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REVOIR, un autre regard

Francoise Le Corre et Ursula Kraft — 2024-07-29T13:17:11Z

Ursula Kraft revisite le musée des Arts Naïfs et Populaires de Noyers, dans l'Yonne, en mettant en relation des œuvres d'art contemporaines avec la collection permanente : une façon de donner à REVOIR ce lieu avec un autre regard.

Dans la relation aux autres et aux choses, s'il y a matière à penser, il y a aussi matière à symboliser. Bernard Chouvier
Percevoir nécessite de s'engager. Antoni Muntadas

Le lieu, les traces et les affinités

La rencontre avec un endroit, peut relever de ce que l'on appelle depuis l'Antiquité, le « genius loci », soit : l'esprit du lieu. De la mythologie à l'expression devenue commune, cette locution latine laisse entendre qu'un lieu est doté de ses propres forces vives. D'emblée, ses caractéristiques nous éclairent sur la quête et l'état d'esprit de ses concepteurs.

Le musée des Arts Naïfs et Populaires de Noyers (Yonne), créé en 1882, est né du don d'un collectionneur érudit, puis s'est enrichi par plusieurs autres donations durant le XX^e siècle. Cette collection regorge à présent de multiples objets et symboles, exposés dans cet ancien bâtiment du XVII^e siècle, devenu collège puis musée.
Entre cabinet de curiosité, collection d'ex-voto et d'artefacts provenant de plusieurs continents, on y découvre entre autres des albums illustrés de l'artiste Katsushika Hokusai (1760-1849), dont les thèmes évoquent le monde réel et le surnaturel. Dans l'ensemble, les collections relèvent d'une volonté de rendre hommage à la connaissance et au vivant, sans exclure les bouleversements inhérents à la condition humaine. Les multiples créations exposées renvoient certes à la conscience de la finitude des existences, mais révèlent aussi une humanité capable d'entrer en poésie même face au tragique. Soit une manière de s'extraire de la seule condition de mortel et de symboliser ce qui dépasse notre entendement.

Les croisements de regards proposés ici par Ursula Kraft, renforcent l'idée que donner lieu, c'est rendre visible ce qui nous anime. Yeux ouverts, paupières closes, l'accent est mis, dès l'introduction du catalogue, sur ce qui se distingue au-dehors et s'écoute du dedans : tel serait l'un des sens induit par “un autre regard”.
Le parcours proposé par l'artiste est orienté par des affinités thématiques et par une observation attentive, permettant de percevoir au-delà des apparences.

Emerentia Finnois au repos

La partie et le tout, le maillage de fils conducteurs

Ce musée qui évoque la transcription, pouvait par conséquent accueillir avec pertinence, les œuvres photo et vidéo-graphiques d'Ursula Kraft. En effet, les thèmes abordés de longue date par l'artiste, évoquent « la mémoire, la maladie, la mort, l'âme, le surnaturel ». Autant de concordances avec les contenus des créations populaires exposées à Noyers.

Les perceptions de l'artiste à la lecture de ces collections, ont engendré cette exposition. Les multiples rapprochements qu'elle a initiés nous incitent à voir par le détail et à entendre entre les lignes. « Revoir, un autre regard » évoque une reviviscence de la manière d'observer. C'est aussi une façon d'apporter un nouveau souffle à l'exploration des contenus de ce lieu et d'ouvrir un dialogue entre les époques et les cultures. Une autre façon de saisir les accointances existantes entre les intentions des créations d'art naïf, les élaborations de l'artiste et diverses manières d'être au monde.

Chacun de ces univers touche aux registres fondamentaux de l'existence, mais par des dispositifs différents. Les objets du musée sont souvent de constitution assez brute et les œuvres d'Ursula Kraft sont réalisées par des moyens précis, choisis pour leurs spécificités. Toutefois, des rapprochements opèrent d'une œuvre à l'autre. Marques et traces se révèlent par échos et mise en confrontation. S'ensuivent divers retentissements à travers l'observation des objets votifs et des créations de l'artiste. Un jeu d'esprit et de reflets se glisse entre intention et création, émission et réception, chambre claire et chambre noire !
La vie apparait comme cycle d'engendrement, fait de ruptures et de créations, de failles et d'éruptions, de suppliques et d'offrandes, d'attentes et de réalisations. On perçoit combien complexités et nuances font partie de la richesse du vivant. Créer se présente comme une façon de traverser ce qui fait ombrage, question et obstacle. Donner forme, serait en quelque sorte, emprunter des chemins de traverse, pour trouver « le lieu et la formule », comme l'écrivait le poète Arthur Rimbaud.

Hokusai Kitsune

Ainsi, on constate que les tourments de la condition humaine peuvent engendrer des ouvrages très variés, également capables de réenchanter le monde. Le propos serait de composer avec ce qui aurait pu nous détruire et en faire œuvre de vie. Dans ce cheminement, nous discernons aussi de quelle manière un événement peut faire récit. Raconter, dire, prendre la parole : chacun à sa façon. Ce qui nous rappelle qu'il existe des relations entre la partie et le tout. Le philosophe Christian Godin précise que « la relation logique entre le tout et la partie ne serait par conséquent pas seulement d'opposition ».
Revient également en mémoire, l'étude des mathématiques modernes qui nous enseignait qu'éléments et ensembles pouvaient être reliés de manière réflexive, symétrique et/ou transitive.

Des processus identiques sont à l'œuvre dans les créations, si bien qu'entre voir et savoir, il existe des faisceaux de corrélations. Matière à penser et à panser, tant pour celui qui élabore que pour les regardeurs.

Ex voto SoulScape

Les créations comme lieux de passages

Les créations d'Ursula Kraft et les réalisations populaires, permettent de « revoir » à quel point la nécessité de symboliser est ancestrale et universelle. Une préoccupation qui remonte au néolithique et qui reste reliée à l'élan vital, jusque dans l'invention des rites funéraires. Nous savons que sublimation et symbolisation sont associées à la transformation des pulsions, à des rites de passage, de réparation, d'identification, de mutation...

De nombreux artistes et chercheurs ont apporté leurs contributions à l'explicitation de ces phénomènes.
De l'anthropologie à la psychanalyse, de la sociologie à l'histoire de l'art, les sciences humaines étudient les articulations et préoccupations propres à l'humanité. On pense également aux différents dispositifs inventés dès les origines par les humains, pour composer avec la colossale nature. Cet environnement qu'il aura fallu initialement appréhender, hors explications scientifiques, pour éclairer les effets et les causes d'un arc-en-ciel, d'un cycle lunaire, de la vie féconde, de la mort... Cela aura généré diverses cultures et de variables déploiements entre inné et acquis. Soit de multiples tentatives selon les lieux et les époques, pour donner du sens à ce qui nous dépasse et ce qui nous anime. « Notre héritage n'est précédé d'aucun testament » écrivait René Char...

Revoyons alors les corpus de travail Soulscape et Tamashï. Des réalisations élaborées autour de la notion d'âme et d'esprit, ou la sensation de l'immatériel accolé à nos vies. Chacune de ces œuvres nous transporte dans ce que mythes et légendes accomplissent pour notre humanité : à savoir des reliages. Ce qui nous renvoie aux nouages entre réel, symbolique et imaginaire, concepts introduits par Jacques Lacan dans le champ analytique dès 1953.

Nous constatons à travers ce parcours au sein du musée, combien les rapprochements conçus par Ursula Kraft, font interface. Nous avons évoqué les thématiques communes (la maladie, la mort, les offrandes...), mais nous pouvons attirer l'attention sur certaines similitudes dans les aspects matériels.

Revoyons la photographie du visage de la fillette aux yeux fermés, extraite de l'ensemble Traum-a, mise à proximité des ex-voto en cire, rassemblés dans une vitrine : les textures se renvoient l'une l'autre, affinant la perception de ce qui est raconté là. Force est de constater que la matérialité d'une création peut aussi générer du sens. On le perçoit d'autant, en se souvenant que poésie, vient du grec poiein qui veut dire : faire. Pas seulement au sens de faire quelque chose, mais « au sens de faire : apparaître », précise Claude Roëls, traducteur de Gœthe. Il rajoute enfin : « tel serait l'acte véritable du poiein ».

Aussi, voir à travers cette exposition combien l'œuvre peut être perçue comme un lieu de passage entre ce que l'on apprend en vivant, ce que l'on découvre en étudiant et vice versa.
Allons voir de plus près ce que l'on y entend.

