marketing urbain et culturel à partir du tournant du siècle : « Le nouveau Berlin finit par dévorer ceux-là mêmes, artistes, DJ, musiciens, gérants de clubs ou de labels, qui l'ont enfanté. »

Séverine Marguin, chercheuse en sociologie du travail, de l'art et de l'espace, signe « Une architecture berlinoise de la danse ». Elle précise comment le matériel visuel de l'artiste, par son exhaustivité et son principe de juxtaposition, illustre la disparité architecturale des clubs et forme une base de données valide pour une exploration socio-spatiale de la ville. Après avoir défini des groupes ou clusters en fonction de quatre critères — fonction d'origine du bâtiment ; matérialité de l'architecture ; transparence ; propreté ou entretien —, elle conclut sur la possibilité d'étendre l'analyse à d'autres dimensions pour cerner l'ancrage de ce lieu, dédié à la fête, à la musique et à la danse, dans le tissu urbain. « Le matériel de Julie Chovin est captivant et donne matière à réflexion sur la manière d'expérimenter de nouvelles méthodes visuelles dans la recherche en sciences sociales — autrement dit, sur la manière dont la recherche artistique et la sociologie peuvent bénéficier l'une de l'autre. »

Voir en ligne : Site de Julie Chovin

[1] Martin Parr et Gerry Badger, Le Livre de photographies. Une histoire, trois vol., Phaidon, 2005-2014.

[2] Cf. Olivier Lugon, Le Style documentaire. D'August Sander à Walker Evans (1920-1945), Macula, 2001

[3] Gérard Wajcman, Collection, Nous, 2014.

[4] Ibid., p. 33 et 36.

Colophon :
1. tirage, Vexer Verlag 2021
220 pages, 12,1 x 30 cm, reliure suisse cousue Images et concept : Julie Chovin
Textes : Boris Grésillon et Séverine Marguin Langues : allemand, anglais, français
Design : Studio Daniel Rother
Édition : Vexer
ISBN : 978-3-907112-29-8
Prix : 32 €

American Landscape

Julie Chovin — 2016-03-28T13:58:47Z

It was stranger than Paradise.

I got the measure of emptiness.
I have seen sixty-six buffalos when
I was looking for the traces of the Dust Bowl.
On the road, accompanied by some easy riders,
I filled the tank into thirty-six gasoline stations.
From Paris to Texas, through American surfaces I photographed
man-altered landscape. There are no small journeys,
they are all worth to capture in a road trip journal.
Between the dog and the wolf, I was feeling out of the ordinary.
Lit from the night window from a hotel room, I was watching
the wild flowers and mapped a survey of the metropolitan area.
I wanted to learn from Las Vegas, watching
neon signs by day and night, and became the witness number one.
I traveled with mystery trains. I slept in
some Los- Angeles apartments,
had a swim in nine pools and broke a glass.
Beach cities where everyone seemed
to be on a permanent vacation.
I walked along every building on the Sunset Strip.
During night walks,
I lit some small fires and extinguished them with milk.
I heard the leaves and loved the light.
It was the perfect time, the perfect place
and it offered me a shimmer of possibility.

C'était plus étrange que le paradis.
J'ai mesuré le vide. J'ai vu soixante-six bisons,
quand je cherchais des traces du Dust Bowl.
Sur la route, accompagné de motards tranquilles,
j'ai fait le plein d'essence dans trente-six stations-service.
De Paris au Texas, à travers les surfaces américaines, j'ai photographié
des paysages altérés par l'homme. Il n'y a pas de petits voyages,
ils méritent tous de capturer un journal de road trip.
Entre chien et loup, je me sentais en dehors de l'ordinaire.
Éclairé par la fenêtre d'une chambre d'hôtel, j'observais
les fleurs sauvages et traçais le plan d'un site métropolitain.
Je voulais apprendre de Las-Vegas, observer
les signes en néon de jour et de nuit, devenir témoin numéro un.
J'ai voyagé avec des trains mystères. J'ai dormi dans
des appartements de Los Angeles,
nagé dans neuf piscines et cassé un verre.
Des villes plages, où tout le monde semble être en vacances permanentes.
J'ai erré le long des bâtiments de Sunset Strip.
Pendant des marches nocturnes,
j'ai allumé neuf petits feux et les ai éteints avec du lait.
J'ai entendu les feuilles et aimé la lumière.
C'était le moment parfait, l'endroit parfait
et cela m'a offert un scintillement de possibilité.

