TK-21

Collines, villages et mémoire

2020-01-03T15:19:02Z

La photographie est un medium exceptionnel, elle capture l'instant mais elle interprète le réel, elle stimule donc la pensée. Les artistes de ce projet montrent ce qui fait le peuple Hakka, à travers divers points de vue.

Chung Liang Chang (Taiwan)

Vitality of Life A joyful girl under the autumn sun - Xinpu Township Hsinchu County

Cette exposition de photographies met en lumière les villages Hakka du nord de Taïwan. Elle a reçu les contributions de 22 photographes, à la fois taïwanais, chevronnés ou en devenir, et 10 photographes venus du monde entier. Ensemble, cette équipe a partagé ses observations et ses réflexions sur la photographie et le mode de vie dans les villages Hakka.

La photographie interprète le monde. Les photographes de ce projet viennent de différents horizons, du documentaire comme des arts plastiques et sont de tout âge. Leurs carrières montrent une production riche et intrigante. Ces photographes se sont aventurés dans l'espace des villages Hakka. Ils ont communiqué avec les villageois et se sont immergés dans les paysages. Dans chaque image, ils nous transmettent sur les montagnes, les plaines, l'architecture, la vie quotidienne qu'ils ont découvert

Cette année marque le 180e anniversaire de l'invention de la photographie. La myriade de techniques et de styles créatifs utilisés par les photographes dans cette exposition souligne la maturité dans cette forme d'art. Pour marquer cette expérience unique de la photographie dans les villages de Hakka, les photographes ont utilisé des techniques allant du calotype classique et le film photographique traditionnel à la photographie numérique et le drone. Ils se sont imprégnés de la beauté de leurs sujets et fait leurs images à des rythmes et avec des perspectives diverses. Leur expérience et leur interprétation soulignent la vitalité et la chaleur de ces villages.

Les 150 photographies sélectionnées pour cette exposition parmi les milliers qui nous ont été soumises ont été classées en six thèmes principaux.
La gloire passée, la vitalité actuelle et les espoirs futurs des « collines, des maisons et du patrimoine » des villages Hakka ont été mis en évidence par ces récits visuels.

La Route romantique 3, qui est l'axe qui traverse la région Hakka du nord ouest, rêveuse et sinueuse, s'entrelace dans le paysage culturel multiforme Hakka. Elle traverse le centre de la vie agricole simple et industrieuse de la région. Nous espérons que cette exposition en plein air dans les jardins mettra en valeur la nature chaleureuse du peuple Hakka, qu'elle suscitera l'intérêt des visiteurs dans ce coin particulier de Taïwan et qu'elle fera de vous aussi une partie de ce paysage.

Au cours de ce projet, l'équipe de photographes a mieux perçu l'importance du peuple Hakka dans l'histoire et le patrimoine taïwanais. Nous espérons que cette exposition 2019, sur les collines, les maisons et le patrimoine permettra de construire une « mission héliographique » sur le peuple Hakka. Nous invitons encore plus de photographes de Taiwan et de l'étranger à se joindre à ce projet et à contribuer à découvrir les racines historiques et culturelles profondes du peuple Hakka.

Tzu Ming Huang (Taiwan)

Guanxi s pleasant climate makes it a cozy home to numerous centenarians earning the town the nickname Longevity Village Guanxi Township Hsinchu County

Exposition : Parc de la paix, Taipei, Taïwan.
du 26 décembre 2019 au 20 janvier 2020
Et pour le nouvel an lunaire, au centre de culture Hakka à Bamboo City, comté de Hsinchu, Taïwan.

策展人全會華 Hooi-Wah Suan
協同策展人孫維瑄 Wei-Shiuan Sun

Wei Shiuan Sun Co Curator & Hooi Wah Suan Curator

Weishiuan Sun

Sun Wei-Shiuan 文/孫維瑄 — 2019-10-29T09:30:00Z

Pour le centième numéro de TK-21, je joue sur le sens de cent dans le texte et l'image.

L'image du « Sans faire » est fondamentale dans la philosophie chinoise, elle est la vie, la mort, la beauté, quand le canon et l'œuf créent une tension entre force et fragilité.

Sun Wei Shiuan - Sans effort

Sun Wei Shiuan - Sensation

Sun Wei Shiuan - Sensiblement

Sun Wei Shiuan - Sentier

Comme une rencontre d'espérance

Sun Wei-Shiuan 文/孫維瑄 — 2019-07-18T09:35:00Z

Si nous ne sortions pas de nous-mêmes, nous ne nous rencontrerons jamais. "La mort" n'est pas un concept, elle est l'inconnu à tous. Nous sommes nés pour vivre, mais nous ne pouvons pas empêcher de nous approcher de la mort.

Que la vie comme soit comme la beauté éphémère du ver à soie de printemps , ou comme les splendeurs fugaces des feux d'artifice ou comme une longue et fine rivière ou encore comme un vaste océan, elle retournera un jour au cycle cosmique pour devenir un état apaisé, serein. Pourtant, même si le ciel et la terre sont éternels ils ont toujours une fin. La mort, avec une sorte de tension et d'impuissance respecté qui charme profondément les artistes qui lui rendent un hommage sacré presque poétique.

La "vie", la "mort" et “l'espoir" sont des interprétations très subjectives et personnelles qui se produisent dans des espaces et des temps différents et qui varient d'un point de vue à l'autre et aboutiront à des résultats et à des perceptions diverses. L'attente elle-même est neutre, bonne ou mauvaise, aboutie ou non, tout comme une rencontre avec la Nature. Il existe de nombreuses formes de rencontres humaines, sur l'axe temporel de la vie de chacun :
– une interconnexion des cœurs,
– une grande liberté de se retrouver,
– une disparition immédiate de la vue des autres,
– un souvenir éternel de la lumière des uns et des autres après la rencontre.
Souvent l'être-humain s'attache ou se libère sur l'émergence et sur la disparition du destin et de l'espoir.

La grande nature reflète "l'impermanence" du monde et pour cela tout est un événement unique. Ainsi, elle laisse les gens lécher le glaçage de “l'éternité", et au fur et à mesure que notre âme grandit, la grande nature laisse les personnes se rendre compte que le monde est "impermanent", autrement dit c'est cette impermanence qui est une sorte d'"éternel".

À l'époque de Sen no Rikyū, le grand maître du thé japonais classique, l'absence de liberté de mouvement, conséquence de la guerre a transformé chacune des rencontres en des moments uniques et a fait chérir les instants de chacune d'entre elles. Par contre, paradoxalement, aujourd'hui, la liberté de déplacement dilue l'importance de chacune des rencontres. Pourtant, chacune d'entre elle reste unique.

Le titre français de cette exposition est inspiré du livre de l'écrivain français Jean d'Ormesson : Comme un chant d'espérance. Cette exposition, « Comme une rencontre d' espérance Interprétation artistique et interculturelle sur la vie » est une invitation aux artistes à exprimer leur perception de la vie, de la mort et de l'espoir, avec une tonalité esthétique orientale, en soulignant les réalisations des artistes taïwanais et européens dans les échanges et les réflexions actuels, reflétant l'alliance et l'enrichissement de la multiculturalité.

Les artistes de différentes cultures, confrontés au même sujet, sont comme un fleuve harmonieux qui contient tous les courants de pensée, ou bien cette rencontre va-t-elle déclencher des étincelle ? Ou est-ce simplement une rencontre d'âmes ? Cette exposition est une collection de photographies, peintures à l'huile, peintures à l'encre, broderies, gravures, et sceaux. Chaque artiste utilise des matériaux maîtrisés, des objets symboliques, des signes, des tons, des compositions, des sujets, des formes, des concepts, des styles, etc. pour réaliser des interprétations artistiques de leur philosophie de la vie associés aux connotations culturelles et à la temporalité. Les artistes multiculturels de Taiwan et d'Europe à travers cette exposition rassemblent leur vécu de leur culture originale et de leur vie interculturelle pour se transformer en un "flux artistique" commun.

L'essence de comme une rencontre d' espérance est le sentiment et la sagesse à propos de la vie comme un moment. Il faut chérir le destin, accepter les imperfections et enfin se sublimer. Sentir une beauté poignante, des regrets et puis comprendre que l'impermanence est l'état naturel de la vie, c'est ça aussi la beauté ! Dans les cultures chinoise, française et japonaise, il existe une esthétique commune, à savoir comprendre et apprécier la nature, la simplicité parfois primitive, l'incomplétude et l'imprévu. Plus précisément, dans la culture française, il y a "l'esthétique de la laideur " et "l'esthétique négative" qui jouent un rôle dans la compréhension de l'essence des choses et, à certains égards, dans l'apaisement de l'âme. La notion de "pourriture noble" et celle de "mélancolie" sont également inversées pour devenir une énergie positive de création.