REVOIR - un autre regard
Exposition du 16 juin au 22 septembre 2024.
Musée des Arts Naïfs et Populaires de Noyers
25, rue de l'Église 89310 Noyers-sur-Serein
03 86 82 89 09

ouvert tous les jours sauf le mardi
juin et sept : 11h-12h30 / 14h-18h
juillet et août : 10h-12h30 / 13h-18h30

Trous noirs — métaphores au pluriel

Ursula Kraft — 2022-12-29T17:03:34Z

Ursula Kraft, artiste plasticienne, navigue depuis les années 80 entre installations photographiques et/ou vidéos, méta-œuvres. Au fil de ses œuvres, elle plonge le spectateur dans un état physique et sensoriel total, re-définissant nos repères visuels, kinesthésiques, et sonores, afin de faire renaître l'expérience première.

Ursula Kraft, artiste plasticienne, navigue depuis les années 80 entre installations photographiques et/ou vidéos, méta-œuvres, en allemand « gesamt-kunst-werke », alliant comme dans TimeTunnel (1992) un espace architectural unique, site-specific, à une mise en scène de projections argentiques à 180°, mêlant micro au macro, dans un « espace tunnel » de 40m de long, pour une expérience immersive et existentielle. Ce schéma se transformant en un leitmotiv au fil de ses œuvres, Ursula plonge le spectateur.ice dans un état physique et sensoriel total, re-définissant nos repères visuels, kinesthésiques, et sonores, afin de faire renaître l'expérience première, autant fascinante que dérangeante, de notre relation au temps, au mouvement et à l'espace.

Ursula Kraft sonde dans son travail, dans des formats et accrochages aussi diversifiés que surprenants, notre relation à la mémoire, au passé — donc également au temps, dans ses différentes échelles de perceptions — mais également à la lisière subtile entre des mondes oniriques inconscients et la brutalité soudaine de la mort. Souvent, elle interroge le subtil différend entre un corps inanimé, semblant endormi, et l'« in-âme-imé » ; disons un corps abandonné, désincarné.
Ainsi, dans Nymphalis Antiopa (2008), une jeune fille semble endormie (ou bien est-elle dans un état comateux ?), entourée de papillons aussi attirants que repoussants. Elle amène le spectateur.ice à s'interroger sur la frontière entre le beau et le macabre, entre le symbolique et le réel.
Le parallèle avec Emerentia, série de triptyques photographiques réalisés entre 2008 et 2012, semble inévitable : quand est-ce que le beau devient terrifiant, quand est-ce que la magie du conte devient hantise ? C'est ainsi que ce qui, à première vue, semble attirant, intriguant, voire fascinant et beau, s'inverse soudainement quand il est observé de plus près, depuis un autre point de vue, dans un autre contexte. Alors, des récits investissant nos imaginaires collectifs et inter-générationnels, tels que Rose blanche, Rose rouge ou bien Alice au pays des merveilles, se confrontent à des expériences intimes, au sein d'un format défini selon un concept de transposition plastique spécifique. Des mythes y sont réincarnés, des contes ancestraux réinvestis, et leur transmission, historiquement orale, se traduit au sein de ce cadre-là, en une transmission iconographique – infusant dans nos imaginaires contemporains.

Or, Ursula Kraft est également ma mère, et cette fille inanimée ou endormie est également moi.
Notre lien intime (mère-fille/fille-mère) s'est très tôt vu mêlé à un autre lien, moins universel, celui d'une relation entre individus sensibles et réfléchis — soit l'échange d'une conscience subjective à une autre.

C'est pourquoi, mener aujourd'hui un entretien d'une « artiste en devenir » (moi, Meret, étudiante aux Beaux-Arts de Paris) avec une artiste épanouie (ma mère, Ursula) — entre mère et fille, fait sens. D'autant plus quand on se plonge de plus près dans son riche travail, qui depuis des décennies inclut différents membres de notre famille et de nos proches, non pas seulement en tant que sujets « modèles - interprètes » mais avant tout en tant que sujets « individus symboliques et universels » ; celui d'une enfant, fille, sœur, frère, mère, père…, dans leur propre perception vue la constellation familiale, et parfois plus largement, sociétale. Ainsi, en capter et immortaliser un lieu, une réflexion, un instant précis et choisi, quand la construction d'une mémoire (ou bien même d'une identité personnelle) se voit confrontée à la mémoire (certaine fois traumatique) de la famille et du collectif.

À la fois sujet de son travail, mais également alliée dans une réflexion critique et nuancée, nous nous sommes construites et avons évolué en parallèle, non pas l'une à l'image de l'autre, mais bien l'une en échange avec l'autre — tout en se croisant régulièrement, fusionnant le temps de la réalisation d'une de ses œuvres.

Décembre 2022, je retrouve Ursula dans son atelier de Bourgogne.

©Ursula Kraft, « Trous NOIRS 2.2_2019/2022 »

60x90 cm / Impression par jet d'encre pigmentaire sur papier coton mat, contrecollage sur Dibond 2mm. Courtesy de l'artiste

« Sagittarius A* est le trou noir le plus proche du centre de notre Voie Lactée,
à environ 26 500 années-lumière de la Terre. Pour illustrer l'immensité des trous noirs,
disons simplement que la Terre, à l'échelle inversée, peut se loger dans un trou de 1,8 cm »

MK : TROUS NOIRS, ta nouvelle production, exposée en ce moment pour la première fois à Auxerre, [Hors Cadre, jusqu'au 14 Janvier 2023] investit l'espace d'exposition sur différents niveaux de perceptions ; évidemment, avant tout de manière visuelle, avec ces grands tirages mats disposés soit au sol soit appuyés contre les murs, mais également avec un fond sonore et des lignes de texte, tous deux faisant écho à ce que l'image d'un trou noir peut évoquer.

©Ursula Kraft, Installation, vue d'ensemble

à l'espace d'art contemporain "Hors Cadre"/ Auxerre/ 2022/2023, Courtesy de l'artiste

En quoi cette installation est-elle à l'image même du sujet de l'exposition, les trous noirs cosmiques, que l'on ne peut réellement capter, alors que c'est bien eux qui captent tout ce qui s'en approche - soleils et autres trous noirs, lumière et matière ?

UK : La série des trous noirs s'est construite autour de l'envie d'une installation immersive, dans laquelle je pourrais amener le spectateur.ice dans un ressenti proche de celui qui m'a traversé tout au long de cette production. Le point de départ de ma réflexion fut effectivement les trous noirs cosmiques, qui m'ont permis de prêter une attention particulière, puis de nommer, tous les autres trous noirs métaphoriques ayant gravité autour de moi ces dernières années.

En 2017, un groupe de scientifiques a pu réaliser, aussi surprenant et incroyable que cela puisse paraître, la première image d'un trou noir cosmique. Vouloir photographier un trou noir est, comme tu l'as dit en préambule, hautement paradoxal ! Ce que je trouve si intéressant est que cette image (qui n'est pas une simulation) a pu exister grâce au phénomène que les astrophysiciens appellent l'« horizon des évènements » constitué de lumière gravitant autour du trou avant d'être engloutie à jamais. C'est ce contexte, ce bord permettant de rendre compte - et donc visible - le trou noir, que j'ai voulu transposer dans ce travail.

Finalement, le trou noir et son bord, cette dernière accroche avant le néant, sont devenus les métaphores d'expériences personnelles et de phénomènes sociétaux que j'ai pu traverser et observer. Le bord contextualise l'image ; le bord permet de rendre visible l'insondable. Cette lisière de lumière, du visible, nommé point of no return, rend compte de l'attirance irréversible et irrépressible vers le noir, le trou, l'inconnu.

©Ursula Kraft, Trous NOIRS /9.1 »

120 cm x 80 cm. Impression par jet d'encre pigmentaire sur papier coton mat, contrecollage sur Dibond 2mm. Courtesy de l'artiste

MK : Tu as alors cherché à montrer d'autres trous noirs, qui nous entourent à différentes échelles, physiquement ou psychiquement.

UK : Oui il s'agit bien d'analogies, allant d'espaces naturels, artificiels, physiques ou psychiques, dans lesquels on retrouve un interstice du vide ; une ouverture sombre attirant le regard dans ses tréfonds jusqu'à s'y perdre. Toutes ces analogies de trous noirs que je vis, qui existent tant dans l'infiniment grand que dans l'infiniment petit, ont fait émerger les différentes approches présentes dans l'exposition.

Le seul lien tangible vers le déclencheur de cette construction mentale et hybride (les trous noirs cosmiques) est finalement le son que j'ai pu obtenir de la NASA, à savoir une captation sonore de l'univers. Avec cette bande son et la création d'une black-box, j'ai tenté de plonger les spectateur.ices dans un état un peu flottant, une sensation de déséquilibre, où le sol / bord devient finalement le dernier repère, le dernier point d'accroche avant la chute dans les différents trous noirs de l'exposition.

