C’est du jazz Latino 08

Mark Jay Levine a dans son expérience d’avoir joué avec Santamarĺa, Willie Bobo et Cal Tjader, ceux-ci, clairement identifiés à la cause du latin jazz, Levine lui-même a formé un groupe en 1997 appelé Que Calor, sa vie et son activité artistique s’identifient largement à la Californie.

Levine (1938 - 2022) était un pianiste de jazz américain, tromboniste, compositeur, auteur et éducateur né à Concord, New Hampshire, le 4 octobre 1938. Il a commencé à jouer du piano à l’âge de cinq ans et le trombone au début de son adolescence. Il a fréquenté l’Université de Boston et a obtenu un diplôme en musique en 1960. Il a également étudié en privé avec Jaki Byard, Hall Overton et Herb Pomeroy.

Après avoir obtenu son diplôme, Levine a déménagé à New York, où il a travaillé en indépendant puis a joué avec des musiciens tels que Houston Person (1966), Mongo Santamaría (1969–70) et Willie Bobo (1971–74). Il a ensuite déménagé à San Francisco et y a joué avec Woody Shaw en 1975-1976. Levine a fait son premier enregistrement en tant que leader en 1976. Il a également joué avec le Blue Mitchell / Harold Land Quintet (1975–79), Joe Henderson, Stan Getz, Bobby Hutcherson, Luis Gasca et Cal Tjader (1979–83). De 1980 à 1983, il se concentre sur le trombone à pistons, mais revient ensuite à jouer principalement du piano. Il a ensuite dirigé ses propres groupes et enregistré en tant que leader en 1983 et 1985. À partir de 1992, Levine faisait partie du big band de Henderson. Levine crée un nouveau trio en 1996 et l’enregistre pour son propre label éponyme. Son groupe de jazz latino, Que Calor, a été formé en 1997.

Levine a commencé à enseigner en 1970 : en plus des cours privés, il a travaillé au Diablo Valley College (1979-1995), Mills College (1985-1995), Antioch University de San Francisco (1986-1987), au San Francisco Conservatory of Music (1992–97), Sonoma State University (1989-1990) et la Jazz School de Berkeley (à partir de 1997). Levine a également écrit deux livres de méthode : The Jazz Piano Book (1990) et The Jazz Theory Book (vers 1995). Il a été nominé pour un Grammy Award du meilleur album de jazz latino en 2003 pour son enregistrement Isla. Levine est décédé d’une pneumonie le 27 janvier 2022, à l’âge de 83 ans.

Charles Edward Haden se démarque dans une multiplicité de styles et représente une vie et un travail enrichissants : en 2012, il a reçu le NEA Jazz Masters Award, en 2013 le Grammy Lifetime Achievement Award, en 2014 il a été décoré Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres par le ministère français de la Culture, une cérémonie posthume en son honneur a eu lieu au Service culturel français en janvier 2015, à New York, où sa femme Ruth a reçu la médaille ; il a été particulièrement reconnu dans le latin jazz, en 2002 et 2005 avec deux Grammy Awards du meilleur album de latin jazz, avec respectivement Nocturne et Land of the sun. Cela est dû, selon nous, à sa contribution fondamentale au jazz, en ce qui concerne l’harmonie et la mélodie, ce qui est essentiel au jazz latino, rappelons-nous par exemple du grand contrebassiste Israel « Cachao » Lopez.

Haden (1937–2014) était un contrebassiste de jazz américain, chef d’orchestre, compositeur et éducateur dont la carrière a duré plus de 50 ans. A la fin des années 1950, il était l’un des membres fondateurs du révolutionnaire Ornette Coleman Quartet.

Haden a révolutionné le concept harmonique du jeu de base dans le jazz. Le musicologue allemand Joachim- Ernst Berendt a écrit :
« La capacité de Haden à créer des harmonies fortuites en improvisant des réponses mélodiques aux solos de forme libre de Coleman (plutôt que de s’en tenir à des harmonies prédéterminés) était à la fois radicale et fascinante. Sa virtuosité réside (…) dans une incroyable capacité à faire « sonner » la contrebasse. Haden a cultivé la gravité de l’instrument comme personne d’autre dans le jazz. Il est un maitre de la simplicité, ce qui est l’une des choses le plus difficiles à réaliser ».