L'analyse des pensées philosophiques orientales peut faire référence aux trois points essentiels de l'esthétique japonaise compatibles avec les pensées shintoïste, taoïsme et bouddhiste résumées par l'esthéticien japonais, Yoshinori Ohnishi (1888-1959) :
– Le “mono no aware” traduit par “ l'empathie envers les choses” ou “ la sensibilité pour l'éphémère ” ;
– le “ yūgen” traduit par “ la beauté mystérieuse/profonde” ou “le charme subtil” ;
– le “ wabi-sabi” par la “nostalgie et la mélancolie des phénomènes naturels”.
Tous permettent aux gens de se faire une idée complète de la nature et du cycle de la vie et d'apprécier la beauté de tous ses états.

L'évolution de la photographie est étroitement liée à la vie et à la perspective de chacun. Et elle permet d'explorer l'ascension et la chute d'une forme d'art.

En tant que moyen artistique de condensation du temps, de témoin direct de l'histoire, d'observation de la culture et de reproduction de la réalité, la "photographie" est l'un des média le plus "intuitif" pour regarder différents modes de vie. La photographie forme une relation étroite et tendue avec la "réalité". La "photographie plasticienne" porte en plus l'idéologie multiple du créateur et le pouvoir expressif des matériaux composites. D'autre part, lorsque la photographie a été inventée, les pessimistes ont cru que la peinture était morte. Cependant, aujourd'hui, cent quatre-vingts ans plus tard, la photographie tente de coopérer avec la peinture, de s'intégrer aux multiples formes et de combiner les techniques classiques de la photographie afin d'enrichir la polysémie des images, le transcodage et les effets psychologiques profonds. Ainsi, ces différents types de vie des arts ont été réciproquement stimulés.

En outre, les concepts populaires tels que "chérir le moment" et "inverser la vie" ont obtenu une vérification visuelle astucieuse grâce aux notions “d'instantané” et d'inversion photographique. Dans le même temps, la nature de la photographie nous permet de développer également une dialectique de la notion de temps et du couple réalité–virtualité. En général, la "peinture à l'huile" est du côté de l'accumulation de temps tandis que la "photographie" est du côté du moment décisif. De toute manière chaque moment est unique.

Le processus de création artistique apporte la sublimation de l'âme et la tranquillité d'esprit. Les artistes ont également transmis cette atmosphère émouvante au public lors de cette rencontre unique. Qu'importe joies et peines, séparations et retrouvailles, la vie n'est qu'un moment. On espère que par l'expression artistique, les gens trouveront et respecteront une sérénité entre constant et impermanent.

Bien qu'il soit difficile de résumer le sens divers de la vie à travers le thème “comme une rencontre d' espérance”, on espère que cela incitera les Européens et les Asiatiques à réfléchir à la vie et à la beauté. Grâce à cette exposition, nous pouvons échanger des idées et transformer notre perspective du regard sur le monde.

Peu importe le départ et l'affiliation, positifs et adversaires, micro et macro, réels et illusoires, vide et plein, etc., sont l'incarnation du cycle de vie de toutes choses. Ils créent également une agilité instantanée correspondant à l'univers en assemblant l'interprétation artistique « actuelle » de la vie de chaque artiste.
Comme un météore apparaissant à travers le ciel, devant nous, au-delà du temps et de l'espace, on partage un moment commun entre différentes parties du monde.

Grâce à cette exposition, on assemble des interprétations diverses des artistes multiculturels sur la vie :

CHEN Ching-Jung 陳景容, grand maître renommé international et professeur honoraire de l'Institut des beaux-arts de l'Université Nationale Normale de Taiwan, s'intéresse depuis longtemps aux questions de la vie. Qu'il s'agisse de peinture à l'huile classique raffinée, d'estampe ou de croquis, il maîtrise les différents rythmes et états de la vie. Ses œuvres associent l'élégance solennelle de l'art occidental à la quiétude de l'art oriental.

CHEN Ching-Jung 陳景容,

Ancien doyen de l'Institut des beaux-arts de l'Université Nationale Normale de Taiwan, doyen de l'Institut des beaux-arts de l'Université catholique de Fu Jen et président honoraire de Société chinoise d'échange d'arts photographiques,

KANG Tai-Sen 康台生, expose la série photographique « le Chant de la vie » construite en utilisant des techniques d'expression surréalistes et narratives. Le corps humain , les os, les arbres, les herbes, les sculptures, les fleurs et les bouteilles et autres objets symboliques servent à la construction de métaphorise du cycle de la vie, de la vieillesse, des maladies et de la mort ainsi que la relation entre l'humain, la nature, l'environnement , la croyance , la culture et l'érotisme. Dans son ouvrage « Le vent parmi les roseaux » mise en image de l'œuvre du poète William Butler Yeats, il opte pour un ton romantique, isolé et symbolique.

KANG Tai-Sen 康台生

HAN Szu-Ling 韓思玲, artiste photographe, elle a toujours été fascinée par la création d'images. En plus de combiner les qualités professionnelles des beaux-arts, du design et de la photographie, elle tire des enseignements du changement survenu au cours des saisons. En se concentrant sur les peintures, la calligraphie, la poésie, la musique orientales et occidentales, elle construit dans une conception poétique et artistique et méditation. À travers un aria pour la nature, elle trouve un but à sa vie, en espérant de réaliser une vie épanouissante.

HAN Szu-Ling韓思玲

HUNG Shih-Tsung 洪世聰, artiste photographe et président de la Société de la photographie et de la culture de Taiwan, a une formation architecturale et est doué pour une métaréflexion et une transposition de la pensée dans une structure spatiale unique. Qu'il s'agisse d'un changement de nature dans le temps ou dans l'espace, ou d'une trajectoire de vie humaine, il possède des perspectives uniques. Avec les techniques de post-production il réinterroge le destin du "réalisme" de la photographie. Ainsi, il nous aide à nous débarrasser de la vision et des habitudes visuelles établies et développe une imagination de l'art. Pour la série « Dwelling image » (2018), c'est une dialectique sur l'espace réel et virtuel, sur la destination de l'âme et l'appartenance spirituelle. Pour la série « Photosynthesis » (2019) il se concentre sur l'observation de la nature et la multi-énergie de la vie.

HUNG Shih-Tsung 洪世聰

SUAN Hooi-Wah 全會華, directeur de “Taipei Art Photo Show”, directeur général de “Taiwan art connection”, est né en Malaisie et a étudié au Japon en raison de son intérêt pour le patrimoine culturel et le potentiel du développement de la photographie de Taiwan, il y est resté pour se consacrer à l'art de la photographie de façon profonde à long terme. Les œuvres exposées : « Paradis » et « Entre-autre », par le renversement positif et négatif de la photographie, l'artiste utilise des cadrages divers pour faire changer l'environnement. Tout n'est pas dans une opposition binaire. Il fait résonner le mystère de l'espace dans le monde intérieur et crée une nouvelle expérience visuelle.

SUAN Hooi-Wah 全會華

PAN Hui-Min 潘慧敏, directrice du Centre des Arts et de la Culture de l'Université de la Culture Chinoise, présidente de la Société de la Calligraphie Chinoise et présidente de Chinese art manage international commerce association, travaille depuis longtemps la peinture à l'encre, la calligraphie, la photographie et la théorie philosophique. En repensant la représentation de l'esthétique chinoise dans l'imagerie, elle espère développer des idées occidentale et orientale et de laisser les œuvres transmettre le pouvoir de la “stabilité sereine”. Pour la série « Commencement », en observant l'énergie de “Tai Chi” formée par un nuage, elle sent l'air du temps en perpétuel transformation mais constant dans la grande nature. Le facteur "accidentel" explique le mystère de l'évolution de la vie.

PAN Hui-Min 潘慧敏

LIU Chia-Chun 劉佳淳 a suivi les cours de Tsai Zi-Zhong, enseignant de photographie picturale contemporaine au "Water Grass Photography Studio" de Taiwan. À son avis, grâce à la photographie, on observe en profondeur le mystère et la vitalité de la nature, tout en accédant à l'espoir et l'inspiration pour la vie. Dans la série « Lotus Oriental », elle utilise la technique traditionnelle du film photographique négatif, sans post-production numérique. Son travail est basé sur l'exposition multiple avec le film négatif et en superposant des images faites à l'encre, l'aquarelle ou l'acrylique… pour faire correspondre la peinture orientale avec l'imagerie occidentale. A travers la pureté et l'intégrité du lotus, elle construit la métaphore d'une philosophie humaniste orientale.