MK : Il s'agit d'amener à travers ton accrochage et différents paramètres sensoriels, voire kinesthésiques, les spectateur.ices dans une situation d'inconfort ; dans une instabilité physique et peut-être même émotionnelle - où seul lui.elle sait jusqu'où lâcher prise dans sa tentative d'exploration de ces différents trous noirs ?

UK : Oui, cette black box avec une disposition hybride des tirages et l'accompagnement du son de l'univers, sont autant de paramètres qui poussent le spectateur.ice à se remémorer son accroche, son ancrage individuel. Quel est ce seuil, à l'image des lumières gravitationnelles, qu'il ne faut pas dépasser, pour ne pas se précipiter, perdre pied ? C'est bien cet équilibre fragile entre l'attraction vers le vide et la perte de soi qui m'intéresse dans ce travail.

D'ailleurs, je trouve très intriguant que dans l'idée d'attraction plane toujours l'ombre d'un danger. Il s'agit de s'approcher vers l'objet d'attraction tout en sondant constamment le seuil, afin de se préserver de la perte, de la chute, du black-out. L'attraction, tirée jusqu'à un extrême, devient dangereuse et peut se transformer en angoisse, en zone de non-contrôle. Elle éveille tant la curiosité, qu'elle peut soudain révéler nos peurs. Ce « point of no-return » est finalement bien présent dans nos vies, nos choix et nos perspectives d'avenir.

©Ursula Kraft, Installation immersive à l'espace d'art contemporain "Hors Cadre"

Auxerre/ 2022/2023, Courtesy de l'artiste

MK : On dirait presque qu'en jouant de cet interstice où tout peut basculer, tu souhaites impulser un dialogue avec l'abstrait. C'est bien l'invisible, demeurant au-delà de nos capacités de perceptions et de projections, qui éveille nos peurs ?

UK : J'aime mettre la lumière sur ces états d'« entre » – par exemple, entre la mort et le petit frère de la mort (le nom qu'on donne certaine fois au sommeil) ; entre le décès et la petite mort (appellation donnée à des syncopes ou encore pertes de consciences subites) ; entre le rêve et le cauchemar ; entre le visible et l'invisible… Ces états éveillent quelque chose d'enfoui dans notre inconscient collectif. S'engager dans un chemin sans pouvoir en voir le fond ; vouloir s'aventurer au-delà de nos limites pour comprendre l'envers des choses, sont autant de situations qui pointent l'ambiguïté de l'attirance pour l'inconnu.

« Tombe, tombe, tombe !
« Cette chute n'en finira donc pas !
Je suis curieuse de savoir combien de miles j'ai déjà faits » dit-elle tout haut.
« Je dois être bien près du centre de la terre.
Voyons donc, cela serait à quatre mille miles de profondeur, il me semble. »
Alice au pays des merveilles, Lewis Caroll

L'envie de capter quelque chose d'invisible à travers l'œil photographique à toujours été très présent dans mon travail. Se pose alors la question de l'échelle, du point de vue, de la distance. Créer des transpositions picturales à partir d'une représentation symbolique dans un espace immersif précis, c'est permettre à l'inconscient, ou bien à l'irrationnel, de subitement parler.

J'aime beaucoup le terme « verarbeiten » en allemand ; il s'agit d'un processus de résilience dans lequel on essaye de comprendre, nommer, exprimer et donc surpasser quelque chose. On « travaille » une émotion, un événement, un traumatisme. Re-transcrire un état émotionnel ; travailler une émotion en la traduisant / extériorisant, est un processus thérapeutique qui nous permet de survivre dans un monde empli de contradictions.

©Ursula Kraft Trous NOIRS

impression par jet d'encre pigmentaire sur papier coton mat, contrecollage sur Dibond 2mm

©Ursula Kraft Trous NOIRS

/6.1 » 60 cm x 40 cm. Courtesy de l'artiste

MK : Digérer, « verarbeiten », c'est donc in fine la recherche d'une forme de résilience ?

UK : Je pense, oui. A l'initial d'un nouveau travail se trouve chez moi toujours une expérience intime, ainsi qu'une observation extérieure. Il s'agit toujours d'une retranscription (Verarbeitung) d'un vécu personnel, autobiographique, dont je me rends compte qu'il est universel. Le travail pictural permet de faire apparaître, nommer cette chose, afin de se retrouver collectivement autour d'une émotion partagée, faire face ensemble à cette expérience universelle.

MK : Pourquoi avoir parsemé ces références écrites, très concrètes, telles des liens entre les différentes recherches iconographiques ?

UK : Il s'agit pour moi d'un moyen de mettre en lien ces univers très différents, de retracer cette construction mentale plurielle qui fait partie intégrante de cette recherche autour de la métaphore du trou noir. C'est une couche de lecture supplémentaire, un autre fil dans le tissage global de ce projet, qui permet (je l'espère !) un accès de plus vers les mondes et réflexions abordés.

MK : Comme nous l'avons déjà évoqué, un trou noir est bien l'image même du vide infini, d'un rien qui avale tout. On retrouve dans bon nombre de récits populaires, jusqu'à des œuvres cinématographiques et artistiques contemporaines, l'attraction vers ce qui pourrait exister de l'autre côté…

UK : …ou bien y a-t-il quelque chose de l'autre côté ? Certaines recherches récentes semblent montrer qu'il y a une forme de sortie « de l'autre côté » vers ce qui pourrait être d'autres univers. Les astrophysiciens l'ont décrit comme un trou de ver, une sorte de tunnel qui après le noir absolu amènerait à la lumière.

MK : Cette envie d'aller « de l'autre côté », même quand on sait que c'est intrinsèquement impossible selon la physique, étant donné que le passage à travers un trou noir amènerait à une condensation de la masse si puissante qui détruirait tout (même la lumière) sur son passage ; ce désir de traverser est très présent dans notre culture populaire. Il y a là également un parallèle avec la mort. On imagine depuis la nuit des temps ce qu'il y aurait après, de l'autre côté de ce « tunnel menant vers la lumière blanche », comme il a été décrit par des personnes ayant survécu à des expériences de mort imminente.

Pourquoi te semblait-il si important d'amener l'attention sur cette présence invisible immense (et si loin de nous) qui pourtant, un jour, pourrait bien engloutir notre système solaire ?

UK : C'est bien ce qui me fascine dans tous ces questionnements d'astrophysique sur le cosmos ; des calculs mathématiques renversent nos conceptions, il y a soudainement changement de paradigme, et notre conscience – jusqu'où nous nous permettons de spéculer / d'imaginer – s'étire, s'allonge et évolue.

MK : C'est l'envie irrationnelle de tenter de comprendre l'incompréhensible ? De dépasser ce qu'il est possible d'imaginer en se projetant dans d'autres échelles ; celles des années-lumière, des milliards et des milliards d'années, et donc quelque part de sortir d'une pensée à l'échelle humaine ?

UK : C'est ce que je souhaitais transposer dans cette série : jouer sur des échelles, sur des « zooms » diversifiés, et finalement remettre tout à un niveau similaire, sur une même surface mate en nuances de noirs et de blancs ; donc sur un même plan de perception. Cela permet de repenser notre environnement ; entre la photographie du gouffre d'un volcan en Afrique, Ol Doinvo Lengai (« Mountain of God », mont de dieu, situé au sud du lac Natron en Tanzanie), le noir sans fond d'un puits, l'orifice d'une oreille, ou encore l'iris cernant le noir d'une pupille.

Je me rends compte de notre besoin constant de nous positionner. Pourtant on reste souvent perplexe quand ces questionnements deviennent extrêmement concrets, comme face aux conséquences de l'Anthropocène.

MK : Qui est également un point of no return. D'où les analogies….

©Ursula Kraft “Trous NOIRS" 2.1_2019/2022

90x60 cm / jet d'encre pigmentaire sur papier coton mat / contrecollage sur Diabond 2mm. Courtesy de l'artiste

UK : Pourtant, à notre propre échelle, retranscrit dans une perception du réel plus immédiate au vu de nos limites planétaires, comme la destruction de l'équilibre des espèces, nous préférons regarder ailleurs, loin, vers l'espace.

MK : Proche d'une des analogies des trous noirs, on retrouve l'évocation de Kali, divinité hindouiste très présente et vénérée dans le Sud de l'Inde, qui évoque nos démons intérieurs mais également toutes les forces de changement, de création comme de destruction…

Le noir est la couleur attribuée au temps et au dieu Chronos (Saturne).
C'est aussi la couleur de la déesse hindoue Kali,
divinité suprême qui chapeaute toutes les autres.
Elle représente à elle seule la création et la destruction,
l'énergie cosmique d'un univers en mouvement perpétuel.
D'où sa référence au temps qui finit par tout détruire.
D'ailleurs le nom Kali dérive du mot Kâla qui signifie
« le temps » et « le noir ».

