TK-21

Entretemps

Hannibal Volkoff — 2023-01-26T17:07:31Z

Au premier regard sur les dessins de Robinson Haas, l'œil est susceptible de les survoler, de flotter d'une pièce à l'autre comme détaché de leur matière abstraite et minimaliste.

Ce que l'on semble voir, ce sont des aplats de couleurs, des monochromes, parfois en une forme affirmative contrastant avec le blanc du papier, parfois envahissant la totalité de ce dernier dans des tonalités douces et fragiles, au dégradé tenté par l'effacement. C'est en se rapprochant qu'on constatera une technique et ses variations nous invitant à approfondir ce que ce travail contient dans son minimalisme.

Les dessins de Robinson Haas sont tous composés en lignes droites tracées de manière répétitive sur le papier. Il utilise pour cela le stylo bille, le graphite, le feutre ou encore le crayon de couleurs. La première étape de sa démarche consiste à interroger son outil sur le support papier selon sa texture, son poids, sa condensation, et de faire de cette interrogation la proposition artistique en elle-même. Il a commencé avec le stylo bille, objet standardisé, populaire, né avec la mondialisation, dont il a ausculté l'encre en alignant des traits avec une règle. L'un après l'autre, ces derniers se mêlent en un même corps et leur multiplication, par leur succession et leur friction, change la couleur et amène dans ce corps de multiples variations internes.

Robinson Haas – Crayon sur papier marouflé sur Dibond – 107 x 100 cm – 2022

Ce geste est devenu le processus créatif de Robinson Haas, qu'il répète encore et encore en un temps des plus étirés (plusieurs jours, parfois plus d'une semaine). Nous pouvons parler, par la simplicité de l'acte, de méditation. Chaque dessin, cependant, a sa propre cadence, sa propre pulsation : selon le médium mais aussi selon la direction du geste, rapide et vigoureux à la verticale, lent et attentionné à l'horizontal. L'artiste d'ailleurs affirme garder une profonde concentration pour chacun des traits (puisque l'erreur n'est pas possible) et nous fait remarquer la possibilité d'une frise chronologique dans leur ensemble, témoignant de ses sensations, de l'expression de son corps dans son balancement obsessionnel. Nous pouvons aisément parler de performance dans ces journées concentrées au traçage.

Après le stylo bille, plusieurs médiums ont été explorés : le crayon de couleur, révélant le grain, qui génère une vibration dans le papier, légère comme un souffle, délicate comme une caresse ; le feutre, aux superpositions beaucoup plus visibles ; et le graphite dont la graisse permet d'obtenir des profondeurs variées et de jouer sur la pression marquant le papier pour en alterner à sa guise des variations sur chaque ligne.

Robinson Haas – Graphite sur papier marouflé sur Dibond – 120 x 100 cm – 2023

C'est à partir de la répétition que naît la différence. Dans la majorité de ses pièces, lorsque le dessin ne conquière pas le papier entier, il nous montre l'effet où l'outil quitte le support, opérant une courbe, toujours singulière, pouvant évoquer une maladresse mais maîtrisée, sur laquelle se fixe notre regard qui se plaît à y voir la révérence d'une herbe, attestant de cette vie difficilement distincte dont elle témoigne. Les lignes, à la droiture d'une route industrielle et à la discipline de fer, sont en quelque sorte les racines d'une périphérie émergeante telle une douce grimace dont on partage l'élan, la pulsion de vie.

Car c'est bien là l'intention de Robinson Haas : à travers un remplissage mécanique, a priori coupé de toute émotion, nous amener à nous plonger dans son temps à lui. Et de même que son minimalisme est composé de milliers de gestes, son temps est un entretemps, contemplatif, une parenthèse où l'on s'arrête, une pause mais portant en elle une danse psalmodique, ce dépassement de soi engendré par la répétition.

Robinson Haas – Crayon sur papier marouflé sur Dibond – 115 x 135 cm – 2022

Robinson Haas – Stylo bille sur papier – 95 x 75 cm – 2022

Voir en ligne : Robinson Haas

« Entretemps »
Exposition du samedi 28 janvier au dimanche 26 février 2023
Vernissage samedi 28 janvier de 18 heures à 21 heures

Galerie Hors-Champs
20, rue des Gravilliers 75003 Paris
www.galerie-hors-champs.com
Contacts :
contact@galerie-hors-champs.com
Galerie Tél : 01 45 35 48 98
Portable : 06 64 11 17 41
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Frontispice : Robinson Haas – Stylo bille sur papier – 40 x 50 cm – 2021

Des garçonnières

Hannibal Volkoff — 2022-12-01T13:02:09Z

La dernière exposition d'Hannibal Volkoff qui a eu lieu à la galerie Simon Madelaine

« Nolwenn et Igor se maquillent »

Photographie numérique, 2015, 37,5x25cm, 1/7, 300 euros

Il m'a semblé évident de commencer l'exposition avec une image de maquillage dans la salle de bain. On y projette autant l'idée de la valorisation, dans une volonté de séduction, régulièrement sexuelle, que celle du devenir-autre, fictionnel, imaginatif, transformant l'appartement en théâtre –ici sur le thème de l'asile psychiatrique au XVIIIe siècle. Et le lieu, la salle de bain, comme espace de recueillement et de discussion intime, comme calme avant (ou pendant) la tempête.

« R. avalant du lubrifiant »

Photographie numérique, 2010, 39,6x25cm, 1/7, 300 euros

A propos du geste absurde, l'acte incohérent de soirée que l'on peut considérer comme rituel adolescent. Alors que l'on demande à l'adolescent de commencer à s'intégrer dans les lois sociales, des études et du marché, du point de vue du langage, du travail, ou encore de l'habillement, il développe dans ses parenthèses nocturnes un art de l'absurde qui n'appartient qu'à son âge et qui ne s'épanouit que par la confrontation inconsciente de cette soudaine et nouvelle pression sociale. Il m'a semblé que cette photographie, comme exemple, avait sa place dans l'exposition

« KC. au milieu des garçons »

Photographie numérique, 2020, 37,7x25cm, 1/7, 300 euros

KC. se faisait prendre en masturbant le garçon à sa gauche. J'aime bien ce plan où l'on aperçoit en premier les fesses de ceux qui attendent de la pénétrer aussi. Là où leur but était dominateur, consistant à baiser en tournante la même fille, l'angle leur donne un côté soudainement enfantin. Certains disaient que l'un d'entre eux (les fesses de gauche, je crois) était vierge. Elle : souriante, assurée.

« F. et R. remontent les marches de mon immeuble »

Photographie numérique, 2021, 37,5x25cm, 1/7, 300 euros

Nous étions sous 3MMC ce soir-là, c'était une de nos habituelles soirées bdsm. Au milieu de la nuit F. et R. ont voulu sortir de chez moi et se balader nus dans la rue. Je les ai suivi avec uniquement une chemise. Nous étions en novembre 2021, je ne sais pas comment nous avons échappé à la pneumonie. Et si vous me demandez pourquoi R. avait un marteau à la main, je ne saurais vous répondre.