Haden a joué un rôle essentiel dans cette nouvelle approche, faisant évoluer une façon de jouer qui parfois complétait le soliste et parfois se déplaçait indépendamment. A cet égard ; tout comme ces prédécesseurs les bassistes Jimmy Blanton et Charles Mingus, Haden a aidé à libérer le bassiste d’un rôle strictement d’accompagnement pour devenir un participant plus direct à l’improvisation de groupe. En 1969 ; il forme son premier groupe, le Libération Music Orchestra, avec des arrangements de la pianiste Carla Bley. A la fin des années 1960, il devient membre du trio, du quatuor et du quintette du pianiste Keith Jarrett. Dans les années 1980, il forme son groupe Quartet West. Haden a souvent enregistré et joué en duo avec des musiciens dont le guitariste Pat Metheny et le pianiste Hank Jones.

Conrad Herwig (1959, Oklahoma, États-Unis, tromboniste, actif des années 1980 au présent). Dans la relation de Lee Conrad Herwig III avec le genre latin, on peut souligner une collaboration avec Eddie Palmieri qui a débuté en 1994 et se poursuit aujourd’hui, avec plus de neuf coproductions, dont plusieurs primées. Plusieurs de ses productions en tant que leader portent explicitement sur la question, notamment sa série The Latin side of… dans laquelle il a latinisé John Coltrane, Miles Davis, Joe Henderson, Wayne Shorter, Herbie Hancock Horace Silver et plus récemment Charles Mingus (Conrad Herwig, The Latin Side of Mingus, septembre 2022). Il a collaboré avec Mario Bauza dans Afro-Cuban Jazz, 1986, et dans Tanga, 1992 ; avec Michel Camilo, 1994 ; avec Caribbean Jazz Project, 2001 ; Raúl de Souza, 1999 ; Paquito D’Rivera, 1994 et 1997 ; Tito Puente, 1991 et 2000, etc., pratiquement une vie dédiée au jazz latin.

Herwig a commencé sa carrière dans le groupe de Clark Terry au début des années 1980 et a été un membre en vedette dans le Joe Henderson Sextet, Tom Harrell’s Septet and Big Band, et le Joe Lovano Nonet, en tant que soliste sur l’album de Lovano 52nd Street Themes, primé d’un Grammy Award. Il joue et enregistre également avec La Perfecta II d’Eddie Palmieri et l’Afro-Caribbean Jazz Octet, le 3 + 3 de Michel Camilo, le Mingus Big Band, souvent en tant que directeur musical, et a été arrangeur du Live at the Tokyo Blue Note, 2007, nominé aux Grammy Award, le Jon Faddis Jazz Orchestra, et Jeff "Tain" Watts Family Reunion Band, entre autres.

Michel Camilo peut évoluer entre les genres du jazz, du latin et du jazz classique, parmi ses principales influences figurent le bebop et le piano jazz moderne de Chick Corea, Keith Jarrett, Oscar Peterson, Bill Evans, Art Tatum et Hamilton Godoy.
Camilo (né le 4 avril 1954) est un pianiste et compositeur de Saint-Domingue, République dominicaine. Il se spécialise dans le jazz, le jazz latino et le piano classique. Bien qu’il aimât l’accordéon, c’est le piano de ses grands-parents qui a suscité le plus son intérêt, alors à 9 ans, il a demandé à ses parents de lui acheter un piano. Leur réponse a été de l’envoyer d’abord à l’École élémentaire de musique, qui fait partie du Conservatoire national, puis un an plus tard d’exaucer son souhait.

Le système formel de l’école de musique a appris à Camilo à jouer dans le style classique et, à 16 ans, il jouait avec l’Orchestre symphonique national de la République dominicaine. Camilo a étudié pendant 13 ans au Conservatoire national et, tout en développant ses solides capacités classiques, il a également été fortement influencé par la tradition bebop et par le jazz contemporain de Herbie Hancock, Keith Jarrett, Chick Corea et Amilton Godoy (le pianiste du Zimbo Trio). Ses influences à cette époque comprenaient également Horace Silver, Erroll Garner et la musique ragtime de Scott Joplin.

En 1979, Camilo s’installe à New York pour étudier au Mannes College et à la Juilliard School, et fait irruption sur la scène internationale en 1983 avec Tito Puente au Festival de Jazz de Montréal. Paquito D’Rivera était dans le public et lui a offert une place dans son groupe. Pendant quatre ans, Camilo a fait des tournées internationales avec Paquito D’Rivera et a enregistré deux albums avec lui.