The Place to be

Étienne Diemert et Julie Chovin — 2015-11-25T18:00:00Z

Entretien avec Julie Chovin, artiste d'origine française et vivant à Berlin, auteure de la série photographique et du projet de livre “The Place to be”.

Les clubs à Berlin : quotidienneté et carte postale ; le Berghain comme épicentre du clubbing dans la capitale ; l'architecture vernaculaire ; un business…

Julie Chovin : Le point de départ de la série, c'est la correspondance suivie avec ma grand-mère : je lui envoyais des photos de Berlin ; et, à un moment, je me suis dit : « Mais si elle venait à Berlin, qu'est-ce que je pourrais lui montrer ? Qu'est-ce qu'il y a à voir en dehors des monuments et des lieux historiques ? » Eh bien, la deuxième chose, ce sont les clubs ! Mais, comme elle a 80 ans, on ne va pas aller en club ! Donc, c'est comme si je lui faisais faire un tour des clubs, mais de l'extérieur… Ce point de vue de la mamie — la mienne ou celle qui habite à côté du Berghain et qui va faire ses courses au supermarché local — m'intéressait grandement : la petite mamie, elle va faire son Lidl, et elle regarde le gros bâtiment, et elle voit ce qui apparaît sur les photos…

Il y avait aussi l'idée, un peu ironique, de jouer sur le côté déceptif, où tu viens en week-end à Berlin pour faire des clubs — et tu ne peux pas entrer dans le club, tu restes dehors : qu'est-ce que tu vois ? Tu vois : //about blank [1], qui est une espèce de pauvre maison en béton à côté d'un chantier, vers Ostkreuz, et il y a des tuyaux devant — ils sont rigolos, ces tuyaux, et c'est rigolo à cadrer en photo : ils sont bleus ou roses —, mais il y a un côté glauque, qui fait certes partie de l'imaginaire berlinois, mais qui est aussi… C'est l'aspect de Berlin qu'on ne montre pas ! Ce que je voulais souligner, c'était la différence entre l'image qu'on a de la ville quand on ne la connaît pas et ce qu'on voit vraiment quand on y vient !

Tout le monde parle des clubs, mais en fait on n'en a pas d'images : dedans, tu ne fais pas de photo et, dehors, ça ne viendrait à l'idée de personne de prendre une photo d'un club de l'extérieur ! Ce qui intéresse tout le monde, c'est dedans… C'était jouer sur la question du secret : parce qu'un club comme le Berghain, il est de notoriété publique que tu n'y fais pas de photos, même dans les toilettes… Je pense que tu te fais mettre dehors ! Et quand tu entres, d'ailleurs, on te dit : « Ah ! tu as un appareil photo sur ton téléphone : tu ne fais pas de photos ! » Et ce qui se passe en soirée reste donc en soirée.

Le Berghain, c'est un immense endroit en béton, qui est une ancienne centrale électrique ; le lieu est beau en soi : tu as un plafond énorme, c'est sur deux niveaux, avec des endroits où tu passes au-dessus, tu vois les gens danser ; il y a un sound-system qui est fou ; les gens sont très libres et ont des mœurs très libres ; et la musique est bien, c'est de la techno ! Il y a ce côté régressif, noir, où la techno ressemble à un rythme cardiaque, et le club, à un « utérus imaginaire » [2] ; où, quand tu prends des drogues ou de l'alcool, ou même sans rien, tu es altéré, tes sens sont altérés à cause de la musique et de l'ambiance, à cause des gens… Il y a un côté « zombie » dans cette culture du clubbing à Berlin, parce que la musique est très répétitive — tu as des clubs où passent toutes sortes de musiques, mais la plupart sont des clubs où passent de la minimale ou de la techno ou de la musique électronique — ; tu as un côté très récurrent qui est un peu hypnotisant ; les gens dansent de façon très séparée, dans leur bulle, soit à cause des drogues, soit sans, et ce n'est pas de la musique que tu suis avec ton corps : c'est une sorte de faux rythme qui se crée avec la minimale et, quand tu vois ça de l'extérieur, c'est aussi très impressionnant : tu vois presque 300 personnes bouger sur de la musique, mais chacun dans leur truc ! Et le lieu est extraordinaire…