« Joanna et Sorrel dansent »

Photographie numérique, 2021, 37,5x25cm, 1/7, 300 euros

« Lecture sur Spinoza »

Photographie numérique, 2019, 37,5x25cm, 1/7, 300 euros

Dans mes soirées où nous sommes plus de trois, j'ai toujours envisagé les passages sexuels éventuels comme des moments normaux, désacralisés. On baise comme on discute, boit, danse ou trace. C'est nécessaire pour ne pas exclure. Pendant que J. baisait E., Franck et moi parlions de son livre sur Spinoza. Si mes souvenirs sont bons, il s'agit du « Miracle Spinoza » de Frédéric Lenoir. C'est important Spinoza. Pour revenir au sexe, dans une bonne soirée les places sont interchangeables et les occasions de baiser doivent garder en elles quelque chose d'inconséquent. C'est pourquoi j'ai toujours préféré le terme « orgie » à celui de « partouze » ; il ne faut jamais que le sexuel devienne une étape obligatoire. Dans cette photo, nous nous sommes rendu compte un peu plus tard que nous avions oublié de retirer les feuilles d'orties du canapé.

« Le pénis de Sucre d'Orge »

Photographie numérique, 2015, 37,5x25cm, 1/7, 300 euros

« Serena vomit dans sa cuisine »

Photographie numérique, 2022, 37,5x25cm, 1/7, 300 euros

Dans une exposition sur les soirées dans les appartements, il est logique de montrer la phase du vomi. Parce que notre but, dans les soirées, consiste régulièrement à chercher ce qui, dans nos corps, est susceptible de déborder. La jouissance en trop – et puis de trop comme si nous devions nous en punir. Cette image est une mise en scène. J'ai déjà essayé de prendre en photo des amis qui allaient vomir, mais il faut être très rapide, penser aux réglages, à l'angle, etc. C'est compliqué. J'ai pensé plus tard à reproduire l'acte en mise en scène. Je lisais Baudrillard, qui parlait de la photographie comme « nostalgie du présent », puisqu'à travers le numérique nous avons tué dans l'image ce qu'il y avait de réel. Je me disais que nous organisons des soirées en nostalgie d'autres soirées – lointaines, idéalisées ; à partir de là, quelle différence entre le réel et son imitation ?

« Sarah ensommeillée »

Photographie numérique, 2017, 38,56x25cm, 1/7, 300 euros

A partir d'une certaine heure, on croise régulièrement dans l'appartement des gens qui s'endorment. Ici, Sarah s'était assoupie en plein milieu des Salons Mocchia di Coggiola, sur cette table devenue lit. Je me demande de quoi on peut rêver avec un tel boucan autour (musique hurlante, discussions et danses). J'avais d'autres photographies de corps endormis, sous la table, ou étalés entre la cuisine et le salon, mais leurs propriétaires n'auraient pas voulu les voir publiées.

Naître vestige

Catherine Ludeau et Hannibal Volkoff — 2022-12-01T13:00:39Z

Catherine Ludeau est la principale peintre française spécialisée dans la résine.

Pour son exposition Naître vestige, elle confronte cette résine à la peinture à l'huile, à l'acrylique, et à la feuille d'or en un savant jeu de confrontation des matières, des textures contraires et des sensations, méditatives ou crépusculaires.
Dans son recueil « Car l'adieu, c'est la nuit », Emily Dickinson écrivait :

« Par dons modestes et mots entravés
Le cœur humain apprend
Le rien —
« Rien » est la force
Qui rend le Monde neuf — »

Les peintures de Catherine Ludeau sont abstraites et généralement monochromes, de formes sphériques et rectangulaires. On émerge dans la couleur par ses dégradés formés par le poids de la résine sur la toile. De nombreuses images peuvent s'évoquer à leur vision, de l'océan lovecraftien aux doux lagons pour les œuvres bleues, du ronronnement d'un volcan endormi à l'éclipse de sang pour les œuvres ambrées ; elles se refusent pourtant à ces suggestions. Ces peintures sont des blasons — un « don modeste » — de ce qui en nous — en nos « mots entravés » — n'existe plus. Des vestiges d'une éternité perdue et pourtant toujours là, endormie en un magma intérieur, berçant nos nuits avec la distance de l'étranger, d'un horizon inaccessible et autosuffisant. Ils ne disent rien, et nous soupçonnons en ce rien nos souvenirs impossibles de l'accueil pur du monde, celui de la naissance, quand rien n'est encore défini. Ainsi les peintures de Catherine Ludeau porteraient en elles la répétition de cette naissance, encore et encore, tournoyant dans la laque éthérée des sphères de résine. A défaut de pouvoir dialoguer avec leur absence de langage, nous en apprécierons la poésie, et peut-être la dynamique de cette dernière, la « force qui rend le monde neuf ».

Catherine Ludeau — Bleu vega # 21 — 100 X 100

Catherine Ludeau — Bleu Vega # 26 — 100 x 100

Catherine Ludeau — Vega # 16 — 100 x 100

Catherine Ludeau — Vega # 10 — 120 x 120

La Galerie Hors-Champs présente
Catherine Ludeau
"Naître vestige" Peintures

Vernissage le samedi 26 novembre 2022
de 18 heures à 21 heures
Exposition jusqu'au dimanche 15 janvier 2023

20 rue des Gravilliers, 75003
https://www.galerie-hors-champs.com/Horschamps/index.phpRetour ligne automatique
contact@galerie-hors-champs.com

Frontispice : Catherine Ludeau — Bleu Vega #20 — 100 x 100

Hors-Champ

Hannibal Volkoff — 2022-07-31T11:23:19Z

La galerie Hors-Champs présente l'exposition « Hors-Champ », mêlant les œuvres d'À deux doigts, Caroline Bouyer, Juliette Choné, Stéphane Dupuis, et Julien Spianti.

Nous avons pensé la sélection des pièces, essentiellement du dessin, au crayon, fusain, feutre, stylo, pastel, mais aussi de la gravure et de la peinture, selon ce qu'elles portent en elles du hors-champ les unes des autres, comme une possibilité de réponse à une question non formulée ou comme une piste élaborant un jeu de cache-cache, un chemin mais aussi un inconscient, amenant à d'autres images ayant elles-mêmes leur point de fuite, leur manque ; en somme ce que les manques se répondent entre eux, comme un dialogue des solitudes, ce qui émerge d'entre elles, ce qui gratte, ce qui s'imprime, laisse des traces par ce qu'elles excluent mais aussi ce qu'elles gardent affectueusement en elles, c'est-à-dire un espace d'identification, des normes sociales à la contemplation isolée de la nature, la jouissance portant ces dernières, parfois morbide, parfois érotique, attentionnée au regard de l'autre (humain ou non) légitimé par son propre regard ; mais une jouissance aussi portée par son effacement, par la grimace de sa chair, l'essoufflement de la mémoire, le retour du trauma et de ce qu'il contient qui ne peut être énoncé ; en cela ce qui est hors-champ, dans sa dialectique, peut être nommé consolation, ou mieux encore une vitalité qui dans sa force invisible sous-tend ce qui tient debout, guide la main, esquisse la nouvelle image, le contour du nouveau dessin.

