C’est du jazz latino 07

Nous complétons cet épisode avec cinq pièces interprétées par des musiciens d’autres pays :

Gary Burton (né le 23 janvier 1943) est un vibraphoniste, compositeur et éducateur de jazz américain. Burton a développé une technique pour jouer le vibraphone a quatre baguettes comme alternative à la technique dominante a deux baguettes. Cette approche lui a valu d’être considéré comme un innovateur, et son son et sa technique sont largement imités. Il est également connu pour être un pionnier du jazz fusion et avoir popularisé le format du duo dans le jazz, ainsi que pour être une figure majeure de l’éducation musicale depuis ses 30 ans comme éducateur et directeur au Berklee College of Music.

Le morceau que nous allons écouter n’est pas une pièce isolée dans l’activité de Burton, il a partagé la scène avec le musicien argentin dans plusieurs opportunités, ils sont apparus ensemble au Festival de Montreux de 1986, où Piazzola s’est produit avec son quintette (Astor Piazzolla bandonéon, Fernando Suárez Paz violon, Héctor Console contrebasse, Horacio Malvicino guitare électrique, Pablo Ziegler piano) et Burton était son invité spécial ; Il a publié un album avec Piazzola, The New Tango (Atlantic, 1987), et basé sur le travail de Piazzola, il a participé à deux albums collectifs, Ástor Piazzolla Reunion : A Tango Excursion (Concord Jazz, 1998) et Libertango : The Music of Ástor Piazzolla (Concord Jazz, 2000), dont nous extrayons le morceau que nous écoutons aujourd’hui.

Autrement dit, depuis les rencontres pionnières entre musiciens nord-américains et antillais dans les années 1940, qui ont donné naissance au latin jazz, comme on l’a noté, les collaborations entre musiciens nord-américains et latins se sont multipliées, élargissant à bien des égards la portée du latin jazz. Sans oublier qu’en quelque sorte la ville de la Nouvelle-Orléans, où le jazz est né à la fin du 19e siècle et au début du 20e, était déjà le théâtre de cette rencontre.

L’histoire du jazz latino est précisément l’histoire de ces rencontres, dire jazz cubain, jazz portoricain, jazz brésilien, jazz argentin, jazz vénézuélien, etc., etc., n’est rien d’autre que nommer la rencontre et la continuité des relations entre musiciens et genres musicaux du nord et du sud, initialement unis par l’origine africaine commune, mais plus tard par les origines les plus diverses qui s’expriment sur tout le continent américain, jusqu’à atteindre sa mondialisation actuelle, dans un scénario d’identités en constante évolution.

David Samuels (9 octobre 1948 - 22 avril 2019) était un joueur américain de vibraphone et de marimba qui a passé de nombreuses années avec le groupe de jazz contemporain Spyro Gyra. Ses enregistrements et ses performances live au cours de cette période reflètent également ses prouesses sur le steelpan, un instrument à percussion accordé d’origine trinidadienne.

Il a appris le vibraphone et le marimba alors qu’il était étudiant à l’Université de Boston. Il a poursuivi ses études au Berklee College of Music, également à Boston. Déménage à New York en 1974 et se produisit avec Gerry Mulligan, Carla Bley et Gerry Niewood, avec David Friedman sous le nom de Double Image.

En 1979, il a commencé à enregistrer avec Spyro Gyra, devenant membre du groupe en 1986 et pendant les années 1990. Au cours des années 1980, il a également enregistré avec Paul McCandless, Art Lande, Anthony Davis et Bobby McFerrin. En 1993, il crée le Caribbean Jazz Project (New York City, Latin jazz, world fusion, 1993–2008).

Spyro Gyra, à propos, est un groupe de jazz fusion américain formé à Buffalo, New York, en 1974, un groupe qui, ayant une proportion importante de musiciens d’origine latine, n’a pas encore dérivé vers le latin jazz, la musique du groupe combine jazz, R&B, funk et pop.

David Peter Valentin (29 avril 1952 - 8 mars 2017) était un flûtiste de latin jazz américain. Valentin est né de parents portoricains dans le Bronx à New York. Il a fréquenté la High School of Music & Art. Il a appris les percussions à un âge précoce et, à 10 ans, il jouait professionnellement de la conga et des timbales. À l’âge de 12 ans, il a commencé à pratiquer la flûte afin de faire la connaissance d’une fille de l’école qui jouait de la flûte, Irene Cathcart. Il a emprunté une flûte, acheté un disque de Herbie Mann et a commencé à apprendre tout seul. Des années plus tard, il enregistre un album avec Mann intitulé Two Amigos. Il a suivi les cours d’Hubert Laws.