L’émergence de Camilo en tant que star à part entière a commencé vers 1985, l’année où il a fait ses débuts avec son trio au Carnegie Hall. La même année, il enregistre son premier album, Why Not ? Son album Suntan / In Trio avec Anthony Jackson à la basse et Dave Weckl à la batterie. En 1988, il sort Michel Camilo, qui devient un best-seller et occupe la première place des albums de jazz. Des invités spéciaux se sont joints à Camilo, tels que le percussionniste Sammy Figueroa et le danseur de claquettes Raul. D’autres albums à succès ont suivi, tout comme les distinctions, notamment un Grammy et une Emmy. L’album collaboratif de Camilo en 2000 avec le guitariste de flamenco Tomatito, Spain, a remporté le prix du Meilleur album de jazz latin lors des premiers Latin Grammy Awards.

En plus d’être un interprète exceptionnel, Camilo est un compositeur talentueux et a écrit des partitions pour plusieurs films en espagnol. Camilo fait de nombreuses tournées et donne des conférences en Europe, aux États-Unis et au Conservatoire de musique de Porto Rico. Il est titulaire de plusieurs diplômes honorifiques, d’un poste de professeur invité, d’un doctorat au Berklee College of Music et a été honoré dans son pays d’origine.

Un musicien qui semble synthétiser dans sa biographie la multiplicité des convergences qui se produisent dans le jazz latin est Raphael Cruz (1947-2020), nominé aux Grammy Awards 2005 du meilleur enregistrement de jazz latin pour son album Bebop Timba.

Il est né dans Villa Vasque, dans la province nord-est de Monte Cristi, une région riche en rythmes et folklore. Ses parents étaient des Espagnols émigrés de Cuba. Ils s’installent à Santiago de Los Caballeros. Très jeune, Raphaël a déménagé dans la capitale Saint-Domingue, où il a commencé ses études primaires. Attiré par la musique, il s’inscrit dans la fanfare de l’école, jouant d’abord de la caisse claire, puis de la grosse caisse, et enfin du xylophone. De là, il est allé au "Colegio Don Bosco", où il a poursuivi ses études musicales. Il a joué dans le groupe de musique de cette école, étudiant le solfège et la théorie musicale, acquérant les compétences en lecture et la technique nécessaires pour devenir un musicien classique. Au moment où il a obtenu son diplôme de Don Bosco, il maîtrisait également les percussions orchestrales, les instruments de percussion utilisés dans les orchestres qui jouent principalement de la musique classique européenne et des styles connexes : marimba, caisse claire et timbales sont ses trois principaux domaines d’étude. Les percussions orchestrales n’incluent généralement pas d’études de batterie. Si Raphaël maîtrisait bien tous ces instruments, son intérêt pour les tambours à main, et en particulier ceux des rythmes populaires latino-américains, s’est peu à peu imposé. Il joue des percussions cubaines, brésiliennes, africaines et exotiques.

Il a partagé la scène et le studio d’enregistrement avec Mongo Santamaría, Ray Barretto, George Benson, Paquito D’Rivera, Herbie Mann, McCoy Tyner, Bette Midler, Flora Purim et Chaka Khan.

Les années soixante ont vu la soi-disant « invasion britannique » (Beatles, Rolling Stones, Dave Clark Five, Herman’s Hermits, etc.), et Raphaël s’est plongé dans la musique populaire américaine. Dès 1964, à Saint-Domingue, comme dans presque toute l’Amérique latine, une certaine relation amoureuse s’était instaurée entre les jeunes et le rock & roll.

Et pourtant, c’est l’exposition de Raphaël au son "typique" de la musique dominicaine qui a façonné et défini plus tard son expression musicale, ainsi que sa connaissance des formes de danse cubaines toujours populaires, à savoir la mambo, la guajira, le bembé et le cha cha chá. Sans ces genres, il n’y aurait probablement jamais eu de jazz latin.
Parce que la musique dominicaine a toujours été étroitement liée à celle d’Haïti voisin, on pense que le merengue (en tant que genre musical) y est originaire. Depuis plus de cinquante ans, elle est restée la danse officielle indigène de la République dominicaine, ayant évolué à partir de la contradanza française, qui était une forme de musique et de danse internationalement populaire à la fin du XVIIIe siècle. On trouve de la musique religieuse, profane et sacrée dans toute l’île, les tambours et les voix humaines étant ses principaux interprètes. Des rythmes tels que salve y palo sont également joués lors de cérémonies religieuses et ont leurs racines dans la région du Congo en Afrique centrale occidentale. Le rythme palo partage le même panthéon de divinités/saints que les traditions religieuses de Cuba, d’Haïti, du Brésil et d’autres parties de l’Amérique du Sud.