LIU Chia-Chun劉佳淳

Pour JEN Pei-Jung 任培榕, enseignant des beaux-arts, la création est une sorte de méditation. Le processus de création stimule la compréhension et la transformation du concept de vie et l'aide à comprendre le cycle et le mystère de la vie à travers la représentation de fleurs. Elle ressens aussi le bonheur du processus créatif et le sentiment de perte après l'achèvement du travail, car elle consacre sa vie à son œuvre. La vie se prolonge dans la mort qui est, peut-être, elle aussi le début d'une autre vie dans un cycle continu.

JEN Pei-Jung任培榕

SUN Wei-Shiuan 孫維瑄, Docteur en Arts et Sciences de l'Art à l'Université Paris I Panthéon-Sorbonne. Elle a été attachée de conservation au Centre National d'Art et de Culture Georges Pompidou à Paris. Actuellement, elle est écrivaine, artiste, curatrice et membre du comité de l'AICA. Ses créations combinent le texte, l'image, le symbole et le numérique. Elle crée une dialectique entre l'intertextualité et le paradoxe dans son imagination multiculturelle, à la fois rationnelle et lyrique. En 2016, dans sa série « Des lettres d'amour pour moi-même », elle sent l'environnement et fait une auto-contemplation. A travers une métaphore de “l'eau” et de son écoulement, elle réfléchit à son identité culturelle de rapatriée ayant vécue en France pendant une décennie .Aller et retour, jeter et explorer, pendant son voyage de vie.

SUN Wei-Shiuan孫維瑄

A l'aide de la représentation picturale, elle nous incite à réfléchir ensemble aux différents aspects de la vie. Chaque croissance et chaque désillution d'un rêve, sont empreintes d'amour pour elle-même.

CHANG Chung-Liang 張仲良, master de L'Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne, Arts de l'image et du vivant, diplômé d'art au DNSEP ESADHaR, est un artiste (peintre, photographe) qui vit et travaille en France et à Taïwan. Actuellement, il pratique l'enseignement de la peinture, de la photographie et de l'art contemporain développe une pratique de commissaire d'exposition dans le cadre d'échanges culturels internationaux.

La série intitulée « Le charme d'encre aux fleurs » faite à l'encre et au lavis exprime l'état des fleurs à différents moments. Chaque état des fleurs (bouton, la fleur épanouie ou fanée) est unique et irréversible. Pendant le processus de la peinture, l'artiste peut se concentrer sur l'existence présente dans une vie visible montrée par des fleurs à différentes étapes.

CHANG Chung-Liang 張仲良

En utilisant de l'encre et du papier naturel de lin comme matériaux, il décrit différentes postures de chaque feuille et de chaque pétale. Pour lui, ce n'est pas seulement un symbole de la culture orientale, mais aussi une poursuite artistique sur la simplicité et le minimalisme. Il utilise diverses techniques pour présenter une peinture à l'encre simple, fraîche, rustique et naturel. Il présente dans le même temps la texture des esquisses en noir et blanc et l'effet de teinture spéciale du matériau encreur. La richesse des coups de pinceau se fondent dans un style simple mais raffiné.

Martial Verdier 馬歇爾維迪耶, photographe, vidéaste, directeur de la rédaction et co-créateur de la revue TK-21. Professeur de photographie à l'ESAM Design, Paris, ancien vice-président du MOIS OFF de la photographie et de l'association Sonamou/Artsenal.
Martial Verdier a choisi d'explorer l'espace entre l'une des techniques les plus anciennes de la photographie, le calotype, et le monde contemporain. Si Martial Verdier privilégie le calotype, c'est parce que ce procédé permet la création d'œuvres hybrides propices à évoquer la disparition en introduisant un rapport au temps bien moins éphémère. La beauté de l'ambiguïté de l'estampe fait que l'amertume et la douceur de la vie se confondent. Et puis, l'image de l'harmonie de toutes choses implique également le sens profond du mystère .

Martial Verdier - Lotus

Hervé Bernard Rvb 艾飛貝納, plasticien (photo, films, sculpture) théoricien de l'image, membre du comité de rédaction de TK-21, la question de la représentation et de la ressemblance est au cœur de son travail. Il ne reproduit pas le réel, il essaye de révéler des points de vue. L'anthropocène (人類世) est un de ses thèmes favoris.
Dans les images présentée ici et extraites de la série « Corpus », il explore les caractères et les limites du corps et de l'âme. Il utilise l'imagerie visuelle de "la transparence du corps et l'opacité de l'âme" pour incarner cette tension, la fondre ou la contrebalancer. Il évoque aussi la dialectique des problèmes de la vie, tels que limite et promesse, solitude et unité, liberté et contrainte, existence et disparition.

Gisant VI

Hervé BERNARD 2019

Virginie Rochetti 維吉妮羅切緹, artiste transdisciplinaire, elle passe de la broderie numérique à l'installation, la vidéo ou la performance avec une facilité qui prend sa source dans son expérience de création pour le spectacle contemporain. Elle parle avec un regard grinçant et joyeux à la fois de ce monde que nous habitons si frénétiquement. Toujours à la recherche du moment de poésie et d'émotion au milieu du chaos, ses installations vivantes et sensibles portent une vision au service d'une conscience humaniste.

Virginie Rochetti 維吉妮羅切緹

Virginie Rochetti

Alessandra Laneve 亞麗珊卓拉納維, diplômé en peinture et arts graphiques de l'École des Beaux-Arts de Venise, formée à la psychologie de la perception et la médiation artistique et à l'art thérapie à l'Inecat (Institut National d'Expression Art et Transformation), Paris. Actuellement, elle gère le Cerce collectif et de l'Atelier du tanuki. Elle se consacre à la peinture, au graphisme, à la calligraphie japonaise, à la gravure de sceaux et à l'art thérapie. Elle s'est initiée à la calligraphie japonaise en 2005 car cela lui a semblé un développement naturel de ses recherches picturales entre le mouvement, le corps et la parole. Elle pense toujours que la poésie est une façon d'aborder la réalité et notre rapport avec le monde riche de possibilités. Elle trouve aussi beaucoup de convergences entre la tradition poétique-philosophique orientale (japonaise et chinoise) empreintes de taoïsme et de zen et de la culture occidentale contemporaine mais reste marquée par la psychanalyse.

Alessandra Laneve亞麗珊卓拉納維

Voir en ligne : Culturegathery Taipei

Les artistes sont représentés par Culturegathery Taipei, 

Exposition du 3 juillet au 31 août 2019
Vernissage le vendredi 5 juillet à partir de 19h.

Galerie-Librairie IMPRESSIONS
Rencontre des artistes le samedi 20 juillet à 17h (Fermé du 26 juillet au 26 août)
17, rue Meslay 75003 Paris France / Métro République ou Temple
01 42 76 00 26 / impressions98@wanadoo.fr 
Ouverte le mercredi de 18 heures à 21 heures/ le samedi de 14 heures à 20 heures.

Galerie La Ville A Des Arts
15 juillet au 14 août 2019
Vernissage le jeudi 18 juillet à partir de 18h à 22h
Ouvert du lundi au vendredi de 15h à 19h
15 Rue Hégésippe Moreau 75018 Paris

Culturegathery Taipei /Franco-d'Asia/ I.U.Vie
Curator :
SUN Wei-Shiuan : iyouwe520@gmail.com et CHANG Chung-Liang : charles757729.photo2@gmail.com

Impression

Sun Wei-Shiuan 文/孫維瑄 — 2018-06-30T19:00:00Z

La création combine texte, image, symboles et numérique. C'est une dialectique inter-textuelle et un paradoxe qui joue avec une imagination multiculturelle, à la fois rationnelle et lyrique.

La série “Lettres d'amour à moi-même” de 2016, est une auto-contemplation, dans une “esthétique féminine”. A travers la métaphore de l'eau et son écoulement, Je réfléchis à mon identité culturelle, expatriée en France pendant une décennie .

Aller et retourner, jeter et explorer, pendant le voyage d'une vie.
Est-ce que les objets symboliques, porteur de mémoire, peuvent filtrer le temps perdu ?
Que la photographie fantastique semble réelle !
Chaque mouvement et chaque désillusion est empreinte d'amour pour nous-même.

Dans sa série d'œuvres “Destin, test-tan” (蛋œuf en chinois) en 2018, j'utilise la symbolique des œufs à travers diverses interprétations. Dans le fil du temps, l'œuf est métaphorisé, c'est une “renaissance”, un “espoir”, une “prospérité” et un “porte-bonheur” en occident et en orient, comme dans le monde spirituel.

Un œuf est comme une vie, sans identité, mais il contient toutes les potentialités. L'œuf, photographié, est un espace d'imaginations et de surprises. Sa couleur blanche symbolise la naissance, le mariage et aussi la mort. Elle interroge donc, dans le voyage de la vie, quelles images et quelles couleurs illustrent et dessinent le “vide” ? Doit-on le combler ? Ou rester blanc, simple, pur et calme ?

