C’est du Jazz latino, épisode 02

Ces caractéristiques générales sont réparties par région et n’occupent pas l’ensemble du territoire. Nous avons des régions où l’influence africaine est plus grande et par conséquent les rythmes et les mélodies avec cette origine prédominent comme dans la musique caribéenne et le jazz nord-américain. La même chose se produit avec la musique d’origine indigène des peuples américains comme dans la musique folklorique mexicaine, péruvienne, bolivienne, dans certains pays d’Amérique centrale, etc. Le goût partagé pour la musique d’origine européenne, dite classique ou moderne, est également limité à certains secteurs sociaux urbains dans les pays à forte migration de cette origine.

Il y a eu des personnages et des événements, des musiciens et des modes qui ont essayé de composer à partir de mélodies et de rythmes répandus dans toute la région. C’est le cas d’un épisode comme celui de Louis Moreau Gottschalk, compositeur et pianiste virtuose américain qui a fait le tour du monde en interprétant ses propres œuvres.

Gottschalk est né le 8 mai 1829 à la Nouvelle-Orléans d’un père juif anglais de Londres et d’une mère créole blanche de l’île de Saint-Domingue (aujourd’hui Haïti). En 1841, il se rend à Paris pour parfaire son éducation musicale. Il n’est pas admis au Conservatoire, sa candidature ayant été rejetée par Zimmermann qui lui reproche "ses origines sauvages".

En décembre 1852, il prend le bateau du Havre pour les États-Unis. Le 11 février 1853, il donne son premier concert à New York, qui remporte un grand succès. Il s’agit du premier d’une longue série de concerts aux États-Unis, à Cuba et au Canada. De 1857 à 1862 il est dans les Caraïbes. Il vit à Cuba, Porto Rico, la Guadeloupe, la Martinique, le Venezuela, la Guyane et le Brésil pour composer et donner des concerts.

Il meurt le 18 décembre 1869, dans un hôtel de Tijuca, près de Rio de Janeiro, probablement d’une appendicite et des suites des traitements de l’époque pour soigner la syphilis. Marmontel, dans son livre Les célèbres pianistes, écrit :
« Il est impossible de ne pas reconnaître une individualité très marquée dans ces compositions, où l’ingéniosité de l’idée, l’élégance des harmonies épousent des rythmes d’un charme tout particulier, d’une persistance obstinée ; ces mélodies créoles langoureuses, ces danses noires rythmées donnaient aux compositions de Gottschalk une saveur terreuse, un parfum particulier, un accent de couleur locale d’une authenticité incontestable ».

Il serait l’un des premiers compositeurs américains et le précurseur du ragtime et du jazz. Par conséquent, arrière-plan parfait de ce dont nous parlons. Dès lors, avec l’augmentation des voyages à travers les Amériques, les échanges culturels et les communications, puis avec l’apparition des moyens modernes de communication, la radiodiffusion, les diverses techniques d’enregistrement et de reproduction musicale, les musiciens, peu à peu ce qui apparemment devait arriver est arrivé. Depuis le début du XXe siècle, les échanges se sont intensifiés et presque dès la diffusion du jazz de la Nouvelle-Orléans à l’ensemble des États-Unis, les mélodies latino-américaines commencent à se faire entendre et à devenir populaires.

L’annexion par les États-Unis d’une partie du territoire du Mexique ainsi que des îles de Cuba et de Porto Rico marque le début de la « touche » hispanique qui caractérise aujourd’hui la culture nord-américaine et du jazz nettement. Le succès de chansons comme El manisero (Le vendeur de cacahuètes, The peanuts vendor) dans les années 1930 ouvre la voie à la rencontre de musiciens de jazz et de musiciens latino-américains dans la décennie suivante : les compositions du Portoricain Juan Tizol pour l’orchestre Duke Ellington , la formation de l’orchestre de Raúl Gutiérrez Machito et ses Afrocubans, avec des arrangements de son beau-frère Mario Bauza, la rencontre et la collaboration entre le joueur de conga Chano Pozo et Dizzy Gillespie, les compositions et arrangements pour ces orchestres et d’autres dirigés par Arturo Chico O’Farrill, la formation de communautés hispaniques, en particulier celles d’origine mexicaine, portoricaine et cubaine, mais aussi d’autres pays d’Amérique latine.