Après, les propriétaires du Berghain ont monté leur business : ils font le tri d'une façon que personne ne comprend ; c'est 14 € l'entrée, etc. C'est un business que tu paies pour une certaine expérience, comme tu paies pour aller voir le cinéma en 3D. Il n'y a pas d'autre lieu qui soit exactement comme ça !

Il y avait une gravure que j'ai exposée dans une expo en octobre 2014 [3]. C'est une photogravure, donc une technique ancienne utilisée à la fin du XIXe siècle pour faire des cartes postales, justement. J'ai repris une photo du Berghain, que j'ai vectorisée — donc, c'est un dessin vectoriel — et que j'ai imprimée avec cette technique de photogravure pendant un workshop à Weissensee, l'école d'art de Berlin-Est. Du coup, tu as un côté un peu dur, parce que c'est du dessin vectoriel, les lignes sont très droites (ce n'est pas du tout un dessin à la main), avec des dégradés très propres et, en même temps, ce côté ancien dû à la technique avec un papier beige ou blanc cassé : tu sens la marque d'impression, avec les petits trucs dentelés, vraiment comme une vieille gravure… C'est une pièce hors de la série, mais cela fait partie de la réflexion sur les clubs.

La question de montrer les clubs jouait avec cette idée : tu as un hipster qui arrive et qui ne peut pas entrer dans le club, que voit-il ? C'était de replacer les bâtiments eux-mêmes, dont certains ont un intérêt architectural, dans un paysage quotidien, dans le sens de la mamie, comme je le disais, et dans l'environnement qui est le leur et qu'on oublie. Par exemple, pour la photo de : //about blank, tout l'espace autour est intéressant, parce que tu as des immeubles — on ne les voit pas sur la photo, parce qu'ils sont trop loin — qui sont typiquement d'Allemagne de l'Est ; tu as un espace vide, parce qu'il y avait le Mur qui ne passait pas loin ; tu as tout l'espace de la gare aussi, qui a changé… Et, pour certains, ça montre aussi quelque chose de positif, de très malin de la part des Berlinois, quand ils ont ouvert ces clubs dans ces lieux où il n'y avait personne, où il y avait de l'espace pour des raisons politiques et historiques, où personne n'allait râler contre le bruit… Ça montre la réutilisation d'architectures qui avaient une fonction et que l'on réaffecte à une autre fonction. Et justement, il y avait un article d'un architecte qui a écrit là-dessus, sur un blog qui s'appelle Failed Architecture [4], où il parle de la réutilisation de ces espaces-là, qui sont laissés vides et à l'abandon par le retrait de l'industrialisation dans des pays comme l'Allemagne et surtout à Berlin, avec l'histoire qu'on connaît : la chute du Mur, la réunification des deux Allemagnes… Et donc, ces espaces ont été récupérés par les gens qui ont ouvert les clubs jusqu'à devenir maintenant un vrai business ! Maintenant, tu vois certaines équipes de clubs — qui sont toujours les mêmes : ils ont ouvert ça entre copains et avec trois bouts de ficelle — faire des plans avec la ville, recevoir des financements et faire des aménagements : ça va du Spielplatz (« parc de jeux ») pour les enfants au club avec la petite plage… Tu as là en concentré tout le cliché de l'été à Berlin !

