TK-21

Philippe Fabian

Philippe Fabian — 2026-05-03T18:20:47Z

Dans ces vidéos d'environ une minute, je prolonge et je donne à voir une forme mélancolique et poétique au souvenir d'un lieu.

C'est une exploration du paysage, où la mémoire, la lumière, la transparence se combinent pour transformer des fragments de nature ou de ville en un espace de contemplation situé à la frontière entre réalité et abstraction.

Ces vidéos ou ces images en mouvement évoquent un temps suspendu qui laisse de l'espace pour mieux voir et ressentir un monde à la fois familier et distancié.

Dans ces vidéos, le traitement numérique joue un rôle central. Cette démarche s'inscrit dans une pratique au long cours, proche d'un journal visuel, où chaque image filmée ou photographiée est archivée puis prolongée par la peinture ou l'infographie.

Ce qui m'anime pour ce travail, c'est le plaisir qui naît de l'intrication entre image numérique et intervention picturale, outil déclencheur de nouveaux « souvenirs-sensations » qui mêlent à la fois instantanéité et réminiscence.

Mes vidéos invitent à une contemplation lente où le réel est sans cesse réactualisé selon son propre regard et où interagissent ralenti, vitesse, accélération, télescopage, temps, durée, mémoire, souvenirs…

Limitrophie et regard animal

Eun Young Leepark — 2026-05-03T18:19:18Z

La performance se déploie en concomitance avec la projection de la vidéo « Regard de Dieu », réalisée en Inde. Ce film documente la présence de vaches sacrées — inscrites dans une tradition de zoolâtrie — au sein d'une ville du Tamil Nadu, où elles apparaissent parées, circulant librement et cohabitant étroitement avec les humains. Ces animaux divinisés ne relèvent ni d'un régime de domestication, ni d'une relégation au second plan ; leur présence constitue au contraire un élément structurant du paysage urbain contemporain, où elle demeure quotidiennement perceptible. Cette configuration ouvre un champ d'interrogation sur les modalités du regard ainsi que sur les frontières entre humains et non‑humains.

Extrait de performance, Animot, Eun Young LEE-PARK, Sol, Mur, Temps/Intrication, commissaire de l'exposition Jae-Kyoo Chong, théâtre Espace ICARE, Issy-les-Moulineaux, 2022 © Jae-Kyoo Chong

Le corps de la performeuse s'active au fur et à mesure du déploiement des images. Munie de bouteilles en plastique glissées dans un sac-poubelle noir, la performeuse bascule, par le jeu du regard animal projeté, dans un autre régime de présence. Le bruit d'écrasement du plastique, mêlé à la respiration humaine, crée une texture sonore accidentelle. Peu à peu, ce regard virtuel et le corps réel sur scène entrent en interaction, jusqu'à produire une zone de contact sensible entre image et performance.

Extrait de performance, Animot, Eun Young LEE-PARK, Festival des arts mutants, INACT, Strasbourg, 2024 © christophdubasrhin

Extrait de vidéo, Regard de Dieu, Eun Young LEE-PARK, 4K, son, 30 minutes, Inde
© Eun Young LEE-PARK

Ce regard d'un animal sacré constitue un pivot essentiel de la performance Animot.
Dans cette région d'Inde, les rues étaient jonchées de déchets que le vent faisait rouler sous une chaleur avoisinant les 40°C et une humidité écrasante. Au milieu de cette foule dense, on apercevait, ici et là, des vaches tranquillement assises, immobiles et dignes. Elles observaient les humains avec une expression presque divine. Leurs gardiens — ceux qui les servent et les honorent — les soignaient avec attention, les nettoyaient et les laissaient circuler. Même sur les axes où circulaient les voitures, les vaches demeuraient assises avec une étonnante sérénité, impeccablement propres, comme si elles dominaient la scène de leur regard. Automobilistes et passants contournaient soigneusement l'espace qu'elles occupaient.

Extrait de vidéo, Regard de Dieu, Eun Young LEE-PARK, 4K, son, 30 minutes, Inde
© Eun Young LEE-PARK

Ce regard animal se situe dans un entre-deux hybride, entre celui qui regarde et celui qui est regardé. Ce lieu relève de l'aporie : une zone où le sens vacille, où une indicible signification affleure sous les yeux du « regardeur » sensible.