C’est ainsi qu’est né le phénomène musical que nous appelons aujourd’hui Jazz latin, Latin jazz ou Jazz latino plus exactement. À partir des années 1940 et jusqu’à aujourd’hui, des musiciens de toutes les Amériques se sont retrouvés à produire ce genre musical qui peut aujourd’hui prétendre être la bande originale de tous les peuples latins, y compris l’ensemble des Caraïbes, comme nous l’avons déjà souligné, et y compris l’Espagne et Portugal, en plus les Caribéens anglophones, francophones et néerlandophones, se retrouvent également dans cette expression musicale qui véhicule leurs joies et leurs désirs, qui, en plus de satisfaire leurs oreilles, les invite également à danser, transmet le caractère à la fois populaire et cosmopolite de sa culture.

Aujourd’hui le jazz et les genres les plus divers de ces pays et régions se rencontrent et fusionnent dans le jazz latino. Heureusement, les défenseurs des genres indigènes demeurent, les amoureux du jazz à la Nouvelle-Orléans, les défenseurs de la bomba et de la plena, du son, de la rumba et du boléro, du tango et la milonga, du joropo et du merengue, du porro et du vallenato, etc., etc., je n’oublie pas les autres genres, il y en a beaucoup dans tous ces pays qui se fondent dans ce format toujours plus enrichissant. Cela n’empêche ni n’exclue la fusion. Aujourd’hui le jazz latino est devenu mondial, on retrouve ses compositeurs et interprètes aux quatre coins du globe. Les meilleurs musiciens veulent s’en emparer et les mélomanes les plus exigeants, ainsi que le public, s’y régalent.

Des personnalités telles que : Francisco Gutiérrez “Machito”, Mario Bauza, Tito Rodriguez, Tito Puente, Chano Pozo, José Mangual “Buyu”, Bebo Valdés, Mongo Santamaria, Cal Tjader, Israel “Cachao” Lopez, Luis Arcaraz, Aldemaro Romero, Candido Camero, Francisco Aguabella, Frank Hernández, Gerry Weil, Ed Calle, Arturo Sandoval, Ray Barretto, Mario Bauza, Jerry González, Eddie Palmieri, Antonio Carlos Jobim, Chico O’Farrill, Carlos “Patato” Valdés, Paquito D’Rivera, Steve Berrios, Terence Blanchard, Ivan Lins, Don Grolnick, Roy Hargrove, Conrad Herwig, Giovanni Hidalgo, Danilo Pérez, David Sánchez, Chucho Valdés, Poncho Sanchez, Daniel Ponce, Dave Valentin, Al McKibbon, Bobby Rodríguez, Gonzalo Rubalcaba, Bobby Sanabria, Gary Burton, Ástor Piazzolla, Joao Gilberto, Airto Moreira, Egberto Gismonti, Charlie Haden, Dave Samuels, Jane Bunnett, Marlon Simon, Duduka Da Fonseca, John Santos, Omar Sosa, Michel Camilo, Justo Almario, Silvano Monasterios, Otmaro Ruiz, Orlando Poleo, Diego Urcola Sammy Figueroa, Brian Lynch, Ignacio Berroa, Edsel Gómez, Dafnis Prieto, Edward Simon, Avishai Cohen, Antonio Sánchez, Pernell Saturnino, Steve Khan, Héctor Martignon, Arturo O’Farrill, Nestor Torres, Papo Vázquez, Chembo Corniel, Geoffrey Keezer, Claudio Roditi, Miguel Zenón, Pablo Aslan, Wayne Wallace, Clare Fischer, Chano Dominguez, Eliane Elias, Andy González, Trio da Paz, Pablo Ziegler, Chick Corea, Luis Perdomo, Fran Vielma, Michael Simon, Alfredo Naranjo, Joseph Derteano et des centaines d’autres excellents musiciens l’ont montré depuis le début du siècle dernier jusqu’à aujourd’hui, et continueront de le faire.