Je suis arrivée il y a cinq ans, en 2010, et c'était déjà trop tard… Il y avait quand même le Bar 25, sur la Spreeufer à Friedrichshain, ce club mythique, qui n'est pas dans la série, parce qu'il a fermé la première année, mais que tu pouvais voir en passant… Il y a un film intitulé Bar 25, Tage ausserhalb der Zeit (« Bar 25, des jours en dehors du temps ») qui a été tourné dessus. C'est justement de ce club et de cette équipe dont je te parlais précédemment ; ils ont ouvert le Kater Holzig en face, qui a fermé aussi (il est fermé sur la photo que j'ai) ; et ils ont ouvert en face Der blaue Kater ou le Kater blau, où je ne suis pas allée, mais ils ont aménagé un espace où il y a un marché aux puces… Et à cet endroit, ils vont faire ce dont je parle, le Holzmarkt.

Un urbanisme néolibéral : la gestion de la ville comme business

Julie Chovin : Ce que j'ai mis un peu de temps à comprendre et ce dont j'avais fait l'expérience à Saint-Étienne, lorsque j'étais étudiante aux Beaux-Arts, c'était cette idée que, maintenant, — c'est ce qu'explique David Harvey dans Géographie de la domination [5] — toutes les villes sont comme des entreprises : tu as un budget de communication et de marketing et tu fais la pub de ta ville… C'est ce que ce géographe britannique appelle le « monopole » ; tu inventes un monopole et une rente de monopole. C'est-à-dire que la ville vit maintenant du tourisme — parce qu'il y a cinq ans ce n'était pas encore le cas, mais maintenant ça génère des profits énormes : le nombre de touristes double pratiquement chaque année ! C'est bien, il n'y avait pas grand-chose à Berlin, les gens vivent maintenant de quelque chose, mais cela détruit le charme propre de la ville : à force de refaire les clubs suivant l'idée que l'on se fait d'un club à Berlin, ça perd de son charme et ça détruit ce pourquoi les gens sont venus ! Tu viens pour quelque chose et tu le détruis en venant le voir ! Et il y a aussi l'idée que chaque ville fait sa com', mais tu n'oublies pas qu'il y a des gens qui y vivent au jour le jour, comme à Paris, où les gens sont énervés par les touristes… À un moment, on se dit : oui, et alors, il n'y aura plus d'habitants dans Paris, il n'y aura que des touristes qui viennent voir la tour Eiffel ! On peut imaginer dans le cas extrême que Berlin soit vidée de ses habitants, parce que les loyers sont devenus trop chers, et que tu n'aies plus que des touristes qui viennent là pour quinze jours…

Il y a un lien avec mon travail d'avant : ce sont ces photos de corsets qui sont sur mon site [6]. C'est la contrainte d'un corps physique. Ce qui m'a posé question dans les séries ultérieures, c'est le « corps social » et le groupe : comment contraindre une population ? Il y a la question du pouvoir politique, mais aussi celle du lieu de vie : on peut voir l'architecture et l'urbanisme comme une sorte de pouvoir ou d'organisation pour canaliser les énergies. Et je me suis intéressée à l'architecture et aux villes par ce biais-là. C'est une analyse du corset, qui serait le corset de la ville. Mes dernières lectures portent sur cet aspect récent, néolibéral, des projets architecturaux, des grands projets urbains (comme l'on dit), qui sont mis en place partout, comme l'aéroport de Berlin-Brandenburg, ou l'autoroute, ou même à East Side Gallery, le projet autour de la Spree, où maintenant il y a l'immeuble Coca-Cola, Universal Music, etc.