Stéphane Dupuis, « Urban pose »

Stylo sur papier, 120x80cm, 2021

Caroline Bouyer, « Haut fourneau HF3 », Arcelor Mittal, Dunkerque

Monotype, 76x56cm, 2013

Julien Spianti, « Aside »

Feutre et gel hydroalcoolique sur polyester, 30x40cm, 2020

Juliette Choné, « L'effroi »

Feutre sur impression de deux gravures à l'eau forte (une sur cuivre, une sur zinc), 30x57cm, 2021

Voir en ligne : Galerie Hors-Champs

Galerie Hors Champs
20 rue des Gravilliers Paris 75003
ouverte du mardi au dimanche, de 13 heures à 19 heures
exposition jusqu'au dimanche 4 septembre 2022

Commissariat de Hannibal Volkoff

contact@galerie-hors- champs.com
www.intagram.com/galerie-hors-champs/
www.facebook.com/GalerieHorsChamps/

Frontispice : A deux doigts, « sans titre », fusain et graphite sur papier, 60x30cm, 2019

Dessous leurs paupières closes

Hannibal Volkoff — 2022-05-30T10:07:30Z

À propos d'une exposition en cours à la Galerie Hors-Champs.

Cette exposition devait en premier lieu présenter des artistes russes, vivant à Moscou, dont le déplacement des œuvres a finalement été impossible à cause de la guerre. Il a donc fallu trouver de nouveaux artistes. Vous savez comment cela fonctionne : on en sélectionne un premier, que l'on confronte à un deuxième, et la thématique s'élabore, par le biais théorique ou au sein d'une narration, invitant à la présence des artistes suivants.

Cécile Duchêne Malissin, « Respiration VI »

Technique mixte sur toile, 73x60cm, 2021

Les premières pièces sélectionnées furent les tableaux de Cécile Duchêne Malissin, puis ceux de Camille Mercandelli Park, aux métamorphoses envahissant les corps et bouleversant l'image même. Toutes deux abordent le portrait, les visages posant dans un espace neutre, la première ajoutant sous l'acrylique des collages très fins de papiers aux motifs ornementaux, pour en camoufler la peau ou au contraire en ajouter une profondeur accidentée ; la seconde photographiant des peintures de la Renaissance, qu'elle contamine par plusieurs couches de gouache en une éclosion de formes organiques.

Nous nous sommes rendu compte que la métamorphose est le fil conducteur le plus régulier de nos différentes expositions, depuis nos débuts. Nous avons alors pensé qu'il fallait insérer la mutation de nos personnages dans une histoire. A la rencontre de Marie-Pierre Brunel et de ses peintures à l'acrylique, ses dessins et ses gravures, se sont ajoutés les thèmes de l'enfance et de la guerre.

Le scénario s'esquisse : les images sont rêvées par des enfants endormis. Ou peut-être sont-ils morts, les peintures étant inspirées par les photographies d'enfants décédés du XIXe siècle – et l'on se pose la question : à quoi peuvent bien rêver les cadavres ?

Camille Mercandelli Park, « Cristallisation (Portrait d'Alfonso d'Avalos,Marchese del Vasto, en armure avec un page) »

Gouache sur impression fine art contrecollée sur aluminium, 80x100 cm, 2019

Dans les gravures qui les accompagnent, ils se font agresser, méchamment châtier par des asuras, c'est-à-dire des esprits démoniaques issus de la mythologie hindouiste. De l'autre côté, des guerrières armées, faisant référence aux célèbres miliciennes du XXe siècle, prennent la pose, la main au fusil : des figures maternelles appelées pour les protéger ? Une flore rouge, sanglante, s'attache à elles, pousse de leur corps. L'idée se précise : nous présumerons que ces métamorphoses, en feuilles, en animaux, chez Cécile Duchêne Malissin, en rhizomes chez Camille Mercandelli Park, sont provoquées sous les paupières closes de ces enfants. Nous ne savons pas si elles sont causées par l'effacement de leurs souvenirs – ces figures seraient donc l'image, vacillante dans les limbes du sommeil, de leur famille posant avec cette grâce d'une cour royale que peut revêtir l'aîné – ou comme une malédiction proférée avec fureur – ou peut-être encore une dissimulation, geste de protection vis-à-vis de la violence extérieure.

Marie-Pierre Brunel « Secure the shadow 1 »

Acrylique sur toile, 40x30cm, 2022

Ce dont nous sommes sûrs, c'est que cette exposition existe à cause de la guerre. Nous sommes sûrs aussi du contraste entre cette réalité vécue en Europe de l'est et dans une galerie du 3ème arrondissement. Au lieu d'en exprimer une vérité dont nous sommes si loin, nous en chantonnerons un écho onirique. Tout est contraste dans l'exposition : entre la noblesse et la moisissure chez Camille Mercandelli Park, entre le délicat dessin traditionnel et les aplats de peinture fluo chez Marie-Pierre Brunel, entre la douce beauté et son isolement solitaire chez Cécile Duchêne Malissin.

Ainsi, bercés dans le rythme de ces confrontations par le sommeil malsain d'enfants blessés, nous avons sélectionné un 4ème artiste, Hervé Bernard, pour ses sculptures réalisées à partir de barbelés, comme un caressant lien entre chaque artiste, entre chaque image. Parce que les fleurs nourries de nos chairs nocturnes ont elles aussi l'intention de se métamorphoser. De se transformer en bouquet de fils de fer aux tranchantes épines. Ceux-là ne se fanent pas, au moins. Mais contenues par une cloche de verre, ces ronces semblent s'enrouler sur elles-mêmes de rage de ne pouvoir griffer l'horizon entier. Il faut en contrôler le désir. Rendre ce dernier comestible. Pourquoi pas : en faire des friandises, des bonbons de barbelés à mâcher pour l'infanterie. Ils auront la saveur de l'ombre et nous leur apprendrons que ce n'est qu'un jeu.

