dimanche 31 juillet 2022

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C’est du jazz latino 06

… un espace pour l’écoute, la danse et le plaisir

, Pedro Alzuru

Dans le programme d’aujourd’hui, nous voulons rendre un petit hommage au jazz vénézuélien, en écoutant certains de ses interprètes, ainsi que des auteurs internationaux. Plus tard, nous réaliserons une série de programmes dédiés au jazz dans différents pays d’Amérique latine.

Dans cet épisode, pour la première fois dans notre émission, nous établissons explicitement la relation entre le latin jazz et un pays en particulier. Nous avons dit que les plus grands producteurs de ce genre musical sont américains, cubains et portoricains (parmi ceux-ci, il faut souligner la particularité des nuyoricans, enfants de portoricains nés ou élevés aux États-Unis). Nous avons l’intention de réaliser, en plus des programmes généraux que nous réalisons, des programmes dédiés exclusivement aux musiciens d’un seul pays, en passant par les pays indiqués et d’autres qui ont une production considérable. Nous allons nous approcher à cet objectif en faisant un programme en partie dédié au Venezuela, ce n’est pas l’un des plus productifs, mais il a ses particularités.

Nous sommes d’accord avec une bonne partie des commentateurs que l’on peut parler de jazz latino avec pertinence dès les années 1940, du fait de rencontres entre musiciens et genres, latin et jazz, qui se déroulaient simultanément dans plusieurs lieux, notamment dans les villes de New York et La Havane. Cela n’exclut pas les événements précédents, annonceurs, mais pas concluants dans la fusion du nouveau genre.

On peut citer, sans intention d’être exhaustif, tout d’abord la vie, ainsi que l’œuvre de Louis Moreau Gottschalk (1829 -1869), compositeur et pianiste américain, interprète virtuose de ses propres œuvres romantiques pour piano. Gottschalk est né à la Nouvelle-Orléans d’un marchand et homme d’affaires londonien (Edward Gottschalk) et d’une mère créole de Louisiane (Aimée Marie Bruslé). Gottschalk, de formation académique, classique et occidentale, a voyagé et vécu dans plusieurs pays d’Amérique latine, travaillant dans un certain sens en tant qu’ethnomusicologue, connaissant et compilant la musique populaire de ces pays pour intégrer leurs motifs dans ses compositions et performances.

Benjamin Robertson "Ben" Harney (1872 - 1938) était un compositeur, artiste et pionnier américain de la musique ragtime. Dans son texte de 1897, Rag Time Instructor, il pointe la parenté de ce genre avec la musique d’origine hispanique, du Mexique, la Habanera, le Seguidillo, etc.

Quand on parle des origines du jazz et nettement du jazz latino, il faut ajouter une figure bien particulière qui vient nous montrer la richesse et la complexité de cette histoire. Le pianiste Lionel Belasco (1881 - 1967), par sa formation et son approche du Jazz, est à l’origine des premières tentatives de jazz, avec son Quatuor Typique Vénézuélien composé d’une clarinette, d’une contrebasse, d’un cuatro et d’un piano.

Lionel Belasco, était un éminent pianiste, compositeur et chef d’orchestre vénézuélien, surtout connu pour ses enregistrements calypso. Selon diverses sources, Belasco est né à Maracaibo (Venezuela), fils d’une mère afro-caribéenne et d’un père juif séfarade. Il a passé sa petite enfance à Port of Spain, Trinité-et-Tobago, et a grandi à Trinité. Il a beaucoup voyagé dans les Caraïbes et en Amérique du Sud dans sa jeunesse, absorbant une grande variété d’influences musicales. Il dirigeait son propre groupe en 1902 et fit ses premiers enregistrements phonographiques à Trinidad en 1914.