Chercher à faire apparaître l'essence même de la destruction la plus inéluctable de l'existence, au sens large ; non seulement de la vie, des cultures, de la nature, mais également de toute la matière et de l'infinité des systèmes solaires – n'est-ce pas également être renvoyé à la finitude, à l'extinction ?

UK : Kali représente la préservation, la transformation, la destruction, soit l'idée d'une traversée de différents états afin d'atteindre un renouveau, une renaissance ; il nous faut toujours les contraires d'une même chose, les deux faces d'une pièce, pour pouvoir la définir. Comme le blanc du big bang ou bien le noir des trous noirs…

MK : Mais ici le contraste n'est pas une simple opposition binaire mais bien plus une forme de cheminement à travers des états éphémères contraires permettant une forme de métamorphose ?

UK : Cette réflexion nécessite de sortir d'un regard purement anthropocentrique et de mettre de côté notre construction réflexive occidentale très cartésienne. Il s'agit dans cette série d'amener le spectateur.ice à penser l'autre, le différent, dans une approche plus holistique, telles différentes branches / formes d'expression d'un même tronc.

©Ursula Kraft, Installation immersive à l'espace d'art contemporain "Hors Cadre"

Auxerre/ 2022/2023, Courtesy de l'artiste

MK : Te connaissant plutôt bien [rire] et connaissant ton engagement dans des luttes, telle que la préservation de l'environnement et de la biodiversité, j'ai eu la sensation qu'évoquer à la fois des trous résultant de constructions, comme celle d'un puits ou bien des grottes de Bomarzo (le Sacro Bosco, aussi appelé Parc des monstres, un jardin sculptural datant de la renaissance italienne dans la province de Viterbe au nord de Rome), mais aussi des trous existant dans la nature, que ce soit le trou d'une bouche entrouverte, l'orifice/vestibule d'un vagin, est une manière d'évoquer ce que des penseurs et philosophes comme Bruno Latour, ont nommé Gaïa.

Très brièvement Gaïa, du grec ancien Γαῖα, signifiant Terre, est à la fois un mythe, une tentative de changement de cosmologie et un concept scientifique rendant compte du caractère auto-régulateur de la Terre, et plus précisément, comment celui-ci résulte de l'ingéniosité d'une toute petite surface à l'échelle cosmique qu'est l'atmosphère, à se maintenir dans un équilibre qui permet la vie au sens biologique. La dépendance de l'évolution, de la survie, et de la régénération des espèces à cette couche atmosphérique justifie qu'elle soit appelée zone critique. D'une épaisseur d'à peine 15 km, ses réactions chimiques permettent l'Existence au sens large.

Quel regard portes-tu sur cette tension entre les concepts d'Anthropocène, de zone critique et de Gaïa ? Et comment ton processus créatif permet-il de mettre au même niveau de lecture, de re-niveler en quelque sorte la hiérarchisation habituelle de nos regards et échelle de valeurs, à travers la taille et le point de vue de ces différents « sujets/objets », qu'ils soient naturels ou bien culturels, aléatoires ou construits ?

UK : Cette question de la limite planétaire, donc cette notion même de Gaïa, est évidemment très présente dans ce travail. L'une des analogies est la photographie en vol d'oiseau lors d'un réel cataclysme ; le trou de 50 m de profondeur, résultant d'une réaction chimique entre une bulle de méthane avec l'oxygène, due à la fonte du permafrost, qui déchira le sol dans une étendue de terre en Sibérie. Le sol implose et nous ouvre son gouffre.

On retrouve également à une toute autre échelle de grandeur, le trou noir, net et béant, dans la surface boisée d'un tronc d'arbre. Ici, je souhaitais évoquer l'acte récent, accompli par des bûcherons dans leur frénésie de déforestation de la forêt amazonienne, pourtant si importante pour la conservation et la régénération de la zone critique ! Comme on peut le lire sur une référence textuelle de la série, je cite le chef de la tribu locale Matsé. Ce dernier lance un ultime appel au secours en nous alertant que l'acte « accidentel » des bûcherons nous a coûté l'esprit Mère de la forêt tropicale, dans cette réserve dense et interconnectée qu'est la forêt Amazonienne. L'abattage de l'arbre le plus ancien à notre échelle temporelle humaine résonne tel un cri d'alarme quant au passage dans une nouvelle ère planétaire : l'Anthropocène.

©Ursula Kraft “Trous NOIRS 8.2_2019/2022

jet d'encre pigmentaire sur papier coton mat / contrecollage sur Diabond 2mm. Courtesy de l'artiste

Le premier renvoie frontalement à la destruction d'un espace, concrétisant le concept même de l'Anthropocène ; l'autre matérialise des trous plus souterrains, « sous-conscients », peut-être volontairement ignorés par une partie de notre société occidentale, mais bien nommés ici dans des récits de cultures autochtones d'Amazonie.

L'anthropologue Philippe Descola attire notre attention sur le fait qu'il n'y a pas d'opposition nature/culture, mais que nous, Homo Sapiens Sapiens sommes partie intégrante de la nature en tant que système de vie et (espérons le !) de résilience. Il n'y a donc pas de différenciation.

MK : Cette série de trous noirs, souhaite donc à travers ses analogies et échelles de perceptions, nous faire revoir nos définitions au vu de la compréhension actuelle des limites planétaires ?

UK : Oui, je me souviens très bien comment l'exposition au musée Zentrum für Kunst und Wissenschaft (ZKM, centre culturel d'art et de sciences), à Karlsruhe, 2022 m'a chamboulée. Bruno Latour y avait conçu avec Peter Weibel une exposition intitulée Critical Zones (zones critiques) où, au lieu de détourner le regard vers un ailleurs, l'idée était de recentrer notre focus sur la Terre. Rediriger le regard sur les problématiques extrêmement complexes dont nous sommes l'élément « parasite », cette espèce qui se sécurise et se reproduit, en prenant le dessus sur toutes les autres espèces. Ce déséquilibre drastique (et peut-être bien une implosion ?) nous amène depuis l'industrialisation au sein de cette zone critique. J'aimerais faire ressentir dans leur corps cette même perplexité aux visiteur.euses ; les pousser à dépasser leurs mécanismes de protection émotionnels pour ressentir le danger de la limite ; leur faire comprendre que nous ne sommes pas au-dessus, mais bien l'un des éléments interconnectés qui a pu rendre possible la vie et l'évolution des espèces sur Terre.

©Ursula Kraft “Trous NOIRS" 1.2_2019/2022

jet d'encre pigmentaire sur papier coton mat / contrecollage sur Diabond 2mm. Courtesy de l'artiste

MK : Bruno Latour parle également de cette posture de « regarder ailleurs », caractéristique du XIXe siècle. Les avancées technologiques et scientifiques ont permis de se projeter jusqu'aux trous noirs, à des milliers d'années-lumière, à une échelle où, nous, individus, sommes moins qu'une poussière, afin de les comprendre – ou bien même permettre d'en faire une image… Pourtant l'immédiateté de la chute dans l'inconnu est-il ce qui nous attend probablement dans les années à venir !

UK : Alice aux pays des merveilles, comme tu l'avais évoqué, revient régulièrement dans mon travail. Cette œuvre fondatrice de ce qui a pu par la suite être appelé l'inconscient, fut à une époque un grand miroir de ce que notre société traversait. Tel un point d'interrogation surréaliste, l'image du puits, mais aussi du trou dans un tronc d'arbre, sont tant de connotations de l'idée d'une traversée d'un monde onirique où les rêves deviennent surface de projection de notre existence. Alice, tombée dans l'inconnu et le noir, se voit au début du récit confrontée au changement d'échelle et de perception de son corps, et détient ainsi la clé vers un monde parallèle, étranger. Ce récit, comme tant d'autres contes, nous a ouvert un nouveau champ des possibles, ainsi qu'un monde iconographique autre, matérialisant nos réflexions. Le puits, l'entrée dans le monde obscur des grottes, est très présent dans la série des trous noirs. Tels des gosiers amenant à une possible chute, par conséquent à une perte des repères, ils évoquent l'idée d'une disparition de nos sens premiers, primitifs. Reprendre conscience du monde sous un autre point de vue est ce que certaines personnes vivent dans des états de conscience modifiée. La chute d'Alice nous rapproche du centre de la terre, de ce qui se passe subconsciemment, dans les mondes souterrains de nos vies quotidiennes.