Dans cet épisode 02 de notre programme C’est du Jazz latino… un espace pour l’écoute, la danse et le plaisir nous allons écouter dix pièces :

1. The Oracle, Sabu Martinez, album Jazz Espagnole, 1961. Producteur d’enregistrement Al Santiago, percussion Louie Ramirez, trompette Marty Sheller, saxophone alto Bobby Porcelli, guitare basse Bill Salter, percussions Phil Newsum, piano Artie Jenkins.
Louis "Sabu" Martinez (1930 - 1979) était un conguero et percussionniste américain, est né le 14 juillet 1930 à El Barrio à New York (Spanish Harlem). En tant que jeune homme, il a eu toutes sortes d’ennuis, mais il a également battu des canettes dans un gang de rue et il a passé quelques périodes à Puerto Rico, terroir de ses parents. Acteur de premier plan du mouvement Cu bop, il est apparu sur de nombreux enregistrements et performances live importants au cours de cette période et a également enregistré plusieurs albums de jazz latin, désormais reconnus comme des classiques du genre.
Martinez a fait ses débuts professionnels en 1941 à l’âge de 11 ans. Il a remplacé Chano Pozo dans l’orchestre de Dizzy Gillespie en 1948 et a commencé à se produire avec le Bebop Orchestra de Benny Goodman en 1949. Au cours des 15 années suivantes, a travaillé avec Charlie Parker, Duke Ellington, Count Basie, JJ Johnson, Horace Silver, Thelonious Monk, Charles Mingus, Mary Lou Williams, Lionel Hampton, Noro Morales, Marcelino Guerra, Esy Morales, les Lecuona Cuban Boys, Miguelito Valdés, Tito Rodríguez et le Joe Loco Trio. Il a également travaillé avec les chanteurs Tony Bennett, Sammy Davis, Jr. et Harry Belafonte.
Martinez a enregistré pour la première fois avec Art Blakey en 1953 et a contribué à ses projets Orgy in Rhythm and Holiday for Skins de 1957 à 1958. Il est devenu chef d’orchestre en 1957 et enregistre Palo Congo pour Blue Note, Safari pour RCA et Sorcery pour Columbia. Bien qu’ils ne soient pas des chefs-d’œuvre de jazz, Safari et Sorcery sont les enregistrements les plus étranges et les plus puissants dans le douteux idiome "exotique". Comme de nombreux musiciens de jazz à la fin des années 1950, Sabu a lutté contre l’addiction à l’héroïne, qui l’a touché comme il l’a fait pour presque tout le jazz. En 1960 vinrent ses quinze minutes de vraie gloire, il s’est associé à Louie Ramirez pour enregistrer le chef-d’œuvre du jazz latin, Jazz Espagnole. Il a déménagé en Suède en 1967 et a enregistré avec le big band Francy Boland-Kenny Clarke, sortant deux albums. Sabu a enregistré, joué et enseigné tout au long des années 1960 et 1970. Il a joué avec le Radio Jazz Group de Stockholm et sur de nombreux disques scandinaves et européens de jazz, latin, big band, fusion et funk. En 1973, il forme le groupe New Burnt Sugar et publie un cahier de conga. Cependant, sa vie n’a pas toujours été très facile ; à un moment donné, Sabu a dû déménager en raison d’une hostilité raciste. Le 13 janvier 1979, il mourut en Suède à l’âge de 48 ans d’un ulcère gastrique.