Les gens ont manifesté les cinq années avant que j'arrive en 2010. Je suis allée à l'une des dernières manifestations contre ces projets-là, une semaine après mon arrivée à Berlin ; je me suis fait embarquer dans une manifestation très festive, d'ailleurs. Plus récemment, les gens ont protesté pour Tempelhof, parce qu'ils voulaient faire des grands travaux, mettre une rangée d'immeubles en plus, qui auraient été des habitations de luxe, non destinées à la population d'origine des quartiers périphériques de Tempelhof, et créer un lac artificiel… Enfin, des choses qui sont un peu absurdes, avec énormément d'argent, alors que les gens se satisfont de l'existant tel qu'il est ! C'est la ligne néolibérale, où on ne fait plus les projets pour les habitants, mais où la ville devient une entreprise comme une autre, avec des profits et des bénéfices, des investisseurs privés, etc. On oublie qu'il s'agit de lieux de vie pour des gens qui ont des enfants, qui vieillissent… La ville — et Berlin en est un très bon exemple — n'est plus pensée pour les gens qui y vivent, mais pour les investisseurs ! Donc, on construit des bureaux là où il y avait le Mur, etc. C'est l'urbanisme néolibéral !

C'est un discours politique que je tiens là — et que je ne veux pas spécialement tenir dans mes œuvres —, mais qui est une réalité : c'est une relation de pouvoir, comme les relations de pouvoir qu'il y avait avec le corps féminin, dans le corset, en rapport avec l'image de la mode, qui crée elle-même une sorte de corset invisible, où les femmes font tout pour ressembler à un modèle idéal. On en parle maintenant ! Il y a des projets menés pour que les femmes s'assument comme elles sont, mais c'est très récent : ça fait deux ou trois ans. Ma série sur les corsets date de 2004. Les séries d'images et de photographies urbaines sont dans cet esprit-là.

Je suis en train de lire ce livre, Villes contestées. Pour une géographie critique de l'urbain [7] : c'est un recueil de textes, dont certains sont traduits pour la première fois, les uns étant plus anciens que d'autres ; et il y a une introduction à chaque contribution, où l'auteur et la publication sont replacés dans leur contexte : est-ce que c'est un universitaire ?, etc. Ce sont des textes qui ne sont pas très longs et qui sont passionnants !

Voir en ligne : Site de Julie Chovin.

[1] Nom d'un club mythique à Berlin.

[2] D'après l'analyse de Francesco Masci, philosophe italien né en 1967, qu'il a développée lors d'une intervention à la librairie Zadig de Berlin.

[3] Il s'agit de l'exposition Monuments à la galerie Tête, située à Schönhauser Allee 161A, 10435 Berlin (http://www.tete.nu/_MOnuMENTS).

[4] Imre van der Gaag, « Function Follows Form : How Berlin turns Horror into Beauty », article accessible sous ce lien : http://www.failedarchitecture.com/berlin-horror-beauty/

[5] David Harvey, Géographie de la domination, Les Prairies ordinaires, Paris, 2008.

[6] http://www.juliechovin.com/

[7] Cécile Gintrac & Matthieu Giroud, Villes contestées. Pour une géographie critique de l'urbain, Paris, Les Prairies ordinaires, 2014

Propos recueillis à Berlin le 27 juillet 2015 par Étienne Diemert.

Cet entretien fait suite au texte The Place to be : a collection, publié dans le numéro 51 de la revue.

The Place to be : a collection

Étienne Diemert et Julie Chovin — 2015-10-28T10:54:58Z

Quelle est la démarche de Julie Chovin au cours de ses multiples promenades et dérives psycho-géographiques dans les villes d'Europe occidentale et centrale ?

Comment définir la nature d'une démarche artistique (encore appelée « approche », « protocole » ou « processus de création ») ? Il faut sans doute prendre le terme de démarche à la lettre, c'est-à-dire avec la double valeur de manière de marcher (« La démarche est la physionomie du corps » [1]) ou d'avancer dans un raisonnement (du côté de la « méthode » au sens étymologique) et d'adresse à autrui en vue d'obtenir quelque chose de lui — ne serait-ce qu'une réponse… La démarche serait alors la signature personnelle du sujet, impossible à imiter et à falsifier [2], le propre du corps et de la pensée, tous deux impliqués dans un mouvement d'adresse à autrui. Le geste esthétique se noue ainsi aux effets symboliques comme imaginaires de l'œuvre sur le spectateur. Quelle est la démarche de Julie Chovin au cours de ses multiples promenades et dérives psycho-géographiques dans les villes d'Europe occidentale et centrale ?