Dans les années 1970, Valentin a combiné la musique latine avec le jazz dans des groupes avec Bill O’Connell, Lincoln Goines, Richie Morales, Robby Ameen, Sammy Figueroa et Giovanni Hidalgo. Il enregistre son premier album avec Ricardo Marrero en 1977. Valentin a été directeur musical des Golden Latin Jazz All-Stars de Tito Puente et a également tourné avec Conjunto Libre de Manny Oquendo. En 2000, il apparaît dans le documentaire Calle 54.

Pendant sept années consécutives, il a été élu meilleur flûtiste de jazz par les lecteurs du magazine Jazziz. En 1985, Grammy Awards en tant que meilleur instrumentiste R&B ; en 2003, pour Caribbean Jazz Project.

En mars 2012, Valentin a eu un accident vasculaire cérébral, en 2015, il a subi un deuxième accident. Le 8 mars 2017, Valentin décède des suites de ces accidents et de la maladie de Parkinson. Son "amie spéciale" de toujours, Irene, pour qui il a appris à jouer de la flûte, était à ses côtés lors de son décès.

Mary Jane Bunnett (née le 22 octobre 1956) est une musicienne et éducatrice canadienne. Saxophoniste soprano, flûtiste et chef d’orchestre, elle est surtout connue pour son jazz afro-cubain. Elle se rend régulièrement à Cuba pour se produire avec des musiciens cubains. Elle a changé d’instruments, de la poursuite de sa carrière de pianiste classique a 20 ans au jazz et à la flûte et au saxophone soprano.

Bunnett a fondé et dirige un groupe afro-cubain / jazz entièrement féminin, Maqueque. Ses autres membres sont : Dánae Olano (chant, piano), Yissy Garcia (batterie), Magdelys Savigne (chant, batterie batá, congas) ; Elizabeth Rodriguez (chant, violon) et Celia Jiménez (chant, basse). Le groupe a remporté un prix Juno (meilleur album de jazz de groupe de l’année en 2014 pour son premier CD) et remporté deux nominations aux Grammy Awards, tandis que Bunnett elle-même a remporté quatre prix Juno.

Duduka Da Fonseca, né Eduardo Moreira Da Fonseca (Rio de Janeiro, 31 mars 1951) est un batteur de jazz brésilien qui est membre fondateur du Trio da Paz avec Romero Lubambo et Nilson Matta. IL dirige le Duduka da Fonseca Trio, avec David Feldman et Guto Wirtti.

Il a travaillé aux côtés de musiciens nationaux et internationaux tels que Tom Jobim, Joe Henderson, Cláudio Roditi, Naná Vasconcelos, entre autres. Il est l’auteur du livre Brazilian Rhythms for Drumset, Manhattan Music, 2014.

Duduka est également 4 fois nominé aux Grammy Awards : en 2002, par son premier album solo, Samba Jazz Fantasia ; en 2009, en tant que co-leader du Trio brésilien pour leur album Forests. Il est l’un des très rares Brésiliens et le seul batteur brésilien à ce jour à être nominé.

John Santos, né à San Francisco, Californie, le 1er novembre 1955, il a grandi dans les traditions portoricaines et capverdiennes de sa famille, entouré de musique. L’environnement musical fertile de la région de la baie de San Francisco a façonné sa carrière d’une manière unique. Ses études sur la musique afro-latine ont inclus plusieurs voyages à New York, Porto Rico, Cuba, le Brésil et la Colombie. Il est connu pour son utilisation innovante des formes et des instruments traditionnels en combinaison avec la musique contemporaine.

Le Machete Ensemble était un groupe de jazz latino dont l’organisation de 21 ans a pris fin avec son concert du 12 novembre 2006, quand il a fermé le festival de jazz de San Francisco. Son personnel principal était composé de musiciens de la région de la baie de San Francisco John Santos, directeur, congas, percussions, compositeur ; Orestes Vilató, timbales, bongos ; John Calloway, flûte, compositeur / arrangeur ; Wayne Wallace, trombone, compositeur / arrangeur ; Melecio Magdaluyo, saxophone, clarinette, flûte ; Ron Stallings, saxophone, clarinette ; David Belove, basse ; Paul Van Wageningen, batterie ; Murray Low, piano ; Orlando Torriente, chant, percussions.