Belasco a été le premier musicien à populariser la musique antillaise auprès d’un public important en dehors des Caraïbes anglophones, entre 1914 et 1945, il a fait au moins 278 enregistrements sous son propre nom, plus que n’importe quel autre chef d’orchestre antillais. Il était l’un des artistes responsables de l’hybride de styles - tirés de sources disparates, notamment la musique classique européenne, les valses, le jazz, la pop et la musique folklorique africaine et caribéenne - qui est devenu connu sous le nom de calypso (d’après la biographie qu’en fait Richie Unterberger).

Dès le début du XXe siècle, et à partir de l’annexion par les États-Unis des îles caribéennes de Cuba et de Porto Rico, jusque-là sous la couronne espagnole, un échange se développe dans les deux sens, de population, de marchandises et donc de cultures qui impliquait la vulgarisation dans le marché musical naissant des pièces musicales, du Nord au Sud et vice versa. En 1930, ce qui est reconnu comme le premier grand succès, El manisero (Peanuts vendor, Vendor de cacahuètes) avec l’orchestre Don Azpiazu et interprété par Antonio Machín, cette chanson dans les années suivantes a eu des versions par des artistes de jazz, dont Louis Armstrong ; dans la même décennie, la reconnaissance et la recommandation faites par Jelly Roll Morton, l’un des créateurs du jazz, de la fameuse « touche hispanique » ; l’inclusion dans les grands orchestres de l’époque de musiciens d’origine latine, comme le cas du tromboniste et compositeur Juan Tizol dans l’orchestre de Duke Ellington. Et nous avons atteint les années 40, comme on l’a souligné, la décennie fondatrice.

Parmi les musiciens internationaux du latin jazz, nous allons inclure dans cet épisode trois personnalités, trois parcours et des styles particuliers : Poncho Sanchez, Al McKibbon et Bobby Sanabria :

Poncho Sánchez (né Filoberto Sanchez, 1951, Texas) est un conguero américain, leader d’un groupe de jazz latino et chanteur de salsa. En 2000, lui et son ensemble remportent le Grammy Award du meilleur album de jazz latino pour leur travail sur l’album Latin Soul. Sanchez s’est produit avec des artistes tels que Cal Tjader, Mongo Santamaría, Hugh Masekela, Claire Fischer et Tower of Power.

Sánchez dirige aujourd’hui l’un des ensembles les plus reconnus du jazz latino, avec une importante production d’enregistrement et de scène qui le qualifie héritier de la tradition des grands congueros, toujours attentif à satisfaire le mélomane et le danseur.

Al McKibbon (1919 - 2005) était un contrebassiste de jazz américain, connu pour son travail dans le bop, le hard bop et le jazz latino. En 1947, après avoir travaillé avec Lucky Millinder, Tab Smith, JC Heard et Coleman Hawkins, il remplace Ray Brown dans le groupe de Dizzy Gillespie, dans lequel il joue jusqu’en 1950. Dans les années 1950, il enregistre avec le Miles Davis, Earl Hines, Count Basie, Johnny Hodges, Thelonious Monk, Mongo Santamaria, George Shearing, Cal Tjader, Herbie Nichols et Hawkins. McKibbon a été crédité d’avoir intéressé Tjader dans la musique latine.

Al McKibbon est le type de jazzmen nord-américain qui réussit à évoluer habilement dans le jazz et le latin jazz.

Dans le morceau de Al McKibbon nous avons comme personnel : Al McKibbon basse, leader, arrangements ; Ramon Banda timbales ; Jose "Papo" Rodrigues congas, bongos ; Phil Wright piano ; Justo Almario sax soprano ; Charles Owen saxophones, flûte.

Bobby Sanabria (1957) est un batteur, percussionniste, compositeur, arrangeur, producteur, éducateur, animateur radio d’origine portoricaine et spécialisé dans le jazz et le jazz latino. Nominé aux 8 Grammy Awards en tant que leader, il est le directeur musical de Quarteto Aché, Sexteto Ibiano, Ascensión et son Multiverse Big Band. Il est membre de la New School for Jazz and Contemporary Music, NYU, et pendant 20 ans, il a fait partie de la Manhattan School of Music de New York. Sept albums de Sanabria ont été nominés pour un Grammy Award.