Hervé Bernard, « Rubus colorum »

Verre et bois, 45x30cm, 2019

« Dessous leurs paupières closes »
Hervé Bernard Marie-Pierre Brunel Cécile Duchêne Malissin Camille Mercandelli Park
Exposition du samedi 14 mai au mercredi 15 juin 2022
Vernissage le samedi 21 mai de 18 heures à 21 heures

Galerie Hors-Champs
20, rue des Gravilliers 75003 Pari

La Galerie Hors-Champs
est ouverte du mardi au dimanche de 13 heures à 19 heures
Contacts : 01 45 35 48 98
contact@galerie-hors-Champs.com
hannibalvolkoff@galerie-hors-champs.com
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Frontispice : Matiasma, acrylique sur toile, 195cmx130cm, 2022

Les héritiers

Hannibal Volkoff — 2022-04-03T13:00:56Z

À la découverte de certains artistes, c'est immédiatement une approche fictionnelle qui s'impose dans l'esprit du spectateur.

Non pas narrative dans le sens où l'image, figée, se refuse à s'exposer dans une temporalité linéaire ; non, nous dirions plutôt une fiction faite d'associations, au sein même de l'image et dans son appel à se lier aux autres images. Cette association qu'elle contient et provoque pose en quelque sorte la question de son inconscient, comme en écho à ce qu'elle remue en nous – c'est ainsi que l'on justifie la fiction : un écho de notre regard, de ce qui est trop loin de nous dans notre propre regard. Ainsi, organiser une exposition peut notamment consister à inventer l'inconscient des œuvres par les liens des artistes entre eux.

Marie Boralevi « No way out » Graphite et mixed media sur papier 80x120cm, 2021

Cela commence par un regard, celui des jeunes adolescents de Marie Boralevi, tirés de sa série « Persona non grata ». On décrit souvent notre observation du panorama, mais le panorama, qu'observe-t-il, lui ? De quoi sont faits ses rêves ? Non, les garçons dessinés ne rêvent pas de nous, pas plus que du passé et du futur, comme nous l'avons déjà dit plus haut. Leur vision est intériorisée et ne se préoccupe que d'un présent perpétuel, évaporé dans la précision de leurs traits, flottant dans le réalisme de leur texture. Le travail de Marie Boralevi opère par strates. Elle commence par la production d'une image numérique à partir de photographies de visages et d'organes, mêlées entre elles. De ce modèle, elle en imprime un unique tirage, agrandi, qu'elle transfère à la main par un produit chimique sur du papier Japon. Elle retravaille l'image pendant l'impression où sa forme, au départ très nette, s'altère, se dilue, se métamorphose. C'est alors qu'elle va dessiner sur cette base, cette marque imprimée pour en densifier à nouveau les traits avec du graphite.

Ce serait la première vision intérieure de ces garçons : tous ces corps différents qui les fondent, comme des gènes, contenant dans leur ébranlement les racines du devenir-autre. Cette idée du différent n'est pas seulement la résonance encore vive des images disparues qui les ont formés, elle est aussi le jeu dialectique entre réel et virtuel qui en lui-même exprime celle entre leur candeur et leur dureté, leur hébétude et leur affirmation par tatouages ; ils sont la jeunesse mais semblent tous porter le poids de l'accusation. Ils portent sur leur corps des symboles les identifiant à la marginalité, ces marques qui nous font penser aux codes des prisonniers (leurs poses en elles-mêmes pourraient être celles des photographies de condamnés), et surtout ces mots rédigés sur la peau, « bully », « endangered », « no way », « dog », etc. Le titre de la série l'indique : on ne veut plus d'eux, et pourtant, qu'ont-ils de si menaçant ?

Le point de convergence entre ces contradictions est l'érotisme - accentué d'ailleurs par ces masques de latex aux oreilles de lapin bdsm. Érotisme de corps en recherche, de corps se voulant libres, d'autant plus libres que rejetés. Marie Boralevi leur crée des taches, de naissance, de rousseur, qui semble les envahir comme une implacable faute, et cependant, avec la douceur du graphite, on les voit plutôt comme une caresse. Il en ressort la vitalité d'un riff punk, d'un slogan de rap se répétant dans leur solitude.

Quand nous disions qu'ils ne se préoccupent que d'un présent perpétuel, il se peut que ce dernier soit étranger. Aux côtés des adolescents, deux dessins d'enfants de Marie Boralevi sont présentés, plus joyeux, plus oniriques aussi, avec jouets et costumes de tribus africaines. Dressons-leur un décor. Voyons-les dans la nature. Nous conduirons nos personnages dans les paysages d'Hervé Ic. Peints à l'huile sur du papier ou de la toile, ils sont les seules touches de couleurs de l'exposition (on pourrait alors poser la question : et si les autres œuvres n'étaient pas, en fait, le rêve en noir et blanc de ces paysages ?). Toute la singularité des peintures réside dans la multiplicité des scènes de chaque tableau, séparées entre elles, s'enchâssant parfois. Hervé Ic travaille toujours en commençant par le fond, fait de dégradés de couleurs sereines, avec des lignes horizontales rappelant autant les nuages que les reflets dans l'eau. Quelques lignes blanches sont ajoutées, toujours à la verticale ; elles peuvent évoquer cette nuit où, voulant se diriger dans une forêt, l'artiste ne pouvait voir ce qui l'entourait que grâce aux éclairs foudroyant les ténèbres. Il ne confirme pas. Nous pouvons aussi voir dans ces lignes des veines, des compulsions électriques, d'un devenir en formation dans le magma fœtal de ces couleurs à la fonction incertaine. La série « Genèse » est limitée à cette approche, nous ne sommes pas encore dans le paysage mais plutôt dans les prémisses timides du vivant qui le compose.

Dans la série des « Contre-jours », les dégradés de peinture définissent des espaces où les scènes peuvent apparaître. Elles sont peintes plus sombres, en contre-jours. Arbres, feuilles, rochers, barques et habitations lointaines, cerfs, mouettes et corbeaux, nous les voyons comme des bulles de souvenirs, et nous pouvons penser leur contraste avec ce fond si coloré par la certitude de leur finitude. Ce fond, que nous allons appeler « cette force », inaltérable, observe le théâtre du vivant, dans toute sa richesse mais aussi sa cruauté. Nos regards sont immédiatement dirigés vers les humains pendus, et l'on se demande alors si la bienveillance formelle des tableaux n'est pas en réalité un piège pour nous attirer vers des considérations plus morbides.

Hervé Ic « Jour de colère 07 » Peinture à l'huile sur papier 50x65cm, 2016

Hervé Ic, interrogé là-dessus, nous parle des mises à mort, des lynchages. On peut penser à l'habitude de notre regard sur ces actes ignobles que nous observons parfois avec la même indifférence qu'un palmier dressé ou qu'un couple d'amoureux. On peut penser à comment ces actes peuvent découler d'un même schéma présent dans les espèces animales. Nous avons surtout pensé que ces pendus dialogueraient bien avec les adolescents, comme un danger encore et toujours perceptible dans leur paysage qui leur sert de cachette, peut-être dans leur mémoire, peut-être dans leurs désirs, une ombre planante en tous les cas dont ils sont les héritiers.