2. You Don’t Know What Love Is, album The Latin Jazz Quintet, 1961. Intégré par : Felipe Diaz leader/vibraphone, Eric Dolphy flute/bass clarinette/alto sax, Arthur Jenkins piano, Bobbie Rodriguez bass, Tommy Lopez congas, Louis Ramirez timbales.
Par rapport à Felipe Díaz (ou Phil Díaz), le leader et vibraphoniste du Latin Jazz Quintet, peu ou pas d’informations peuvent être trouvées sur lui. Nous continuerons à chercher, mais cela arrive avec beaucoup d’initiateurs de ce genre de jazz latino, leurs biographies sont perdues, ignorées, confondues avec la légende. Il y a pas mal de travail à faire par rapport à ça.
Un album extrêmement rare qu’Eric Dolphy a enregistré avec le Latin Jazz Quintet, une rare facette latine de la carrière de Dolphy. Cet ensemble comprend Louis Ramirez aux timbales, Felipe Diaz aux vibrations et Art Jenkins au piano - tous groovant très fort et très serrés à côté du travail de Dolphy à l’alto, à la flûte et à la clarinette basse.
Eric Allan Dolphy Jr. (20 juin 1928 - 29 juin 1964) était un saxophoniste alto de jazz américain, clarinettiste basse et flûtiste. À quelques reprises, il a également joué de la clarinette et du piccolo. Son utilisation de la clarinette basse a contribué à établir l’instrument dans le jazz. Dolphy a élargi le vocabulaire et les limites du saxophone alto et a été parmi les premiers solistes de flûte de jazz importants.
Le 27 juin 1964, Dolphy se rend à Berlin pour jouer avec un trio dirigé par Karl Berger à l’ouverture d’un club de jazz appelé The Tangent. Il était apparemment gravement malade à son arrivée et, lors du premier concert, il était à peine capable de jouer. Dolphy s’est effondré sur scène et a été emmené à l’hôpital. Les médecins traitants de l’hôpital ne savaient pas que Dolphy était diabétique et ont décidé sur une vision stéréotypée des musiciens de jazz liés à la toxicomanie, qu’il avait fait une surdose de drogue. Il a été laissé dans un lit d’hôpital pour que les médicaments suivent leur cours. À l’insu des médecins, Dolphy était un abstinent qui ne fumait pas de cigarettes et ne prenait pas de drogue.
Ted Curson se souvient : "C’était un diabétique - tout ce qu’ils avaient à faire était de faire un test sanguin et ils l’auraient découvert. Alors il est mort pour rien. Ils lui ont donné des trucs de désintoxication et il est mort, et personne n’est plus jamais allé dans ce club à Berlin. Fin de ce club". Peu de temps après la mort de Dolphy, Curson a enregistré et sorti Tears for Dolphy, avec une chanson titre qui a servi d’élégie à son ami. Dolphy a été enterré au cimetière Angelus-Rosedale à Los Angeles. Sa pierre tombale porte l’inscription "Il vit dans sa musique".
Arthur Eugene Jenkins (7 décembre 1936 - 28 janvier 2009) était un claviériste, compositeur, arrangeur et percussionniste américain qui a travaillé avec de nombreuses icônes de la musique populaire telles que John Lennon, Harry Belafonte, Bob Marley et Chaka Khan.
Jenkins est né dans le Bronx, à New York, et a commencé à jouer du piano à l’âge de 5 ans. Après avoir étudié la musique au Baldwin-Wallace College dans l’Ohio, Jenkins est retourné à New York et a commencé sa carrière professionnelle. Il a joué pendant deux ans dans un club appelé Blue Moracco. La première année était avec une chanteuse nommée Irene Reid et la seconde avec une nouvelle chanteuse de l’Ohio nommée Nancy Wilson. Jenkins a commencé sa carrière d’enregistrement en 1965 avec l’album Latin Soul du Latin Jazz Quintet, et a plus d’une centaine de crédits à son actif.
Roberto "Bobby" Rodríguez, était un contrebassiste et bassiste électrique renommé, né à Tampa Florida USA, le 2 mai 1927, fils de parents d’origine cubaine et portoricaine. ; a marqué un tournant dans la musique latine, à partir des années cinquante.
A New York, à l’âge de 17 ans, il débute sa carrière chez Machito & his Afrocubans en remplacement de Julio Andino (ils enregistrent, entre autres, Afrocuban Grooves, Kenya, Cubop City). Participe à des enregistrements avec Chico O’ Farrill, Dizzy Gillespie, Cal Tjader (Primo), Eddie Palmieri (El Nuevo Sonido), Willie Bobo, Mongo Santamaría, Joe Cuba, Eric Dolphy, Alegre All Stars (I, II, III, IV), Tito Rodríguez (El Doctor de la Salsa), Charlie Palmieri (El Gigante del Keyboard, Echoes of an Era) et le plus important et durable de tous aux côtés de Tito Puente (Dancemania, On Broadway, Mambo Diablo, Cuban Carnival, Salsa Meets Jazz, Goza mi Timbal entre autres). Cette société est restée active entre les années 1950 et les années 1990.
Sa façon de jouer de la basse électrique, avec un son épais, quelque chose que dans les environnements jazz on appelle "groove". Son expérience musicale l’a toujours fait voir comme un contributeur d’une coupe de jazz. Le 29 juillet 2002, après une vie remplie de succès retentissants et ayant laissé un héritage impressionnant, Bobby Rodríguez est décédé à New York.
Tomás López, percussionniste de musique latine d’origine portoricaine (principalement des congas), basé à New York, aux États-Unis, et retraité de l’industrie de la musique dans les années 1980, apparaît généralement sous le nom de Tommy Lopez, il est également connu sous le nom de Tommy "Bacum" Lopez ou "Mano de Hierro", (1931 - 10 mars 2008), il est le père de Tommy "Chuckie" Lopez, Jr.
Louie Ramirez (24 février 1938 - 7 juin 1993) était un percussionniste américain de boogaloo, de salsa et de jazz latin, vibraphoniste, chef d’orchestre et compositeur. Il a co-écrit avec Johnny Pacheco le tube de 1961 El güiro de Macorina. Ramirez est né à Manhattan, New York, États-Unis. Il fait ses débuts professionnels avec le groupe de Joe Loco en 1956, en remplacement du vibraphoniste Pete Terrace. Ramirez a fait ses débuts en tant que chef d’orchestre en 1963, avec Introducing Louie Ramirez. Il a ensuite enregistré pour Alegre, Fania, Atco, United Artists Records, Caiman, FNA et RMM Records & Video.
Il s’est associé à Charlie Palmieri et Joe Cuba de 1965 à 1968. Avec Tito Rodriguez, il a sorti le LP Tito Rodríguez y Louie Ramírez En Algo Nuevo en 1972. Il est devenu producteur personnel chez Fania en 1975. Il est apparu en tant que sideman ou assistant de production sur de nombreux enregistrements d’autres artistes, comme Willie Colón, dans les années 1970. Le 7 juin 1993, alors qu’il conduisait le long de Junction Boulevard dans le Queens, à New York, Ramirez a subi une crise cardiaque mortelle à l’âge de 55 ans. Il enregistrait son troisième album avec le chanteur Ray De La Paz. Il s’intitulait Préparete Bailador.