L'esthétique du néant, comme l'intervalle entre les rythmes, joue un rôle important dans la mélodie. Le silence, la syncope ou le soupir ouvrent vers un monde caché et nous fait découvrir un autre état, un autre équilibre. Dans ses œuvres, elle nous invite à réfléchir à ces aspects différents de la vie.

IMPRESSIONS
Une exposition de
SUN Wei-Shiuan et CHANG Chung-Liang
du 4 juillet 2018 au 25 juillet 2018
vernissage le vendredi 6 juillet à partir de 19h

Galerie IMPRESSIONS
17, rue Meslay 75003 Paris
01 42 76 00 26 impressions98@wanadoo.fr
Métro République ou Temple
Ouverte le mercredi de 18 heures à 21 heures
le samedi de 14 heures à 20 heures
Contact de l'artiste : iyouwe520@gmail.com
Artistes représentés par Culturegathery Taipei

Wei-Shiuan Sun - Une image de Taiwan,

Martial Verdier et Sun Wei-Shiuan 文/孫維瑄 — 2017-08-27T22:01:00Z

Cette intervention présentera une brève histoire de l'art photographique taïwanais des années 50 à notre jour à travers l'esthétique, les thématiques et la conception de l'espace en s'appuyant notamment sur l'exposition de Chungliang Chang et de Shih-Tsung Hung qui a lieu dans le cadre de ce colloque.

Wei-Shiuan Sun, Une image de Taiwan, la lumière des multi-cultures et la délicatesse de l'ombre, 48:55 from TK-21 on Vimeo.

Rapide historique de la photo à Taïwan

L'histoire de la photo taïwanaise commence avec des photographes étrangers.

1854 : Mission américaine à Chilang venant du Japon pour conduire une enquête sur une mine de charbon

1865 : St. Julian Hugh Edwards (États-Unis 1838 1903) premier photographe, travaille sur les aborigènes Païwan et les oiseaux

John Thomson (1837-1921) un anglais à Taïwan
1871 : il conduit une enquête scientifique de deux semaines sur les Pinpu, aborigènes taïwanais et les paysages du sud de l'île, au moins 53 photos.
1873 pour le Royal Geographical Society with the Institute of British Geographers “Note of a Journey in Southern Formosa” Publier 5 livres en 1872

John Thomson 1871,Taïwan, Photographie Stéréoscopique

Fait partie de "The View of Formosa's Landscape from Photographers II", National Taïwan Museum, (2016/5/3 9/2) organisée par la Société de la photographie et de la culture de Taïwan, il entre comme précurseurs dans d'ouverture du futur Centre national de la photographie, sous la direction de la ministère de la culture

1872-1879 : George Leslie Mackay (Canadien1844-1901) missionnaire presbytérien et médecin. Un grand archiviste de la photographie médicale et éducative

Entre 1895 et 1945, Taïwan est sous domination japonaise, et est incorporé à l‘empire du Japon日治時期

Le gouvernement a besoin de documents anthropologiques, écologiques,
géographiques, etc., on demande donc à des experts japonais de faire des recherches, .

Torii Ryūzō (鳥居⻯藏, 4 avril 1870 - 14 janvier 1953) est un ethnologue, anthropologue japonais, connu pour ses recherches anthropologiques à Taïwan (1896-1900). Il a également conduit des fouilles archéologiques et essayé de comprendre la préhistoire de l'Asie du nord-est.
Le procédé sur plaque sèche sur les aborigènes taïwanais à permis de réaliser 834 images, c'est la collection photographique ethnologique la plus complète.

Des Bunun 布農 photographiées vers 1900 par Torii Ryūzō.

森丑之助 Mori Ushinosuke, (16 janvier 1877 - 4 juillet 1926) était un anthropologue et folkloriste japonais. Il a étudié les aborigènes de Taïwan
1920 National Geographic “Formosa the Beautiful” 50 pages de reportages, 60 images. Pour la plus part de photos est de Mori Ushinosuke
排灣族 Paiwan

Ogawa Kazumasa (小川一眞, 29 septembre 1860 - 6 septembre 1929), est un photographe, imprimeur et éditeur japonais, pionnier de la photographie et de l‘imprimerie photomécanique. 1896, venu à Taïwan pour publier « Souvenirs de Formose et des îles Pescadores »

Les studio photos

日式寫真館 Photo studio japonais : Lin Cao林草, fondé en 1901

Activités :
– Recherche
– Photo Studio
– Association de la photographie (à partir du 1915, développer en 1920)
– Organiser des expositions

A partir des années 50, Photographes Chinois à Taïwan
Lang Jingshan (Chinois : 郎靜山 ; 4 Août 1892 – 13 Avril 1995)
Un pionnier et l'un des premiers photo-journalistes chinois. Il a été appelé « la figure la plus importante dans l'histoire de la photographie de l'art chinois », et le « Père de l'Asie Photographie » .
Il a rejoint la Royal Photographic Society en 1937 et a gagné son Associateship en 1940 et la Bourse en 1942 et en 1980, la Société photographique d'Amérique l'a nommé l'un des dix premiers maîtres photographes.
Il est influencé par le pictorialisme (畫意攝影主義) occidental en l'enrichissant d'une esthétique orientale.
En 1966, il a fondé « the Federation of Asian Photographic Art » 「亞洲攝影藝術聯合會」

Les trois chevaliers de la photographie de Taïwan
LEE Ming –Tiao李鳴鵰,(1922 2013) l'un des maître de la génération de la photographie réaliste. Grâce à son œil aiguisé, sa parfaite maîtrise de la lumière et de la composition, il nous enchante par un travail d'une grande complexité narrative. Sa mise en scène et son attention humaniste font de lui le maître de l'avant-garde de la photographie moderne à Taïwan.

夢土台法攝影藝術交流展

1947 bergers 牧羊童

Extrait de l'exposition "Rêver la Terre", une rencontre entre photographes contemporains taïwanais & de Français.

Lang Jingshan, il était connu pour la « photographie composite 集錦照相 », une technique qu'il a créé.
Il a été le premier photographe chinois du monde pour prendre des photos de nus artistiques.

美人胡為隔秋水 29x24 cm, 1970

瓶中歲月⻑之三, 24x19.814cm,1970年

Photographie de presse
Photographie reportage / photographie documentaire
La loi martiale à Taïwan (1949-1987) oblige à avoir un permis de photographier pour les journalistes, les sujets s'éloignent alors de la politique.
– La photographie de presse contre la photographie de style “salon”
(environnement culturel, salon de peinture)
– Des groupes photographiques (avant 1980's, il y a beaucoup de groupes photographiques de style “salon” (pour des raisons politique, historique et esthétique)
– La photographie de paysage (“réalisme”)
Paysage et homme au travail : 林權助 LIN Chuan Chu (1922-1977)
1954 彰化縣
1954 臺中
父子洗浴 1956 霧社
午休母子 1955 蘭嶼

La photographie de paysage (l'identité culturelle)
A partir de l'année 80, 鄉土文學運動 Mouvement littéraire local
« Les gens avec la terre » exposition de la Photographie, la photographie est divisée en « croissance, le travail, la foi, le destin » le travail de quatre unités couvrant 1974-1986 Ruan Yizhong (1950 ) est en style créatif du documentaire basé sur les sciences humaines (influencé par Eugene Smith), il est déterminé à promouvoir le développement de la photographie de Taïwan, auteur de nombreux articles et livres liés à la photographie, faisant de grandes contributions à la zone d'éducation globale de la photographie chinoise.
Il a fondé le magazine « Photographes » en 1992, introduit sur les belles œuvres des photographes internationaux.
花蓮縣萬榮鄉,1979)。太魯閣族婦女

Vers l'année 90, une photographie plasticienne émergente
謝春德 Hsieh Chun-Te (1949 ), auteur-photographe taïwanais, réalise des photographies comme aboutissements de mises en scène extraordinairement précises, qu'il prend soin de dessiner au préalable.
Au-delà des images, ici reçues comme des objets façonnés, ont percé la pleine humanité de l'homme mais aussi l'histoire mouvementée de Taïwan depuis la fin de la seconde guerre mondiale. C'est dans ces tensions paradoxales entre les permanences humaines et les incertitudes de l'histoire que l'œuvre de Hsieh Chun-te s'offre à être comprise. En ouvrant l'accès à une modernité qui fut aussi une sauvegarde, la photographie a tenu là un rôle majeur.
La réalisation du film Scènes et rêves de Hsieh Chun-Te s'inscrit dans les projets de recherche conduits au sein de l'ITEM (Institut des textes et des manuscrits modernes CNRS/ENS) sur la genèse des arts visuels.