Dans le film Sauvage [1], un croisement intense de regards entre un loup et une jeune fille, Ania, surgit précisément dans cet espace hybride, lorsqu'elle aperçoit par hasard l'animal sorti d'un bosquet aux abords de la ville. À partir de cette confrontation, la rencontre déclenche chez la jeune femme une transformation intime : obsession, captation, désir. Le regard échangé brouille les frontières et produit un déplacement identitaire. L'animal, en regardant, révèle et provoque chez l'humain un autre rapport à soi.

« Le chat vient à moi comme ce vivant irremplaçable qui entre un jour dans mon espace, en ce lieu où il a pu me rencontrer, me voir, voire me voir nu. Rien ne pourra jamais lever en moi la certitude qu'il s'agit là d'une existence rebelle à tout concept. Et d'une existence mortelle, car dès lors d'il a un nom, son nom lui survit déjà ».
Jacques Derrida

Ces expériences renvoient directement à la réflexion derridienne dans L'Animal que donc je suis. Le bref épisode où Derrida, nu au sortir de sa douche, croise le regard de son chat, instille une honte révélatrice : l'animal voit l'homme dans sa vulnérabilité et renverse la relation sujet/objet. Ce face-à-face questionne la dualité entre celui qui regarde et celui qui est regardé, tout en mettant en lumière une parenté inattendue entre les vivants.

Ce regard se situe à la croisée de seuils, de frontières et de passages entre l'humain et l'animal. Le croisement des regards suppose un effet de déplacement, un nouveau rapport à soi. Ce franchissement des limites confronte Derrida à une expérience proprement transgressive qu'il nomme « limitrophie ». Il reprend ici le sens littéral du grec trepho (« nourrir », « élever », « alimenter ») pour le mettre en perspective avec son propre récit autobiographique.

La limitrophie multiplie, complexifie et délinéarise la ligne de partage entre l'Homme et l'Animal. Elle ouvre la voie à une pensée critique du mot « animal », lequel sous-entend souvent une prétendue supériorité de l'humain. Ce terme efface brutalement la sensibilité multiple des vivants : la définition et la fonction de ce vocable réduisent une immense diversité d'êtres à un concept unique.

Ces regards nous invitent ainsi à réfléchir à la violence faite aux animaux. Pour Derrida, celle-ci s'enracine dans l'acte même de nommer : le langage institue des catégories qui séparent, hiérarchisent et simplifient la multiplicité du vivant. Aujourd'hui, nos sociétés sont soumises à l'industrialisation massive de la production alimentaire, à l'insémination artificielle et aux manipulations du génome, toujours au nom du progrès humain. Cette exploitation industrielle entraîne la réduction, voire la disparition, de nombreuses espèces animales.
Le terme « animal » au singulier regroupe d'emblée tous les vivants non humains sous une catégorie réductrice. Cette réflexion nous ramène au mot, au nom même, et convoque immédiatement la question du langage. Or, chaque animal est un vivant unique, irremplaçable, qui s'adresse à nous et, par son regard, nous invite à nous voir nous-mêmes.

Extrait de vidéo, Regard de Dieu, Eun Young LEE-PARK, 4K, son, 30 minutes, Inde
© Eun Young LEE-PARK

[1] Sauvage (Wild),Nicolette Krebitz, 1h 37, Allemagne, 2016.

Image d'introduction : Extrait de performance Animot, Eun Young LEE-PARK, Sol Mur Temps/Intrication, commissaire de l'exposition Jae-Kyoo Chong, théâtre Espace ICARE, Issy-les-Moulineaux, 2023 © Eun Young LEE-PARK

La performance Animot a été présentée lors de l'exposition Sol Mur Temps/Intrication en 2023 à l'Espace ICARE (Issy-les-Moulineaux), à l'INACT en 2024 (festival des arts mutants à Strasbourg), ainsi qu'à la sixième édition des journées Journiac, Corps complice, à la galerie Michel Journiac à Paris en 2025.