3. Tin Tin Deo, Clark Terry et Chico O’Farrill, album Spanish Rice, 1966.
Arturo "Chico" O’Farrill (28 octobre 1921 - 27 juin 2001) était un compositeur, arrangeur et chef d’orchestre cubain, surtout connu pour son travail dans le latin jazz, en particulier le jazz afro-cubain ou "Cu bop", bien qu’il ait également composé des pièces de jazz traditionnel et même des œuvres symphoniques.
Né d’un père irlandais et d’une mère allemande, il a joué de la trompette au début de sa carrière. Il compose des œuvres pour Machito (Suite afro-cubaine avec Charlie Parker, 1950) et le Bebop Orchestra de Benny Goodman (Undercurrent Blues), et arrange entre autres pour Dizzy Gillespie et Stan Kenton.
Dans les années 1990, O’Farrill a dirigé un big band qui a élu domicile à la discothèque Birdland de New York. Le fils de Chico, le pianiste Arturo O’Farrill, a finalement repris le groupe.
Clark Virgile Terry Jr. (14 décembre 1920 - 21 février 2015) était un trompettiste américain de swing et de bebop, un pionnier du bugle dans le jazz, ainsi qu’un compositeur et éducateur. Il a joué avec Charlie Barnet (1947), Count Basie (1948–51), Duke Ellington (1951–59), Quincy Jones (1960) Chico O’Farrill (1966) et Oscar Peterson (1964–96). Il participle au The Band of The Tonight Show de 1962 à 1972. Sa carrière dans le jazz a duré plus de 70 ans, au cours desquels il est devenu l’un des musiciens de jazz les plus enregistrés, apparaissant sur plus de 900 enregistrements. Terry a également encadré Quincy Jones, Miles Davis, Herbie Hancock, Wynton Marsalis, Pat Metheny, Dianne Reeves et Terri Lyne Carrington.