« Ama-no-Iwato » signifie littéralement « grotte de la déesse du Soleil »
Dans la mythologie japonaise, telle que présentée dans le Kojiki,
la mauvaise conduite de Susanoo, le dieu japonais des tempêtes,
amène sa sœur Amaterasu à se cacher dans la grotte Ame-no-Iwato.
La terre est alors privée de lumière.

MK : Le black-out, la perte de conscience subite, tel des syncopes, est également évoqué dans ce travail. L'œil, à l'instar d'une ouverture vers l'âme, est également ton œil. Que j'écrive cet entretien fait sens, au vu d'un des déclencheurs de ta réflexion sur les trous noir. Ces dernières années, tu as très fréquemment été confrontée aux pertes de consciences subites dont je souffre. Comme si la vie m'était soudainement, mais heureusement temporairement, ôtée ; tu as été témoin des syncopes liées à ma maladie. Voir mon corps inanimé, qui régulièrement chute, a été une expérience forte avec laquelle tu as dû apprendre à vivre et à t'adapter. Cette maladie neuro-fonctionnelle a pour origine un traumatisme ancien, une sorte de trou noir qui absorbe tout ce qui gravite autour de lui ; mon corps, mes capacités physiques et sensorielles, et aussi dans une certaine mesure, ma mémoire. Après une longue amnésie traumatique, nous avons pu dénouer les fils de ce traumatisme ces dernières années en tant que famille. Pourtant les chutes et les black-out demeurent… Et bien souvent tu te retrouves avec un sentiment d'impuissance, face à ma bouche entrouverte, qui ne répond plus.

©Ursula Kraft, Installation immersive à l'espace d'art contemporain "Hors Cadre"

Auxerre/ 2022/2023, Courtesy de l'artiste

En quoi était-il important de travailler “verarbeiten” ta perception de ce que j'ai subi - et de ce que je subis encore - à travers ce travail ? Et finalement, pourquoi, tel un miroitement, il te semble important que nous puissions avoir un échange ouvert et consenti sur cette question – tel un aboutissement de ce processus créatif, une boucle qui se boucle ?

UK : Comme tu viens de le dire, le trou noir fait donc aussi office de transposition du black-out. L'amnésie traumatique, la perte de conscience, l'expérience de mort imminente, ou bien la perte de mémoire, sont autant d'états qui nous confrontent, tôt ou tard, directement au néant, à la perte, au vide. Certains ont été très présents dans notre famille ces dernières années. Comme on le sait, l'intime est aussi toujours politique. J'aborde donc ici une expérience hautement intime, qui pourtant est largement répandue dans nos sociétés. Il s'agit bien de mon point de vue et de mon vécu, et l'habitacle de l'oreille, lui aussi, entend et intègre, absorbe.

Selon Dante, le gosier est une porte vers l'enfer, la bouche est grande ouverte. Le cri exprime la douleur de nature physique ou psychique. Un peu plus loin dans l'exposition, l'autre bouche, entrouverte, représente plutôt ce moment où le contrôle du corps diminue ; ce mystérieux « hors de soi » où l'esprit s'absente et où le corps semble inhabité.

©Ursula Kraft, Installation immersive à l'espace d'art contemporain "Hors Cadre"

Auxerre/ 2022/2023, Courtesy de l'artiste

MK : La question du traumatisme est un sujet qui a toujours été très présent dans ton travail, pourtant cette fois-ci ton approche est entièrement différente ; moins frontale, passant par des analogies et offrant aux spectateur.ices les références t'ayant accompagnées tout le long de cette production. En quoi penses-tu avoir réussi à susciter un intérêt plus direct des visteur.euses ? Je veux dire, des retours que j'ai pu avoir, les spectateur.ices n'ont finalement pas tant ressenti un malaise, disons répulsif, mais plutôt une attirance vers ces noirs profonds, une attraction pour le saut dans l'inconnu, et ainsi une envie de mieux comprendre, se renseigner, rechercher ce qu'est par exemple l'amnésie traumatique.

UK : Sur un des murs, on peut lire au-dessus du tirage le plus petit de l'exposition, et pourtant celui qui semble avoir le plus intrigué de personnes, de par son altérité : « Lors de la disjonction, l'hippocampe ne peut pas faire son travail d'encodage et de stockage de la mémoire, celle-ci reste alors dans l'amygdale sans être traitée, ni transformée en mémoire autobiographique. Cette mémoire émotionnelle, « boîte noire des violences », piégée hors du temps et de la conscience, est la mémoire traumatique. » Cette citation est tirée d'un ouvrage d'une experte des violences sexistes et sexuelles, Muriel Salmona, qui y ouvre un champ de réflexion que nous avons dû traverser, comprendre, et que je souhaitais finalement partager au plus grand nombre.

C'est très gratifiant car l'exposition a reçu un retour très positif du public. Finalement les trous noirs n'ont pas tant créé une réaction de distanciation de par la peur, mais bien plus une curiosité. J'ai pu observer comment les visiteur.euses ont laissé les évocations émerger.

Vue extérieure de l'exposition dUrsula Kraft “Trous NOIRS”, à l'espace d'art contemporain “Hors Cadre” à Auxerre

©Ursula Kraft. Courtesy de l'artiste

MK : Le trou noir est finalement le point d'accroche, le point commun, où toutes ces réflexions se croisent. C'est ainsi que le vide nous renseigne sur ce qui nous entoure, mais aussi sur ce qui nous échappe. Cet échange, à mon échelle individuelle, m'a permis de mettre en lumière, par ton éclaircissement, une certaine réflexion sur le monde, les mondes, et le soi dans le monde. Comme si un rayon, certes éphémère, nous offrait une ouverture vers un état de sensibilité exacerbée et vers de futures perceptions, le temps de cette exposition. Merci.

Écrit par Meret Kraft

Bibliographie :

ARTE [en ligne]. [réf. du 10 octobre 2022]. Disponible sur : <https://www.arte.tv/fr/videos/10673...>

BECKMANN, Angelika. MOHAL, Anna. PAGES, Estelle. Ursula Kraft : Travaux 1988-2008. Verlag der Galerie der Stadt Sindelfingen, 2008.

BLAST [en ligne]. [réf. du 10 octobre 2022]. Disponible sur : <https://www.blast-info.fr/emissions...>

DANTE, Alighieri, La Comédie Divine, « Inferno, Canto III », Penguin Group, 2013.

JAMET, Stéphanie, Syncopes et Extases., Vertiges du Temps, FRAC Bourgogne Franche-Comté, 2020.

LATOUR, Bruno, WEIBEL, Peter, Critical Zones : The Science and Politics of Landing on Earth. ZKM | Center for Art and Media Karlsruhe/ MIT Press, 2021.

LATOUR, Bruno, Face à Gaïa : Huit conférences sur le nouveau régime climatique, Éditions La Découverte, 2015.

LUMINET, Jean-Pierre, Les trous noirs en 100 questions. Éditions Tallandier, 2022.

SALMONA, Muriel, L'amnésie traumatique : un mécanisme dissociatif pour survivre. Dunod, 2018.

TROUS NOIRS – Exposition d'Ursula Kraft à l'espace d'art contemporain Hors Cadre à Auxerre.
du 19/11/22 au 14/01/23

[photo logo BH 9_2 / bouche large]
©Ursula Kraft, « Trous NOIRS 9.2_2019/2022 / 120x80 cm / Impression par jet d'encre pigmentaire sur papier coton mat, contrecollage sur Dibond 2mm. Courtesy de l'artiste
18 décembre 2022

Temps suspendu au Japon

Elizabeth Creseveur et Ursula Kraft — 2016-06-30T15:09:10Z

Elizabeth Creseveur et Ursula Kraft se sont rencontrées, il y a vingt ans, lors d'une résidence d'artiste. Depuis, elles ont suivi leur travail respectif et un véritable échange s'est installé.
Chacune est partie indépendamment au Japon pour réaliser ses projets, mais dans leurs œuvres issues de ces séjours, on perçoit une même sensibilité et des liens qui se tissent.
Ce fut un point de départ idéal pour l'exposition commune au centre d'art contemporain de la ville de Sindelfingen (24.04.-19.06.2016). A cette occasion, Ursula Kraft a invité Elizabeth Creseveur à faire dialoguer leur travail pour la première fois.