Damien Bockenmeyer Sans titre Encre blanche et noir sur papier 50x70cm, 2021

À propos d'héritiers, artistiques cette fois-ci, les trois autres artistes présentés dans cette exposition, Damien Bockenmeyer, Emma Louise Prin et Gwen, sont très jeunes. Il s'agit de la première exposition pour ces deux dernières. Leurs œuvres ont été sélectionnées comme les projections fantasmagoriques de nos personnages, les fantômes murmurant dans leur chair.

Les figures de Damien Bockenmeyer sont dessinées au rotring sur du papier noir. Elles sont nommées les « Limbes » : des limbes qui apparaissent, créés uniquement en lignes blanches comme les couloirs d'un labyrinthe. Pourquoi une apparition ? Parce qu'elles sont isolées, flottantes dans leur espace noir, espace de vide, on ne les voit que comme des sursauts, des objets non constants, des traces. Ce sont des organes jamais terminés, nous pouvons imaginer que ce sont des corps en formation mais l'idée, au contraire, de mutilation s'imposerait plus. C'est qu'elles crient, ces figures, se cachent le visage, se tâtent comme pour consoler une blessure. On peut penser, parfois, à des poses de Christ en souffrance. Des dégradés d'acrylique font naître le volume et indiquent qu'ils font face à la lumière : est-ce elle qui, les surprenant, les fait tant hurler, les fait fondre par leurs traits blancs dégoulinant vers les profondeurs ? Ne soyons pas trop négatifs non plus, et sachons aussi apprécier les vagues formées par ces incisives lignes comme une carte avec ses affluents caressant l'obscurité…

Emma Louise Prin « Un village dans le vent » Photographie par sténopé, tirage numérique 42x29,7cm, 2021

Des photographies d'Emma Louise Prin s'ajoutent à l'exposition. Elles sont réalisées au sténopé, c'est-à-dire par un appareil photographique avec un minuscule trou sur la paroi d'une boîte hermétique à la lumière. En appliquant une surface photosensible sur la paroi opposée et en exposant plusieurs minutes à la lumière, l'image inversée de la réalité extérieure va alors se former sur le papier. Emma Louise Prin a conçu elle-même son appareil dans une boite à thé métallique, curieuse idée, significative dans ce rapport à l'intime, à la féminité, à l'image comme « infusion ». Les films négatifs transparents utilisés sont très âgés, ce qui lui permet d'avoir cette texture granuleuse de bruits, de cicatrices, d'étonnantes striures qui ne cessent de l'étonner. Elles sont une nouvelle chair et c'est cette nouvelle chair le sujet de ses images, celle que la lumière retient des dizaines de minutes de poses où le corps, flouté, peut se métamorphoser, se dédoubler, s'entremêler. Ces femmes, nouvelles, errent dans leur cadre avec l'incertitude des spectres. Souvenirs d'un autre temps, elles peuvent évoquer des archives du cinéma fantastique muet, des surgissements lunaires ou parfois encore des photographies psychiatriques du XIXe siècle. Le souvenir est pourtant bienveillant, peut-être heureux. Les couples s'étreignant peuvent être vus dans cette exposition comme une image originelle, la vision chimérique d'un amour oublié, matriarche, transformé en un fantasme que l'on soupçonnerait sexuel s'il n'était aussi lointain. Image inversée de la réalité extérieure, disions-nous plus haut : cet espace inversé est un secret, dissimulé, qui prendra ici la place de gardien.

Gwen Sans titre Feutre, encre de chine sur papier 30x24,5cm, 2021

Enfin, les dessins à l'encre de chine, feutre et mine de plomb de Gwen complètent les projections mentales de l'exposition. Comment les décrire ? Des visages, des fleurs, des organes, des branches et des ailes de papillon, le tout s'associant les uns avec les autres. Les règles de cet univers onirique se refusent à l'explication, nous sommes là dans le délire. Les dessins sont figuratifs et cependant ce qui apparaît pourrait être parfaitement autre, naître dans et par l'abstrait, guidé par ces lignes tout en courbures et ces délicats pointillés. Ces oscillations sont celles des figures épuisées, que l'on pourrait imaginer en otage de champignons hallucinogènes, auxquelles s'ajoutent les ondulations plus liquides de taches de sang ainsi que celles de ces feuilles conquérantes mais tentées tout comme les corps par le fanage et la décomposition –avec défi. Gwen est aussi une réalisatrice de tatouages et nous voyons ses points, ses lignes dans la continuité des traces pénétrant la peau comme s'il fallait rentrer à l'intérieur. Le rêve est un théâtre de cet intérieur, jouant pour lui-même les symboles de ses désirs et de ses angoisses qui se nourrissent les uns des autres comme la végétation et ses ailes de papillon, dans les dessins, héritent de la matière dégradée pour en ériger les nouvelles esquisses, l'ornement d'une continuité affirmative.

Frontispice : Marie Boralevi, Série « Persona non grata »

Infanterie

Hannibal Volkoff — 2021-10-31T13:00:14Z

Infanterie : « mot emprunté de l'italien ‘infanteria', dérivé de ‘infante' (enfant), qui prit au XIVe siècle le sens de ‘jeune soldat, fantassin'. »

Dans la continuité du portrait, à mi-chemin entre le documentaire et l'étude sensorielle, de certaines sous-cultures de la jeunesse parisienne (queer, rock, militants, etc) et de leur manière d'utiliser leur corps comme manière d'affirmation de soi et de résistance, nous avions envie de parler de cette exposition sous l'angle de la fiction. Nos sujets photographiés sont l'infanterie d'une armée imaginaire. La dentelle est armure et les seins des heaumes, la danse devient impitoyable mêlée et le sexe une arme de guerre qui se dresse et s'écoule avec l'impatience des premières charges.

Sucre d'Orge et son pénis dans les Salons Mocchia di Coggiola 2, 2017

« Nos corps sont des ZAD », disent-ils. Qui sont leurs ennemis ? Nous dirons la Bête de l'Apocalypse, pour répondre à ce professeur qui, lacanien à ses heures, disait de ces photos qu'elles sont « l'attente de Dieu ». Cette bête est-elle extérieure, intérieure ? C'est à vous de la nommer. Mais en ces temps marqués par le puritanisme, par la moralisation de corps effrayés, de corps victimes, traumatisés, marqués par la dépression et les menaces politiques, il nous a semblé nécessaire de répondre en corps joueurs, excentriques et forts, plongés dans l'expérience, douce ou douloureuse, mais vivante et incarnée.