Le flâneur et la cartographie

Marcheur, arpenteur, pérégrin ou voyageur… toutes ces figures ressortissent au personnage du flâneur, tel que l'a convoqué Walter Benjamin à propos de Baudelaire [3], métaphore ou métamorphose possible du photographe… Et Thierry Davila a fait du concept de cinéplastique, introduit par Élie Faure en 1920 à propos du cinéma, l'un des signifiants majeurs de son livre intitulé Marcher, créer [4] pour penser les œuvres artistiques qui intègrent le déplacement.

La pratique de la flânerie oriente toute l'activité artistique de Julie Chovin : à Berlin, à Hanovre, en Pologne, ou, comme elle projette de le faire prochainement, à Tbilissi, il s'agit de perdre ses repères ou de se perdre au sein de la ville, tout en la photographiant sous forme de notes visuelles et d'archives personnelles qu'elle publie après-coup sur son blog [5]. Dès lors, cette pratique s'assimile à celle de la « papillonne », comme variation continue des activités et des objets amoureux chez Charles Fourier (reprise à son compte par Roland Barthes), ou de la chasse aux papillons, comme collecte et collection extensive de spécimens, toujours relancée par le désir de l'exemplaire manquant… Le geste de la flâneuse-collectionneuse est une saisie visuelle du particulier, du singulier de la ville, qui se fragmente en autant de perspectives, et une façon d'aller de vue en vue, sans se préoccuper de l'Überblick. Cette multiplicité de vues partielles dessine une cartographie recomposée de la ville : il s'agit d'un « plan déchiqueté » à la manière d'Abe Kobo [6] ou d'une carte imaginaire, comme l'envisage Alain Milon dans Cartes incertaines [7].

Dans la série The Place to be, que nous allons maintenant tenter d'examiner, cette flânerie se mue en parcours : rallier une destination de club à pied ou en vélo ; photographier l'entrée du club ; et produire progressivement une cartographie de la ville de Berlin, telles sont les trois étapes de ce projet ou de ce processus de création.

The Place to be : le mythe de Berlin

La série de photographies entamée fin 2013 et intitulée The Place to be — qui se destine à la publication éditoriale et non à l'exposition — se déploie en 165 clichés d'entrées de clubs berlinois, pris de jour et de manière frontale, en couleur et en 24 x 36, selon un protocole régulier. Les tropes convoqués, d'après la typologie établie par Dominique Baqué [8], sont ceux du paysage urbain et du banal : il s'agit de ressaisir l'objet architectural « club » du point de vue des riverains (Anwohner), des habitants (Einwohner), et plus particulièrement de la grand-mère qui va faire ses courses au supermarché situé à proximité, et selon une inversion du regard : les clubs sont vus de jour et de l'extérieur, ce qui renverse la perspective habituelle… Il ne m'appartient pas de retracer ici les origines et l'histoire du clubbing, ce que d'autres — journalistes, historiens ou philosophes — ont fait avec plus de rigueur [9] ; mais peut-être de noter combien le choix de cet objet et de cette scène emblématise la capitale allemande, surtout à l'étranger, à la manière d'un étendard ou d'une bannière… La série se situe donc à la jonction entre un imaginaire fantasmé de la ville — une image ou un cliché — et une forme de quotidienneté et d'usage des lieux ; elle s'éprouve dans cette tension dynamique entre la carte postale, la carte géographique sous l'espèce du plan recomposé de la ville et la carte incertaine…

Ce qui s'annonce comme collection ou inventaire exhaustifs des clubs berlinois prend son origine dans la liste de 165 lieux publiée par la Ville de Berlin sur son site Internet et actualisée chaque année. Or, ce site affiche comme slogan : « Berlin, the place to be » ! Nous sommes là au cœur de la fabrique du récit (storytelling), de la légende ou du mythe berlinois, comme exhibition privilégiée de la scène techno et de la musique électronique, fétiches modernes qui alimentent la doxa (ou « rumeur » roulant infiniment de place en place, d'agora en agora).