Conversation entre Elizabeth Creseveur (EC) et Ursula Kraft (UK)

Au regard de nos pièces réalisées au Japon, nous avons été surprises de la manière dont Yours, Nightingale, Interface d'EC et Soulscape, Kitsune, Tamashii d'UK se font écho. Cette sélection pour l'exposition est basée sur la notion de l'espace intérieur et extérieur, du silence, du mouvement et de la perception de l'ailleurs…

Entre nous est née la volonté de faire frotter ces lisières. À l'image de cette intention, l'exposition est pensée comme un chemin. A parcourir, sans but - comme dans de la pensée bouddhiste - c'est le chemin(ement) qui convoque et provoque la pensée.

Parlons plus précisément de l'origine de ces œuvres « japonaises », de la nature même de l'expérience singulière propre à chacune face à ce pays.

EC : Le Japon a définitivement modifié ma vie et travail depuis mon premier séjour en 1997.

Depuis j'éprouve le besoin physique « terrien » de me rendre régulièrement dans ce pays, je reviens à chaque fois « autre ». Mes projets m'amènent à vivre dans des endroits les plus insolites et reculés dans l'ensemble de l'archipel. Pousser cet « apprentissage » que m'a apporté cette culture, le Butô, cette « autre » perception, du temps, de l'espace, de l'autre. Progressivement s'installe en moi comme quelque chose de « spirituel ». Des séjours de 2 à 9 mois, j'indique volontairement la durée de mes séjours, pour pointer sur cette réelle notion de temps de vie. Un long séjour est quelque chose d'incroyablement fort. J'ai besoin de ce temps, il est déterminant dans ma conception de travail, mes œuvres en résultent. Vivre profondément les choses, d'installer un réel échange, un temps d'apprivoisement, d'intégration, d'acceptation. Le Japon me manque tous les jours.

UK : Oui, je comprends très bien ce « besoin » et cette « transformation » qu'une telle immersion provoque. Pour moi c'était un peu différent : depuis longtemps je voulais aller au Japon, et cette envie est devenue une « nécessité ». Ce voyage a pris sens avec le projet que je voulais réaliser. Je suis fascinée par la perception et retranscription de l'espace intérieur et extérieur, de l' espace mental et spirituel des japonais ; cette introspection qui trouve son expression dans l'espace extérieur. C'est précis, juste, apaisant et très beau dans sa simplicité. Leur relation à la nature, qui a également une âme, mais aussi à la mort, qui occupe une place omniprésente dans leur vie.

Ce n'est pas seulement tous les cultes et l'expression paysagiste, mais aussi le danger qui plane avec les multiples tremblements de terre. Finalement, avec la première exposition de SoulScape en mars 2014, je voulais rendre hommage à la catastrophe de Fukushima.

EC : Revenons sur l' exposition. En regard de ton travail, j'ai sélectionné 3 « installations architecture sonores » : Nightingale et Interface anciennes et la plus récente Yours Monastery Fujimi qui témoignent de cette « qualité » de silence, d'immersion dans des retranchements au plus profond du corps, de mon corps.

Nightingale se vit comme une expérience chorégraphique inédite. Ici la notion de volume disparaît. Les frontières explosent, plus de murs, plus de frontalité, mais avant tout l'horizontalité, un sol qui vit.

Nightingale est né lors de ma résidence de 8 mois à la Villa Kujoyama à Kyoto. Je l'ai conçue par rapport à la danse intérieure Butô de Toru Iwashita de la Compagnie Sankai Juku. Ce plancher - qui donne son nom à la pièce - a été réalisé en hinoki, ce bois « précieux » odorant typiquement japonais à l'identique des temples japonais du XVIe siècle, par un artisan spécialisé dans la rénovation des temples anciens. Sa particularité est de chanter, grincer, de retranscrire en son les mouvements du corps. L'installation a été exposée au Hara Museum de Tokyo et au Festival Montpellier Danse en 2003. Ici, je présente la vidéo d'une captation d'une des représentations.
Lenteur, improvisation, effondrement, tout dans la danse de Toru Iwashita participe à la création d'un langage singulier, qui introduit de nouvelles composantes, une nouvelle vision qui constamment fait interagir corps, mouvement et musicalité et explore ainsi les limites de la danse.

Nightingale Légende :
Installation architecture sonore. 4 modules 32 m2, 4 haut parleurs,
performance Toru Iwashita (Dance company Sankai Juku) – vêtements Yohji Yamamoto.
Collection privée Château de Pitray.
* VIDEO Nightingale 30 minutes couleur (captation d'une des performances
réalisées durant l'exposition au Hara Museum de Tokyo).

Interface est la mise en scène de l'étrange improvisation d'un danseur, Mori Izuru, que j'ai rencontré dans une rue de Kyoto en 2001. Réalisée à Osaka, on y voit Mori Izuru exécuter une danse étrange, extrêmement lente dans un carrefour du centre ville. Dans la ville, dans le bruit et dans le mouvement, la lenteur extrême de ses gestes se dissout presque dans l'immobilité comme un garde-fou chorégraphique à l'agitation effrénée de la mégapole.

Interface ramène dans cet endroit sombre et semi-clos la rumeur de la rue et le bruit assourdissant des voitures. Le son compose l'espace, insère le visiteur dans un étau, un ping-pong sonore. L'installation s'articule et pointe sur une dichotomie de deux modes de perception : le son du corps, souffle, intériorisé, étouffé, et le son de la ville, clair, agressif.

Interface Légende :
Installation architecture sonore vidéoprojection. 20 minutes en boucle, couleur.
Expositions Casa Encendida Madrid, Le Parvis Centre d'Art Contemporain Tarbes.
Collection Fonds national d'art contemporain.

Yours (2013-2015) ce film témoigne de ma vie dans le Monastère Fujimi avec les 9 moines, organisée chaque jour en séquences d'actions rigoureusement ordonnées et répétées entre le lever et le coucher du soleil. L'immersion dans une communauté durant 2 mois. Le film est structuré sous la forme de 9 « haïkus », respectueux du silence qui enveloppe la vie monacale, comme des tableaux laissant libre le champ de l'interprétation. Voilà l'espace du retrait, du dépouillement, de la concentration, du silence... des mains, des corps, des visages, des matières... la présence nue, de leur émotion simple. Yours est une invitation à un temps de « pause ».
Le ralenti change la nature du temps et change en même temps la nature de l'espace ; chaque geste ralenti, une main qui s'approche de la joue ou une tête qui s'incline..., si c'est au ralenti, si on mesure les millimètres qui séparent ce rapprochement extrêmement lent, nous avons tout d'un coup un monde, un univers très surprenant qui nous aide à aller vers le silence.

Yours Légende :
Installation architecture sonore, banc contreplaqué 500x80x40 cm
vidéoprojection n&b, 25 minutes, 2 haut parleurs. 2012 - 2015.
Projet « avec le concours du centre national des arts plastiques (soutien pour le développement d'une recherche artistique) Ministère de la Culture et de la Communication »

UK : Je me sens proche de tes propos ; moi aussi, j'essaie de retranscrire cette notion d'intériorité et de recueillement dans l'installation SoulScape – comme un espace mental, une invitation à l'introspection.

Sous la forme de grands triptyques kakémonos je crée des espaces perméables dans lesquels le spectateur peut contempler l'imagier avec le son du « Shô », instrument à vent traditionnel remixé.

Les photos réalisées pendant le séjour, suivent une recherche précise donnant un itinéraire de l'extrême Nord au Sud du Japon dans des lieux « perdus » et difficile d'accès. Entre mes interventions prévues et des situations, objets retrouvés sur place, se crée un entre jeu et un fil rouge entre les images. Voici la rencontre entre deux cultures, de l'Est et de l'Ouest, entre verticalité et horizontalité : l'image - texte du kakémono à la verticale avec l'image photographique panoramique à l'horizontale de chaque triptyque.

L'image - texte est tissée par une phrase qui se répète sans fin en différentes langues ; cette texture se dévoile à proximité.
SoulScape est une topographie et une transposition des paysages intérieurs et extérieurs, de l'âme, de la relation à la mort et à l'au-delà.

SoulScape Légende :
SoulScape 2010 - 2012 Triptyque Kakemono : 90 cm x 240 cm x 3,
Installation spatiale sonore.
Impression pigmentaire photographique sur papier Hahnemühle Ultrasmooth 308 gr.
Centre d'art contemporain de Sindelfingen, Allemagne 2016

Tamashi est le nom japonais pour « esprit », « âme ». Contrairement à SoulScape j'ai réalisé la vidéo sur le vif quand je me suis retrouvée dans cet événement extraordinaire par hasard. J'ai retranscrit cette situation dans ce dispositif vidéo : le spectateur regarde comme un voyeur à travers d'une petite fente une étrange procession d'hommes combatifs, vêtus en blanc, ramener l'esprit au temple. Tout en restant « étrangère », je me suis immergée dans cette culture, entre mythologie et religion.