Figure exceptionnelle au sein de la scène bondée du latin jazz new-yorkais, personnalité reconnue de la communauté Nuyoricans, présente lors des événements les plus représentatifs du genre.


Selon les critiques et historiens du genre (Delannoy, Leymarie, par exemple), les années 1940 sont décisives dans l’histoire du jazz latin, cependant, la période comprise entre la fin du XIXe siècle, c’est-à-dire les origines mêmes du jazz et la décennie des années 40, les origines du latin jazz, les rencontres, les échanges, les influences, les pionniers, etc., sont bien plus intenses qu’on ne le pense. C’est le cas du pianiste vénézuélien Lionel Belasco que nous évoquions plus haut.

Il faut remonter un instant donc à la décennie fondatrice des années 1940. Pendant cette décennie, dans le cadre de la politique américaine, le jazz devenait populaire dans le monde entier, avec des différences selon les années et les pays, bien sûr. Le Venezuela ne fait pas exception à la règle. Les premières chaines radios avaient été fondées, des orchestres nord-américains arrivaient en tournée, certains musiciens vénézuéliens commençaient à faire une partie de leur formation aux États-Unis et par conséquent influençaient leur musique.

En essayant de contribuer à la diffusion du latin jazz made in Venezuela et par des musiciens vénézuéliens, nous choisissons aujourd’hui cinq (plus un, Simon Diaz) de ses représentants, chacun avec un style et un itinéraire particulier. Trois d’entre eux sont décédés (Frank Hernandez, Alberto Naranjo et Simon Diaz) et trois sont en pleine production, un parmi les fondateurs (Weil), un déjà avec une carrière prestigieuse parmi les confrères et mélomanes (Alfredo Naranjo) et un en pleine ascension dans la Big Apple (Vielma).

Au début des années 1940, à Caracas, comme à New York et à La Havane, comme dans beaucoup de grandes villes d’Amérique latine, l’influence parallèle du jazz et de la musique antillaise, qui donnera un peu plus tard naissance au latin jazz, commencent à se faire sentir dans la culture populaire et dans la culture de masse naissante.

A Caracas, ville qui s’est développée vertigineusement grâce aux dollars provenant de l’exploitation pétrolière et de l’abandon des campagnes qui en a résulté, ces influences musicales seront en concurrence avec les rythmes indigènes, déjà marqués par l’ascendance européenne et africaine, en particulier le merengue de Caracas et le merengue dominicain.

Deux musiciens et leurs big bands, à la manière des groupes américains, marqueront le temps.

En 1937, le musicien dominicain Billo Frómeta, Luis María Frómeta Pereira, (Saint-Domingue, République dominicaine, 15 novembre 1915 - Caracas, Venezuela, 5 mai 1988), arrive à Caracas avec son orchestre Santo Domingo Jazz Band, il était un musicien, compositeur et chef d’orchestre dominicain et vénézuélien.

Il avait formé son orchestre environ deux ans avant son arrivée au Venezuela (d’elle faisaient partie le pianiste Francisco Damirón, le chanteur José Ernesto Chapuseaux et le violoniste vénézuélien Freddy Coronado) fuyant la dictature de Trujillo. A cette époque, personne ne pouvait quitter Saint-Domingue, le dictateur les laissa entreprendre le voyage à condition qu’ils appellent l’orchestre Ciudad Trujillo Jazz Band, puisqu’il avait donné son nom à la capitale, et qu’ils aillent représenter le pays, les musiciens acceptent et partent. Au Venezuela une surprise les attendait, les hommes d’affaires qui avaient embauché l’orchestre avaient aussi leur proposition de nommer l’orchestre Billo and His Happy Boys, Billo accepte et cela lui a valu d’avoir été déclaré persona non grata par le dictateur et l’interdiction de retourner au pays. Le 31 décembre 1937, ils inaugurent la salle Roof Garden, sur la terrasse de l’hôtel Madrid, en face de la Plaza Bolívar à Caracas. Puis, dans la même salle, le 31 août 1940, les Billo’s Caracas Boys sont créés, ce qui sera son nom définitif.