4. Girl from Addis Ababa, Mulatu Astatke, album Ethiopian Quintet - Afro-Latin Soul Vol. 2, 1966.
Mulatu Astatke né le 19 décembre 1943) est un musicien et arrangeur éthiopien considéré comme le père de l’éthio-jazz. Né dans la ville éthiopienne occidentale de Jimma, Mulatu a été formé musicalement à Londres, New York et Boston où il a combiné ses intérêts de jazz et de musique latine avec la musique éthiopienne traditionnelle. Mulatu a dirigé son groupe tout en jouant du vibraphone et de la conga - des instruments qu’il a introduit dans la musique populaire éthiopienne - ainsi que d’autres instruments de percussion, claviers et orgues. Ses albums se concentrent principalement sur la musique instrumentale, et Mulatu apparaît sur les trois albums connus d’instrumentaux sortis pendant les années 1970 d’or éthiopiennes.
Il a commencé ses études au Lindisfarne College près de Wrexham avant d’obtenir un diplôme en musique grâce à des études au Trinity College of Music de Londres. Il a collaboré avec le chanteur et percussionniste de jazz Frank Holder. Dans les années 1960, Mulatu a déménagé aux États-Unis pour s’inscrire au Berklee College of Music de Boston. Alors qu’il vivait aux États-Unis, Mulatu s’est intéressé au jazz latin et a enregistré ses deux premiers albums, Afro-Latin Soul, Volumes 1 & 2, à New York en 1966. Les disques mettent en évidence le vibraphone de Mulatu, soutenu par un piano et des congas jouant du latin rythmes.
Le son de ce deuxième volume est encore frais de nos jours et le mélange des genres que cet album présente n’a jamais été aussi frais. Le mélange de musique traditionnelle éthiopienne et de latin-jazz ne vous laissera pas indifférent. Cet album est un véritable témoignage du lien historique entre les musiques africaines et latines.
Le 12 mai 2012, il a reçu un doctorat honorifique en musique du Berklee College of Music.

5. Smooth Operator, Mongo Santamaria, album Soy Yo, 1987.
Ramón "Mongo" Santamaría Rodríguez (7 avril 1917 - 1er février 2003) était un percussionniste et chef d’orchestre cubain qui a passé la majeure partie de sa carrière aux États-Unis. Principalement batteur de conga, Santamaría était une figure de proue des engouements pour la danse pachanga et boogaloo des années 1960. Son plus grand succès a été son interprétation de Watermelon Man de Herbie Hancock, qui a été intronisé au Grammy Hall of Fame en 1998. À partir des années 1970, il a enregistré principalement de la salsa et du latin jazz, avant de prendre sa retraite à la fin des années 1990. Distinctions : Billboard Hall of Fame Award (2001)

6. Querida, Antonio Carlos Jobim, album Antonio Brasileiro, 1994.
Antônio Brasileiro est le quinzième album d’Antônio Carlos Jobim, achevé 11 mois avant, il est sorti quelques jours après sa mort en 1994 et a été un succès critique et commercial.
Nom de naissance Antônio Carlos Brasileiro de Almeida Jobim, né le 25 janvier 1927 à Rio de Janeiro, Brésil, décédé le 8 décembre 1994 (à l’âge de 67 ans) New York, États-Unis. Ses genres : Bossa nova, Latin jazz, samba. Musicien compositeur auteur-compositeur, chanteur. Ses instruments : piano, guitare, flûte, chant. Il a été activ entre 1956 et 1994 et c’est associé avec : Vinicius de Moraes, Elis Regina, Aloísio de Oliveira, João Gilberto, Astrud Gilberto, Stan Getz, Frank Sinatra, Ella Fitzgerald, Sting, Gal Costa, Andy Williams.