Tamashi Légende :
Vidéo réalisé à Kyoto, Japon, 2010 / 2016
1min30 en boucle, dispositif pour l'exposition au Centre d'art contemporain de Sindelfingen, Allemagne 2016

Par contre, Kitsune, la femme renard, est un être fabuleux asiatique. Je m'appuie sur les écrits de C.G. Jung pour qui le conte exprime le processus psychologique de l'inconscient collectif qui relie les différentes cultures.
Le paysage japonais représente ici, comme pour une pièce de théâtre, décor et image scénographique. Dans la profondeur sur trois plans, c'est seulement la femme-renard qui parcourt l'image avec des mouvements de danse, lentes et précis. La mimique est réduite par le masque stylisé qui évoque le théâtre « Nô ». Le cycle tryptique se répète sans cesse en boucle.
Le mouvement ralenti de la femme-renard et le paysage quasiment « figé », font référence à une scène onirique, « surnaturelle » et hors du temps.
La vidéo - image en mouvement et en même temps - avec son cadrage fixe – devient une sorte de « tableau vivant ».

Kitsune Légende :
Réalisé avec la danseuse suisse-japonaise Heidi Durning à Kyoto, Japon, 2010 / 2012
Vidéo HD / « tableau vivant », 7,5 min en boucle sur écran plat 81cm
Centre d'art contemporain de Sindelfingen, Allemagne 2016

EC & UK : Un grand cercle rouge accueille le visiteur, comme « titre » de l'exposition et symbolise le point qui nous relie.

Yours EC et Soulscape UK, installations majeures, se déploient dans des espace séparés ; chacune est un dispositif vidéo ou photographique sonore. La perception, l'intimité est respectée… de part la proximité des salles, le son lancinant de chaque pièce circule en boucle ; dans les silences de l'un, s'immisce le son de l'autre…

Sous la forme d'un « cabinet vidéo » nous avons réuni Nightingale, Interface EC et Kitsune, Tamachi UK dans un espace commun. Avec l'idée de concevoir des petits « îlots » de visionnage sous la forme d'un dispositif identique – un banc/un casque - de fait, le visiteur est invité à un face à face intimiste.

À l'entrée de la salle, chaque image est visible… silencieuse. Une première lecture… le visiteur assiste à trois types de mouvance… un ballet chorégraphique muet… trois corps évoluant sur une partition muette.

À la fin de l'accrochage, en déambulant dans les salles, nous avons été saisies par cette atmosphère « troublante » qui règne dans l'espace… un temps suspendu.

Voir et être vu

Elizabeth Creseveur et Ursula Kraft — 2013-10-25T22:58:40Z

Commande publique 1% artistique, Collège François Mitterrand, Simiane / Marseille.
Conception et réalisation artistique : Elizabeth Creseveur et Ursula Kraft

VOIR & ETRE VU s'articule en deux interventions : une dans l'espace réel - image fixe -, et l'autre dans l'espace virtuel - image animée -. Elles s'inscrivent dans des emplacements clés qui permettent la visibilité du collège sur plusieurs niveaux de perception, l'entrée du collège et l'intro du site internet.

1970-01-01 01:00:00

La face architecturale devient avec les films photographiques interface entre l'espace intérieur et extérieur. Un œil fermé, un œil ouvert, liés par un dégradé de couleurs, se déploient sur toute la longueur de la façade vitrée. La lumière du jour illumine les images de l'extérieur vers l'intérieur du CDI, la nuit, le dispositif de lumières artificielles éclaire les images de l'intérieur vers l'extérieur, à l'instar d'un caisson lumineux.

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Dans la deuxième intervention, l'« œil photographique » devient « œil vidéo ». Sous la forme d'une séquence en mouvement, l'œil ouvre le site internet du collège. L'iconographie des yeux est universelle, « voir et savoir » sont étroitement liés, ils transmettent une réflexion sur notre monde contemporain, et renvoient à des représentations communes.

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VOIR & ETRE VU instaure un dialogue, joue sur plusieurs modes de perceptions, et implique le spectateur physiquement dans l'espace-image.

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« D'un œil, observer le monde extérieur, de l'autre regarder au fond de soi-même ».
Amedeo Modigliani, peintre et sculpteur.

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Nous avons répondu à l'appel d'offre du 1% artistique pour le collège François Mitterrand à Simiane « visible / invisible - intérieur / extérieur » avec la notion « VOIR & ETRE VU ».

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Notre projet est basé sur cette notion de « lisière », seuil, entre l'espace intérieur et l'espace extérieur. L'intervention artistique est pensée et conçue en écho à l'architecture, à l'instar d'un dialogue. Créer une résonance harmonieuse en s'appuyant et jouant avec les éléments préexistants, tels les apports colorés et l'organisation de l'espace.

1970-01-01 01:00:00

Le projet s'articule en deux interventions : une dans l'espace réel - image fixe -, et l'autre dans l'espace virtuel - image animée -, qui se répondent en créant une identité.

1970-01-01 01:00:00

VOIR & ETRE VU REEL

La première intervention dans l'espace réel se situe sur la façade vitrée, elle consiste à créer une interface entre l'espace intérieur de l'école et l'espace extérieur public. Les films photographiques colorés sont positionnés sur l'ensemble des vitrages : un œil fermé et un œil ouvert occupent respectivement de part et d'autre trois vitres, un dégradé de couleurs prolonge et lie les deux images. La membrane colorée se déploie sur toute la longueur créant un rythme, une notion de mouvement abstrait, dynamique. La surface vit.

1970-01-01 01:00:00

L'œil est surdimensionné, un zoom dans le corps, à l'échelle et en symbiose avec le corps architectural ; une présence humaine, le bâtiment est habité. L'œil est synonyme d'une fenêtre sur soi, mais aussi de l'ouverture sur le monde. Entre vision onirique et instant de réel : l'œil fermé ouvre vers un espace intérieur, un espace onirique, un espace mental, un monde virtuel. Il incite à l'introspection, aux images intérieures, à la mémoire, aux rêves et évoque l'imaginaire invisible. L'œil ouvert regarde l'espace extérieur, représente la communication, l'échange, l'autre, le monde réel - la part visible des choses. Il fonctionne sur le renversement entre le regard et son image, comme un miroir.

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Le centre de la documentation et de l'information (CDI) est un environnement de savoir, de connaissance et d'éducation. En réponse à ce lieu d'apprentissage et d'ouverture sur le monde, orienté par l'architecte vers l'extérieur, nous proposons une extension du regard. Exposée au regard extérieur, renvoyée au regard intérieur, à sa propre intériorité. Durant la journée, la lumière du jour extérieure fait vivre les images vers l'intérieur ; du coucher du soleil jusqu'au début de la nuit, un dispositif de lumière artificielle à l'intérieur illumine les images vers l'extérieur, comme une boîte lumineuse à l'échelle du site. La surface vibre. Le bâtiment ne s'efface pas dans la nuit, mais reste visible, animé.

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VOIR & ÊTRE VU VIRTUEL

La deuxième intervention consiste à créer un lien entre l'espace réel et l'espace virtuel – considérant l'écran de l'ordinateur comme l'interface. « voir & être vu » est ici le regard VIRTUEL. L' « œil photographique » devient « œil vidéo ».

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L'intervention concerne le site Internet du Collège. Le visiteur retrouve les yeux, les images fixes du site réel de l'école, en images animées d'une séquence vidéo. Cette dernière présente l'intervention artistique réelle dans le contexte de l'architecture, et marque la jonction avec la page d'accueil du collège et ses informations pédagogiques. Dans la continuité, l'œil devient « image Identité » du fond écran de tous les ordinateurs de l'école et des portables, pour accueillir les élèves, le corps enseignant et administratif.

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Tour à tour dedans ou dehors, absorbés, immergés ou à distance, notre intention est de créer un environnement à vivre physiquement et mentalement, où la question du visible - invisible / intérieur - extérieur reste une ouverture pour l'imaginaire de chacun...

1970-01-01 01:00:00

Ursula Kraft : www.ursulakraft.com
Elizabeth Creseveur : http://elizabethcreseveursite.tumblr.com

Commande publique 1% artistique Collège François Mitterrand Simiane Collongue.
Conception et réalisation artistique 2012 - 2013 : ELIZABETH CRESEVEUR et URSULA KRAFT. Commanditaire : Conseil Général des Bouches du Rhône, Véronique Schaegis, conduite de projet, Janine Ecochard, vice-présidente déléguée à l'Éducation, Michel Pezet, vice-président délégué à la culture.
Architecte : David Averous.

http://ecukworld.tumblr.com/
http://www.clg-simiane.ac-aix-marseille.fr/

INAUGURATION 14 octobre 2013 à 15h30.
Collège François Mitterrand Route de Gardanne (D8 C) 13109 Simiane Collongue 04.42.54.69.20 Accès : TGV Paris - Marseille. TER Marseille - Simiane.