Luis Alfonzo Larrain (La Victoria, État d’Aragua, Venezuela, 22 juillet 1911 - Caracas, Venezuela, 4 juillet 1996), musicien, compositeur et chef d’orchestre vénézuélien. Il fonde son Orchestre Luis Alfonso Larrain en 1939. Depuis lors, ces orchestres se disputeront la préférence des habitants de Caracas puis de tout le pays avec leurs tournées dans les principales villes. Billo’s était un orchestre qui jouait du jazz, des sons cubains et des airs espagnols mélangés avec du merengue dominicain, avec des influences claires de l’orchestre du Casino de la Playa ; celle de Larrain mélangeait le merengue de Caracas avec l’influence swing de l’orchestre de Glenn Miller. Ces deux musiciens, malgré leur rivalité musicale, étaient de véritables amis et leurs orchestres avaient tous les ingrédients pour préparer le cocktail latin jazz.

Ils animeront la décennie des années 40, années de changements politiques et sociaux au Venezuela, marqués par l’amélioration de la qualité de vie, la présence croissante et influente de la radio, les maisons de disques qui ont publié les succès des orchestres respectifs, le label rouge de Billo, le label blanc de Larrain. En 1948, l’orchestre Larrain sera invité à animer la célébration de l’accession à la présidence de Rómulo Gallegos, l’écrivain président, un essai démocratique qui ne durera que 9 mois. Dans les années cinquante, Aldemaro Romero remplacera Larrain à la direction de l’orchestre, celui de Billo sera pendant plusieurs décennies « le plus populaire du Venezuela ».

Dans les années 1950, avec le musicien Aldemaro Romero, des tentatives de fusion jazz-musique vénézuélienne commencent, il s’installe un temps aux États-Unis dans le but de poursuivre sa carrière d’interprète et d’arrangeur, il forme un quintette de jazz latino et enregistre son album, Dinner in Caracas (1951), en 1954, déjà au Venezuela, il monte un orchestre influencé par les orchestres de Stan Kenton et Machito.

Parmi les musiciens de jazz vénézuéliens que nous incluons dans le programme d’aujourd’hui, nous commençons par quelqu’un qui faisait partie du groupe de Romero :

Frank Hernández, Francisco Antonio Hernández Valarino (Villa de Cura, 1934 – 2009, Caracas). À l’âge de 12 ans, il se rend à Caracas, où il commence à étudier la batterie sous la direction de Germán Suárez, débutant comme batteur professionnel dans l’orchestre de Manuel Ramos. En 1953, il fait partie de l’Orchestre d’Aldemaro Romero. L’année suivante, il se rend en République Dominicaine où il poursuit ses études et retourne au Venezuela pour se produire avec l’Orchestre de Willy Pérez, puis avec Chucho Sanoja. Jusqu’en 1958, il a travaillé avec les orchestres Habana Cuban Boys, Pedro José Belisario et Luis Alfonso Larraín. Il a participé à des concerts de jazz avec des artistes tels que Barney Keesel et John la Porta. Vers la même date, il s’installe aux États-Unis pour développer sa technique de batterie avec le maestro Henry Adler. À New York, il s’est produit aux côtés de Randy Carlos, Tito Puente, José Fajardo et Pérez Prado et fait partie du groupe de solistes de Mongo Santamaría, en alternance avec des figures du jazz telles que Machito, Dizzy Guillespie, Chick Corea, Hubert Law, Jimmy Smith, Art Blake.

Jorge Alberto Naranjo (Caracas, 1941 - 2020) était un musicien et compositeur vénézuélien. Il est reconnu comme un représentant important de la musique populaire contemporaine du Venezuela.

Sa mère était la chanteuse Graciela Naranjo, pionnière de la radio, du cinéma et de la télévision dans le pays, et son père, Magín Pastor Suárez, a été la première voix à identifier la Télévision nationale. Autodidacte, la carrière de Naranjo a fait de lui, comme sa mère, une icône de la musique populaire vénézuélienne.