L’émergence, la continuité et l’expansion du jazz est alors un phénomène social total, global ; l’échange, l’appropriation et la réinvention lui sont inhérents depuis son apparition et, avec une force croissante, sa dynamique, dans laquelle se confondent industrie, commerce, art, communication, réception. Et si cette réinvention conduit parfois à des lisières qui dépassent ce qu’on appelle le jazz, force est de reconnaître que sa réception, par des musiciens et des latitudes de plus en plus éloignées de son origine, instaure une continuité devenue l’un des phénomènes déterminants de la modernité culturelle.

On peut dire, sans crainte d’exagération, que le jazz partage son caractère migratoire avec l’origine et la continuité de l’espèce humaine. L’un et l’autre ont la migration à leur origine, ils sont créés par la migration, ils n’arrêtent pas de migrer et à chaque station ils acquièrent des traits distinctifs sans perdre leur ADN ; l’interprète et l’amateur de jazz, en quelque sorte, migre, même s’il reste au même endroit.

C’est ce que l’on constate dans la réception et la réinvention du jazz par les musiciens latino-américains. Ils étaient déjà présents dans les motifs qui captivaient Louis Moreau Gottschalk (1829 -1869) ; reconnus pour Benjamin Robertson "Ben" Harney (1872 - 1938) compositeur, artiste et pionnier du ragtime ; en tant que migrants, à la Nouvelle-Orléans à la fin du 19e et au début du 20e siècle ; dans la recommandation faite à ses élèves et musiciens par Jelly Roll Morton, l’un des créateurs du jazz, de la fameuse « touche hispanique » ; dans les chansons populaires latino-américaines qui ont commencé à se faire entendre dès le début du 20e siècle aux États-Unis et dans l’inclusion dans les grands orchestres des années 1930 et 1940 de musiciens d’origine latine, comme le cas du tromboniste et compositeur Juan Tizol dans l’orchestre de Duke Ellington, dans les rencontres historiques entre Gillespie et Pozo, Machito et Bauza avec le be-bop, entre Mongo Santamaria et Cal Tjader, etc.

Ces rencontres fondatrices ne s’arrêteront pas, des vagues successives de musiciens de différentes nationalités seront présents sur la scène jazz, Portoricains et Cubains, Brésiliens et Argentins, venus de toute la Caraïbe, d’Amérique du Sud, d’Espagne et du Portugal.

Dès le tout début du XXe siècle, des orchestres de jazz américains visitent l’Argentine et des musiciens argentins captivés par cette musique commencent à la cultiver et voyagent aux États-Unis ou en Europe pour parfaire leur formation, avoir plus de contact avec leurs protagonistes, ainsi que pour s’insérer eux-mêmes et participer au monde du jazz.

Il serait insensé de prétendre être exhaustif dans la liste des musiciens argentins qui ont fait du jazz leur métier, ou de la fusion du jazz et du tango, du jazz et du classique, du jazz et du rock, du jazz et de la fusion avec la musique folklorique argentine.

Nous nommons pour l’instant certains des plus reconnus et dans les programmes futurs, nous continuerons à les appeler. Oscar Alemán, Lalo Schiffrin, Astor Piazzola, Gato Barbieri, Jorge Dalto, Pablo Ziegler, Diego Urcola, Carlos Franzetti, Cecilia Monte, Patricio Villarejo, Gustavo Bergalli, etc.

Dans les villes caribéennes et sud-américaines, lorsque la vie démocratique l’a permis, les musiciens ont pu nouer des relations d’échange marquées par des influences mutuelles avec leurs pairs des latitudes les plus diverses. Cela a également été la relation entre les jazzmen nord-américains et argentins, ils se sont impliqués dans les différents courants qui ont marqué l’évolution du jazz du début du 20e siècle à nos jours, de plus en plus avec une conscience plus claire de l’apport local, mais aussi avec la reconnaissance du travail des pionniers, qui ont su assumer et cultiver la musique « noire » en pays « blanc » (nous laissons à chaque lecteur le plaisir de nuancer ces guillemets en fonction de son approche du sujet).

Cette prise de conscience de l’apport local dans les diverses fusions entre les genres musicaux nationaux des pays ibéro-américains et caribéens et le jazz a été parallèle au processus de décolonisation dans son sens le plus large. On pourrait oser faire une comparaison avec le texte décisif de Frantz Fanon de 1952, Peau noir, masques blancs, et constater qu’aujourd’hui et avec toujours plus de violence, les identités ethniques sont revendiquées, même si cette violence ne signifie pas toujours efficacité dans la réalisation de leurs revendications. En tout cas, le phénomène du jazz a contribué à ce processus de décolonisation, de reconnaissance, de dépassement de la minorité des cultures non occidentales, processus que nous ne considérons nullement comme terminé, si un jour nous pourrons établir un rapport les uns aux autres sans préjugés, sans ce malentendu fondamental.