À Saint-Domingue, Raphaël a été exposé à de nombreux grands artistes cubains, non seulement ceux qui vivent encore à Cuba, mais aussi ceux qui résident maintenant aux États-Unis. À la maison, ses parents n’ont jamais cessé d’écouter les grands soneros et guaracheros cubains, comme Arsenio Rodríguez, Trío Matamoros, Vicentico Valdés, Rolando La Serie et Beny Moré, du Duo Los Compadres. Artistes invités tels que Mongo Santamaría, Los Muñequitos, La Lupe, Olga Guillot et Miguelito Valdés, entre autres. Également des groupes portoricains en visite régulière, tels que Cortijo y su Combo, et plus tard El Gran Combo,

Il a écouté la radio cubaine, les stations de radio publiques dominicaines locales diffusant toutes les formes de musique caribéenne, ainsi que la musique du Brésil, des États-Unis et d’Amérique latine, les mélodies inspirantes d’Antonio Jobim, Vinicius de Moraes et Joäo Gilberto, les passionnantes écoles de samba et des ensembles de carnaval, ainsi que la bossa nova teintée de jazz de Stan Getz et d’autres musiciens américains.

Raphael a décidé de déménager à Porto Rico, où il vivrait pendant dix ans et où sa conscience musicale serait davantage influencée par les rythmes africains de cette île sœur, de là, il s’est rendu à Saint-Thomas et à Mexico. Après s’être installé à Porto Rico, Raphaël s’est vraiment intéressé aux tumbadoras, ou conga drums comme on les appelle aux États-Unis. Son objectif à l’époque était de devenir un percussionniste accompli et complet.

Le son de jazz « bebop » qui avait émergé à New York dans les années 1950 y avait un impact majeur, tandis qu’un style de jazz entièrement nouveau émergeait sur le continent. A l’approche de la nouvelle décennie, le cool jazz post-bop et sa progéniture acid jazz faisaient sensation. Longtemps avants, des noms comme John Coltrane, Charlie Parker, Dizzy Gillespie et Thelonius Monk étaient devenus des mots familiers parmi les musiciens émergents.

Au moment où l’embargo américain a arrêté le flux de musique de danse en provenance de Cuba, les Portoricains en général étaient bien conscients du jazz fusion afro-cubain joué aux États-Unis par Cal Tjader, Mongo Santamaría, Willie Bobo, Tito Puente et George Shearing, des deux côtés du continent. Le « funk » était dans l’air et faisait son chemin dans la vieille avant-garde.

Une nouvelle génération d’artistes brésiliens faisait également sa marque à Porto Rico. Airto Moreira, Flora Pourim, Moacir Santos, etc. Et de la Big Apple sont venus Miles Davis, Chick Corea et Herbie Hancock. C’est à Porto Rico que Raphael formera son premier groupe, Raíces, en 1976. Il se rend à New York à la fin des années 70 pour jouer avec Raíces, et décide de rester un moment, il a tourné avec Stanley Turrentine, Herbie Mann, Dr. John, Carly Simon, Bette Midler et, bien sûr, The Crusaders, le seul groupe qui l’a occupé pendant toute une année. Il ne voulait pas tourner exclusivement, dans le confort du studio, il avait fait de la bonne musique aux côtés de Steve Gadd, Jack de Johnette, Ray Barretto et Ralph MacDonald. Il a également travaillé dans certains des spectacles de Broadway, avant de retourner une fois de plus à Porto Rico, où il a formé un quintette avec Ender Dueño, Eddie "Guagua" Rivera, Carlos Meléndez et Amunni Nasser. Sous la direction de Raphael, le groupe a battu tous les records de fréquentation précédents au Club Tetuan dans le vieux San Juan avec leur revue Tropicalia.

Un an après son séjour sur l’île, Raphael a reçu un appel du percussionniste de la Nouvelle-Orléans Mark Sanders, lui demandant s’il voulait travailler avec son groupe, Caliente. Il a déménagé à la Nouvelle-Orléans et, en plus de collaborer avec Sanders, a parfois dirigé un groupe de jazz latin, le chanteur Harry Connick, Jr. était le pianiste de Raphael pendant cette période.