《RAW-觀音山下的渡船人》,對台灣的情感很矛盾,早年每次出國時,都想移⺠,但一回到台灣就忘記了。在的時候想離開,出去了又想回家

RAW「生」系列,母狗1987-2010 意指如剝了皮般的生命消耗(la vie écorchée)

Producer : Monique Sicard
Production Company : CNRS - ITEM & CEM/iiAC, 2011 Biennale de Venise

Meta Data Entre autres !

L'espace se partage, le temps circule. On se définit par soi-même et par le monde. On se représente dans des contextes culturels divers. Le regard le plus intéressant, c'est le regard enrichi par les autres.
Les deux artistes taïwanais, que nous proposons dans le projet Meta Data 2017 à Paris, nous apportent une vision créative des concepts d'espace et de temps.
Ils ont tous les deux, à travers l'image numérique, une sensibilité multiculturelle. Leurs images empruntent autant à la culture asiatique qu'à la culture qu'européenne. L'image de Taïwan qu'ils développent est enrichie par la lumière du multi-culturalisme et la délicatesse de l'ombre. A travers la série : métaréflexion et transposition présentée dans cette exposition, HUNG Shih-Tsung tente de se libérer du réel et de se connecter à un espace métaphysique.
Avec les séries La fenêtre miroitée transparente et Photomontage et son double, deux séries vues à travers les fenêtres, deux séries entre intimité et extimité, CHANG Chung-Liang parle de la théâtralité du paysage urbain de la vie quotidienne en France et à Taïwan..
Tous deux travaillent entre « les autres », se repèrent dans cette altérité et en même temps, se présentent comme « autres ». Cette position nous permet d'avoir un regard curieux sur notre environnement et sur nous-même.

Photographie en occident signifie « dessin de la lumière », le terme oriental signifie « la capture de l'ombre ». HUNG crée un sentiments d'irréalité en nous emmenant dans « la couleur de l'encre » et « la lumière de l'ombre » dans la série du Théâtre d'ombres chinoises créé en 2016.
L'ombre est passive, mais elle est essentielle. Son contour, ses nuances, sa couleur sont les côtés obscures de la lumière.
L'ombre et la lumière co-existent, mais souvent l'une peut l'autre et des espaces deviennent alors invisibles. L'ombre nous conduit alors dans le royaume de l'occulte et de l'ésotérique.
Les Mythes et l'imagination montrent l'illusion du monde réel, qui ne semble plus si important. La réalité devient onirique et ambiguë.

HUNG Shih-Tsung
Les œuvres de HUNG Shih-Tsung sont des « métaréflexions » et des « transpositions ». Il met en valeur son sujet par ces deux concepts et son
exploration créative de l'espace.
La photographie numérique permet de rompre le lien entre les différents plans. Les éléments existent dans une structure invisible et l'arrière-plan est en quelque sorte détaché de l'image. Les objets existent seuls, ils obligent les spectateurs à repenser l'espace de la photo. Le photographe crée un espace libre, ouvert et autonome qui ne se limite plus à la réalité.
HUNG Shih-Tsung, observateur attentif, est passionné par la mise en scène, le temps et l'espace. Technicien méticuleux autant qu'artiste il joue sur nos émotions et nos résonances sensorielles.
HUNG Shih-Tsung aimerait montrer les séries Images de l'encre 墨像之境, et Fantômes étranges de la mémoire 異魅憶影, qui ont déjà été exposées et primées à Paris, à New York et au Musée des beaux-arts de Taipei, ainsi que la série La serre relâchée dans la nature 野放溫室 (2015) et Le théâtre d'ombres chinoises 皮影戲, sa dernière création en 2016-2017.
Les œuvres de HUNG Shih-Tsung, à l'atmosphère autant mystérieuse que réaliste, jouent sur la superposition, la restructuration et la répétition, brouillant ou masquant la réalité.
L'œuvre intitulée Lumière d'Orsay, qui simule les ombres des sculptures, introduit la lumière dans la matière et crée une image virtuelle dans une scène réelle. En même temps, le traitement de l'ombre renforce la tridimensionnalité de la sculpture rapportée dans la dans bidimensionnalité de la photographie.
La contraste et les conflits entre le fond et la composition, se mettent en évidence les uns les autres. L‘accrochage des vêtements et chinoiseries en haut, traverse le palais de l'art contemporain et duchampien européen dans une nouvelle expérience esthétique et multiculturelle.
Humour et objets orientaux se mêlent à l'ombre occidentale loin du folklore et dans un art de dialogue.
Dans les œuvres de cette série, les éléments laissés après la disparition de l'arrière plan sont une allégorie de la vie humaine. Ça réagit comme une accumulation de souvenirs. Comme dans la mondialisation, les gens, vivent dans des cadres similaires, mais cherchent des « petits bonheurs » personnels. Cela signifie une victoire de l'esthétique du banale. C'est la proposition d'une nouvelle expérience visuelle, la transposition du linge accroché dans la lumière des rues napolitaines dans l'ombre de galerie parisiennes.

La lumière d'Orsay, 2016

Les images de l'encre

Dans la scène des colonnades et des arcs érigés dans un temple purifié par le temps, ceux-ci ont créé un espace profond et une atmosphère de calme. Cette mise en scène de théâtre éthéré amène des spectateurs à éprouver la différence qui existe entre l'apparence de l'image et la profondeur du cœur. Cet état d'esprit silencieux et sombre fait émerger dans le cerveau un fantasme qui peut remplir ce théâtre vacant.
Dans 5Images de l'encre 墨像之境, l'image de l'escalier conduit les gens vers un temple déjà représenté dans d'autres œuvres, mais dans un environnement imprécis. Il s'agit plutôt d'un espace surréaliste, une interaction entre l'esprit du créateur et l'imagination du spectateur.
Dans Fantômes étranges de la mémoire, le visible représenté renvoie à un invisible ; la présence met en valeur l'absence, et sans doute les images non représentées ou qui échappe au créateur sont-elles « le vrai sens » de l'œuvre.
Avec La serre relâchée dans la nature 野放溫室, il s'agit d'explorer « une pensée de l'empathie » et « une relation permutable ». Mais ici les éléments sont plus symboliques, et la relation entre « intériorité » et « extériorité » est encore plus mise en évidence.
HUNG Shih-Tsung constitue invisiblement des segments temporels et spatiaux surréalistes. Il excelle à montrer la luminosité et la nuance subtile du noir.
A travers une exploration des objets extérieurs pour les intérioriser l'artiste
projette son « image mentale » dans sa création. Le passé, le présent et l'avenir peuvent alors s'échanger librement, le visible et l'invisible, la mémoire et la vision interagissent pour recréent ce monde intérieur de l'artiste.

L'échelle / Monter dans la brume, 2009

Matin tranquille

Poussière nette

On attend l'aube

Une croix tachetée

Une personne éloignée depuis longtemps

Une scène romantique d'un thé d'après-midi

Il a raté le passé

Là où il est déjà allé dans l'avenir

Exister dans l'absence

Disparaître entre les entités.

Penser dans l'invisibilité

S'accompagner dans la solitude

La serre relâchée dans la nature-08- La table ronde, 2015

« Images de mémoire bizarres »
Je me souviens du moment où j'ai regardé les images que j'ai faites. La composition et les couleurs de ces bâtiments abandonnés et vides, sont simples, mais les images peuvent cependant exprimer le contexte entouré avec une potentialité.
En essayant d'incorporer et de donner ces nouvelles images, des images intérieures représentant ce qui se passe dans mon cœur, j'espère dialoguer avec les objets et les intégrer dans le fantasme des images.
Fantômes étranges de la mémoire-hors du champ, 2009

CHANG Chung-Liang「台北 - 巴黎蒙太奇及其複象」
« Taipei-Paris Photomontage et son double »

Paysage urbain- « métropole et maison ancienne »

Il vit et travaille en France. Sa série Fenêtre miroitée transparente rassemble des œuvres réalisées de 2009 à 2015. Cette série a été exposée et est présente dans les collections de nombreuses institutions culturelles publiques et privées françaises. Elle a aussi été exposée en 2014, lors du Festival International de la Photographie, au Musée des Arts de Chine à Shanghai ainsi que lors de la foire internationale d'art photographique et au Centre Culturel de Taipei à Taïwan, « Fenêtre, miroitée, transparente », ces mots décrivent brièvement une attitude ou un comportement du regard. La « fenêtre » peut être interprétée comme l'ambiguïté même entre les espaces intérieurs et extérieurs,comme la manifestation de l'intimité, comme une extension de la vision infinie. Elle constitue comme une scène de la « théâtralité ».
Le « double » est non seulement la caractérisation de l'interprétation et de la représentation de l'œuvre elle-même, mais également un élément composite qui reflète l'esprit de l'artiste.