Jardin des Ignorances

Byurak — 2026-04-04T08:59:25Z

Le duo Byurak, composé de Cheyon WOO et Jaeyoung KIM, développe depuis 2021 une pratique mêlant nouveaux médias, installation et son, explorant les relations entre perception, technologie et structures sociales.

Le travail du duo interroge la notion de structure comme système de rationalité et de hiérarchisation, capable d'objectiver et d'invisibiliser les individus. À travers des dispositifs immersifs et participatifs (3D, VR, IA), les artistes transforment ces structures en expériences sensibles, engageant le corps et la responsabilité du spectateur.

En mobilisant des métaphores issues de l'écosystème, de la disparition des données ou de la dissolution des récits, BYURAK propose des œuvres où se croisent rupture, isolement et possibilités de réparation, ouvrant un espace de réflexion poétique sur la place de l'individu dans la société.

Jardin des Ignorances, 2021, Installation, Matériaux Mixtes (Installation, Son, VR)

Initiée pendant la période du Covid, dans le cadre d'un programme de soutien gouvernemental contre les violences et discriminations envers les Asiatiques, cette installation se déploie à travers plusieurs niveaux de perception technologique, en écho à la relation complexe entre la société et l'individu.
L'installation invite le public à une expérience physique de rupture et de fusion. Certaines scènes et certains sons ne sont accessibles qu'à l'aide d'un casque de réalité virtuelle, évoquant la manière dont l'histoire d'un individu demeure souvent invisible aux autres sans un réel désir de comprendre et d'agir. Des voix générées par une intelligence artificielle révèlent la banalisation de l'objectification des individus dans notre société.
Un jardin est un écosystème, mais la vie ne s'y épanouit pas par la simple juxtaposition de conditions. Une vie objectifiée peut exister dans le sol sans jamais parvenir à s'enraciner. En établissant une analogie entre l'isolement social et l'écosystème botanique, l'installation propose une expérience d'exposition à la fois multicouche et poétique.

Sol Mur Temps/Intrication 2025 est un projet curatorial de Chong Jae Kyoo.

Stepstones

Joowon JO — 2026-04-04T08:58:33Z

Depuis plus d'une décennie, Jo Joowon explore la zone de contact entre le visible et l'invisible, en faisant dialoguer matériaux traditionnels et technologies numériques. Cette recherche a récemment trouvé une forme particulièrement aboutie dans la série Stepstones.

L'impulsion première naît d'une randonnée solitaire. En chemin, l'artiste aperçoit un cairn, modeste empilement de pierres élevé par un inconnu. Ce signe discret, dressé dans la verticalité, devient aussitôt un message de solidarité silencieuse. De retour à l'atelier, ce souvenir se transforme : les pierres ne sont plus redistribuées vers le haut, mais à l'horizontale, afin de former une suite de dalles invitant à avancer. Le cairn, colonne où se concentre l'espoir, se métamorphose ainsi en sentier où celui-ci circule, pas après pas.

Le processus de création associe gestes ancestraux et outils contemporains. Des pierres prélevées en montagne sont captées par photogrammétrie haute définition, puis affinées en volumes virtuels afin d'en préserver le moindre relief. Sur du papier Hanji, Jo Joowon trace à l'encre de Muk des motifs répétitifs évoquant la présence et l'absence ; ces dessins sont ensuite projetés par mappage UV sur les surfaces lithiques numérisées. Les blocs texturés sont plongés dans un moteur graphique en temps réel, où ils flottent sur une nappe liquide virtuelle et s'ordonnent en un chemin praticable. Caméra et éclairage sont conçus de manière à engager physiquement le visiteur dans une progression de pierre en pierre. L'installation se déploie sous forme de vidéo en ultra-haute définition, de tirages pigmentaires grand format et d'un environnement en réalité virtuelle, si bien qu'une même œuvre traverse à la fois l'espace physique et l'espace simulé.