Il revient en studio en 1998 avec un groupe d’excellents musiciens, enregistrant son premier groupe en tant que leader. Le résultat fut A Mano, sorti un an plus tard.

En 2008, la musique de Raphaël ne correspond tout simplement pas aux standards de l’école de Tito Puente, Ray Barretto ou Poncho Sánchez. En 2010, avec sa musique expérimentale, il publie Time Travel, un autre album pépite.

Raphaël le dit : « L’inspiration, pour moi, vient de nombreuses sources différentes ; passé présent et futur. C’est une combinaison de genres, de styles, d’ambiances et de nuances que j’ai écoutés tout au long de ma vie. »

Eddie Palmieri (né le 15 décembre 1936) est un pianiste, chef d’orchestre, musicien et compositeur américain d’ascendance portoricaine. Il est le fondateur des groupes La Perfecta, La Perfecta II et Harlem River Drive. Avec une discographie de plus de 45 albums en tant que leader, commencée en 1962 et qui se poursuit encore aujourd’hui, il est une légende vivante de la salsa et du latin jazz.

Dès son enfance il a été constamment exposé à la musique, en particulier au jazz et s’est produit au Carnegie Hall à l’âge de 11 ans. Ses principales influences étaient Thelonious Monk et McCoy Tyner. Il était déterminé à former un jour son propre groupe, ce qu’il a réalisé en 1950, alors qu’il avait quatorze ans. Au cours des années 1950, Palmieri a joué dans divers groupes, dont celui de Tito Rodríguez.

Palmieri a reçu un doctorat honorifique du Berklee College of Music. En 2000, il a enregistré Masterpiece avec Tito Puente et a remporté deux Grammys ; en outre, il a également été nommé "Producteur exceptionnel de l’année" par la Fondation nationale de la culture populaire. Palmieri a remporté un total de 9 Grammy Awards au cours de sa carrière, le plus récemment pour son album de 2006 Simpático.

Palmieri est retourné en studio pour enregistrer trois chansons pour la bande originale de Doin’ it in the Park : Pickup Basketball NYC. Le documentaire, co-réalisé par Bobbito García et Kevin Couliau, explore la relation entre les terrains de jeux de NYC, le basket-ball, les arts et la culture. En 2022, Eddie Palmieri a été présenté dans un long métrage documentaire intitulé Santos - Skin to Skin.

Diego Urcola (1965, Buenos Aires) est un musicien argentin (trompette, bugle, également composition) de jazz moderne.
Urcola vient d’une famille de musiciens. Dès l’âge de neuf ans, il a reçu une instruction au département de musique de la paroisse de collège, où son père Ruben était directeur. Il a d’abord étudié au Conservatorio Nacional de Música de Buenos Aires. Après avoir remporté une bourse pour étudier à l’étranger, il s’installe à Boston, où il fréquente le Berklee College of Music. En 1990, il obtient son diplôme avec une spécialisation en interprétation jazz. Peu de temps après, il s’installe à New York pour poursuivre ses études et travailler sur la scène musicale locale. En 1997, il a obtenu sa maîtrise en interprétation jazz du Queens College de New York. Cette même année, Urcola a reçu la deuxième place au Concours international de trompette de jazz Thelonious Monk.

Au milieu des années 1990, il tourne avec Slide Hampton et dans l’Orchestre des Nations Unies, fondé par Dizzy Gillespie, sous la direction de Paquito D’Rivera. Il a également travaillé brièvement chez Wynton Marsalis, avec le Lincoln Center Jazz Orchestra. Urcola est membre du Paquito D’Rivera Quintet depuis 1991 et travaille régulièrement avec le Caribbean Jazz Project depuis 2004. Il a également joué avec Jimmy Heath et Dizzy Gillespie Alumni All Star Big Band.

Urcola a sorti un certain nombre d’albums sous son propre nom, d’abord Libertango (1999) ; son album Soundances, qu’il a enregistré à Buenos Aires avec les meilleurs musiciens là-bas, a été nominé pour un Grammy Award du meilleur album de jazz latin en 2005, tout comme sa production Viva en 2007. Ses dernières productions : Appreciation, 2010 ; Mates, 2013 : Diego Urcola Quartet Featuring Paquito D’Rivera.