Emerentia II

Ursula Kraft — 2012-05-23T23:20:00Z

Suite du numéro 9 voici la fin de la série Emerentia II, ainsi que la suite avec des « images » de la vidéo Kitsune que nous publirons dans un prochain numéro.

Emerentia II (2008-2012)

Ainsi Emerentia a des multiples visages et incarne des figures variées. Elle s'habille de beaucoup de vêtements différents : une fois c'est la cape rouge qui la protège comme une deuxième peau (comme chez « peau d'âne »), une fois le kimono rouge qui lui couvre (avec le masque blanc du renard chez « Kitsune », la femme renard asiatique) ou la robe rouge, qui, délicate comme un coquelicot, nous rappelle la vanité, flottant dans l'eau comme une forme sculpturale qui donne l'impression que le corps a déjà disparu. Ici l'iconographie de la jeune femme noyée fait référence à l'Ophelia de Shakespeare dans Hamlet.

Il s'agit de la présence de la mort, le frère du sommeil Compère la mort, la mort apparente, la mort de conte, le pressentiment de mort, des transformations, des métamorphoses, des états entre deux, des transitions, des mondes de rêve, de la pègre et d'intermondes, des mondes fabuleux des êtres de fable, la transformation de l'homme en animal, des chimères et des personnages féminins.

« Unheimlich », ce que l'on pourrait traduire par une « inquiétante étrangeté » est une expression juste pour ce voisinage entre une peur latente, d'une inquiétude, et le mot « Heim » qui veut dire « le chez soi », « à la maison ».

« Kitsune, la femme renarde » Travail vidéographique – réalisé avec la danseuse suisse-japonaise Heidi Durning à Kyoto, la vidéo montre en cadrage fixe dans un « décor paysage », comme pour une pièce de théâtre, sur trois plans - de plus en plus rapprochés vers la caméra - la danse du renard de la femme en kimono rouge et masque blanc.

Kitsune

« Kitsune, la femme renarde », est un être fabuleux asiatique, un des personnages féminins faisant partie de la série “Emerentia II”.

Pour C.G. Jung le conte exprime le processus psychologique de l'inconscient collectif qui relie les différentes cultures. Dans ce sens j'ai mis mes pas dans la continuité des contes européens aux contes asiatiques et j'ai constaté que les soi-disant contes européens, comme par exemple « Cendrillon », existait, avec sa coloration géographique, déjà en Chine au Xe siècle.
Des êtres fabuleux sont des créatures dont l'apparition est formée par la “Phantasie” (imagination) de l'être humain. La transformation homme-animal, le rôle du renard dans les contes japonais, souvent relié à une figure féminine, m'intéressent.

Dans Kitsune la femme-renard devient un être humain, mais elle doit – pour sauver sa famille – accomplir des choses “sur-humaines”. Pour travailler dans les rizières elle doit redevenir renard et puisqu'elle a montré sa vraie nature elle est forcée de quitter ce monde, de laisser homme et enfant derrière elle.

La vidéo Kitsune emploie un autre langage formel qu'Emerentia, en étant image en mouvement et en même temps - avec son cadrage fixe – une sorte de “tableau vivant”.

Le paysage japonais représente comme pour une pièce de théâtre décor et image scénographique . Dans la profondeur sur trois plans c'est seulement la femme-renard qui parcourt l'image avec des mouvements de danse, précis et ralentis. La mimique est réduite par le masque stylisé qui fait penser au théâtre Nô. Au début on voit au loin un petit personnage rouge devant une forêt verte entre les rizières, puis, plus proche on aperçoit clairement le masque blanc, les longs cheveux noir et le kimono rouge, puis dans la dernière apparition très rapprochée elle se tourne hors de l'image. Ce cycle tryptique se répète sans cesse en boucle.

Le mouvement ralenti de la femme-renard et le paysage quasiment “figé”, dans lequel bougent seulement de temps à autre les feuilles des arbres – font référence à une scène onirique, “surnaturelle” et hors du temps.

Voir en ligne : http://ursula.kraft.free.fr

Emerentia

Ursula Kraft — 2012-04-23T11:45:00Z

Emerentia donne image à nos mondes introspectifs tout en étant un reflet intuitif de notre âme.

Emerentia (2008)

Emerentia donne image à nos mondes introspectifs tout en étant un reflet intuitif de notre âme. Selon C.G. Jung, le conte exprime le processus psychologique de l'inconscient collectif. Des personnages mythiques comme le « trickster », qui fait partie de toutes les cultures, représente la partie sombre de « l'enfant intérieur », son double ambivalent.

L'archétype de l'enfant errant, de l'enfant perdu évoque l'envie irrésistible de donner un nom à cette figure. La cape rouge devient surface de projection pour nos souvenirs, peurs et désirs.

Emerentia retrace dans ces paysages intérieurs un chemin initiatique et fait revivre des scènes pour des contes. La nature est ici d'une part paisible et nourrissante, comme chez Rose blanche, Rose rouge, et d'autre part un lieu pour des cauchemars et des dangers, comme chez le Petit chaperon rouge. La Forêt noire symbolise le chaos et des peurs inconscients. Les images, comme les histoires, sont dans leurs symboliques une référence.

Emerentia II (2008-2012)

Emerentia évolue dans différents personnages qui sont déjà présents dans le processus de création. Ces différentes directions restent connectées par leur thématique et les histoires sont tissées comme dans une toile d'araignée.

Ainsi Emerentia a des multiples visages et incarne des figures variées. Elle s'habille de beaucoup de vêtements différents : une fois c'est la cape rouge qui la protège comme une deuxième peau (comme chez « peau d'âne »), une fois le kimono rouge qui lui couvre (avec le masque blanc du renard chez « Kitsune », la femme renard asiatique) ou la robe rouge, qui, délicate comme un coquelicot, nous rappelle la vanité, flottant dans l'eau comme une forme sculpturale qui donne l'impression que le corps a déjà disparu. Ici l'iconographie de la jeune femme noyée fait référence à l'Ophelia de Shakespeare dans Hamlet.

Soulscape 魂の風景 Tamashi no Fuukei

Ursula Kraft — 2012-03-14T17:00:00Z

Fukushima – un des lieux que j'ai traversé pendant mon voyage en 2010 et qui est devenu tristement célèbre depuis. Un an après l'hyper-catastrophe de mars 2011, je voudrais lui dédier ce travail réalisé là-bas avec le souhait de commémorer ces événements dramatiques et d'en faire un signe de solidarité.

Les photos ont été réalisées pendant un séjour au Japon, plusieurs semaines orientées sur une recherche précise, de l'extrême nord jusqu'au sud, un voyage menant vers des lieux cachés, parfois difficiles d'accès.

Le processus de travail sur les photos a fait apparaître 8 œuvres de trois pièces chacune, qui sont suspendues dans l'espace sur des bandes en papier flottant, reprenant la verticalité du kakémono et donnant par l'horizontalité de chaque triptyque une image panoramique. L'arrière plan est comme un bruit de fond, une texture, « un tapis de son » : le langage, c'est-à-dire une phrase qui se répète sans fin en allemand, en anglais, en français et en japonais : « je me souviens de ma mort ». Cette image-texte se dévoile seulement quand on est tout proche.

En même temps - vu la taille de chaque triptyque – il construit une séparation et crée une sorte de labyrinthe dans l'espace qui guide le spectateur vers l'intérieur de l'installation. Dans cet espace « Ma », le visiteur peut s'asseoir sur un bloc posé au cœur de l'installation, qui diffuse une musique « Shô », dans l'intimité de l'image et du son. Le « Shô » est un instrument à vent , un orgue à bouche japonais qui fonctionne avec le souffle.

C'est la rencontre entre deux cultures, de l'Est et de l'Ouest, entre verticalité et horizontalité. C'est un entrejeu des interventions prévues et des situations et des objets retrouvés, qui se dessine comme un fil rouge entres les images.
Le Japon est avec des multiples catastrophes différentes, confronté en permanence à la mort, c'est comme « vivre avec la mort ». On doit à la mort, comme aux morts, du respect, elle a sa place et sa valeur dans la vie de tous les jours, elle est omniprésente.

C'est sur cela que le travail se penche et traite la relation entre le paysage et l'âme, comment des paysages intérieurs peuvent se refléter dans des paysages extérieurs : la transposition des paysages, la transformation des états, donner forme au vide.

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