7. Luz, Patato, Changuito and Orestes, album Ritmo y Candela, 1995.
Dans cet album : producteur Greg Landau-Producer, compositeur - arrangeur Enrique Fernández, congas Carlos ’Patato’ Valdés, basse Joe Santiago, piano Rebeca Mauleon, bongo Jose Luis "Changuito ’Quintana, timbales Orestes Vilato, sax baryton et lute Enrique Fernández.
Carlos Valdés Galán (4 novembre 1926 - 4 décembre 2007), mieux connu sous le nom de Patato, était un joueur de conga cubain. En 1954, il a émigré à New York où il a poursuivi sa carrière prolifique en tant que sideman pour plusieurs ensembles de jazz et de musique latine, et occasionnellement en tant que chef d’orchestre. Il a contribué au développement du tambour conga accordable qui a révolutionné l’utilisation de l’instrument aux États-Unis. Ses albums de descarga (jam-sessions) expérimentaux enregistrés pour Latin Percussion sont considérés comme le pendant du boom commercial de la salsa des années 1970. Tito Puente l’a appelé une fois "le plus grand conguero (joueur de conga) vivant aujourd’hui".

8. Don’t stop the train, Eddie Palmieri, album Areté, 1995.
Eddie Palmieri (né le 15 décembre 1936) est un pianiste, chef d’orchestre, musicien et compositeur américain d’ascendance portoricaine. Il est le fondateur des groupes La Perfecta, La Perfecta II et Harlem River Drive.
Les parents de Palmieri ont déménagé à New York de Ponce, Porto Rico, en 1926, et se sont installés dans le South Bronx, un quartier majoritairement juif. Là, lui et son frère aîné, Charlie Palmieri, sont nés. Il a accompagné Charlie et a participé à de nombreux concours de talents dès l’âge de huit ans.
Il a poursuivi ses études et il a été constamment exposé à la musique, en particulier au jazz et s’est produit au Carnegie Hall à l’âge de 11 ans. Ses principales influences étaient Thelonious Monk et McCoy Tyner. Il était déterminé à former un jour son propre groupe, ce qu’il a réalisé en 1950, alors qu’il avait quatorze ans. Au cours des années 1950, Palmieri a joué dans divers groupes, dont celui de Tito Rodríguez.
Palmieri a reçu un doctorat honorifique du Berklee College of Music. En 2000, il a enregistré Masterpiece avec Tito Puente et a remporté deux Grammys ; en outre, il a également été nommé "Producteur exceptionnel de l’année" par la Fondation nationale de la culture populaire. Palmieri a remporté un total de 9 Grammy Awards au cours de sa carrière, le plus récemment pour son album de 2006 Simpático.