"Infanterie"
Vernissage d'Hannibal Volkoff
Photographies et textes
Le 30 octobre de 17 heures à 22 heures.
Exposition jusqu'au 25 novembre 2021.
Galerie Simon Madeleine
7, rue des Gravilliers, 75003
Du mardi au samedi 14h - 18h

Se souvenir d'un autre espace

Hannibal Volkoff — 2021-10-03T15:07:56Z

Souvenir : parce qu'on « n'invente que grâce au souvenir ».

Autre : parce que le souvenir n'est toujours qu'une retranscription, adaptée avec le temps, assimilée au contexte du présent, incertain et mouvant. Espace : parce que l'art est un support individuel et collectif d'espaces canalisant un souvenir dans sa projection de l'avenir. Forcément « autres ».

Quatre artistes : Gisèle Bonin, Isabelle Bonté-Hessed2, Nathalie Déposé, Lazare Lazarus, du dessin à la sculpture en passant par la gravure et la photographie. Leur réunion est une proposition de dialogue autour de l'effacement et de la survivance, d'une culture, de récits, d'un geste ou encore de la matière en elle-même.

Isabelle Bonté-Hessed2 — Fleur 5

mine de plomb sur papier 2019

Des dessins de fleurs ouvrent l'exposition. Il s'agit d'une série d'hortensias réalisés à la mine de plomb sur papier blanc par Isabelle Bonté-Hessed2. Ces fleurs viennent de l'Asie du sud-est, et précisément du Japon où elles sont notamment nommées « nanahenge », c'est-à-dire « les sept transformations » en référence aux changements de ses couleurs selon la composition du sol. Cependant, c'est fanées et en noir-et-blanc que l'artiste a tenu à les dessiner. Comme à son habitude, elle s'est plongée dans cette série avec la régularité du rituel, selon ses visites, cette fois-ci, auprès de son père hospitalisé et en fin de vie.

Ce mot, « nanahenge », symbolise l'inconstance, ce qui est susceptible de changer en chacun. Certains rejetteront justement l'hortensia pour cette raison, comme les guerriers japonais de l'époque féodale. De même, c'est généralement à la poubelle que finissent les fleurs fanées. Ces deux éléments symboliques sont les raisons pour lesquelles Isabelle Bonté-Hessed2 a voulu leur rendre hommage, dans leur état mourant, dénué de l'épanouissement de leurs courbes et couleurs. Mais ce n'est pas un travail de deuil pour autant : ce qu'elle affirme est la vigueur, la beauté des formes mourantes et séchées. Ses fleurs trônent fièrement dans ce nouvel espace intime où elles échappent à l'effacement, en dessin mais aussi en sculptures de porcelaine, blanches et noires, décorum finalement heureux et serein d'un futur inévitable, celui du temps qui passe et qui décompose.

Gisèle-Bonin — Is 05

crayon graphique sur vélin 2021

L'idée de fixer un point précis est aussi présente dans les dessins de Gisèle Bonin. Des organes corporels, mains, pieds, dos, bras, sont arrêtés au milieu d'un geste, de ces gestes que l'on ne remarque pas, et isolés sur le papier. On n'y trouvera aucun élément sur l'identité du sujet, ses dessins ne sont que fragments. Un visage, un corps entier, cela ne peut être vu séparément de nos subjectivités normées, or c'est de l'informatif dont Gisèle Bonin veut se débarrasser. Un corps entier déborde de sa propre présence, nous dit-elle ; elle préfère couper, le plus possible, que le geste soit toujours là mais limité à une seule surface, à sa chair, à sa texture.

Que nous dit-elle alors, cette image isolée ? Très certainement que la chair, celle qui nous compose, qui nous définit, est pourtant un espace étranger. De même que nous ne nous rendons rarement compte de la signification de nos multiples gestes créés dans l'inconscient de l'habitude, nous sommes aussi ignorants de cette vie en perpétuel mouvement dissimulée sous notre peau. Ainsi, Gisèle Bonin travaille méticuleusement sa texture par couches superposées, à la mine de plomb ou au graphite, comme partant des profondeurs pour définir ensuite la forme. Cette dernière peut être vue comme abstraite, et c'est justement en passant par cette abstraction que toute l'humanité qu'elle semble camoufler se révèle. Et toute la sensualité de s'imposer, avec une fragile délicatesse.

Nathalie Déposé — La-frontière

dessin sur impression photographique 2018

Dans la première partie des années 30, à l'âge de 10 ans, le grand-père de Nathalie Déposé a fui seul l'Espagne et la misère afin de trouver du travail en France. De la ville de Bossost en Catalogne, il est passé par le col du Portillon qui s'élève à 1293 mètres pour arriver à Bagnères-de-Luchon où quelques années plus tard il rencontrera la grand-mère de l'artiste. C'est un récit familial auquel cette dernière a été habituée depuis l'enfance. A la mort de son grand père, elle a interrogé les membres de sa famille au sujet de ce voyage, pour se rendre compte que chacun en avait une version différente. Confrontée au risque d'oubli progressif causé par ces désaccords, Nathalie Déposé décida alors de partir à la rencontre de l'histoire par les lieux du périple.

Sa série est photographique. On y trouve ses propres photos mais aussi des extraits de clichés de la frontière que son grand père gardait sur lui. La frontière est le centre de ce travail, c'est-à-dire l'espace à franchir pour passer d'un territoire à un autre, d'une situation sociale à une autre, de la misère à l'espoir. C'est bien ce point symbolique le plus signifiant. Du début du XXe siècle au XXIe, le paysage a changé. Nathalie Déposé photographiera les lieux franchis, les différences avec les anciennes images, et les reliera par le dessin. Ces derniers sont des traits d'attaches entre le passé et le présent, entre les formes mouvantes de la nature, mais aussi une pratique fictionnelle nous rapprochant d'un événement lointain tout en maintenant une certaine distance. La frontière est aussi entre le réel et l'imaginaire, et Nathalie Déposé, sachant que le souvenir est toujours fictionnel, sait que c'est en faisant de ce paysage collectif un paysage intérieur, ancré en elle, qu'il portera la mémoire familiale.

Nathalie Déposé — La frontière

photographie numérique 2018

Le paysage est aussi au centre du travail de Lazare Lazarus, dessinateur et jardinier. Pas n'importe lequel : celui de Marseille et des Calanques, éclatant d'agaves et d'oponces, aux tendres fleurs tutoyant dans leurs apparitions l'aridité calcaire. En son sein, ou plutôt à ses côtés, des garçons s'exhibent et se matent, baisent en tenues bdsm. On ne saurait dire si les touches florales sont l'ornement de ces hommes ou le contraire ; ils font finalement corps ensemble. Comme chez Gisèle Bonin, les visages n'apparaissent jamais, ils sont camouflés par des cagoules et de leurs rencontres quelque chose de fantomatique transparaît, telles des apparitions nées de la faune désertique.