Les musiciens de jazz argentins, si nous nous encadrons dans ce processus, auraient été pendant des décennies des musiciens à la peau blanche, qui ont adopté des masques noirs et qui, maintenant, enfin, assumeraient à la fois leur blancheur et la noirceur de la musique qu’ils interprètent, ou ils reconnaissent qu’ils sont métis et que les racines noires sont présentes dans leur métissage et donc le jazz ne serait pas pour eux une altérité aussi radicale qu’ils le pensaient, ou ils ont simplement réussi, comme il se doit, à relativiser leurs sujétions identitaires.

Le latin jazz est un milieu privilégié pour nous confronter très concrètement à ces enjeux du colonialisme, du métissage, de l’hybridation, du multi-culturalisme, du globalisme, de l’occidentalisation, du déclin de l’Occident, etc. Dans chacun des épisodes de cette émission on a à peine le temps de pointer du doigt la partie visible de l’iceberg. Pour tout cela, il faut passer en revue la production jazz des pays antillais et latino-américains, avec cela on approcherait une généalogie de nos sensibilités.

Les musiciens Argentins dont nous procédons à l’honneur à cette occasion sont :

Boris Claudio "Lalo" Schifrin (né le 21 juin 1932) est un pianiste, compositeur, arrangeur et chef d’orchestre argentin-américain. Il est surtout connu pour son vaste corpus de musiques de films et de télévision depuis les années 1950, incorporant des éléments musicaux de jazz et d’Amérique latine aux côtés d’orchestrations traditionnelles. Il est cinq fois lauréat d’un Grammy Award et a été nominé pour six Oscars et quatre Emmy Awards.
Les compositions les plus connues de Schifrin incluent le thème de la série Mission Impossible, et les partitions de Cool Hand Luke (1967), Bullitt (1968), THX 1138 (1971), Enter the Dragon (1973), The Four Musketeers (1974), Voyage of the Damned (1976), The Amityville Horror (1979) et la trilogie Rush Hour (1998-2007). Schifrin est également connu pour ses collaborations avec Clint Eastwood de la fin des années 1960 aux années 1980, en particulier la série de films Dirty Harry.

En 2019, il a reçu un Oscar honorifique « en reconnaissance de son style musical unique, de son intégrité de composition et de ses contributions influentes à l’art de la musique de film ».

Astor Pantaléon Piazzolla (Mar del Plata, 11 mars 1921 - Buenos Aires, 4 juillet 1992) était un bandonéoniste et compositeur argentin considéré comme l’un des musiciens les plus importants du XXe siècle et l’un des compositeurs de tango les plus importants de tout le monde. Ses œuvres ont révolutionné le tango traditionnel dans un nouveau style appelé nouveau tango ou tango d’avant-garde, incorporant des éléments de jazz et de musique classique. Joueur de bandonéon virtuose, il interprétait ses propres compositions avec une variété d’ensembles.

Jorge Dalto (7 juillet 1948, Roque Pérez, Argentine - 27 octobre 1987, New York) était un pianiste de musique pop, jazz et afro-cubain, et l’ancien directeur musical et claviériste (avec Ronnie Foster) pour George Benson, contribuant à l’intro pour piano acoustique et solo à la version à succès de Benson, lauréate d’un Grammy en 1976, This Masquerade de Leon Russell. Il a également joué avec Tito Puente, Grover Washington, Spyro Gyra, Fuse One, Gato Barbieri, Willie Colon et d’autres. Il est décédé d’un cancer à l’âge de 39 ans.

Pablo Ziegler (Buenos Aires, 2 septembre 1944) est un musicien, pianiste et compositeur argentin. Il était pianiste dans le dernier quintette Astor Piazzolla. Reconnu dans le monde entier non seulement pour sa carrière de pianiste, de soliste ou avec Astor Piazzolla, mais aussi pour la carrière prolifique qui a continué sa période avec la star du bandonéon. En 1985, Ziegler compose la musique du film Adiós Roberto et en 1990, il fonde le quatuor Nuevo Tango. Son album, Bajo Cero, a remporté un Grammy Award en 2005, ainsi que son album "Jazz Tango", en 2017.