Dans ses premières années, Naranjo a été influencé par divers genres musicaux tels que le jazz et la musique classique, de Louis Armstrong à Duke Ellington ; de Bud Powell à Thad Jones et Mel Lewis ; de Bela Bartók à Claude Debussy, et surtout pour la musique créée par Tito Puente.

Naranjo a commencé professionnellement comme batteur en 1959, à l’âge de 18 ans. En tant que sideman, il s’est adapté à de nombreux genres différents, notamment la bossa nova, le jazz, le latin, la pop et le rock.

Depuis 1970, il est devenu membre de l’Orchestre de Radio Caracas Televisión et a soutenu d’importants artistes en tournée au Venezuela, notamment Charles Aznavour, Vikki Carr, Eddie Fisher, Engelbert Humperdinck, Julio Iglesias, Tom Jones, Miriam Makeba, Los Brothers Nicolas, Eliana Pittman, The Platters, Tito Rodríguez, Ornella Vanoni et Pedro Vargas.

En 1977, Naranjo fonde El Trabuco Venezolano, un orchestre dans lequel il connaît rapidement le succès en tant qu’arrangeur et chef d’orchestre. El Trabuco Venezolano a réalisé cinq enregistrements en studio et enregistré deux albums live avec le groupe cubain Irakere. Naranjo a arrangé pour les groupes Conexión Latina, Guaco et Mango ; artistes émergents tels que Ilan Chester, Simón Díaz, Oscar D’León, Ricardo Montaner, María Rivas, Aldemaro Romero et Adalberto Santiago, entre autres, et a également joué avec des personnalités du jazz telles que Jeff Berlin, Dusko Goykovich, Danilo Pérez, Arturo Sandoval, Bobby Shew et Dave Valentin. Il a alterné avec des musiciens tels que Barbarito Diez, Estrellas de Areito, Larry Harlow, Eddie Palmieri, Son 14 et Chucho Valdés.

Depuis les années 1990, Naranjo a participé activement à divers efforts de sensibilisation artistique et musicale au Venezuela, non seulement en tant que participant, mais aussi en tant qu’historien, éducateur et chroniqueur urbain pour la radio, les livres et les journaux.

Simón Narciso Díaz Márquez (Barbacoas, 1928 - Caracas, 2014), mieux connu sous le nom de Simón Díaz, était un chanteur, musicien, compositeur, poète, humoriste, dessinateur et homme d’affaires, l’un des plus grands représentants musicaux que le Venezuela ait eus.

Il était l’un des huit enfants du mariage de Juan Díaz et María Márquez de Díaz ; l’un de ses frères était l’acteur et comédien également décédé Joselo Díaz. Sa formation musicale est née à la maison, où son père lui a appris les bases. Juan Díaz a joué du cornet dans l’orchestre de la ville et l’a encouragé à apprendre à jouer du cuatro vénézuélien et à composer et chanter des boléros.

De l’expérience de l’Orchestre Siboney, Simón Díaz commence à faire son chemin, en tant que chanteur. C’est ainsi qu’un jour il décida d’aller à Caracas pour tenter sa chance et chercher de meilleurs modes de vie pour lui et sa famille. Le 19 mars 1949, il se rend à Caracas, reçois des cours de piano avec le compositeur, pianiste et professeur Teófilo León ; plus tard, il s’inscrit à l’École supérieure de musique après avoir réussi l’examen donné par le musicien, professeur et chef d’orchestre Vicente Emilio Sojo. Il était un camarade de classe du fondateur du Système vénézuélien d’orchestre des jeunes, José Antonio Abreu. Là, il a étudié pendant six ans. Au milieu des années 1950, Simón Díaz était déjà connu dans tout le pays pour son émission de radio El llanero, dans laquelle il mêlait comédie et chansons. En 1961, Díaz épouse Betty García Urbano avec qui ils procréent leurs enfants Bettsymar, Simón et Juan Bautista Díaz García. Cette union dura jusqu’à la mort de l’artiste.