Que serait le mythe, distinct de la mythologie comme de la mythomanie, dans ce cas ? « Par “mythe”, il faudrait entendre l'ouverture d'une possibilité de sens — d'un sens non pas muni de significations accomplies (c'est ce que je nommerais “mythologie”), mais d'un sens, simplement, en tant que mouvement, événement, existence. […] Le mot “mythe” porte la demande d'un parler-de-soi ou d'un parler propre. Autrement dit, tendanciellement un idiome qui serait celui d'un idios — d'un propre — qui ne serait pas un “soi” (subjectivité, authenticité, naturalité, originarité, etc.). Mythe est un signe vers une parole propre sans propriétaire, sans appropriation possible. » [10]. Le mythe de Berlin, ce serait le récit de soi, l'autographie, que la ville produirait d'elle-même et selon son rythme propre ; la mythologie correspondrait aux grandes significations socio-historiques, telles que l'idéologie nazie ou le Mur de Berlin ; enfin, la mythomanie relèverait de la fable ou de l'affabulation, donc d'un certain mensonge ou d'une fiction fabriquée… Les trois niveaux de sens sont tressés dans la série de Julie Chovin, The Place to be, qui se veut lecture et déchiffrement du mythe, c'est-à-dire démystification : il s'agirait, d'une part, de pointer la facticité du discours qui enveloppe le club ; d'autre part, d'insister sur la corruption du mythe par la mythomanie : l'underground, mythologie ou fétiche moderne (au sens de Roland Barthes, cette fois-ci), victime de son succès et du tourisme du clubbing…

Les influences

Il serait tentant de voir dans The Place to be une énième série photographique d'inspiration documentaire et semi-conceptuelle, à la manière des Becher et de l'école de Düsseldorf : mêmes frontalité, neutralité et sérialité… Ce serait pourtant méconnaître d'autres influences, plus prégnantes et pertinentes, au rang desquelles Ed Ruscha et Toon Michiels.

Ed Ruscha, peintre et photographe américain né en 1937, a publié Twenty-Six Gasoline Stations en 1963, premier livre de photographies à se revendiquer en tant qu'œuvre d'artiste ; cette série se présente comme le relevé documentaire, thématique et séquentiel d'un objet caractéristique de l'Amérique, la station-service, le long de la route 66. Ed Ruscha dira : « Mes images ne sont pas si intéressantes que ça, pas plus que leur contenu. Elles représentent simplement une collection de “faits” (a collection of facts), comme si mon livre donnait à voir une suite de “ready-mades”… » [11]. Très marqué par la culture de l'imprimé et la typographie comme par l'influence d'Eugène Atget et de Walker Evans, il a d'abord produit des photographies d'enseignes, ainsi qu'il s'en explique à Walter Hopps dans un entretien de 1992 [12], avant d'amorcer un travail plastique sur la relation entre visible et scriptible.

Toon Michiels, graphiste et photographe néerlandais né en 1950, a produit American Neon Signs by Day and Night en 1980 (« Enseignes lumineuses américaines de jour et de nuit ») [13], œuvre inspirée par Robert Venturi & Denise Scott Brown, tous deux architectes, qui ont publié au début des années 1970 Learning from Las Vegas. La série de Michiels, qui concerne les enseignes de motels à Reno et à Las Vegas, est à la fois une revue de « fragments mythiques d'Amérique » et un plaidoyer pour la revalorisation de l'architecture vernaculaire ; d'ailleurs, Toon Michiels se définit plutôt comme « collectionneur d'images » que comme photographe (il fait notamment la collection de cartes postales populaires d'Amérique, représentant surtout des voitures). Dans l'entretien avec Frits Gierstberg qui ouvre le livre consacré à cette série (paru en français chez Marval, en 2015), il dit : « Ce qui me fascine, c'est que [ces néons] contiennent tous les clichés sur le pays, sur le Texas, que ce soient les vaches Longhorn, les cactus, les sombreros ou autres… Ils confirment l'identité locale de manière gaie et optimiste. Comme une sorte de pop art. Ce sont de fortes représentations de l'époque, comme par exemple les références à la navigation spatiale américaine, qui avait un tel succès alors. » Là où Toon Michiels collectionne les représentations positives du pays, Julie Chovin adopte une position critique vis-à-vis du mythe. Il est à noter qu'elle a également un projet sur l'Amérique [14]…