Urcola a un nouvel enregistrement, El Duelo, 2020, le trompettiste fait appel au clarinettiste et saxophoniste cubain Paquito D’Rivera pour un quartet sans piano. En soustrayant le piano au combo de jazz typique, il devenait impératif que les musiciens élargissent leur rôle pour couvrir les informations harmoniques perdues. Ce faisant, les interprètes devaient rester totalement investis et réactifs, en amplifiant encore leur performance.

Un objectif de Diego Urcola sur El Duelo est de mettre en valeur le côté le plus libre et le plus radical des capacités d’improvisation de D’Rivera. Le siège de la batterie est occupé par Eric Doob, sa connaissance approfondie des rythmes d’Amérique latine faisait de lui le choix parfait dans ce contexte. Quant à Hamish Smith, né en Nouvelle-Zélande, il a impressionné D’Rivera lors de ses interventions pédagogiques à la Manhattan School of Music, où le jeune bassiste continue d’étudier.

Les pièces que Diego Urcola a arrangées pour le groupe montrent la diversité des centres d’intérêt musicaux du trompettiste. L’enregistrement commence par la vibrante chanson titre, une composition de Guillermo Klein ; dans le répertoire, qui fait aussi appel à Ornette Coleman, Wayne Shorter, Kenny Wheeler ou Benny Golson, on note le brillant La Yumba/Caravan, un mash-up d’Ethan Iverson du célèbre tango d’Osvaldo Pugliese et de la plus célèbre composition de latin jazz de Juan Tizol.

Chico Pinheiro (Francisco Pinheiro Christino Netto, São Paulo, 1975) est un guitariste, compositeur et arrangeur brésilien. Il a joué avec d’autres guitaristes dont Anthony Wilson, Julian Lage et Steve Cardenas. Il est une figure de proue du jazz moderne au Brésil. Sa musique a été bien accueillie par la critique au Brésil, et son travail a mis en vedette la chanteuse Luciana Alves. Discographies : 2003 Meia - Noite Meio – Dia, 2008 Nova, 2010 There’s A Storm Inside, 2020 City of dreams. Il a été nominé, en novembre 2020, pour les Grammy 2021 dans la catégorie "Latin Jazz Album".

Né à São Paulo (Brésil) et actuellement basé à New York, le guitariste nominé aux Grammy Awards Chico Pinheiro enregistre et tourne beaucoup avec le Chico Pinheiro Quartet et collabore avec des artistes tels que Herbie Hancock, Placido Domingo, Kurt Elling, Danilo Perez, Brad Mehldau, Dianne Reeves, Bob Mintzer, Rosa Passos, João Donato, Edu Lobo, pour n’en nommer que quelques-uns.

Le dernier album de Pinheiro City of dreams, 2020 : Chico Pinheiro guitars, vocals ; Tiago Costa piano, keyboards ; Bruno Migotto bass ; Edu Ribeiro drums et Chris Potter saxophones.

Dit Raul De Gama à propos de cet album (latinjazznet 20/12/2020) : City of Dreams de Chico Pinheiro est spectaculaire, le musicien et guitariste prodigieusement doué a de nouvelles choses à dire et les dit avec un naturel total, car il n’y a rien d’artificiel dans sa musique elle-même. Sa traversée de ce répertoire, que ce soit à la guitare électrique ou acoustique, est d’une élégance séduisante.

Chico Pinheiro est extrêmement circonspect tout en délivrant une virtuosité considérable. Il trouve un équilibre convaincant entre les registres extrêmes de la guitare, faisant souvent ressortir les harmonies dans les registres inférieurs avec des détails et une emphase peu commune. Son développement des éléments ravis - presque mystiques - de City of Dreams est magnifique ; et la nature éthérée de Up in the Air est à la fois finement gravée et profondément réfléchie.

Pinheiro est entouré d’une merveilleuse sélection de musiciens - le pianiste Tiago Costa, qui sait exactement quand alléger les événements d’accord avec des séquences habilement introduites, soit par l’éclat d’une poignée de notes sur le Fender Rhodes, soit par une intervention judicieuse avec son synthétiseur à clavier ; et la puissante combinaison de la gravité et de l’ingéniosité du bassiste Bruno Migotto et des merveilleuses couleurs de percussion d’Edu Ribeiro. Chris Potter vient ajouter une touche d’importance à Long Short Story et Encantando. Naturellement, l’effet est exquis. C’est un ensemble tout à fait absorbant qui révèle quelque chose de nouveau et d’étonnant à chaque tournant.