En 1963, Simón Díaz rencontre le musicien, compositeur et producteur de musique Hugo Blanco, c’est Blanco qui lui donne l’opportunité d’enregistrer sur l’album Parranda Criolla. L’année suivante, son premier album solo est mis en vente, intitulé Ya Llegó Simón. En 1966, l’album Caracha Negro est publié. De la collaboration entre Díaz et Blanco, 16 albums complets ont émergé, comprenant des enregistrements au rythme de la salsa et de la cornemuse humoristique.

Sa carrière télévisuelle a commencé en 1963 avec le programme La Quinta de Simón et s’est poursuivie avec des espaces tels que Reina por un Día, Criollo y Sabroso, Mi llanero favorito, Venezolanamente, Simón cuenta y canta, Yo pido la palabra, El Show de Joselo y Simón et Contesta por Tio Simon. En 1978, il fonde Las Artes y Los Oficios. Sa carrière à la télévision a duré jusqu’aux années 1990.

En 1963, Simón Díaz fait sa première apparition au cinéma dans le film Cuentos para mayores, réalisé par Román Chalbaud, qui sera suivi par : Isla de sal (1964), El reportero (1968), La bomba (1975), Fiebre (1976), La invasión (1978) et Le empresa perdona un momento de locura (1978). La radio a également servi à renforcer la popularité de l’interprète : Media Hora con Joselo y Simón ; Rumbos, Coplas y Canciones, depuis de nombreuses années, avec une grande audience.

Au milieu des années 1950, Simón Díaz a appris le danger que le genre tonada llanera courait à disparaître en raison de la mécanisation de la traite. Pour cette raison, Díaz était chargé de compiler et de composer des airs, en les incorporant à son répertoire, ce que faisaient également d’autres représentants de la musique des plaines vénézuéliennes. Sur son premier album, Ya Llegó Simón, il enregistre la Tonada del Cabestrero, la première d’une longue liste, qui servira à populariser cette chanson typique du trayeur dans les champs. L’un de ses plus connus est la Tonada de Luna Llena, adaptée et incluse dans la bande originale de La flor de mi secreto, réalisé par le cinéaste espagnol Pedro Almodóvar en 1995.
En 2000, il a été nominé pour le Grammy Award du meilleur album latin traditionnel. En 2008, il a remporté le Latin Grammy for Lifetime Achievement, son apparition pour recueillir le prix a été l’une de ses dernières présentations publiques, depuis qu’il a reçu un diagnostic de maladie d’Alzheimer, qui a mis fin à ses activités commerciales et artistiques. En 2012, il reçoit le Prix National de la Culture, Mention Musique. Il est décédé à Caracas le 19 février 2014 à l’âge de 85 ans, après la détérioration progressive de sa santé.

Gerhard Weilheim, mieux connu sous le nom de Gerry Weil (Vienne, 1939), est un musicien austro-vénézuélien. Il mène actuellement une carrière reconnue en tant que pianiste, compositeur, arrangeur et pédagogue. Son travail musical est considéré comme l’un des plus précieux du genre jazz au Venezuela, devenant catalogué comme Le « maître du jazz vénézuélien ».

Son premier contact avec la musique (surtout avec le jazz), a commencé lorsqu’il avait 6 ou 7 ans, après la victoire des alliés en Europe, durant les derniers jours de la Seconde Guerre mondiale. Le jazz apporté par les troupes d’occupation américaines capta son attention, se sentant fasciné par la musique de Glenn Miller et le swing.

L’éducation musicale du Maestro Weil a commencé après son immigration au Venezuela en 1957. À l’âge de 17 ans, il a commencé à recevoir des cours de musiciens tels que Tito Fuentes, Eduardo Cabrera et Rubén Jacpo. Une grande partie de sa formation musicale à cette époque était autodidacte. En 1970, il fonde La Banda de Gerry Weil, dont est issu le LP The Message, et en 1972 La Banda Municipal, pionnière dans le mélange de musique vénézuélienne typique avec des rythmes contemporains.