Lazare-Lazarus — Baiser sur l'Ile du Levant

gravure à l'eau-forte sur papier 2021

Deux séries de Lazare Lazarus sont présentées. La première consiste en des gravures à l'eau-forte dorées dont la texture, illuminant l'ingénuité du trait et son atmosphère proche de l'onirisme (voire du sacré), interroge le regard comme des reliques ancestrales contant une époque lointaine. La seconde, qu'il appelle son « herbier », est composée de dessins auxquels s'ajoutent des fleurs collées et des petites annonces tirées de magazines gays bdsm des années 90 (tout comme l'iconographie des poses sexuelles). Ces fleurs ont été cueillies au jardin de l'association Mémoire des sexualités, à laquelle appartient Lazare Lazarus. Faire revivre des images, des mots, une culture du passé, en porter le désir, telle est sa démarche. Il en fera un étrange monde botanique à la lisière du fantastique dans lequel ses corps, la marginalité de ses corps, fleurissent dans l'affirmation des luttes futures.

Se souvenir d'un autre espace
Gisèle-Bonin — Isabelle Bonté-Hessed2 — Nathalie-Déposé — Lazare-Lazarus

Commissaire : Hannibal Volkoff

Galerie Hors Champs
20 rue des Gravilliers - 75003 - Paris
Horaires de la galerie : du mardi au dimanche de 13 heures à 19 heures, fermeture le lundi
Vernissage le samedi 9 octobre 2021 de 18 à 21 heures
Exposition jusqu'au dimanche 21 novembre 2021
wwww.galerie-hors-champs.com
contact@galerie-hors-champs.com
Instagram : https://www.instagram.com/galerie_hors_champs/
FaceBook : https://www.facebook.com/GalerieHorsChamps/

Frontispice : Nathalie Déposé — La frontière photographie numérique et dessin sur tirage jet d'encre 30x45cm 2018.

Anniversaire des dix ans de la Galerie Hors-Champs

Hannibal Volkoff — 2021-07-01T17:09:11Z

La Galerie Hors‐Champs est heureuse de vous inviter à l'exposition anniversaire pour ses 10 ans, tout l'été, jusqu'au dimanche 05 Septembre.

En ces temps grimaçants de morosité et de solitudes, de menaces sanitaires et de craintes sociales, se rappeler de ce havre d'évasion, dans la recherche, l'esthétique, mais aussi la lutte, que l'on nomme l'art. Se le rappeler dans la fête.

Alain Brendel — Sans titre

Photographie argentique 2005

Car en cette date symbolique, nous pouvons affirmer être particulièrement fiers d'avoir gardés tête haute parmi les vagues incertaines de succès et de terribles anxiétés définissant le quotidien de ces riches années. Tous nos collègues le savent, tenir une galerie d'art contemporain se vit régulièrement avec l'instabilité de montagnes russes. Mais nous avons su nous confronter aux adversités grâce à votre présence, amis, collectionneurs, acheteurs curieux, qui nous suivez depuis le début ou nous avez découverts par la suite.

Artgur Lambert — Sans titre

Acrylique sur toile 200 x 140 cm 2017

Nous célébrons donc notre fierté à nous, Bernard Pegeon et Hannibal Volkoff, mais nous célébrons aussi tous ceux qui ont contribué à la Galerie Hors‐Champs, chaque artiste, chaque collaborateur, chaque visiteur nous faisant part de leur soutien. Il s'agit bien d'une fête de l'ensemble de nos expositions, toujours voulues comme des dialogues sensoriels, des contes métamorphes, des questionnements philosophiques. On pourrait imaginer que l'une après l'autre, elles forment les organes d'un corps, mouvant dans l'assemblage de ses thèmes réguliers et de ses contradictions (entre artistes émergents et établis, entre onirisme et documentaire, entre l'esthétique formelle et l'étude conceptuelle).

Emeline Piot - Quinze

Dessin au stylo à encre sur carton 50x50 cm 2017

Cette idée d'une galerie comme une créature vivante nous a semblé être un point de départ pour l'exposition accompagnant l'anniversaire. De toutes les rencontres et événements qui l'ont alimentée, sa multitude d'éléments, d'images, de discours, conservés ou oubliés, son histoire forme une unité que l'on qualifierait de fiction hybride. Ainsi, considérant simplement la part de fantastique exaltant nos esprits à l'ouverture d'une galerie d'art, donc de ce torrent d'imaginaires, de labyrinthes de la psyché et de redéfinitions du visible, nous avons voulu revenir sur le thème du mythe, en écho à l'exposition d'ouverture de la Galerie au 20 rue des Gravilliers (75003) après avoir quitté le 13, rue de Thorigny (75003).

Eudes Menichetti — 'Norin Radd'

Pierre noire feurtre sur papier 150x100 cm 2011

Le mythe sera abordé d'abord selon sa définition la plus large, celle du récit transcendantal et fabuleux, d'avant la philosophie, symbolisant des aspects de la psyché humaine. En union avec notre anniversaire, les chœurs de fête, nous avons voulu la découper en trois angles : nouveau corps, nouvel espace, nouveau pouvoir. Chacun des artistes sélectionnés explore la métamorphose, en l'illustrant par des figures (du Surfeur d'argent à l'anthropomorphisme), par la technique (mordançage, distorsions, assemblages photographiques) et par d'oniriques assemblages (magmas de corps, déformation de l'espace, échange dialectique entre abstrait et figuratif).

Hannibal Volkoff — Gilet Jaune fait un doigt sur voiture renversée

photographie numérique 2018

Puis, dans la seconde partie de l'exposition, nous avons voulu considérer le mythe en le refoulant dans de nombreuses thématiques contemporaines. Une galerie n'est pas faite que de rêveries, elle s'inscrit dans le réel. Dans la continuité des observations anthropologiques et des jeux psychanalytiques, nous avons abordé ces questions sociales actuelles (liées aux histoires personnelles des deux co-galeristes) selon leur manière de porter en elles les figures mythologiques. Le Black Bloc fait ainsi écho aux 300 Spartiates, les féministes aux Amazones, les trans aux hermaphrodites platoniciens, etc...

Hélène Muheim — Cuckoo Leda

Ombres à paupières encres et poudre de graphite sur papier 100x70 cm 2021

On dit que les rêves sont en noir et blanc : c'est certainement pour cela que la partie fantastique des œuvres ne dispose de pratiquement aucune couleur. Elle est rêvée par la partie militante, soufflant sa mémoire, sa chair mystérieuse, sur le réel comme une aspiration. Aux questions politiques du nouveau corps, nouvel espace, nouveau pouvoir, c'est toujours la fiction qui guide nos désirs. Tel est son but. Puisse‐t‐elle se déployer dans cette exposition par la douce caresse des souvenirs et sous l'auspice des plus joyeux présages, l'hymne bienheureux de nos prochaines années.