Dans Stepstones, chaque pierre devient un réceptacle d'intentions. Transplantée du monde tangible vers un paysage numérique, la roche calligraphiée incarne les liens invisibles qui unissent les êtres. L'encre et le Hanji répondent à la photogrammétrie et au rendu en temps réel, formant une membrane vibrante entre vie et mort, matière et immatérialité, présence et absence. À mesure que le public emprunte le sentier, les pierres semblent se réagencer sous ses pas ; souvenirs et souhaits individuels s'entrelacent alors à une trajectoire collective, révélant que l'on peut être à la fois seul et déjà relié aux autres.

À l'époque de l'hyperconnexion, où la solitude persiste, Stepstones rappelle qu'exister consiste autant à laisser une trace qu'à reconnaître celle d'autrui. Chaque dalle déposée vers l'avant figure une espérance partagée. En traversant ce chemin, le spectateur complète l'œuvre par son propre récit, tandis que celle-ci se recompose sans cesse : un pont de pas communs qui, dans un monde en mutation continue, ouvre de nouvelles directions à explorer.

4 vidéos (Ocean, Ocean War, Stepstones n118, Stepstones n120 Origin), 2022-2023, vidéo UHD, couleur, son, 4 min 15 s © Joowon JO
– Montage vidéo réalisé à partir de 4 œuvres individuelles créées entre 2022 et 2023

Sol Mur Temps/Intrication 2025 est un projet curatorial de Chong Jae Kyoo

De l'extérieur vers l'intérieur

Ka-Ae CHA — 2026-03-01T12:21:58Z

Les œuvres qui traitent parfois de la question de l'existence peuvent sembler très subjectives ou pédantes. Pour ma part, je préfère travailler avec une narration qui permet une lecture plus lisible et plus accessible de ce thème.
À travers la relation entre le monde extérieur et moi-même, les deux vidéos présentées cherchent à poser la question de ce que signifie exister.

Ka-Ae CHA, Footballeur PARK, 2010, video, 3'16''

Footballeur PARK, 2010

Un footballeur inconnu, Park, s'entraîne au tir en frappant un vieux ballon couvert de peinture blanche contre le mur d'un bâtiment abandonné, saturé de graffitis. Cet entraînement commence comme une promesse qu'il se fait à lui-même : s'il ne peut pas jouer comme professionnel avant que le mur ne devienne entièrement blanc, il abandonnera le football. Pourtant, jusqu'à la fin, aucun contact ne vient de l'extérieur. Au moment où, face au mur achevé, il s'apprête à repartir, un nouveau ballon surgit du mur.

Le football européen est souvent perçu comme un espace où les habitants du tiers-monde peuvent réaliser une ascension sociale. À l'image des graffitis librement tracés que l'on efface un à un par des tirs répétés, c'est l'histoire de personnes qui tentent d'effacer leur propre arrière-plan pour rêver d'un nouvel environnement.

BING, 2014

Ka-Ae CHA, BING, 2014, animation, 2'19''

Cette œuvre prend pour référence la nouvelle « Têtes mortes » de Samuel Beckett. Dans ce texte, le mot « BING », employé par l'auteur comme équivalent onomatopéique d'un choc soudain, possède aussi, au sens du dictionnaire, la signification de cellule individuelle. Mon interprétation de cette expression double — à la fois « boum » et « cellule » — se combine avec d'autres concepts centraux du récit, tels que le « cube », le « murmure » ou la « lumière », pour former une courte animation.

Dans une cellule, quelqu'un se ronge les ongles, puis finit par dévorer sa propre main. Peu à peu, il mange l'ensemble de son corps, jusqu'à ce qu'il ne reste plus que la structure de la bouche. Ensuite, cette masse de chair se retourne et retrouve à nouveau la forme d'un corps intact, mais l'individu recommence à se manger sans fin. Autrement dit, l'être — le « moi » — polit sa propre forme par un mouvement répété de mort et de naissance.

Dans chacune de ces deux vidéos, les récits parlent du processus de la recherche de soi. Le footballeur, au début, attend un appel venant de l'extérieur, mais il demeure seul jusqu'à la fin du film. L'apparition d'un nouveau ballon depuis le mur vise à montrer que le but de ses actes ne se situe pas à l'extérieur, mais en lui-même. Dans BING, cette idée se concrétise davantage à travers la transformation du corps : cette prise de conscience n'est pas un moi achevé, mais la compréhension d'une motricité répétée — le fait de s'attribuer continuellement sa propre existence.