On est qui on est, bien que l'on cherche, on se perd, et on se retrouve.
La chose la plus intéressante c'est qu'on laisse plus ou moins des traces à l'aide de la photographie.
Elle est un média et un langage culturel nous permet de représenter, mémoriser, communiquer… qu'importe la réalité ou la virtualité, la subjectivité ou l'objectivité.

Wei-Shiuan Sun est docteur en Arts et Sciences de l'Art, spécialité études culturelles et art contemporain chinois à l'Université Paris I Panthéon- Sorbonne.
Actuellement, chercheuse de l'Institut ACTE (Arts-Créations-Théories-Esthétiques, UMR 8218).
Membre du conseil de l'Association Internationale des Critiques d'Art (AICA).
Secrétaire générale de la Société de la photographie et de la culture de Taïwan et professeur assistant adjoint à la Ming Chuan Université.

Photo Meta Data

2017-07-09T19:33:02Z

Hung Shih-Tsung et Chang Chung-Liang, deux photographes taïwanais dont les œuvres activent avec détermination les paradoxes de notre époque.

TK-21 Data Meta Data - Chung-Liang from TK-21 on Vimeo.

TK-21 Data Meta Data - Hung Shih-Tsung from TK-21 on Vimeo.

Le premier met en place, ici, un processus d'effacement systématique de certains éléments en laissant paraître sur l'image que ceux qu'il considère comme intanglibles. Le second pratique le redoublement, image photographie, image peinte photographiée et superposée à la première, car il s'agit aujourd'hui, inévitablement soit de permettre au rêve de prouver qu'il est une dimension de la vie soit de montrer que ce que l'on appelle la réalité est tellement hantée par les fantômes qu'elle se défait littéralement sous leur influence. Entre ces deux forces finalement contradictoires et complémentaires, les images de ces deux artistes, comme ils l'expliquent ici dans ces entretiens, nous aident à traverser l'épaisseur invisible et pourtant psychiquement palpable de la réalité qui la relie en chacun de nous aux vapeurs oniriques qui nous fournissent la part manquante de l'air vital sans lequel nous serions depuis longtemps déjà morts.

Fragments de récitatifs

Sun Wei-Shiuan 文/孫維瑄 — 2015-06-27T17:20:37Z

La solitude est un état, une réalité qui rend apte à explorer son propre cœur, mais aussi à approfondir les relations entre soi et le monde extérieur. Quand nous vivons dans cette situation, nous sommes incités à observer, dans l'espoir aussi d'incarner l'énergie que cela implique dans ce qui nous entoure.

Dans l'esprit des artistes, des objets solitaires élus, comme l'interface du flux des souvenirs, photographiés mais pas uniquement fixés, soulignent que c'est le cœur qui façonne le paramètre essentiel de la création d'une œuvre.
HUNG Shih-Tsung et CHANG Chung-Liang, voici deux artistes photographes que passionnent la mise en scène et l'évolution d'éléments de temps et d'espace, avec une observation attentive et une technique méticuleuse en conformité avec ce qu'exigent les sentiments et les situations, artistes qui proposent des émotions aussi intimes qu'expressives, et donnent à voir différents effets visuels chargés de résonances sensorielles.
Bien que ces deux artistes maîtrisent l'approche du « photomontage », ils sélectionnent et réunissent des fragments de souvenirs soit par une démarche affective ou bien par des choix rationnels, soit par le filtre naturel du temps, pour développer des œuvres riches de sens et intriguantes.

HUNG Shih-Tsung, Fantôme étranges de la mémoire - La terre ensoleillée,
異魅憶影-握著陽光守家園, 2009

Toutefois, en explorant la différence sensible distinguant ces deux artistes, on trouvera qu'il ne s'agit pas entre eux de « dialogue », mais que chacun a son discours original et indépendant, que chacun développe sa propre narration et sa mélodie. C'est pourquoi les œuvres de ces deux créateurs seront présentées à la manière d'une double exposition intitulée « Fragments de Récitatifs ». Cependant, il est intéressant de les présenter ensemble car ces deux œuvres assemblent des éléments temporels et spatiaux et développent leurs propres scénarios et contenus et ils convergent dans une structure rationnelle et une mélodie émotionnelle.

CHANG, Chung-Liang, Étretat, Normandie, 2009

À l'occasion de cette exposition à Paris, nous voudrions présenter brièvement les œuvres représentatives des deux artistes :
HUNG Shih-Tsung montre les séries « Profond silence入默 » « Images de l'encre 墨像之境 », « Atterrissage迫降 », « Fantômes étranges de la mémoire 異魅憶影 », qui ont déjà été exposées et primées, ainsi que la série « La serre relâchée dans la nature 野放溫室 », sa dernière création en 2015.

HUNG Shih-Tsung , La serre relâchée dans la nature 野放溫室 - 01, 2015

Les œuvres de HUNG Shih-Tsung, avec l'atmosphère mystérieuse ou réaliste qui s'en dégage, font appel aux stratégies de la superposition, de la restructuration, de la répétition…, brouillant ou diminuant la réalité de leur objet. Chaque fragment de souvenir et de sentiment, à travers la conversion du temps et de l'espace, constitue comme une tranche de temps dotée d'une véritable épaisseur historique. La ligne chronologique est brisée, les images sont figées dans un instant qui ne se limite pas à un certain moment de la réalité. Ainsi le créateur peut-il volontairement mettre en valeur certains objets en fonction de son souci intérieur.
Dans « Images de l'encre 墨像之境 », le signe de l'escalier conduit les gens vers un temple représenté dans certaines œuvres, mais dans un environnement imprécis. Il s'agit plutôt d'un espace imaginaire résultant de l'interaction entre l'esprit du créateur et la projection intérieure des spectateurs.

HUNG Shih-Tsung , Images de l'encre - L'échelle / Monter dans la brume, 墨像之境-天梯/登高於薄霧之中, 2009

Dans « Fantômes étranges de la mémoire », une manifestation tangible renvoie à un invisible, la présence met en valeur une invisibilité ; la présence met en valeur l'absence, et sans doute des images incertaines non représentées par le créateur sont-elles le « vrai sens » de l'œuvre.

HUNG Shih-Tsung , Fantômes étranges de la mémoire-hors du champ 異魅憶影-勁沙的界域之外, 2009

Les éléments de composition dans « Profond silence - au bord de l'eau 入默-水岸組曲 », que ce soit le point, la ligne ou la surface d'une géométrie abstraite, sont tous comme des notes musicales, comme aussi les cordes de tensions rationnelles et sensibles, qui retentissent d' airs harmonieux ou de louanges magnifiques.

HUNG Shih-Tsung , Profond silence - ça fait longtemps 入默-好久不見, 2004

Les objets inanimés d'« Atterrissage », quelles que soient la « beauté » et la « laideur » de leur être contingent semblent vivre devant l'objectif qui les restitue à leur authentique identité. Voilà qu'ils participent activement de la vie au lieu d'être abandonnés à une obscure passivité.

HUNG Shih-Tsung , Atterrissage 迫降 - 14, 2007

Avec « La serre relâchée dans la nature 野放溫室 », il s'agit toujours d' explorer « une pensée de l'empathie » et « une relation permutable ». Mais ici les éléments de la mise en page sont plus symboliques, et la relation entre « intériorité » et « extériorisation » contextuelles est encore plus intéressante.

« Fenêtre miroitée transparente » est une série de CHANG Chung-Liang, artiste qui vit et travaille en France. Elle rassemble des œuvres qui vont de 2009 à 2015.
Cette série a été exposée et est présente dans les collections de nombreuses institutions culturelles publiques et privées en France. Elle a, aussi, notamment été présentée lors du Festival International de la Photographie 2014 au Musée des Arts de Chine à Shanghai ainsi que lors de la foire internationale d'art photographique et au Centre Culturel de Taipei à Taïwan.

CHANG, Chung-Liang, La Fenêtre miroitée transparente no. 24, Les 34 pièces d'une Fenêtre à St Michel, Paris, 2011

Les différents moments de cette création évoquent Paris, la Normandie, entre autres régions françaises, ainsi que Taïwan avec une variété d'images mémorables. Il y a là, la coordination et la tension d'une multi-culture, ainsi qu'une observation de près ou de loin selon l'impact intérieur d'un étranger.

CHANG Chung-Liang, La Fenêtre miroitée transparente no. 37, Une Vue sur Taïpei, 2014

« Fenêtre », « miroitée », « transparente », ces mots décrivent brièvement une attitude du regard. La « fenêtre » peut être interprétée comme l'ambiguïté même entre les espaces intérieur et extérieur, comme la manifestation de l'intimité, comme une extension de la vision infinie, et constitue comme une scène de la « théâtralité ». Le « miroir » est un reflet, une contemplation, et une réflexion sur la « spiritualité » de l'artiste.