Il vit au Venezuela, une terre qu’il considère comme sa deuxième patrie, où il est une icône fondamentale de l’identité nationale et de la culture de ce pays. En 2008, il a reçu le Prix national de musique et en 2009 l’Ordre du mérite de la République d’Autriche.

Alfredo Naranjo est né à Caracas, Venezuela, Instrument vibraphone, genres Jazz, Latin Jazz. Figure incontestable de la salsa et du latin jazz, ce célèbre musicien, compositeur et arrangeur vénézuélien a été l’emblème de la Caracas nocturne ces dernières années, grâce aux nuits mémorables de la musique avec Guajeo, son groupe qui a partagé avec les mélomanes et danseurs du pays.
Alfredo Naranjo a commencé sa formation musicale dès son plus jeune âge au Conservatoire de musique de l’Orchestre national des jeunes et plus tard à l’Orchestre Gran Mariscal de Ayacucho. Dans les années 90, il s’est rendu à New York pour étudier grâce à une bourse à l’Université de Long Island. Là, il a commencé à jouer avec des musiciens de la scène new-yorkaise tels que Pete Yellin, Daniel Ponce et le vénézuélien américain Rolando Briceño.

La pièce de Vielma a été inspiré par la spectaculaire baie de Patanemo. A Modo Patanemeño est basé sur les traditions du tambour qui se trouvent sur la côte centrale du Venezuela, où habite un nombre important de communautés d’origine africaine.

Fran Vielma, né dans les Andes vénézuéliennes, est un multi percussionniste, compositeur et éducateur acclamé par la critique et primé. Sa connaissance approfondie des rythmes des Caraïbes, du Venezuela, de l’Amérique du Sud et d’ailleurs est intégrée à son attirance pour la musique de concert et la liberté du jazz.

Son premier album Inesperado faisait partie d’un catalogue avec des productions d’artistes internationaux tels que Horacio "El Negro" Hernandez, Jose Luis Quintana "Changuito" et le trio de Negroni entre autres.

Le récent album de Fran Vielma, Tendencias, avec son Collectif de jazz vénézuélien, inclus dans les meilleures sorties de 2018 par DownBeat, Latin Jazz Network et NYC Jazz Records, présente des personnalités du jazz exceptionnelles comme Luis Perdomo, Michael Rodriguez et Miguel Zenón.

Phillip Freeman du Downbeat Magazine déclare : "L’ensemble n’est pas tout à fait hard-bop et pas tout à fait salsa - ils sont quelque chose de plus complexe et sans précédent, et prennent parfois des virages serrés."

Fran Vielma, est diplômé de la Berklee School of Music et du New England Conservatory et s’est produit dans toute l’Amérique, du Sud, Centrale et du Nord, notamment au Kennedy Center et au Panama Jazz Festival. Avec ses œuvres originales écrites et arrangées, Fran Vielma, explore la fusion du jazz et des divers genres du Venezuela.

C’est du jazz latino Jazz Latino 06
… un espace pour l’écoute, la danse et le plaisir
1 Tumbao (Cal Tjader), Frank Hernández y su Orquesta, album Latinos de etiqueta, 1992.
2 Qué vale más, Simon Díaz, Alberto Naranjo, El Trabuco Venezolano, album Imagen Latina, 1992.
3 Ican, Poncho Sanchez, album Latin Soul, 1999.
4 Tumbao, Al MacKibbon, album Tumbao For The Drummers, 1999.
5 Angel Eyes, Bobby Sanabria, album Afro-Cuban Dream. Live & In Clave, 2000.
6 Caballito Frenao, Gerry Weil Trio, album Profundo, 2002.
7 Suite No 1, Alfredo Naranjo, album Be Jazz Sessions, 2018.
8 A Modo Patanemeño, Fran Vielma, Venezuelan Jazz Collective, álbum Tendencias, 2018.