Sol Mur Temps/Intrication 2025 est un projet curatorial de Chong Jae Kyoo

L'Âge atomique

Alain Wagner — 2026-03-01T12:17:00Z

Au moment où les tensions internationales sont à leur comble, TK-21 revient sur l'exposition « L'Âge atomique » au Musée d'Art Moderne de Paris l'année dernière. « Les artistes à l'épreuve de l'histoire » y exploraient l'influence de la découverte de l'atome et du nucléaire sur l'art du XXᵉ siècle à aujourd'hui. Près de 250 œuvres et des archives inédites montraient comment les artistes ont réagi aux bouleversements scientifiques, politiques et moraux liés à l'ère atomique.

Vidéo Alain Wagner : projection de « Crossroads »*, film de Bruce Conner (1976), exposition L'Âge atomique, MAM Paris.

Trois axes étaient explorés dans l'exposition majeure « L'Âge atomique, les artistes à l'épreuve de l'histoire », présentée l'année dernière (11 octobre 2024 – 9 février 2025) au Musée d'Art Moderne de Paris (MAM) :

Les découvertes scientifiques du début du XXᵉ siècle transforment la vision de la matière et ouvrent la voie à l'abstraction et à de nouvelles formes artistiques.

L'invention et l'usage de la bombe atomique en 1945 marquent un tournant majeur : les artistes oscillent entre fascination, neutralité esthétique et critique politique, tandis que l'image du champignon nucléaire devient un symbole mondial.

À partir des années 1970, les préoccupations écologiques et les mouvements antinucléaires renouvellent l'engagement artistique, notamment après Tchernobyl, en élargissant la réflexion à l'ensemble du vivant.

L'exposition mettait en évidence le lien étroit entre art, science et politique, et soulignait que l'« Âge atomique » est toujours notre présent.

* le film 35 mm CROSSROADS de Bruce Conner (coll. Pinault) est réalisé à partir de films faits par l'armée américaine lors d'essais atomiques dans l'atoll de Bikini en 1946.

image d'ouverture : photogramme de la vidéo d' Alain Wagner : projection du film « Crossroads »*, de Bruce Conner (1976), exposition L'Âge atomique, MAM Paris.

https://www.mam.paris.fr/fr/expositions/exposition-lage-atomique

Catalogue « l'Âge atomique, les artistes à l'épreuve de l'histoire », 352 pages / 200 illustrations, Éditions Paris Musées, 42 €

Cela a eu lieu

Alain Wagner et Martial Verdier — 2026-02-02T11:06:02Z

Nogent-sur-Seine, une centrale en apparition/disparition

Centrale nucléaire de Nogent

I'll never be like you

Minseo SHIN — 2026-02-02T11:02:39Z

Un travail centré sur l'acte même de création et de destruction, ainsi que sur l'intensité du moment où ces gestes s'enchaînent.

La structure de la vidéo est simple : je trace à plusieurs reprises des lignes droites sur une feuille, puis, à la fin, je passe cette feuille dans un destructeur de papier pour la détruire.

Minseo SHIN, I'll never be like you, 2021, HD vidéo couleur, son, 02:53

영상의 구조는 간단합니다. 종이 위에 반복해서 직선을 그리고, 말미에는 그 종이를 파쇄기에 넣어 분쇄해버립니다. 무엇인가를 생성하고 그것을 파괴하는 행동과 그 순간 자체에 집중한 작업입니다.

Sol Mur Temps/Intrication 2025 est un projet curatorial de Chong Jae Kyoo

Joul-Tagui / Funambule

Moon Min Soon — 2025-12-28T15:56:25Z

En coréen, « joul » signifie corde ou fil. « Tagui » a un double sens : brûler une corde ou un fil, mais aussi prendre cette corde, ce fil.

La vidéo joue sur la double signification, montrant la fragilité et la tension d'un funambule sur un fil en feu, entre danger et maîtrise.