« Et si on herborisait ? » propose Olivier Cadiot à Marianne Alphant, alors en panne d'écriture, lors d'une séance amicale de coaching [15] ; c'est ce que fait Julie Chovin, en créant un catalogue (un « faux guide touristique », dit-elle), une revue ou un nuancier, qui comporterait autant de variétés de clubs que de touches de couleurs — soit l'idée même de collection…

[1] Honoré de Balzac, Théorie de la démarche, Fayard, coll. « Mille et Une Nuits », Paris, 2015.

[2] Cf. Mission : Impossible 5. Rogue Nation (2015), scénario et réal. de Christopher McQuarrie.

[3] Walter Benjamin, Charles Baudelaire. Un poète lyrique à l'apogée du capitalisme, trad. J. Lacoste, Payot, Paris, 1979.

[4] Thierry Davila, Marcher, créer. Déplacements, flâneries, dérives dans l'art de la fin du xxe siècle, Éditions du Regard, Paris, 2002.

[5] http://vvrac.tumblr.com/

[6] Abe Kobo, Le Plan déchiqueté, LGF Le Livre de poche, Paris, 1993. Roman paru au Japon en 1967 et adapté au cinéma l'année suivante par Hiroshi Teshigahara, sous le titre L'Homme sans carte.

[7] Alain Milon, Cartes incertaines. Regard critique sur l'espace, Les Belles Lettres, coll. « Encre marine », 2012.

[8] Dominique Baqué, Photographie plasticienne. L'Extrême Contemporain, Éditions du Regard, Paris, 2004.

[9] Cf. Jean-Yves Leloup, Musique non-stop : pop mutations et révolution techno, Le Mot et le Reste, 2015. Frédéric Cisnal, Berlin avant la techno. Du post-punk à la chute du Mur, Le Mot et le Reste, 2015. On consultera aussi la conférence de Bastien Gallet, prononcée dans le cadre du colloque Musiques électroniques et sciences sociales à l'EHESS : « Le club comme paradigme : technologie, espace, mouvement ». En anglais : Shapiro, Turn The Beat Around ; Brewster et Broughton, Last Night A DJ Saved My Life.

[10] Mathilde Girard & Jean-Luc Nancy, Proprement dit. Entretien sur le mythe, Éditions Lignes, Paris, 2015, p. 20 et 31.

[11] « À propos de Various Small Fires and Milk : Ed Ruscha commente ses curieuses publications », entretien avec John Coplans paru en 1965, in Ed Ruscha. Huit Textes et vingt-trois entretiens (1965-2009), textes rassemblés et présentés par Jean-Pierre Criqui, JRP Ringier, Zurich, 2010, p. 59.

[12] Ibid., p. 203.

[13] La série était exposée aux Rencontres internationales de la photographie d'Arles 2015.

[14] Projet intitulé American Landscape : « Il s'agit d'une série de photographies qui déconstruisent les codes de la photographie de paysages américains et qui sèment le doute sur le lieu de prise de vue, car quelque chose manque des USA, que ce soient l'échelle, les surfaces, les voitures… » (Julie Chovin).

[15] Cf. « Fairy Coach », conférence inédite prononcée par Marianne Alphant au colloque Olivier Cadiot, qui a eu lieu du 30 septembre au 2 octobre 2015, à Paris.

www.juliechovin.com et http://vvrac.tumblr.com
http://www.etiennediemert.tumblr.com