ChungLiang CHANG, La Fenêtre miroitée transparente, no. 10, Un nuage devant la fenêtre, 2010

La « transparence » combine la structure spatiale occidentale et l'esthétique orientale selon la notion double de « vide et plein » qui poursuit une idée éthérée de la clarté. En outre, la maîtrise des techniques de la peinture à l'huile de CHANG Chung-Liang permet aux œuvres d'exprimer subtilement la gradation de la transparence et des superpositions imbriquées.

CHANG Chung-Liang, La Fenêtre miroitée transparente, No. 38, Littéraire. Lit des airs 2015

Le concept de la « fenêtre » ne se limite pas au rôle de code symbolique, ni même d'intermédiaire parmi les espaces de l'écran pour se convertir en formes géométriques habilement. La coupe irrégulière, dans son ensemble, peut être considérée comme un type de médiation de la forme fenêtre incluant la totalité des idées. Chaque partie détaillée est comme une fenêtre tentant de susciter la sympathie des spectateurs, attirant leurs regards. Une telle composition permet de découvrir l'intimité d'un intérieur, et de s'étendre et s'ouvrir vers l'extérieur.

ChungLiang CHANG, La Fenêtre miroitée transparente, no. 27, Les 35 fragments d'une Fenêtre à St Michel, Paris, Nostalgie, 2011

ChungLiang CHANG, La Fenêtre miroitée transparente, no. 16, La Lumière, 2010

Ainsi, cette exposition, en offrant de comparer les œuvres de ces deux artistes, montre que la tonalité sereine de chacun produit une atmosphère harmonieuse entre leurs récitatifs respectifs. Mais dans le même temps, la production d'une structure spatiale et l'utilisation de la technique narrative, la maîtrise de la lumière et la communication des idées créatrices, entre autres, par les deux artistes, engendrent des effets différents. Plus précisément, CHANG Chung-Liang a tendance à empiler et conserver les traces du collage pour mettre en évidence la narration et le processus de la mémoire.

ChungLiang CHANG, La Fenêtre miroitée transparente, no .08, Une femme à la robe fleurie, Paris, Nostalgie, 2012

HUNG Shih-Tsung constitue invisiblement, par le moyen d'images sélectionnées, des segments temporels et spatiaux proprement surréalistes. CHANG Chung-Liang poursuit une performance aux caractéristiques transparentes ; HUNG Shih-Tsung excelle à montrer la luminosité et la nuance subtile du noir.
Dans leurs œuvres se révèle souvent la singularité d'un regard, celles de CHANG Chung-Liang semblent plus sensibles et délicates, celles de HUNG Shih-Tsung plus rationnelles, mais chaleureuses…

HUNG Shih-Tsung , L'ombre des papillons dans l'état silencieux - 01
隅隙生機-默境蝶影, 01, 2013

À travers le processus d'une exploration consistant à intérioriser des objets extérieurs et à s'extérioriser soi-même, les deux artistes projettent leur « image mentale » dans des parts importantes de leur création. Dans ce contexte, le passé, le présent et l'avenir peuvent s'échanger librement, la visibilité et l'invisibilité se convertir spontanément, et la mémoire et la vision se condenser dans l'instant.

HUNG Shih-Tsung, L'effet des papillons dans l'état silencieux - 01
隅隙生機-蝴蝶效應 - 01, 2013

Exposition de HUNG Shih-Tsung洪世聰 et CHANG Chung-Liang張仲良
Du 29 juin-19 juillet 2015, Galerie La Ville A des Arts, Paris

Curator/texte/Wei-Shiuan Sun孫維瑄
http://myartfairlady.pixnet.net/blog

Rêver la terre

2015-02-26T12:52:42Z

10 photographes taïwanais et 8 photographes français confrontent leur vision du paysage.

La rencontre des œuvres de ces photographes venant de deux côtés opposés de la planète est une tentative d'appréhender in situ et in visu cette différence culturelle si prégnante mais si peu souvent appréhendable d'un même regard. La co-présence de ces œuvres permettra, c'est du moins le sens de notre approche, un décilage du regard et un accroissement des émotions. Nous présentons ici des éléments permettant de faire un premier pas dans cet entre-deux de la différence. La suite du voyage se fera devant les œuvres et à travers le riche catalogue qui sera accessible lors de l'exposition.

La question du paysage

La question du paysage dans l'art relève d'une sorte de métapsychologie dans la mesure où le paysage est la traduction visuelle non tant de ce que l'on voit ou de ce que l'on a vu ou aurait inventé quant à notre environnement, que la transcription ou l'expression de notre situation existentielle, celle d'un corps percevant et pensant confronté à ce qu'il découvre autour de lui et en lui lors de son passage sur terre.

Que l'on privilégie le sentiment de la co-appartenance à un monde perçu comme une terre d'accueil ou que l'on mette l'accent sur une sorte d'angoisse increvable qui nous saisit lorsque nous pensons notre existence comme un face à face avec un monde inhospitalier, le paysage est le nom de cette relation que nous entretenons avec lui et qui nous étreint chaque fois que nous ouvrons les yeux pour appréhender ce qui nous entoure et qui constitue notre demeure. Nous y sommes nés, nous y serons enterrés et pourtant, incidence constante, nous ne pouvons certifier à nos propres yeux, ni de notre provenance ni de notre appartenance à la seule planète terre.

La différence entre approche occidentale et orientale du paysage, qu'évoque François Jullien, en particulier dans son dernier livre, Vivre de paysage [1], et ce sur quoi insistait déjà Michel Collot dans son livre La pensée-paysage [2], est en quelque sorte ce que tente de donner à voir cette exposition à travers les œuvres de photographes taïwanais et français.

Approche occidentale de l'horizon

Il faut tout d'abord prendre acte du fait que l'occident, et plus particulièrement l'Europe, pense le paysage en relation avec un fond, support et forme de l'articulation ciel-terre, c'est-à-dire avec l'horizon.

« Le paysage est donc pour l'Europe à la fois une origine où se ressourcer et un horizon vers lequel se dépasser. L'identité qu'elle peut ainsi construire ne résulte ni du sol ni du sang ; elle est de l'ordre du projet. C'est une identité horizon. » [3].

C'est bien de la rencontre entre une intériorité toujours à construire, c'est le sens du projet – mais toujours aussi à rassurer dans sa prétention à l'existence – qu'il s'agit dans la rencontre avec le paysage. En effet, quant au statut à accorder à cette terre, notre demeure, il oscille, essentiellement, entre celui, hospitalier, que nous offrent les Grecs et celui, inquiétant, que nous offre le christianisme.

Peter Sloterdijk, dans La domestication de l'être, a résumé ce balancement : « Dans ses Leçons sur l'Histoire de la philosophie, Hegel a loué les Grecs pour avoir logé le monde à notre intention, nous, européens qui avons pris leur succession : ils ont aménagé le cosmos comme la maison arrondie de l'étant [...] Chez l'apôtre Paul, en revanche, c'est une attitude antigrecque qui s'annonce lorsqu'il définit le monde dans sa deuxième épître aux Corinthiens, comme un lieu défini qui demeure jusqu'au bout inquiétant et inhospitalier pour l'être humain… » [4].

La conception chinoise de la fabrique du paysage

Le paysage n'est ni un fait ni une donnée, mais bien une construction mentale et culturelle. Le moment où les sentiers bifurquent et séparent Asie et Europe, ce moment est perdu dans les limbes de l'histoire. Les différences culturelles cependant perdirent et ce sont elles qui manifestent, sinon le pourquoi, du moins le comment de cette différence. Car la question du paysage inclut en elle la rengaine que se chantent les hommes qui ne cessent de se demander pourquoi ils sont au monde.

La ligne de séparation, la tradition chinoise la fait courir, non pas au bout du monde comme horizon, mais entre les choses, en elles, en dehors d'elles, à travers la forme du vide qui allie et fait résonner ensemble Yin et Yang. Elle définit ainsi une forme d'intériorité radicalement distincte de l'intériorité telle que la conçoit l'Occident. C'est une intériorité composée en quelque sorte de deux extériorités, le regard et la subjectivité se manifestant avant tout à travers des affirmations compatibles avec la tradition culturelle.

Les photographes taïwanais contemporains ne cessent de tenter de prendre la mesure et d'éprouver la démesure de ce que l'on nomme, en effet, paysage et que les chinois, traditionnellement, nomment « Montagnes-Eaux ».

Outre l'évidence d'un lien courant depuis les origines de cette tradition, qui fait de la peinture de paysage le point de départ de la peinture comme acte philosophique, poétique et créatif, ce sont des relations intenses entre les éléments qui composent le paysage, qui servent à le définir.