Ingrid Maillard — Cancer From the eye of the crab

Graphite sur papier 50x70 cm 2016

Isabelle Bonté Hessed2 — CRS

Paraffine sur bois 2019

Norman Reedus — 'Florida Tranny killing it on screen'

Photographie numérique 2013

Philippe Bréson — Stigmata 007

Photographie argentique sur papier baryté 2001

Raphaël Neal — The Abandoned

Photographie numérique 2018

Yaroslav Solop — Crimea Trojan Horse

40x60 cm 2013

Manon Weiser— Sans titre

Photographie argentique mordancée 2018

Galerie Hors‐Champs
20, rue des Gravilliers 75003 Paris
Du mardi au dimanche, de 13 heures à 19 heures
contact@galerie‐hors‐champs.com
www.galerie‐hors‐champs.com
https://www.instagram.com/galerie_hors_champs/
https://www.facebook.com/GalerieHorsChamps/

Relation presse : AP Communication
Alisa Phommahaxay apcommunication75@gmail.com

Frontispice : Djan Silverberg — A new blood sculpture et taximerdie 2012

Une archéologie du silence

Hannibal Volkoff — 2021-05-31T17:13:00Z

Il a semblé à la Galerie Hors-Champs que la cohabitation de deux de ses artistes réguliers, Daria Surovtseva et ses sculptures baroques, et Catherine Ludeau et ses peintures minimalistes, inciterait dans ses oppositions mêmes à la narration d'un univers cohérent.

Des griffes poussées telles des tiges harponnent l'espace comme pour y vérifier la potentialité de s'en emparer, de ramifier leur organisme fait d'entrelacs labyrinthiques. Invasion de la couleur, bleu ou orange, dans une surface digérant ces courants qui accueillent et ceux qui menacent, l'un se nourrissant de l'autre. Les premières se déploient dans leur dynamique alambiquée et la seconde dans une épuration présumée.

Daria Surovtseva

Les sculptures de Daria Surovtseva sont réalisées en porcelaine ; elles représentent de complexes structures, plus ou moins grandes, composées d'une multitude de détails évoquant en premier lieu l'ossature de créatures indéfinies, arachnéennes ou arthropodiennes, sous-marines ou extraterrestres. Chacune d'entre elles tend vers un mécanisme, affirme la certitude d'avoir eu une vie, une mutation qu'il est encore possible d'évoluer en tout sens. On peut les appeler des squelettes ou des corps à développer. On peut aussi en considérer la dimension architecturale, voir ces sculptures comme des charpentes d'objets ou de véhicules qu'il faudrait définir. Quelles que soient nos interprétations, c'est toujours vers l'extérieur qu'elles font mouvement.

Catherine Ludeau, Aura 3

80x68

En revanche, les peintures en résine de Catherine Ludeau se caractérisent par des limites qui les ferment volontairement. La résine s'écoule sur le support en une forme généralement arrondie et aux contours très nets. Elle est toujours d'une seule couleur ; les dégradés de cette dernière sont créés par son poids contre la toile, les parties les plus sombres étant celles où se sont concentrés les pigments avec le contrôle de l'artiste. La couleur est d'un bleu profond : ses dégradés en évoquent ainsi la dimension océanique dans laquelle les parties les plus claires seraient les minces filets d'eau et où les plus obscures exprimeraient les abysses. D'autres encore voient dans les tableaux de Catherine Ludeau des nuances stellaires, mais elles s'observent de loin et nous n'y sommes pas invités : leur mouvement n'est qu'interne.

Daria Surovtseva

Les deux artistes présentent aussi quelques pièces contrastant avec leur travail habituel. Daria Surovtseva a réalisé quelques dessins en encre de Chine blanche sur papiers noirs, qui représentent des formes liées entre elles comme un plan de construction et ses réseaux, ses rhizomes, son agglomération. Mêlés à eux, des branchent sortent, en laine, en plexy ou en coton, poursuivant le cheminement du dessin. Elles le propulsent, le font décoller de lui-même. Chez Catherine Ludeau, certaines toiles, orangées cette fois-ci, sont tranchées avec une partie mate qui s'oppose au vernis de la résine. C'est une ligne d'horizon d'où la forme brillante, tel un soleil, semble se lever. Ou peut être veut simplement contempler son envers. Il en ressort à nouveau cette impression de symbole héraldique. Mais, de la même manière qu'on ne sait quelle est la fonction des structures de Surovsteva, aucune peinture de Catherine Ludeau ne nous indique la signification de leur blason.

Catherine Ludeau, Transfert 1

127 x 107

Car ce qui a réuni les deux artistes dans cette exposition est l'idée que leurs œuvres ont été trouvées, à travers une recherche archéologique, du passé ou du futur, mais que ces vestiges restent silencieux, muets quant à leur sens, enfermés dans leur abstraction. L'idée que l'on puisse trouver une forme abstraite ancestrale, et la présenter dans une cloche à la façon des cabinets de curiosités. Ancestral comme les prémisses de la psyché humaine, les premiers soubresauts de la libido, ce magma d'avant l'affect et la pensée. Les toiles de Catherine Ludeau ont leurs souvenirs figés dans la résine, les sculptures de Daria ont les leurs dans l'immobilité de la porcelaine. Elles se refusent à en dire plus. Ou c'est nous-mêmes qui nous refusons à les interroger : le langage se construit en refoulant les abysses, il en est un témoignage fétichiste. La contemplation de ces œuvres devient alors une démarche cathartique de symbolisation de ce que nous avons perdu.

Catherine Ludeau, Aura 4

80 x 68

A la dernière exposition de Catherine Ludeau, nous avions cité Nietzsche : « Quand tu regardes l'abîme, sache que l'abîme aussi regarde en toi ». Il apparaît que sa dernière série picturale, appelée « Watch », contient pour chaque tableau un centre plus profond, plus obscur, le faisant ressembler à un œil. Œil de l'autrefois, ou, pour reprendre la comparaison océanique, œil de maelström évoquant ces trous noirs dans la mer où l'eau engouffrée dans sa trajectoire fermée n'a plus d'échange thermique avec l'extérieur. De même, le centre d'un dessin de Daria Surovsteva est un œil grand ouvert d'où se déploie les ornements cérémonieux de porcelaine. Peut-être est-il possible d'imaginer qu'en nous observant à leur tour, toutes ces œuvres reprendront vie un jour. Ce qui est oublié nous prendra alors à parti et il nous faudra y répondre...

La Galerie Hors-Champs présente Catherine Ludeau et Daria Surovtseva
« Archéologie du silence »
Exposition du 19 mai au 20 juin 2021
Vernissage le samedi 29 mai 2021 de 17 heures 30 à 20 heures 30
20 rue des Gravilliers 75003 Paris
http://www.galerie-hors-champs.com/Horschamps/index.php

Frontispice : Série Microcosme, 31x27x18, porcelaine, 2013.