9. Give It Some Thought, Jerry Gonzales & The Fort Apache Band, album Pensativo, 1995. Dans cet album : interprète associé, trompette, bugle, conga Jerry Gonzalez, saxophone soprano, saxophone alto Joe Ford, saxophone ténor John Stubblefield, piano Larry Willis, basse électrique Andy Gonzalez, batterie, percussions, marimba Steve Berrios, producteur d’enregistrement Todd Barkan. Personnel de studio, ingénieurs d’enregistrement Richard Corsello, Stephen Hart, mixeur Michael Semanick, ingénieur mastering George Horn, compositeur Parolier James Ford.
La bande de Fort Apache. En 1979, González publie son premier album en leader : Ya yo me curé. Bientôt, il forme son groupe le plus connu, The Fort Apache Band, qui comprend son frère Andy et Kenny Kirkland, Sonny Fortune, Nicky Marrero, Milton Cardona, Papo Vázquez, Wilfredo Velez et Jorge Dalto. Les deux premiers albums des ensembles ont été enregistrés en direct dans des festivals de jazz européens, The River is Deep en 1982 à Berlin et Obatalá en 1988 à Zurich. Ils ont été suivis par leur album à succès, Rumba Para Monk, en 1988, qui leur a valu la reconnaissance de l’Académie française du jazz avec le prix Jazz Record of the Year. C’est le disque qui a attiré les oreilles de la communauté du jazz et qui est toujours considéré comme un projet stellaire. Après cela, le groupe de 15 membres a été compressé en un sextuor : Larry Willis (piano), Andy González (basse), Steve Berrios (batterie) et Carter Jefferson (saxophone) et Joe Ford (saxophone).
González et le groupe ont ensuite sorti Earthdance (Sunnyside, 1990) et Moliendo Café (Sunnyside, 1991). Ces albums ont une fois de plus démontré la capacité du groupe à jouer du jazz d’inspiration latine avec une sensibilité et une virtuosité authentique. Après Moliendo Café, Carter Jefferson décède et est remplacé par John Stubblefield. Ils ont ensuite sorti Crossroads en 1994 et Pensativo en 1995, qui leur ont chacun valu des nominations aux Grammy Awards. L’ensemble a reçu le prix du groupe Beyond de l’année par les sondages des lecteurs et des critiques de Down Beat Magazine en 1995 et 1996.
González et le groupe ont poursuivi leurs créations sur l’album de 1996 Fire Dance, enregistré en direct à Blues Alley, et comprenant des interprétations des chansons de Thelonious Monk Let’s Call This et Ugly Beauty, ainsi que des compositions originales. Leurs efforts ont été célébrés en remportant une vingtaine de prix, dont celui du meilleur groupe de jazz dans le sondage des lecteurs de Playboy Magazines en 1997. En 1998, ils ont balayé la catégorie Latin Jazz aux New York Jazz Awards, remportant à la fois les sondages de l’industrie et des journalistes. En 1999, le groupe a marqué gros avec les sondages des critiques et des lecteurs pour Beyond Group of The Year dans Down Beat Magazine.
Jerry González et le Fort Apache Band ont rendu hommage à Art Blakey et aux Jazz Messengers lors de leur sortie en 2005, Rumba Buhaina. C’était leur premier disque en tant que quintette, sans John Stubblefield, décédé en 2005.
En 2008, le Festival Heineken a rendu hommage à Jerry González et à son frère Andy, les premiers Portoricains honorés par le Festival Heineken. En octobre 2011, le Grammy Award de l’Afro Latin Jazz Orchestra d’Arturo O’Farrill a rendu hommage à Jerry et Andy au Symphony Space Theatre.

10. La mulata rumbera, Orestes Vilato, album It’s about time, 2009.
Orestes Vilató est un percussionniste (timbales et bongo) cubain né à Camagüey en 1944. Il quitte Cuba à l’âge de 12 ans avec ses parents pour aller vivre aux États-Unis. Comme pour Santana, le maestro Orestes Vilató a apporté son talent dans les enregistrements et les présentations avec Whitney Houston, Aretha Franklin, Willie Nelson, Herbie Hancock, Linda Ronstadt, Wynton et Branford Marsalis, McCoy Tyner, Dave Valentín et Paco De Lucía, parmi d’autres.

Latinos de deuxième et troisième génération, noirs ou blancs, nés aux États-Unis ; des musiciens nord-américains noirs ou blancs qui s’intéressent au latin jazz et s’y adonnent temporairement ou définitivement ; les Latinos (au sens le plus large, y compris les Caraïbéens de diverses langues, les Brésiliens, de toute l’Amérique latine, d’Europe) qui sont arrivés plus récemment en raison d’une migration forcée pour des raisons politiques, économiques, etc. ; des Africains qui n’ont aucun mal à adopter les voies du latin jazz, car ils y trouvent, comme on peut s’y attendre, des éléments qui leur sont familiers. Compositions originales ou versions de chansons provenant d’autres genres tels que le jazz traditionnel, le rock, la pop, la musique populaire latino-américaine ou nord-américaine. On retrouve une grande diversité d’origines et de tendances dans cette musique qui déjà dans les années quarante du siècle dernier animait les pistes de danse et les bars des deux côtes aux États-Unis et dans les capitales caribéennes, anticipant la culture occidentale contemporaine où la diversité religieuse, ethnique, linguistique, les options idéologiques, de genre et sexuelles signifient des exigences sans précédents pour la démocratie.

Quand les Beatles ont exigé lors de leur première visite aux EEUU aux autorités américaines que l’entrée à leurs concerts ne soit pas discriminatoire, cela faisait au moins deux décennies que dans la nuit new-yorkaise, dans ces bars et discothèques, le jazz latino favorisait la rencontre des pluralités.