Moon MinSoon, Joul-Tagui/Funambule, vidéo, 3'20", 2013-2024

« La vie commence par une naissance, une œuvre peut commencer sous l'empire de la destruction. »
George Didi-Huberman

C'est comme marcher sur un fil incertain et effrayant.
Il faut garder l'équilibre, même quand le fil est haut.
C'est parfois le seul chemin, et on est seul.
Dans cette vidéo, le pas est lent, presque hésitant.
Parfois, on voudrait presser le pas.
Quand le feu faiblit, on a envie d'encourager.
Mais il y a toujours de l'espoir.

Sol Mur Temps/Intrication 2025 est un projet curatorial de Chong Jae Kyoo

Narcisse en fuite·e…

Ulice Deborne — 2025-12-28T15:52:39Z

Certaines facultés humaines diminuées mais avec un corps prothétique augmenté, produiraient peut-être de nouvelles générations de poètes primitifs, souvent incultes, parfois savant, éructant des « monoanalyses ».

Un monologue est le discours qu'un personnage se tient à lui-même. Le soliloque par contre, est adressé à un interlocuteur qui reste muet. Adopter cette attitude devrait enrichir dans le futur, les « monoanalyses ».

Pourrait-on concevoir aujourd'hui des images à faible visibilité, polysémiques, qui privilégieraient un sens plus profond que superficiel, et dont « l'aura » persisterait. Cette « aura » caractérisée par l'unicité, l'inaccessibilité, l'authenticité, dont parlait le philosophe Walter Benjamin ?
Se cacher peut-être pour les produire, alors que le contraire est la règle sur tous les réseaux sociaux. Sous le nombre infini des images qui défilent sur notre smartphone ou ailleurs, où toutes leurs qualités deviennent équivalentes, sauverons-nous l'imagination ?

Défendre peut-être son identité en la rendant multiple, camouflant ainsi une situation trop personnelle et imagée. S'opposer à sa localisation précise dans ce monde virtuel mondialisé, contrôlé par des algorithmes, des langages machines…
Ne devrions-nous pas prendre des noms d'emprunt, nombreux, pseudonymes plus ou moins loufoques, créer des mini films de nous-même, soliloques aux images déformées par les effets spéciaux ? Jouer à cache-cache avec nos identités ? C'est probablement ce qui est en train de se faire…

Ulice Deborne - Narcisse en fuite… Videomaton V

L'écrivain Fernando Pessoa avec ses hétéronymes, ces écrivains fictifs à l'identité autonome qu'il a inventés, nous donne aujourd'hui la mesure d'une possible résistance sur les autoroutes d'internet. Ainsi consommateurs et fabricants d'images, nous serions tous des poètes en action, plus ou moins selon nos capacités et nos désirs.
Arthur Cravan ne reste-t-il pas visionnaire lorsqu'il proclama en 1912 : « Dans la rue on ne verra bientôt plus que des artistes ». Rues, ruelles, impasses, du monde physique et du réseau…
J'ai rencontré des poètes inconnus et qui le sont restés. Les bienheureux !
Privilégiant une imagination poétique corrosive sur une rationalité technologique implacable…

« La poésie telle un virus ou une gélule sous cutanée semi-conductrice, deviendrait l'expression d'une idiosyncrasie langagière, dotée d'une hypersensibilité à fleur de peau ». Elle resterait le seul refuge à l'être de l'homme biologique, assiégé par les technologies de plus en plus invasives du contrôle des corps et des esprits…
Comme l'a écrit la poétesse et essayiste Annie Le Brun : « La poésie se doit d'être incompréhensible ».
Rendre aux mots leur nuit, ce moment ou signifier est compromis par la promiscuité d'un autre mot. Et offrir ainsi la liberté d'évoquer le reste à vivre, à jouir… car « Il n'y a pas de mots plus poétiques que d'autres » a écrit Pierre Reverdy surréaliste et poète.

Et si la poésie, restée sauvage dans le futur de nos sociétés, tentait d'échapper à la totale maitrise de l'intelligence artificielle, au-delà du sens et des sons d'une langue commune, enrobés par les effets spéciaux des tempêtes d'images numériques ?