Fabriquer le paysage, c'est penser. Et penser c'est relier, articuler, tendre des fils invisibles qui font apparaître des entités fluctuantes, eaux, nuages, branches, lignes, celles des nuages, celles des chemins, et qui les offrent ainsi à notre méditation. Fabriquer le paysage, ici, c'est méditer et vivre une co-appartenance étrange peut-être, mais acceptée

Car contempler, c'est théoriser, c'est tenter de subsumer sous des catégories le champ du vécu, du perçu et du connu. Fabriquer le paysage à la mode chinoise, c'est appréhender des fluctuations dans lesquelles chacun est impliqué et non pas éprouver l'infinie variation de secousses que provoque en chacun la confrontation avec une inquiétante étrangeté

Proche, lointain

Nombreuses sont les images peuplées de courants qui évoquent l'eau. Nombreuses aussi celles qui montrent des redents ou des anfractuosités évoquant la montagne. Elles représentent, au sens strict, des « montagne(s)-eau(x) ». Ces tensions se répartissent selon des règles implicites qui sont celles qu'ont inventées les peintres chinois pour dessiner les paysages, l'enjeu étant de faire apparaître « comme » image, rivières et montagnes, mais aussi de composer ces images en fonction des trois modes de lointain, les « san yuan » qui « déploient le paysage en dimensions conjointes et lui confèrent sa consistance » [5].

Pour faire un paysage, c'est-à-dire pour articuler le proche et le lointain, il faut « une singularisation faisant émerger un plus individuel », « une variation activant la vitalité », et enfin « du lointain, créant de l'échappée et invitant au dépassement. Ce lointain produit de [...] Par là il porte à rêver, songer, désamarre la pensée. » [6].

Réaliser un paysage, même en photographie, cela reste, comme le rappelle François Cheng, « faire le portrait de l'homme ; non plus le portrait d'un personnage isolé, coupé de tout, mais d'un être relié aux mouvements fondamentaux de l'univers. » [7].

Chaque artiste est en effet conscient que son travail consiste à rassembler à la fois le « comment » et le « pourquoi » par lesquels le paysage et l'homme, éternellement, s'entre-appartiennent, car, comme le disait Shih-t'ao, « Sans cheveux, ni coiffe, je ne possède non plus de refuge où fuir ce monde. Je deviens l'homme dans le tableau, avec à la main une canne à pêche, au milieu d'eau et de roseaux. Là où, sans limite, Ciel et Terre ne font plus qu'Un » [8].

Téléchargez le dossier de presse

[1] Éditions Gallimard, Paris, 2014.

[2] Éditions Actes sud, ENSP, 2011.

[3] Michel Collot, op. cit., p. 87-89.

[4] Op. Cit., Éditions Mille et une nuits, Paris, 2000, p. 73.

[5] François Jullien, op. cit., p. 75-76.

[6] François Julien, op. cit., p. 191-192.

[7] Op. cit., p. 141.

[8] Cité par François Cheng, op. cit., p. 151.

Galerie Épisodique,
1, rue des Nanettes - 75011 Paris
du 5 au 30 novembre 2014

Taiwan :
Chung-Liang CHANG 張仲良
Hung-Sheng CHANG 張宏聲
Ssu-Hsien CHIANG 江思賢
Pin-Hua CHEN 陳斌華
Wen-Yung HUANG 黃文勇
Shih-Tsung HUNG 洪世聰,
Liang-Yeavn LU 呂良遠
Hooi-Wah SUAN 全會華
Che-Yi YANG 楊哲一
Chen-Hao YANG 楊鎮豪
France :
Hervé Bernard
CHEN Mei-Tsen
Christophe Galatry
Xavier Lucchesi
Karine Maussière
Xavier Pinon
Damien Valero
Martial Verdier

Quand Taïwan devient un style

Sun Wei-Shiuan 文/孫維瑄 — 2014-03-24T00:20:20Z

Avec cet article nous entamons une présentation de l'œuvre d'une dizaine de photographes de TAÏWAN autour de la question et de la relation entre conception orientale et occidentale du paysage. Des images du grand dehors ne cessent de venir se mêler aux images qui peuplent l'univers intime de chacun. C'est à comprendre ces entrelacs d'intentions et de visions que ce texte et les suivants vont s'attacher.

Taïwan, est l'une des îles du Pacifique. Dans le sang de ses « peuples océan » coule un magnifique esprit, mais aussi une beauté subtile. Si les gens se reposent, s'abandonnent, les cœurs et les yeux, eux, ne s'arrêtent jamais de vagabonder. Quand ils se posent quelque part, les yeux et les mains capturent et explorent quelque chose constamment.

Pin-Hhua Chen

Panorama Of Lighthouse

En se penchant sur l'intérêt des photographes taïwanais au sujet du « paysage », on découvre que les cheminements variés de leur imagerie mentale, de leur état d'esprit, se complètent et renforcent la richesse de la culture taïwanaise.
De plus, grâce à l'environnement géographique diversifié et à l'arrière-plan historique complexe de Taïwan, les photographes ont pu inventer « une » image photographique particulière.

Hung Shih-Tsung

Sunshine Sprinkles on my Home 2009

Le « style taïwanais » répond subtilement à l'attention actuelle qui se porte sur le multiculturalisme. Celui-ci est porteur de la culture européenne de style colonial, de la structure concise et élégante du Japon, de la saveur de l'esthétique traditionnelle chinoise ainsi que des symboles et des émotions locaux.
Ici, je ne songe pas à catégoriser globalement « l'art taïwanais », qui est à la fois florissant et diversifié, mais à préciser les concepts créatifs et les formes d'art des artistes taïwanais. J'aimerais aussi par une approche ouverte de leur travail, inviter les publics internationaux à explorer conjointement leurs secrets.

Ssu Hsien Chiang

Starlight of the Sea

L'étymologique occidentale nous dite que le mot « paysage » se réfère à un espace limité, défini par un observateur, à partir d'un point de vue particulier, horizontal ou vertical. Visuellement, il contient des lignes, des caractéristiques et des formes qui constituent un espace. Le thème du paysage se développe ainsi comme une vue d'ensemble incluant une perspective humaniste.

Hung Sheng-Chang

Depuis le XVIIe siècle, la peinture occidentale du paysage a beaucoup changé. Une des caractéristiques de la peinture à l'huile est qu'il faut travailler à plusieurs reprises sur la toile qui devient ainsi le support qui recueillant les images des objets représentés à différents moments. Un paysage peint est en constante évolution, sous l'action des yeux et des mains de l'artiste. Autrement dit, un paysage tend à s'approcher de l'image que projettent ses pensées intérieures. Poursuivant l'élaboration de la théorie de l'art moderne, Paul Klee remarque que « l'art ne reproduit pas le visible. Il rend visible ». Ainsi, un « sujet » comme le paysage peut éveiller l'imagination et l'émotion intérieures des artistes.

Chen-Hao Yang

Cependant, un « paysage » ne peut naturellement pas concilier à la fois contexte oriental et contexte occidental. De plus, certaines connotations humanistes sont différentes dans les deux sphères culturelles.

Chung-Liang Chang

Paris 2012

Le mot « Paysage », dans le contexte culturel oriental, est interprété en terme de « Shan-Shui » (Montagne et Eau) tant dans les domaines artistique que littéraire, et il joue un rôle essentiel dans l'esthétique chinoise traditionnelle. Depuis l'époque ancienne, les lettrés ont souvent exprimé leurs sentiments au travers du « Shan-Shui ». Cette « notion » est utilisée pour explorer la relation entre l'homme et la nature, que ce soit par la voie de l'imitation de la nature, l'intégration du ciel et de l'homme, ou bien le respect de l'ancien et du ciel. Tous ces mots reflètent la philosophie de l'univers et la pensée intérieure propres à la culture chinoise. Par ailleurs, en disant en chinois « l'homme de bienveillance appréciera la montagne, le sage aimera l'eau », le « Shan-Shui » devient la projection de l'esprit des gens. En même temps, en observant et en réfléchissant au moyen du « Shan-Shui », on atteindra la sublimation spirituelle et la sophistication de la pensée rationnelle.

Lu Liang-Yeavn

À l'époque moderne, avec l'émergence de la forme photographique, on continue de s'intéresser au thème du « paysage ». Ce cheminement est porté par le désir de découvrir l'esprit intérieur, ses diverses manifestations et ses caractéristiques visuelles.

YANG Che-Yi

Par conséquent, la représentation contemporaine du « paysage », à la fois en Occident et en Orient, participe au développement de la nature humaine « universelle ». La rencontre entre photographes orientaux et occidentaux est l'occasion d'un échange renforçant cette exploration de l'esprit.

Hooi-Wah SUAN